La danza moderna es una de las tendencias de la coreografía moderna que se originó a fines del siglo XIX y principios del XX en los Estados Unidos y Alemania . El término "danza moderna" se originó en los Estados Unidos para referirse a la coreografía escénica que rechaza las formas tradicionales del ballet. Habiendo entrado en uso, suplantó otros términos ( danza libre, duncanismo, danza de la sandalia, danza ritmoplástica, expresiva, expresionista, absoluta, nueva artística), que surgieron en el proceso de desarrollo de esta dirección. Común a los representantes de la danza moderna, sin importar a qué corriente pertenecieran y en qué época proclamaran sus programas estéticos, era la intención de crear una nueva coreografía que, en su opinión, respondiera a las necesidades espirituales de una persona del siglo XX. siglo. Sus principios fundamentales son: el rechazo de los cánones, la incorporación de nuevos temas y tramas con danza y medios plásticos originales. En un esfuerzo por lograr una completa independencia de la tradición, los representantes de T.m. llegó, al final, a la adopción de ciertos métodos técnicos, en la confrontación con la que nació una nueva dirección. La instalación para una desviación completa de las formas de ballet tradicionales en la práctica no pudo implementarse por completo.
Una idea, un gesto liberado de convencionalismos y estilizaciones (incluidas las musicales), es capaz de transmitir con veracidad todos los matices de la experiencia humana. Sus ideas se hicieron populares a principios del siglo XX después de que dos bailarines estadounidenses las realizaran artísticamente en una gira por Europa . Loie Fuller actuó en 1892 en París. Su danza serpentina se basó en una combinación espectacular de movimientos corporales libres, generados espontáneamente por la música, y un disfraz: enormes mantas que ondeaban iluminadas por focos multicolores. Sin embargo, Isadora Duncan se convirtió en la fundadora de una nueva dirección en la coreografía . Su predicación de la antigüedad renovada, la “danza del futuro”, devuelta a las formas naturales, libres no sólo de las convenciones teatrales, sino también históricas y cotidianas, tuvo una gran influencia en muchos artistas que buscaban liberarse de los dogmas académicos. Duncan consideró la naturaleza como una fuente de inspiración. Expresando sentimientos personales, su arte no tenía nada en común con ningún sistema coreográfico. Apeló a imágenes heroicas y románticas generadas por música de la misma naturaleza. La técnica no era complicada, pero con un conjunto relativamente limitado de movimientos y poses, la bailarina transmitía los más sutiles matices de emociones, llenando los gestos más simples con un profundo contenido poético. Duncan no creó una escuela completa, aunque abrió el camino para algo nuevo en el arte coreográfico. La improvisación, el baile descalzo, el rechazo del traje de ballet tradicional, la apelación a la música sinfónica y de cámara , todas estas innovaciones fundamentales, Duncan predeterminó el camino de la danza moderna. En Rusia, uno de sus primeros seguidores fueron los estudios de danza libre, o plástica y movimiento musical .
Otra fuente que influyó significativamente en su formación fue el sistema rítmico de E. Jacques- Dalcroze . La danza plástica rítmica que se desarrolló sobre esta base fue en muchos sentidos lo opuesto al duncanismo. Jacques-Dalcroze partió de una encarnación analítica y no emocional de la música por parte de los intérpretes; el baile no fue una interpretación arbitraria de su programa temático, diferentes partes del cuerpo crearon, por así decirlo, un contrapunto plástico , en el que los movimientos de los bailarines correspondían a las voces individuales de la música. Pero incluso en sus primeras producciones importantes en Hellerau (Eco y Narciso con su propia música, 1912; [[Danza libre y la ópera de K.V. Gluck Orfeo y Eurídice: un siglo de unión creativa, 1902-2005|"Orfeo"] ] en la música de Gluck, 1913) Dalcroze encarnó no solo la estructura de la obra musical, sino que transmitió su contenido emocional, que requería una expresividad puramente plástica del gesto y la pose. El coreógrafo austríaco R. Laban , quien se convirtió en el principal teórico de la danza moderna , se opuso a tal dominio absoluto de la música sobre la danza . Para fundamentar sus puntos de vista, recurrió a las enseñanzas filosóficas y estéticas de la antigua India, los pitagóricos y los neoplatónicos. En el trabajo teórico "Kinetografía" (1928), Laban esbozó el concepto universal del gesto de la danza, que resultó ser aplicable al análisis y descripción de todas las características plástico-dinámicas de los movimientos, independientemente de su nacionalidad, estilo y género. categoría a la que pertenecen. No menos significativa para la formación de la estética de la danza moderna fue la idea de Laban de que un movimiento artísticamente significativo debería ser una expresión de la vida interior de su creador, y no el contenido de la música. Las ideas de Laban se realizaron más plenamente en su producción de "Flickering Rhythms" (sin acompañamiento musical, 1925).
