El mercado del arte es un conjunto de sujetos e instituciones interactuantes que crean, ponen en circulación y consumen arte [1] .
Según las estadísticas de 2013-2014. China y EE . UU . son los líderes del mercado , con el mercado de arte contemporáneo chino superando al mercado estadounidense con 601 millones de euros, lo que representa el 40 % del volumen mundial, mientras que EE. UU ., que compartió el liderazgo con China el año pasado , solo fue segundo con 552 millones de euros (38%). Así, estos dos países se reparten el 78% del mercado mundial del arte contemporáneo [2] .
Hablando de los temas del mercado del arte, hay varios principales [3] :
Además de estos cuatro, hay otros, pero su influencia en el mundo del arte es menos significativa.
El mercado del arte se divide en "primario" y "secundario" [3] . En el mercado primario, las obras de arte se venden por primera vez, mientras que en el mercado secundario, las obras de arte se revenden.
En el contexto de las relaciones de mercado, una obra de arte se convierte en una mercancía que, al tener sus propias especificidades, dota al mercado del arte de una serie de características distintivas [4] .
1. A diferencia de los especialistas en cualquier otro campo, los artistas, aun estando dotados en cierta medida, no siempre triunfan y alcanzan la fama. Esto se debe principalmente al hecho de que sin la ayuda de un especialista (marchante de arte), la mayoría de los artistas no pueden avanzar en el mercado por sí mismos (sin embargo, en la práctica moderna todavía hay excepciones: Damien Hirst , Jeff Koons , Tracey emín )
2. El valor de mercado de un producto no depende mucho de su valor para el consumidor (no todas las pinturas caras servirán como una buena decoración en el interior) y de la opinión pública sobre su valor (el hecho de que algunos expertos evalúen positivamente cualquier obra de arte no significa que otros expertos estarán de acuerdo con ellos).
3. El mismo objeto de arte puede costar diferente. Un cuadro firmado por un artista famoso se valorará mucho más que el mismo cuadro sin firma.
4. No existe un sistema claro para evaluar la calidad de las obras de arte.
5. A diferencia de otros mercados, en el mercado del arte la demanda no crea oferta. Al crear un objeto de arte, el artista no se enfoca en los deseos de los compradores potenciales.
6. Los artistas necesitan intermediarios (marchantes de arte) (por regla general, los artistas no pueden promocionarse en el mercado debido a la falta de educación en el campo del marketing), y los marchantes de arte necesitan artistas (para tener algo que vender) . En el mercado, estos dos temas están estrechamente conectados y obligados a trabajar juntos.
7. El valor real de una obra de arte prácticamente no depende del costo material de su creación. Una de las razones de esto es la marca. La pintura de un artista de marca que se vende en una subasta de marca puede tener un valor de miles de dólares, incluso si se trata de un lienzo de un solo color.
8. Una obra de arte no sólo tiene valor propio, que incluye el costo de los materiales, sino también indirecto, que puede diferir del propio.
El proceso de formación y desarrollo del mercado del arte se puede dividir condicionalmente en dos etapas [5] : premercado y mercado. En la primera etapa, solo había dos sujetos del mercado del arte: el consumidor y el productor (artista). Esta etapa se caracteriza por la difusión de una forma de relación como el don, la donación, que existía en la antigüedad, y se basa en el movimiento gratuito de un objeto de arte. Más tarde, el regalo y la donación fueron reemplazados por otra forma de intercambio: una orden. Sin embargo, el mercado del arte tal como lo conocemos hoy surgió más tarde, durante la transición a una economía de mercado. Así, a mediados del siglo XIX, en el ámbito artístico, se pasó de un sistema de pedidos a un acto de compraventa de libre mercado. La década de 1990 fue un punto de inflexión en la formación del mercado del arte: la fundación del grupo Young British Artists , y la subasta de Sotneby's de 1997 , en la que se vendió el cuadro "Sueño" de Picasso por 49 millones de dólares, marcó la transición a una nueva etapa en el desarrollo del mercado del arte. Sin embargo, las ventas de arte contemporáneo comenzaron a generar ganancias consistentemente altas para todos los participantes del mercado solo a partir de 2004 [6] .
El mercado del arte ruso surgió más tarde y se desarrolló en varias etapas [7] . Primera etapa 1985-1990 - los artistas ganan más libertad, y el estado ya no controla el arte. Esto va acompañado de una demanda mundial de arte ruso y soviético, el llamado "boom ruso", cuya apoteosis fue la subasta de Sotheby's celebrada en Moscú en 1988.
