| Daniele de Volterra | |
| David y Goliat . 1550 | |
| Departamento de pintura del Louvre [d] [1][2]yVersalles | |
| ( Inv. INV 566 y F 2945 C ) | |
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" David y Goliat ", o " David matando a Goliat" es una pintura a doble cara del pintor italiano Daniele da Volterra , escrita en 1550 al óleo por las dos caras de una placa de pizarra . Guardado en el Louvre , París.
Giorgio Vasari en su " Vidas de los más famosos pintores, escultores y arquitectos " (1550) dice que el monseñor florentino Giovanni della Casa , que comenzó a escribir una obra sobre la naturaleza de la pintura, "quería obtener de los profesionales una explicación de algunas sutilezas y detalles, le pidió a Daniello que le hiciera con todo el esmero a su alcance, un modelo de arcilla acabado de la figura de David, y luego le pidió que escribiera, es decir, representara en la imagen, al mismo David, realmente hermoso. , mostrándolo desde todos los lados, a saber, el frente y la espalda, de lo que se obtuvo algo muy peculiar ” [3] .
La representación escultórica del duelo entre David y Goliat no ha sobrevivido, y la pintura de dos caras, ahora en el Louvre de París, es bien conocida. El orden inusual debe ser considerado en el contexto de una discusión iniciada en 1545 por el erudito humanista y teórico del arte Benedetto Varchi . En 1546, B. Varki, a punto de dar tres conferencias sobre el tema de comparar pintura y escultura, envió un cuestionario a artistas famosos de Florencia: Michelangelo Buonarroti, Giorgio Vasari , Agnolo Bronzino , Jacopo Pontormo , Benvenuto Cellini , Francesco da Sangallo y otros. con la pregunta: "¿Cuál de las artes, la pintura o la escultura, consideran más perfectas". Esta disputa, iniciada por Leonardo da Vinci, nunca se resolvió. En 1549, Varki publicó los textos de las disputas, enfatizando las especificidades de cada forma de arte y su equivalencia [4] .
Uno de los argumentos a favor de la escultura fue su resistencia y durabilidad. La respuesta de Daniele da Volterra a este argumento fue la elección de la piedra como base material de la pintura. Otra ventaja de la escultura es la multiplicidad de posibles puntos de vista, por eso Daniele decidió mejorar la imagen pictórica haciéndola de dos lados, representando la misma escena que se puede ver desde dos lados. La búsqueda de múltiples puntos de vista en la pintura ya era conocida desde antes, así que en 1520, Giovanni Girolamo Savoldo pintó un retrato rodeado de espejos y una coraza pulida, brindando la oportunidad de reflejar varios ángulos de visión diferentes sobre el mismo tema. Por otra parte, el mismo Vasari habló sobre el cuadro de Giorgione , donde muchos espejos permitían "ver todos los tipos posibles de gesto humano sin dar la vuelta a la obra maestra".
La imagen es una historia muy conocida del Antiguo Testamento: David golpeó al gigante Goliat en la frente con una piedra lanzada con una honda . El gigante cayó al suelo, y David agarró su espada (una cimitarra torcida ) para acabar con él. El cuadro muestra en dos lados de una placa de pizarra una escena de la batalla entre David y Goliat , visible desde diferentes puntos de vista .
Lado delantero
parte trasera
Una simple comparación de la pintura, que ofrece dos puntos de vista diferentes sobre la escena representada, con la escultura, habla más bien a favor de esta última - así es como Cellini, en su respuesta a la pregunta de Varka, mencionó sus obras, permitiéndole ver la escena desde ocho puntos de vista diferentes, caminando alrededor de ella. Sin embargo, la pintura de Daniele da Volterra ofrece algo más que una mera combinación de dos puntos de vista: el artista se permitió mostrar las diferencias de las escenas en los dos lados del cuadro, dando así dinámica, el desarrollo de un evento en tiempo y espacio, algo que la escultura no puede hacer, asumiendo únicamente la posición dinámica del espectador.
Entonces, en el frente del plato, Goliat acaba de caer, su rodilla todavía está en el aire, sus manos están levantadas, la rodilla de David lo presiona contra el suelo; mientras que el reverso parece representar la misma escena unos momentos después: Goliat está completamente derrotado, David recupera una postura estable y se prepara para acabar con el gigante. La dirección del evento en el tiempo también es visible desde la posición del manto de David: ondea más por delante que por detrás. Durante el tiempo durante el cual el espectador caminó alrededor de la imagen, la batalla representada en ella, por así decirlo, avanzó. En el anverso de la imagen se ven la honda con la que David lanzó la piedra a Goliat y la vaina del gigante de la que David sacó la espada; ambos elementos son importantes para comprender el comienzo de la batalla. Ya no son visibles en el reverso. El artista también se permite una ligera violación de la coherencia de las dos imágenes, principalmente en relación con la ropa de David: la correa tirada sobre el hombro y que sostiene la capa del héroe falta en el anverso de la imagen, tal vez el artista la omitió deliberadamente. para que sea más fácil enfatizar los músculos de David.
La imagen después de su escritura se hizo ampliamente conocida, pero el nombre de su autor casi se olvidó posteriormente. La obra primero perteneció al cliente: Giovanni della Casa , luego Annibal Rucellai ( en italiano: Annibal Rucellai ), más tarde el cardenal Montalto (en italiano: Montalto ) y el cardenal Giudice (en italiano: Giudice ). El último propietario italiano lo instaló sobre un pedestal de madera dorada, que permitía girar el cuadro sobre su eje.
El 31 de julio de 1715, siglo y medio después de su creación, el cuadro fue presentado al rey francés Luis XIV como obra de Miguel Ángel Buonarroti. El regalo tenía un significado diplomático: Antonio del Giudice , que presentó la pintura, la presentó en nombre de su hermano, el cardenal Giudice, que representaba los intereses de la corte papal en París. El obsequio se instaló en la Pequeña Galería del Palacio de Versalles , pero la misión diplomática fracasó: el 1 de septiembre de 1715, 32 días después del obsequio, murió el rey. Y en 1718 Antonio del Giudice fue expulsado del país.
Después de la revolución, en 1797, la pintura fue trasladada al Louvre. En 1801 se exhibió en la Gran Galería. En 1940, la pieza fue trasladada al Château de Fontainebleau , donde permaneció durante 68 años. Si bien la pintura se mantuvo en el castillo, se dañó durante una tormenta que rompió la ventana del castillo.
Desde 2008, después de la restauración, la pintura se exhibe nuevamente en la Gran Galería del Louvre [5] .
El Louvre también alberga dos bocetos de Daniele da Volterra, que forman parte de la colección del Departamento de Artes Gráficas del Museo. Hay cuatro bocetos más hechos por la mano de Miguel Ángel, se conservan en la Biblioteca Morgan de Nueva York . Estos bocetos sugieren la participación de Miguel Ángel en la creación de la pintura.