| Anatoly Chachinsky | |
|---|---|
| Nombrar al nacer | Anatoly Dmítrievich Chashinsky |
| Fecha de nacimiento | 28 de febrero de 1942 (80 años) |
| Lugar de nacimiento | Dushanbe , Tayikistán |
| Ciudadanía |
URSS Rusia |
| Sitio web | chashchinskiy.ru/eng/bio… |
Anatoly Dmitrievich Chashinsky - Muralista de Moscú , teórico del arte vanguardista y abstracto. Académico honorario de la Academia Rusa de las Artes desde 2013, miembro de la Unión de Artistas de Moscú de la Federación Rusa, miembro de la Unión de Artistas de Moscú, miembro de la Unión Creativa de Artistas de Rusia , miembro de la Federación Internacional de Artistas (UNESCO ), miembro del Fondo Internacional de Arte, miembro de la Unión de Artistas de la URSS desde 1988, laureado de la XIV Artíada de los Pueblos de Rusia. Durante muchos años fue miembro de la Junta de la Unión de Artistas de Moscú. Fue galardonado con la medalla Shuvalov de la Academia Rusa de las Artes en 2012.
Chashchinsky Anatoly Dmitrievich nació el 28 de febrero de 1942 en la evacuación en Dushanbe, República Socialista Soviética de Tayikistán . De 1946 a 1958 vivió en Volgogrado . En 1958 ingresó en el Colegio de Arte de Saratov . Dos veces se vio obligado a interrumpir su educación: en 1961 y en 1963. Luego estudió en el Penza Art College en 1966 y se distribuyó al Norte ( Komi ASSR ). En 1968 ingresó en el MVPCU (ex Stroganov) en el departamento de pintura monumental. Graduado de MVHPU en 1973. De 1973 a 1993 trabajó en el Combinado de arte monumental y decorativo.
Su relación con Mikhail Matveyevich Shvartsman , que sucedió en 1967 y pronto se convirtió en una estrecha amistad, desempeñó un papel importante en la biografía de Anatoly Chashchinsky . Mikhail Shvartsman fue una verdadera autoridad espiritual para el círculo de jóvenes autores independientes y se destacó entre la multitud de artistas que superaron los dogmas del arte oficial.
De 1974 a 1980, Chashchinsky colaboró activamente con Shvartsman; fue durante este período que se formó y materializó la idea de la pintura "hierática". Según las memorias del artista, la esencia de este concepto se desarrolló en un ambiente de continuas discusiones, así como en el proceso de creación conjunta. Tal trabajo tuvo lugar en el taller de Chashchinsky en Sokolniki, quien invitó allí a Shvartsman, que no tenía su propio taller. Cuando en 1975 el Maestro decidió abrir su “Escuela de Pintura Hierática”, fue Chachinsky quien le encomendó la captación de alumnos. Entre los muchos adeptos que al principio compartían las ideas del Maestro, pero que rápidamente se alejaron de esta dirección, Chashchinsky permaneció con él hasta el final. Es interesante que, según uno de los creadores de la pintura hierática, asumió el “principio de catolicidad”, como la pintura rusa antigua. En otras palabras, en el marco de esta escuela, diferentes autores podían crear la misma imagen que, por regla general, firmaba el mayor de los maestros al finalizar.
Anatoly Chashchinsky domina varias técnicas de arte monumental y decorativo (murales, mosaicos romanos y florentinos, vidrieras, esgrafiados), obras en el género de la pintura secular y religiosa, diseñó una serie de edificios de arquitectura civil y eclesiástica. Participó en la pintura de 20 catedrales ortodoxas en Rusia:
Lista de otras obras monumentales y decorativas:
Participó en exposiciones de arte de toda la Unión y de toda Rusia, en exposiciones zonales, de primavera y otoño de la Unión de Artistas de Moscú, exposiciones en el extranjero (EE. UU., Francia, España, Gran Bretaña, etc.). Se realizaron seis exposiciones personales del artista. En mayo de 2012, el Museo Ruso exhibió la exposición “M. M. Shvartsman y su escuela”.