En 1990-1993 El mercado del arte ruso comenzó a tomar forma y a desarrollarse rápidamente. La legalización de la posición del vendedor y del comprador, y su separación de las estructuras estatales, se convirtió en la base para la formación de una nueva esfera de emprendimiento artístico, llevando a cabo la circulación mercantil de objetos de arte. Numerosos intermediarios aparecen en el mercado: galerías, tiendas de antigüedades, casas de subastas. En 1995, según datos no oficiales, sólo en Moscú había 113 galerías de arte privadas.
Período 1993-1999 marcó una crisis en el desarrollo del mercado del arte en Rusia: los participantes en el mercado del arte carecían de conocimientos prácticos, y el arte ruso contemporáneo había agotado sus recursos, no apareció ni un solo artista nuevo significativo o iniciativa artística.
En la década de 2000, el período de estancamiento dio paso a un rápido desarrollo: aparecen galerías que funcionan según el modelo occidental (" Winzavod ", " Octubre rojo ", " Garaje ", Art Play, Flakon), y desde 2003 la Bienal de Moscú de El Arte Contemporáneo ha liderado su historia con curadores y estrellas extranjeros invitados.
Durante más de 25 años, el mercado del arte en Rusia ha experimentado varios altibajos, pero aún no está incluido en el negocio del arte internacional y opera de acuerdo con sus propias leyes.
Como se señaló anteriormente, el principal mercado de obras de arte son las obras que se ofrecen a la venta por primera vez. Aquí los principales actores son coleccionistas, artistas y marchantes de arte [3] . La función de un marchante de arte es promover al artista y vender su obra. Como regla general, para encontrar artistas, los comerciantes visitan exposiciones de graduados de escuelas de arte y luego organizan exhibiciones de su trabajo en sus galerías, y los llevan a ferias de arte. Según el objetivo que persiga el marchante, las exposiciones se dividen en dos tipos [8] : 1) Exposiciones que tienen un efecto de imagen (organizadas para aumentar la fama del artista, normalmente no venden nada); 2) Exposiciones con un efecto comercial directo (realizadas para un público más reducido que ya está interesado en comprar una obra de arte).
Los marchantes de arte, a su vez, se pueden dividir en tres categorías [3] : 1) Marchantes de galerías locales, que representan a artistas que aún no están preparados para galerías de un nivel superior, o que han sido rechazados por ella, así como asociaciones cooperativas. de artistas que juntos organizan exposiciones y corren con los gastos.
2) Distribuidores principales. Están un escalón por encima de los locales y representan de 15 a 25 artistas, cada uno de los cuales puede contar con una exposición personal en la galería del marchante aproximadamente una vez cada seis meses. El marchante promociona al artista, lo recomienda a coleccionistas, periodistas y curadores de museos. Para un artista, la primera exposición individual en un distribuidor convencional es una oportunidad para ganar fama y comenzar a recibir un pago decente por su trabajo. El distribuidor principal vende parte de las obras a comisión.
3) Concesionarios de marca: colóquese en la parte superior de la pirámide de distribuidores. Las galerías de distribuidores de marca cuentan con artistas de gran éxito, menos del 1% de todos los artistas contemporáneos. Las condiciones necesarias para convertirse en un marchante de arte de marca, además de la profesionalidad en el campo del arte y el marketing, son la presencia de un importante capital libre y un gran número de conexiones en el mundo del arte. Ejemplos de distribuidores de marca son Joseph Henry Duvin , Ambroise Vollard , Leo Castelli y Larry Gagosian .
El mercado secundario del arte implica la reventa de objetos de arte: es la venta, compra e intercambio entre coleccionistas, marchantes y museos.
En el mercado secundario del arte, además del trío de sujetos ya mencionado (coleccionistas, marchantes, artistas), también juegan un papel importante las casas de subastas (las más importantes son Christie’s y Sotheby’s ) y los vendedores de arte, también llamados consignatarios. El papel del responsable puede ser un coleccionista, un marchante de arte o un museo.
El esquema clásico de ventas en el mercado secundario comienza con un consignador que acude a una casa de subastas para poner a la venta una obra de arte. En este caso, el comprometido se compromete a pagar una comisión a la casa de subastas, una tarifa porcentual que, por regla general, es del 20% del precio de venta y más. Después de la conclusión del contrato, la casa de subastas organiza el transporte y almacenamiento de objetos de arte, verifica su autenticidad y procedencia (la historia de los propietarios), prepara catálogos, fotografías y exposiciones. Lo siguiente es una subasta. Todas las subastas de arte utilizan un sistema con un aumento del precio inicial. La licitación comienza con un precio inicial bajo, luego de lo cual se pide a los postores que aumenten el precio; el lote se considera vendido solo cuando terminan las ofertas. Después de eso, se agrega una “prima” al precio final de la subasta (que también representa un cierto porcentaje del precio), y al comprador se le entrega una factura por el monto total, mediante el pago del cual puede estar seguro de que se le informará. el estado de la obra, prestando servicios especializados y transportando pinturas.