El trabajo del alumno y colaborador de Laban, Kurt Joss , tenía como objetivo crear un nuevo teatro de danza. Joss utilizó la escenografía, la música, la recitación coral, revivió las tradiciones del misterio y los teatros de culto. Sin embargo, todas estas técnicas fueron consideradas como auxiliares, estimulando la "energía del movimiento del cuerpo". Para los representantes de la "danza expresiva", como comenzaron a llamarse los seguidores de Laban, la plasticidad de la danza siguió siendo el principal y, a menudo, el único medio para crear una imagen artística. Uno de los primeros coreógrafos de la danza moderna, Yoss se dio cuenta de la necesidad de una síntesis de la expresividad, la danza con la técnica de la danza clásica y la pantomima no ballet . La innovación de Yoss también se manifestó al abordar temas que eran completamente nuevos para el teatro de ballet; por ejemplo, La mesa verde (1932) es el primer ballet con una marcada orientación política y antimilitarista. La bailarina y coreógrafa alemana Mary Wigman (estudiante de Laban ) también contribuyó a la ampliación de la gama de temas e imágenes de la coreografía. Su búsqueda iba en la línea del expresionismo. Abandonó movimientos que tradicionalmente se consideraban hermosos. El feo y terrible Wigman también se considera digno de encarnarse en la danza. Sus actuaciones individuales y grupales ("Denuncia", ciclos "Víctima", "Danzas de madre" y "Siete danzas sobre la vida") se distinguieron por la extrema tensión y el dinamismo de las formas. Wigman se sintió atraído por los temas de la obsesión, la pasión, el miedo, la desesperación, la muerte. En el arte de Wigman no había patetismo de protesta, expresaba imágenes-símbolos de emociones humanas universales. Las ideas de Wigman tuvieron un profundo efecto en el desarrollo de la danza moderna. Su alumna Hanja Holm difundió las ideas de Wigman en Estados Unidos. Greta Palucca , otra alumna de Wigman, no solo abordó lo oscuro y lo trágico. Imágenes y temas humorísticos, ilustrados y líricos también encontraron expresión en su obra. La música, que Wigman a menudo rechazó, volvió a ganar su debida importancia en el arte de Palucca: las obras de B. Bartok , R. Strauss , I. Brahms , G. F. Handel recibieron una encarnación plástica de danza. Palucca introdujo la técnica de los saltos de altura en la danza moderna y desarrolló su propia metodología de enseñanza. Wigman también enseñó a conocidos representantes de la danza moderna: I. Georgi, X. Kreuzberg, M. Terpis, V. Skoronel, G. Leistikov. El estilo individual de estos coreógrafos, así como de otros maestros de la danza moderna (hermanas Wiesenthal, A. Sakharova y K. Derp, G. Bodenwieser, L. Glosar, Saint-Maheza, que trabajaron en Alemania, Austria, los Países Bajos, Suecia y Suiza), tomó forma bajo la influencia de las principales escuelas de danza moderna alemana y diversas artes, tendencias artísticas europeas del primer tercio del siglo XX. Hay dos tendencias principales de desarrollo. Los representantes de uno, siguiendo los conceptos estéticos del expresionismo, vieron en la expresión de las experiencias subjetivas del coreógrafo el principio fundamental de la creatividad. La nitidez de las líneas discontinuas, la tosquedad deliberada de las formas, el deseo de revelar los motivos inconscientes de las acciones de una persona, "para mostrar la verdadera esencia de su alma", todo esto formó la base de su coreografía. Estas ideas recibieron su expresión extrema en el llamado. la danza absoluta, que excluía de la coreografía no sólo elementos ajenos a la danza, sino también una composición fija. Los representantes de esta tendencia argumentaron que incluso en producciones grupales, es posible la libertad total de creación de formas, lo que permite a cada artista, dependiendo de su individualidad, desarrollar un motivo plástico independiente. La segunda dirección se formó bajo la influencia del constructivismo y el abstraccionismo. En el arte de sus representantes, la forma adquirió el significado no solo como medio de expresión, sino que se convirtió en el contenido directo de la imagen de la danza. O. Schlemmer (empleado de la escuela alemana de construcción y diseño Bauhaus ) consideraba la danza como una construcción calculada con precisión . El cuerpo del ejecutante en su "danza matemática" (como llamó Schlemmer a su coreografía) sirvió sólo como una forma de identificar "fórmulas puramente cinéticas" sujetas a las mismas leyes numéricas que los movimientos de los mecanismos. Otra manifestación del constructivismo en la danza moderna es la llamada. "danzas de máquinas": composiciones rítmico-plásticas masivas que imitaban el trabajo de varios mecanismos, que se basaban en los movimientos de los bailarines, cercanos a los gimnásticos, deliberadamente desprovistos de colorido emocional (V. Skoronel en Alemania y N. M. Forreger en la URSS ). Los maestros más destacados de la danza moderna alemana estaban asociados con el movimiento político de izquierda.