Las obras de Anatoly Chashchinsky se conservan en el Museo de Arte Moderno de Moscú, el Museo Estatal de Arte de Saratov. Radishchev, en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, en galerías y colecciones privadas nacionales y extranjeras, y también se venden en subastas.
Las pinturas de Anatoly Chashchinsky fueron creadas en el concepto de arte hierático. Anatoly Chashchinsky participó activamente en el desarrollo del concepto "hierático" y luego adaptó este concepto a los requisitos de la modernidad. El hieratismo (en la traducción "sagrado", "signo", "espiritual") se convirtió en una nueva tendencia en el arte a fines del siglo XX. La creatividad artística en el marco de esta tendencia es una síntesis compleja y compleja de varias tendencias en el arte, desde la creatividad primitiva hasta el modernismo. Su importancia es comparable en escala con el descubrimiento de la pintura de claroscuro de Caravaggio en el Renacimiento, que refleja el mundo exterior precisamente en el efecto de claroscuro con la única posibilidad de evidencia de lo espiritual que se le puede dar a una persona en las condiciones de reflexión externa de las realidades del mundo circundante. La tarea principal de esta dirección en la pintura es revelar las estructuras suprasensibles del mundo y la implementación del "derecho de la esencia espiritual a la imagen".
La pintura icónica de Anatoly Chashchinsky es también el resultado de comprender la pintura bizantina y la rusa antigua, su base icónica (no es casualidad que se le considere un destacado pintor de iconos al mismo tiempo), así como los logros básicos del arte moderno: Paul Cezanne (quien formuló el derecho de transformar una imagen), Wassily Kandinsky (quien formuló el derecho de abstracción de una imagen) y Kazimir Malevich (quien formuló el derecho de construcción de una imagen). Hierature es un nuevo tipo de signo sagrado. Fenómenos del mundo espiritual, cuya realidad tampoco es susceptible de tacto y comprensión, como una obra de "arte puro"; permanecen en la esfera de lo intuitivo, y los signos de transformación y la interconexión de las fuerzas energéticas son el material para la pintura icónica. Las pinturas de Anatoly Chashchinsky son inusualmente fuertes, coloridas, sorprenden a la imaginación. La mejor descripción de su trabajo interior sobre las pinturas la da el propio autor:
“ El espíritu de búsqueda y conquista es el alma constante de la evolución, en la que el verdadero lugar del hombre debe estar al borde de lo incomprensible. Ontológicamente, el alma humana busca una nueva revelación, pues el arte es lo que nos conecta con el “Cielo”, y la “Belleza” es una categoría del Espíritu Santo. Hierature es un nuevo tipo de signo sagrado. Los fenómenos del mundo espiritual, cuya realidad tampoco se puede tocar ni comprender, como obras de "arte puro" permanecen en la esfera de lo intuitivo, y los signos de la transformación y la interconexión de las fuerzas energéticas son el material para pintura icónica. La tarea interna de la pintura de signos es la experiencia de la mística de la comunión con Dios y su materialización por el lenguaje divino del signo, la revelación de lo invisible en lo visible. El mundo material es un sistema jerárquico de signos en el que se cifra la información sobre lo eterno y lo infinito, sobre el propósito del mundo y su Creador. A través del sistema jerárquico de signos, se revela la eternidad: este es un estado especial, la revelación del Espíritu Santo al alma humana. Esto no es un recuerdo de eventos pasados ni una imaginación del futuro, sino canales y puentes tendidos entre dos esferas del ser: terrenal, espacio-temporal y espiritual, eterna .
Todo está interconectado: el mundo objetivo y el no objetivo, los valores, materiales y espirituales. El signo es el cuerpo del mundo, la conexión y el medio de interacción entre lo material y lo espiritual, lo temporal y lo eterno, lo creado y lo increado, lo limitado y lo absoluto. El signo es la forma del espíritu, y el espíritu es el contenido del signo. Los antiguos creían que el signo no es solo un medio de expresión, sino el secreto del ser.
