Hugolino de Nerio

Hugolino de Nerio
Nombrar al nacer Hugolino de Nerio
Fecha de nacimiento alrededor de 1280
Lugar de nacimiento
Fecha de muerte 1339 - 1349 _
Un lugar de muerte Tierra de siena
Género pintor
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Ugolino di Nerio ( italiano  Ugolino di Nerio ; trabajó en Siena desde 1317  - m. 1339 - 1349 , Siena) - Artista italiano, también conocido como Ugolino da Siena . Escuela de Siena .

Biografía

Ugolino di Nerio fue uno de los más fieles seguidores y discípulos de Duccio . Su nombre se menciona varias veces en documentos de archivo desde el 5 de septiembre de 1317 hasta el 6 de febrero de 1327, y Giorgio Vasari compiló su breve biografía. A pesar de ello, hay muy poca información sobre el artista: se desconoce la fecha y el lugar de su nacimiento (se supone que nació hacia 1280 en Siena ), y sus obras, a excepción del Políptico de la Iglesia de Santa Croce, no tienen firma y fecha de fabricación. En relación con todo esto, la reconstrucción de la obra del artista tiene un carácter conjetural y varía de un autor a otro.

Según los documentos disponibles, Ugolino nació y se crió en una familia de artistas: su padre Nerio y sus dos hermanos, Guido y Muccio, eran artistas. De los documentos supervivientes se sabe que la familia vivía en la ladera de una colina baja, conocida en Siena como Terzo di Camoglia. Con toda probabilidad, Ugolino se formó en las habilidades de la artesanía en el taller de su padre y continuó mejorando mientras trabajaba con Duccio. A la vuelta de los siglos XIII-XIV, Duccio di Buoninsegna fue el pintor sienés más importante. Las obras de Ugolino demuestran una dependencia abrumadora del trabajo de este maestro, en relación con lo cual los investigadores creen que Ugolino, junto con Segna di Bonaventura , trabajó durante mucho tiempo en su taller. Varios expertos apoyan la opinión de James Stubblebine de que Ugolino participó en la creación del famoso retablo " Maesta " (1308-1311), viendo su mano en las imágenes de medio cuerpo de los apóstoles en la parte superior (a pesar de que que el contrato firmado por Duccio le obligaba a escribir todo el altar de su puño y letra).

Alrededor de 1315, Ugolino di Nerio desarrolló su propio estilo creativo, que difería del de Duccio en varios aspectos. Una característica distintiva de los santos representados por él fue una superposición de colores más cuidadosa para dar mayor relieve a la imagen. En composiciones complejas de varias figuras, redujo el número de personajes, evitando los detalles para transmitir la esencia de un momento dramático. En las obras posteriores de Ugolino, la influencia gótica se intensifica, reemplazando gradualmente las habilidades "bizantinas" adquiridas en el taller de Duccio. En 1319, Duccio murió y Simone Martini se trasladó al lugar del artista principal de Siena . La influencia de este maestro en particular, los investigadores explican los cambios en la obra de Ugolino. Sin embargo, la reconstrucción anterior no tiene ninguna prueba documental, sino que se basa únicamente en intentos de describir la evolución del maestro, construyendo las obras que se le atribuyen en un orden determinado.

El nombre Ugolino di Nerio ganó fama principalmente porque completó dos polípticos para iglesias florentinas. Es raro que un artista sienés lograra obtener un contrato en la competencia de Florencia (el gremio local de artistas siguió atentamente la distribución de pedidos y la división del mercado del arte en Florencia). Los investigadores consideran que estas dos órdenes son el triunfo de la escuela de pintura de Siena, que vivió su “edad de oro” a principios del siglo XIV. En Florencia, por encargo de la orden franciscana , Ugolino realizó un políptico para la iglesia de Santa Croce (parcialmente conservado), y por encargo de los dominicos pintó un políptico para la iglesia de Santa Maria Novella (no conservado, pero es posible que dos de sus detalles eran "San Andrés" de la colección de Paul Getty , Los Ángeles , y "Juan el Bautista" del Museo Nacional, Poznań ).

Berlín-Dahlem , la Galería Nacional de Londres y el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York ahora albergan santos y escenas de pasión. Los pinceles de Ugolino también se atribuyen a: "Políptico" y "Crucifixión" en la Pinacoteca de Siena , una predela que representa "Crucifixión y dos donantes" ( Londres , Courtauld Institute of Art ), y varias más "Crucifixiones" y polípticos que representan a "Madonna y Niño" y medias figuras de santos.