Los maestros estadounidenses de la danza moderna encontraron en el folclore una de las principales fuentes de inspiración. Las danzas y la música folclórica fueron trasladadas directamente de las plantaciones a los bares (en espectáculos de ministrel), salas de baile y music hall, donde ya para el último cuarto del siglo XIX. desarrolló varias formas de coreografía profesional. La danza moderna estadounidense se convirtió en un hito en el desarrollo del teatro coreográfico estadounidense. La conexión con el folklore de los pueblos que habitan los Estados Unidos (especialmente negros e indios) determina las principales diferencias estilísticas de su vocabulario. Básicamente, se manifiestan en los movimientos del cuerpo. Además de inclinaciones y flexiones, movilidad de los hombros, técnicas plásticas de ejercicios gimnásticos, juegos y pantomimas que no son de ballet, la danza moderna estadounidense utiliza varios tipos de pulsaciones del torso, movimientos de empuje y rotación de las caderas. La danza moderna estadounidense se caracteriza por una estructura más multidimensional y un patrón curvilíneo complejo. También hay diferencias en el enfoque de la música. El factor determinante fue la partitura figurativa y rítmica de la danza creada por el coreógrafo.
Lo común para estadounidenses y europeos -los creadores de la danza moderna- era que personas con una cosmovisión ya establecida acudieran al arte. Todos los coreógrafos de danza moderna estadounidenses se consideraban seguidores de Duncan , sin embargo, ninguno de ellos tuvo contacto directo con el bailarín, ya que las actividades de Duncan se desarrollaban principalmente en Europa.
Una influencia más directa en el surgimiento de la danza moderna en los Estados Unidos fue ejercida por otro bailarín estadounidense, R. Saint-Denis, quien se hizo famoso por realizar danzas teatrales de culto del Este. Se prestó mucha atención al vestuario, que Saint-Denis consideraba parte integral de la expresividad plástica de la danza. En 1915, ella y T. Shawn organizaron la compañía y la escuela Denishaw en Los Ángeles, donde, junto con el baile, se estudiaron artes relacionadas y filosofía. Aquí los bailarines que lideraron la danza moderna estadounidense en la década de 1930 estudiaron y obtuvieron su primera experiencia escénica. A diferencia de la danza-entretenimiento, la danza-ilustración, la danza-narración, el arte de la danza se convierte para ellos en una expresión del principio espiritual.
Martha Graham , alumna de la Escuela Denishow, en su arte como bailarina y coreógrafa, se dio cuenta más plenamente de las características del estilo y la técnica de la danza moderna. El teatro coreográfico de Graham tuvo una influencia tan significativa en la danza moderna como el arte de Duncan. Se distinguieron sus producciones de las décadas de 1930 y 1940 ("The Frontier", "Spring in the Appalachian Mountains"), que expresaron el deseo de transmitir los rasgos del carácter estadounidense, mostrar al hombre de la era del asentamiento de América. por una interpretación simbólica y legendario-épica. En el futuro, Graham creó obras basadas principalmente en temas de la mitología antigua y bíblica. Se caracterizaron por un sutil psicologismo en la revelación de imágenes, una complicada acción de danza metafórica (dramas coreográficos “Muerte y salidas” de Johnson, “Con noticias al laberinto” de Menotti , “Alceste” de Fain, “Phaedra” de Sgarer , “El mito del viaje” de Hovaness ). El esfuerzo físico, diligentemente escondido en la danza clásica, Graham lo puso al descubierto. Para cada parte del cuerpo, encontró posiciones que le eran poco características, contrarias a las habituales. Pero la construcción de formas no era un fin en sí mismo para ella. Graham se esforzó por crear un lenguaje de danza dramático capaz de transmitir toda la gama de experiencias humanas.