El signo es una figura abstracta, que posee la vivacidad del ser y la inviolabilidad de la esencia, elevando la conciencia humana desde la percepción sensorial del mundo hasta los fundamentos espirituales primordiales del ser.
El signo es polivalente y multifacético, tiene un carácter constante y estable. A través de los sistemas de signos, una persona se incluye en la existencia del mundo espiritual, en contacto con él por las profundidades de su espíritu, inaccesible a la reflexión. En el proceso de trabajo, lo intuitivo se revela donde las formas son inconscientes y sin respuesta. La construcción de formas a partir de la "nada", encontrada por la mente intuitiva, es la "revelación" de esta prueba. La belleza une el mundo del ser, pues es inherente a toda creación y da testimonio de su jerarquía espiritual. El signo expresa la ley de una cosa, su individualidad característica, su ritmo, vitalidad, energía, grado de espiritualidad. La pintura icónica es la pintura que revela una revelación llena de vida del "mundo superior". Sólo en la contemplación creativa, y no en la corrupción del razonamiento intelectual, se revelan sus secretos. Las claves de la pintura icónica conducen al descubrimiento de lo aún no consciente. En la conciencia del hombre reside la aspiración al espacio, a vencer la gravedad de la tierra .
El hombre es el pináculo ascendente de la gran síntesis biológica, o destino Divino.
La perfección del signo está determinada por la profundidad y belleza mística, que es la manifestación del Espíritu Santo en el plano físico. Para la mística lo principal no es la forma, sino el contenido, el sentimiento de amor y unidad con Dios. El signo sólo podrá comprenderse plenamente en la eternidad, cuando se revelará el plan objetivo del cosmos, sus estructuras dinámicas, esencias energéticas e imágenes-ideas, es decir, el signo sólo podrá comprenderse con una mirada lanzada desde el futuro hacia el futuro. pasado, y en la existencia terrena uno puede fijar el signo, pero no resolver su problema hierográfico. Por lo tanto, la explicación y decodificación de signos es de importancia secundaria. Lo principal es el contacto con el ser del mundo espiritual. El signo es un contrapeso a la espiritualidad perdida en el antiguo culto a la belleza y otros estados mentales patológicos. Después de la caída y deformación del macro- y micromundo, la decadencia y la corrupción entraron en él, las habilidades humanas para la comunión con Dios y el conocimiento de Dios se deformaron, por lo tanto, los signos se revelan desde el cuadro general del mundo, como las partes sobrevivientes de un edificio dañado .
La forma del signo brinda la oportunidad y la capacidad de tocar las preguntas finales del universo en el arte. Infunde confianza en que el arte abre los ojos al mundo de las esencias (lo invisible a través de lo visible), abre el camino para comprender la verdad. En formas visibles, se adivina el secreto del universo. Todos los logros y descubrimientos realizados en la pintura moderna están involucrados en la formación de la forma del signo, aunque ella misma tiene raíces prehistóricas. No vemos el mundo tal como es en las esencias mismas de los objetos, sino sólo propiedades, acciones y energías que dependen de la posibilidad del mecanismo de nuestra percepción. Es imposible hablar de la realidad como adecuación fuera de la sistemática de signos. El signo es la clave de la verdad. Fuera de los signos y sistemas de signos, el pensamiento humano sobre el mundo espiritual estaría suspendido en el vacío o en el ámbito de las ideas humanas, que se basan en las mentiras metafísicas de los espíritus caídos (el ídolo de lo material, la magia y la idolatría) .