Se desconoce la fecha de la muerte del artista. Giorgio Vasari en su biografía de Ugolino nombra dos cifras diferentes: 1339 (en la edición de 1550) y 1349 (en la edición de 1568). Los investigadores creen que Ugolino sobrevivió a su maestro Duccio, quien murió en 1319, no por mucho tiempo. Algunos autores incluso escriben que sus últimos trabajos datan de no más tarde de 1325. De una forma u otra, pero a mediados de la década de 1330, lo más probable es que Ugolino di Nerio ya no estuviera vivo.

El patrimonio artístico dejado por Ugolino di Nerio es bastante numeroso. Sin embargo, su arte era más tradicional que innovador y por tanto no contaba con un grupo diferenciado de seguidores. Entre sus discípulos están los Maestros de Chianciano.

Altar de Santa Croce

Un políptico de la iglesia de Santa Croce jugó un papel importante en el regreso del olvido de la obra de Ugolino di Nerio, lo que permitió definir el estilo del artista; se convirtió en el núcleo principal en torno al cual se construyeron el resto de las obras del maestro, pero no se han conservado los documentos relativos al contrato de ejecución de este políptico.

Santa Croce es la iglesia franciscana principal y más grande de Florencia. Su construcción comenzó en 1294. El políptico, encargado por Ugolino a mediados de la década de 1320, fue el primer gran altar de esta iglesia. Después de la finalización de la pintura y la instalación, el políptico permaneció en el altar mayor hasta 1566, cuando se trasladó al dormitorio superior de la iglesia para dejar espacio para el copón de Vasari . Antes de que el políptico fuera desmantelado y vendido en partes, Giovanni Baccanelli (1647), quien logró esbozar tres santos franciscanos de esta obra, y el Padre Della Valle (1784), quien describió brevemente el políptico e informó que su panel central con la imagen de la Virgen fue firmado por el autor UGOLINO DE SENIS ME PINXIT (Ugolino de Siena me retrató). Entre 1785 y 1789, el conocido conocedor y conocedor del arte antiguo, Serhou d'Agincourt, encargó un dibujo del retablo de la Santa Croce cuando estaba casi terminado. Al comparar el dibujo con partes del trabajo que han sobrevivido hasta el día de hoy, los investigadores llegaron a la conclusión de que el dibujo transmite con bastante precisión todas sus características. El políptico fue desarmado y vendido en piezas en dos subastas en 1847 y 1850; como resultado, se perdieron algunas pinturas. La mayoría de las pinturas del políptico fueron adquiridas por William Young Ottley, un destacado coleccionista inglés de pinturas italianas (el panel central que representa a la Virgen y el Niño se perdió incluso antes de que Ottley comprara partes del retablo). Algo más tarde, el erudito alemán Gustav Friedrich Waagen (1794-1868), quien fue el primer director de la Real Galería de Arte de Prusia, adquirió varias pinturas de la colección Ottli.

El políptico contenía siete estructuras verticales interconectadas , cada una de las cuales, a su vez, constaba de una gran imagen del nivel principal, una imagen del nivel superior y una imagen de un pináculo , unidas por una barra a lo largo de la vertical. Predella estaba escrito en una tabla larga. Aparentemente, el artista hizo el altar en su taller sienés, luego lo transportó en partes a Florencia y lo ensambló en el lugar (120 años después, Sassetta haría lo mismo al crear el altar de San Francisco para Borgo San Sepolcro).

El nivel principal del políptico consistía en una gran pintura "La Virgen y el Niño" (ahora perdida), a la izquierda de la cual estaban el Apóstol Pablo, Juan el Bautista y San Pedro. Antonio; a la derecha está el Apóstol Pedro, St. Francisco y San Luis de Tolosa. De todas las pinturas de este nivel, solo han sobrevivido los apóstoles Pedro y Pablo, así como Juan el Bautista (todas están almacenadas en Berlín, Museos Estatales).

De las siete pinturas del nivel superior, cinco han sobrevivido: “St. Matías y St. Isabel de Hungría (?)"; "S t. Mateo y San Jacob el Joven"; "S t. Santiago el Viejo y St. Philip" - todo en Berlín, Museos Estatales; dos pinturas de este nivel se encuentran en la Galería Nacional de Londres: "Santos Simón y Tadeo"; y Santos Bartolomé y Andrés. De los santos representados en pináculos, quedaron los profetas Isaías, David, Moisés (todos en la Galería Nacional, Londres) y el profeta Daniel (Museo de Arte, Filadelfia).