El mismo objetivo fue perseguido por otro conocido representante de la danza moderna: D. Humphrey. Con gran atención al refinamiento plástico y al tecnicismo de la danza, estos maestros se opusieron al culto a la belleza ya la refinada estilización de Saint-Denis. En 1927, Graham y en 1928 Humphrey, junto con C. Weidman, crearon compañías y estudios. Su trabajo estuvo muy influenciado por el folclore de los indios americanos y los negros, así como por el arte de Oriente. Humphrey enriqueció a T.m. los gestos suaves, la técnica de los movimientos ligeros y rápidos de las piernas, los movimientos del cuerpo cayendo y levantándose del suelo. Fue la primera en los EE. UU. en comenzar a enseñar composición de danza, se alejó del vocabulario de danza abstracta y la pantomima ilustrativa, amplió los límites de las pequeñas formas coreográficas que dominaban la danza moderna e hizo una contribución significativa a su teoría. Las producciones de Humphrey tendían a tratar temas de psicología y socioética (Run Little Children on Negro musical folklore, Novak's History of Mankind; The Investigation y Lament for Ignacio Sanchez Mejias, ambas de Lloyd; on Earth" Copland ). En los años 30. temas sociales y políticos atrajeron a muchos coreógrafos destacados T.m.
Weidman creó la suite "Atavism" con la música. "Fábulas de nuestros días" de Engel y Miller; X. Holm, quien introdujo las ideas innovadoras de su maestro Wigman en la teoría y la práctica de la danza moderna estadounidense y dirigió la escuela que fundó en Nueva York en 1931, realizó una serie de actuaciones antifascistas ("The Tragic Exodus" y " Ellos también son exiliados” de Fain); X. Tamiris - coreografías, el ciclo "Canciones de Libertad" a la música de las canciones de la Revolución Americana y "Adelanta" a la música de Pito, con poemas de los poetas de la España Republicana.
A fines de la década de 1930, el arte de la danza solista, que prevaleció en las primeras etapas de la danza moderna, dio paso a la danza en conjunto. Los movimientos, el estilo interpretativo, determinados por la individualidad del principal bailarín-coreógrafo, se convirtieron en la base del resto de actores de la compañía. Esto condujo al surgimiento de un cierto canon, la formación de varias escuelas de arte de danza moderna.
En los años 50, la danza moderna se introdujo como disciplina académica en muchos colegios y universidades de los Estados Unidos. Los coreógrafos comenzaron a utilizar la danza clásica como base de formación, utilizando elementos de su vocabulario y técnica en sus actuaciones. El más amplio y consistente fue el concepto de A. Sokolova, estudiante de Graham, quien argumentó que solo la interpenetración de varias escuelas y tendencias puede brindarle al coreógrafo los medios artísticos necesarios para la divulgación completa de un tema en particular. Sokolova invitó a los bailarines a expresar plásticamente las ideas y emociones que quería encarnar en sus producciones, a menudo representando los lados oscuros de la naturaleza humana, a menudo imbuidos de humor amargo y sarcasmo ("War is Beautiful" de North, "Desert" con música Varese , “In Memory No. 52436 Byrd, “Rooms” de Hopkins, etc.).
El trabajo de los coreógrafos de la misma generación, S. Shearer y X. Limon, estuvo asociado durante mucho tiempo con Humphrey, de quien estudiaron. La coreografía de Lemon es una síntesis compleja de la danza moderna estadounidense y las artes tradicionales hispano-mexicanas, se distingue por fuertes contrastes de comienzos líricos y dramáticos. Muchas producciones son épicas y monumentales, los personajes son retratados en momentos de extrema tensión emocional, cuando la mente subconsciente guía sus acciones. El trabajo de Lemon "Moor's Pavane" ganó fama; "Bailes para Isadora" con la música de Chopin , "Misa de tiempos de guerra" con la música de Z. Koday . El coreógrafo logró materializar la idea de una actuación coreográfica sin acompañamiento musical con la mayor plenitud en Los olvidados y Carlota.