Un nombre propio está cifrado en un signo, llamado desde el Abismo de la Nada y guardando su secreto, el secreto del saber más íntimo, y la forma del signo es un lenguaje que esculpe su nombre, un nombre que nace en un cambio sin fin de metamorfosis y transformaciones en el caldero ardiente de Amor, Belleza y sentimiento religioso. Así, un signo es una expresión espiritual de la esencia del Amor y la Belleza. La belleza marca la creación del Espíritu Santo, testimonia la autenticidad del nacimiento y es la corona de la Verdad y el Amor. Si se devalúan los fundamentos espirituales del arte, entonces desaparece de la vida de este mundo “como innecesario”. Encontramos signos de esta desintegración en la actualidad, donde el factor humano de la vida se dirige hacia el Abismo.
La pintura simbólica, además de canónica, religiosa, es una “obra de catedral”. La personificación de los autores en esta "obra catedralicia" depende de la experiencia mística personal del autor y del cardiograma del corazón del artista. Nunca confundirás las obras de Theophan the Greek con Andrei Rublev, o Rublev con Dionisio, aunque todos trabajaron en el mismo canon. El arte de pintar es una función orgánica de la felicidad de una persona que rebosa del dichoso don de sentir la belleza y comprender la revelación. ¡La pintura icónica es el futuro! Para la búsqueda y comprensión de lo aún no consciente. Es un lenguaje universal ".
La naturaleza brillantemente decorativa, ornamental, a primera vista, de las pinturas de Anatoly Chashchinsky, con su estructura compositiva axial, encaja orgánicamente en el marco del concepto "hierático" que tomó forma en la década de 1970. Repensando creativamente las imágenes metafísicas del arte medieval, el arte del Antiguo y Lejano Oriente, así como la herencia de la vanguardia rusa, los artistas de esta escuela crearon composiciones de caballete de naturaleza monumental: "hieratures". Lejos igualmente del icono y de la imagen secular, fueron inventados como formas simbólicas para traducir imágenes físicas en imágenes conceptuales, capaces de expresar las “misteriosas leyes del Universo”, entendidas como las propiedades estructurales del universo, controladas por la Divinidad. Providencia.
En las obras de Chashchinsky, combinando imágenes canonizadas y elementos no objetivos, hay un efecto de tensión interna, riqueza espiritual del mundo del artista. En muchas de sus obras, el color reside en preciosas inclusiones de piedras y metales, que se asemejan a la gama asociativa de la obra de los viejos maestros. Se llama la atención sobre la construcción y la alta transformación de las formas en masas de colores abstractos, que se encuentran en un cambio estático o energético. A veces, los lienzos se asemejan al plano de un laberinto, pero el arte de la línea es claramente visible en ellos, la selección de detalles es constructiva y concisa, y la gama de estados de ánimo se extiende desde el lirismo hasta la ironía. La impresión de inviolabilidad, inspirada en la clara arquitectura de la construcción compositiva, la simetría, la frontalidad de las poses, la diversidad jerárquica de las figuras, se complementa con una estricta armonía del color.
Las formas abstractas sirven como símbolos de la verdadera esencia espiritual de los fenómenos del mundo terrenal. En un examen más detenido, el mismo principio es visible como en el icono: un signo en un signo. Una serie lineal de obras del artista: líneas rectas horizontales y verticales sostienen la estructura, y las curvas se deslizan entre verticales y diagonales. Y todo esto en movimiento rítmico, cambio rítmico. No hay objetos como tales, es decir, carnales, sensuales, materiales. El plano y la línea son todos los medios pictóricos que componen la imagen. Y toda la atención se centra en el procesamiento de estas líneas y planos, que forman una figura abstracta que tiene "la vivacidad del ser y la inviolabilidad de la esencia".
| Año | Nombre | técnica, tamaño | Ilustración |
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| 1985 | buenas noticias | Camilla, aglomerado, témpera, papel 95x95 |
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| 2008 | centurión | lienzo, témpera 110x90 |
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| 1983 | Energía | Tablero, lienzo, témpera 100x130.5 |
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| 2007 | Necesidad y oportunidad | lienzo, témpera 100x70 |
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| 2008 | Pasacalles de la ciudad, etc. | lienzo, témpera 80x80 |