También existe la práctica del "precio garantizado", cuando, al celebrar un contrato con el adjudicatario, la casa de subastas asume la obligación de pagarle una cantidad de dinero previamente acordada por cualquier resultado de la subasta, incluso si su lote sale en un precio más bajo En caso de que el precio final sea superior al precio garantizado, la casa de subastas retiene a su favor el veinticinco por ciento del importe que exceda del precio garantizado. Esta práctica permite no ceder el paso a un influyente coleccionista-comprometido con otra casa de subastas, así como aumentar el prestigio de esta subasta y atraer a otros consignadores y compradores [3] .
A lo largo de este proceso, un marchante de arte puede desempeñar no solo el papel de vendedor, sino también de consultor (ayudando a su cliente con la elección de una obra de arte), así como de intermediario (entre el comprador y la casa de subastas). , actuando como representante de su cliente en la subasta.
Un duro golpe para el mercado del arte fue la exposición en 1978 del mayor falsificador europeo de gráficos y pinturas de maestros antiguos y marchante de arte Eric Hebborn . En 1991, en la primera edición de su autobiografía, admitió que había fabricado y vendido más de 1000 falsificaciones a través de las subastas más grandes, y también reveló detalles del período de su vida en el que se dedicaba a las falsificaciones. El artista insistió en que muchas de sus falsificaciones permanecieron sin revelar y se encuentran en colecciones privadas e incluso en museos públicos de todo el mundo [9] . Apenas unas semanas antes de su misteriosa muerte, Hebborn publicó un nuevo libro, El manual del falsificador. Contenía un conjunto de instrucciones para falsificar y vender dibujos y pinturas realizados según la tradición europea. La prensa sugirió que tanto la mafia italiana, con la que supuestamente colaboró en los últimos años de su vida, [10] como un enfadado coleccionista de arte engañado por Hebborn [11] podrían estar implicados en la muerte del artista .
Otro golpe al mercado del arte fue una demanda por la falsificación de una colección completa de fotografías victorianas del artista Graham Ovenden y el fotógrafo Howard Gray .. En 1980, se presentó una demanda contra Ovenden y Gray. Ovenden afirmó ante el tribunal que el propósito de los falsificadores no era obtener una gran cantidad de dinero, sino "mostrar el verdadero nivel de los que hacen arte, los que se declaran expertos sin saber nada, [y] los que obtienen ganancias convirtiendo los valores estéticos en financieros ”. Gray y Ovenden fueron absueltos por decisión del jurado [12] . Como resultado del interés público sostenido y la amplia cobertura de prensa del juicio, los precios de una colección de obras del fotógrafo ficticio Francis Hetling se dispararon, acercándose a las 50.000 libras esterlinas por fotografía [13] .
El mercado del arte ruso está muy por detrás del occidental e incluso del oriental: según los expertos, en 2013-2014, el mercado del arte ruso ocupó el puesto 21, detrás del filipino [2] .
En primer lugar, esto se debe a la falta de legislación en la materia, así como a la falta de apoyo a los artistas y figuras de la cultura por parte del Estado. Hasta la fecha, ni las galerías, que pagan los mismos impuestos que, por ejemplo, las boutiques de moda, ni los mecenas, cuyas actividades benéficas no están respaldadas por incentivos fiscales, tienen preferencias [7] .
Tampoco existe una cultura legal de las relaciones comerciales, lo que conduce a la desconfianza entre los dos sujetos principales del mercado del arte: los artistas y los comerciantes de arte [4] . Esto, a su vez, mata los principios del marketing, sin los cuales no es posible ninguna relación en el mercado, incluido el mercado del arte. La ignorancia de los principios del marketing por parte de los sujetos del mercado del arte también se deriva del hecho de que el marketing del arte y la promoción comercial de los objetos de arte en Rusia están básicamente ausentes [8] . El hecho es que la mayoría de los operadores del mercado del arte ruso moderno provienen de un entorno creativo: artistas e historiadores del arte que, debido a la falta de educación adicional, ignoran las realidades del mercado y las tecnologías del mercado para promover productos.
Un mercado del arte poco desarrollado es una de las razones de la ausencia de una capa formada de coleccionistas interesados en adquirir obras de arte, lo que a su vez también dificulta el desarrollo del mercado del arte [7] .