El arte de los coreógrafos y bailarines negros conserva cuidadosamente las raíces folclóricas ritmoplásticas. Muchas obras de P. Prymes, K. Dunham . J. Trisler, D. McCayla, T. Beatty, K. de Lavalade, M. Hinkson, J. Jemison y otros pueden considerarse formas nacionales de coreografía escénica moderna de negros. En 1958 se inauguró el American Dance Theatre bajo la dirección de A. Ailey, la primera compañía de danza moderna sin fines de lucro, que incluía en su repertorio obras de varios coreógrafos. En sus propias producciones, Ailey busca fusionar la danza y la música con los principios del arte dramático en un todo único. Entre sus mejores obras se encuentran "Lament for the Morning" con música de Ellington , "Revelation" con música de espirituales. donde se devolvió al baile su ritualidad original, "Brooks" a la música de Cabelach .
A principios de los años 60, comenzó una nueva etapa de desarrollo en la danza moderna estadounidense. Las técnicas de danza Art Nouveau se han convertido en las mismas que las del ballet clásico: codificadas. [una]
Junto con un gran número de compañías profesionales, como L. Lyubovich, P. Sanasardo, L. Falko, comenzaron a actuar coreógrafos, rompiendo bruscamente con las tradiciones y formas legalizadas de danza. El más grande de ellos, M. Cunningham , en colaboración con el compositor J. Cage , creó actuaciones ("Suite for Five in Time and Space", "Aeon", "How to Walk, Kick, Fall and Run"), en las que comenzó a desdibujar la línea entre la danza organizada y el movimiento cotidiano "concreto".
En las obras experimentales de A. Nikolays (Refugio, Tótem, Galaxias), en las que actuó no solo como coreógrafo, sino también como escenógrafo y compositor, el deseo de integridad figurativa de la actuación llevó a una casi completa ecualización de significación semántica y figurativa de cada uno de los componentes visual-sonoros. El vocabulario coreográfico de E. Hawkins, J. Waring, J. Butler, P. Taylor, quienes también actuaron durante este período, es una síntesis de diferentes escuelas y tendencias. Butler gravita hacia la solución mitológica y alegórica de temas ("El Unicornio", "Gorgona y Monticora" de Menotti, "Retrato de Billy" con la música de Holiday). En su coreografía, fue el primero en utilizar las técnicas de improvisación del jazz. metafórico el psicologismo de las obras de Taylor, en las que el humor se combinaba con la energía atlética de los movimientos, lo cómico con lo trágico, permitía interpretar su contenido de una manera inusualmente amplia (Jackson's Scudora Ma, McDowell's Public Domain. Big Bertha con música específica).
A pesar de la diferencia en las búsquedas de estos maestros, su arte tenía una dirección común. El principio pantomímico, tan esencial en las producciones dramáticas de los coreógrafos de la danza moderna del período anterior, quedó casi completamente excluido aquí. La danza pasó a ser considerada no tanto como una imagen portadora de una idea muy concreta y por tanto evocadora de determinadas emociones, sino como una especie de objeto de revisión que debía despertar asociaciones libres en el espectador. El trabajo de estos maestros estimuló el interés por nuevas formas de coreografía. Aparecieron muchas compañías y grupos experimentales nuevos. De este entorno extremadamente heterogéneo en cuanto a aspiraciones artísticas surgieron coreógrafos talentosos (T. Tharp, E. Summers, A. Halprin, M. Ditmong, N. Walker, etc.) que ganaron reconocimiento a principios de los años setenta. La mayoría de ellos no considera el escenario el lugar principal para las actuaciones. Las actuaciones se crean en los lugares más inesperados. El rechazo del frontalismo, la centricidad de las composiciones, el vestuario especial, el maquillaje, la música, la técnica de la danza, la legitimación de movimientos no danzarios, los happenings, la música en serie, el uso del jazz, la música country y el rock, todo esto dio lugar a nuevas formas de coreografía. y la relación de los bailarines con el público.
Los métodos de creatividad utilizados por los representantes de la danza moderna van desde el realismo crítico, que sirve como medio eficaz para exponer a la sociedad burguesa, hasta métodos formalistas, con los que los coreógrafos intentan expresar su protesta. Planteándose como doctrina fundamental la plena libertad de expresión, abren así el acceso a obras en las que a veces la falta de habilidad y profesionalidad se presenta como innovaciones y artes, búsquedas. La danza moderna estuvo más extendida en países con un rico folclore musical y de danza o con antiguas tradiciones teatrales, pero donde no había ballet clásico.
Por los años 50. en México se formó una escuela de danza moderna. Su originalidad estuvo determinada por la combinación del arte nacional con las técnicas de la danza moderna estadounidense (los fundadores de los primeros grupos a principios de los años 30 fueron coreógrafos de EE. UU.: M. Valdim y A. Sokolova). En Chile, la danza moderna comenzó a desarrollarse a partir de los años 40. con la llegada al país de E. Uthoff. empleado K. Ioss. quien también realizó varias de sus producciones aquí.
Hay grupos de danza moderna en Argentina, Brasil, Guatemala, Colombia. La danza moderna tuvo una gran difusión en Cuba, donde se formó su propia escuela. Los primeros grupos fueron organizados a principios de los años 60 por R. Guerra y Alberto Alonso . Continuando con el desarrollo de las tradiciones de la danza moderna estadounidense y mexicana, los coreógrafos cubanos muestran un interés especial por el folclore negro, no solo en sus formas latinoamericanas, sino también africanas. Y en Europa hay varios grandes centros de formación para la danza moderna: "Palucka-shule" (Dresden, Alemania) y "Folkwang-shule" (Essen, Alemania), etc. La danza moderna también se ha generalizado en otros países. Teatro de Danza Sueco ( B. Kulberg e I. Kramer), Teatro de Danza de los Países Bajos, Ballet de Pécs (Hungría). " Bat-Sheva " e "Inbal" (Israel), Grupo de Danza del Centro Cultural de las Artes (encabezado por A. Reyes, Filipinas) y otros. El estilo de estos grupos está determinado por la afiliación de sus líderes a las escuelas de danza moderna estadounidenses o alemanas, así como por el grado de uso del folclore nacional y la pantomima ajena al ballet, y el dominio de las técnicas de danza clásica.
La danza moderna también influyó en la danza clásica. Ninguno de los más grandes coreógrafos del siglo XX, comenzando con A. A. Gorsky, M. M. Fokin y V. F. Nijinsky y terminando con J. Balanchine y Yu. N. Grigorovich , no pasó por descubrimientos privados individuales en esta dirección. Sin embargo, los elementos de la danza moderna fueron implementados por ellos sobre la base de otros conceptos ideológicos y coreográficos.
Desde mediados de los años 50, el deseo de una búsqueda sintetizada de algún nuevo lenguaje de la danza moderna se ha convertido en una tendencia notable en la coreografía extranjera. Muchas obras de coreógrafos de danza moderna y maestros de ballet de la escuela clásica ( Maurice Bejart , R. Petit , J. Sharra, Alberto Alonso , X. Lefebre, A. de Mille , J. Robbins , H. Van Manen, R. Jofri, J. Arpino, G. Tetli, M. Rambert , E. Tudor , J. Cranko , K. Macmillan , M. Ek , T. Gzovskaya, T. Schilling, K. Ya .
El interés por la danza moderna también está creciendo en países con una larga tradición de danza clásica. En 1967, se organizó en Londres el centro más grande de la región para el estudio de la danza moderna, en el que se crearon una escuela y una compañía: el London Modern Dance Theatre (bajo la dirección de R. Cohen). En 1972, J. Roussillo creó la compañía del Ballet del Teatro Joseph Roussillo en Francia. Las compañías de ballet más antiguas de estos países, la Balle Rambert y la Ópera de París, también incluyen espectáculos de danza moderna en el repertorio (desde 1974, un grupo experimental ha estado trabajando en la Ópera de París, el Teatro de las Búsquedas (dirigido por K. Carlson ). El ballet de la ciudad de Pecs vino de gira en la URSS, comparsas de Alvin Ailey, Jose Limon, Cuban Modern Dance Ensemble, Cramer Dance Ensemble , Dance Theatre of the Philippine Cultural Center, Dance Ensemble bajo la direccion de Paul Taylor, Joseph Russillo Teatro de ballet y otros. basado en esculturas de Rodin), O. M. Vinogradov ("Yaroslavna" Tishchenko), N. N. Boyarchikov ("Orfeo y Eurídice" con la música de Zhurbin) y otros.
Los coreógrafos más famosos que continúan la línea de danza moderna ahora son M. Ek , M. Born, N. Duato, S. Smirnov, O. Pona, K. Bruce, A. Mitchell, R. Poklitaru, A. Sigalova, Alvina Ailey . [una]
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