La predela estaba cubierta con escenas de la Pasión de Cristo. Comenzó con "La Última Cena" (ahora en el Museo Metropolitano de Arte, Nueva York), seguida de "La Traición de Judas" (National Gallery, Londres), "La Flagelación de Cristo" (Berlín, Museos Estatales), " The Way to Calvary" y "The Removal of the Cross (ambos en la National Gallery, Londres), Entombment (Berlín, Museos Estatales) y Resurrection (National Gallery, Londres).

Curiosamente, el "Camino al Calvario" estaba ubicado directamente debajo de la imagen de la "Virgen con el Niño", es decir, donde generalmente se escribía la "Crucifixión". La misma escena de la “Crucifixión” (no conservada) fue trasladada por el artista al nivel superior, colocándola sobre la “Madonna and Child”. Los investigadores creen que estos cambios se realizaron para enfatizar que el templo está dedicado a la Santa Cruz (Santa Croce - italiano. Santa Cruz). Además, la cruz fue de particular importancia para los franciscanos que construyeron este templo, ya que el fundador de su orden, S. Francisco adquirió los estigmas, que reflejan las heridas recibidas por Cristo como resultado de la crucifixión en la cruz. La cruz en forma de letra X, formada por la cruz que portaba Jesús, caía exactamente sobre el eje central de todo el políptico, y era el centro espiritual y compositivo del altar. Otro mensaje importante de esta escena central de la predela es la humildad con la que Cristo lleva la cruz.

Ugolino tomó prestados todos los esquemas compositivos de la Pasión de Cristo de la Maesta de Duccio, con quien colaboró ​​durante mucho tiempo. Simplificó las escenas y al mismo tiempo aumentó su efecto dramático. Por ejemplo, en la escena "La traición de Judas", el artista redujo el número de apóstoles, centrándose en el evento principal. Del mismo modo, en la escena "Camino al Calvario" redujo el número de personajes, destacando la humildad de Cristo, y el dolor de la Madre de Dios.

En general, el políptico fue escrito bajo la fuerte influencia del estilo creativo de Duccio. Sin embargo, el siguiente hecho es curioso: donde Duccio usa ultramar rico y caro , Ugolino di Nerio usa azurita verdosa más barata . En el caso del políptico de Santa Croce, que para el artista fue un encargo prestigioso y de gran envergadura, es imposible que se pueda hacer tal reemplazo por economía; fue una consecuencia de las preferencias de color del artista.

Polípticos

A Ugolino se le atribuyen varios polípticos intactos. Todas estas obras contienen imágenes de santos de cintura para arriba; según la clasificación de la iglesia, se les llama dossal ( dossal  - una imagen más allá del altar).

El políptico más antiguo, en cuya creación participó Ugolino di Nerio, se considera “La Virgen y el Niño con los Santos Agustín, Pablo, Pedro y Domingo” (Siena, Pinacoteca, inv. n.° 28; tamaño 139x242cm)); está fechado entre 1305-1308 o 1300-1320. La mayoría de los investigadores consideran que este políptico es obra del "taller de Duccio". Ha sobrevivido hasta el día de hoy en mal estado. Duccio presumiblemente ejecutó la imagen central: "Madonna and Child", y uno de sus asistentes pintó las solapas laterales y las imágenes de los pináculos. Es probable que fuera Ugolino.

Otro políptico de la Pinacoteca de Siena "Madonna and Child with Saints Clara, Lawrence, Francis and John the Evangelist" (Inv. No. 39) está fechado por algunos expertos aproximadamente en el mismo período (1310-15), otros en 1325-1330 , creyendo que se hizo después del trabajo para la iglesia florentina de Santa Croce. Es un poco más pequeño que el primero (84x189cm) y repite su fórmula. No se han conservado ni el marco original del políptico ni sus pináculos. La obra fue encargada por la Convención Franciscana de Siena de Santa Chiara (Santa Clara). Presencia en el altar de S. Clara y Sta. Francis son un argumento adicional a favor de que las monjas Clarissa podrían ser sus clientes.

El políptico "Madonna and Child with Saints Francis, John the Baptist, James and Mary Magdalene" (122x192 cm; Museum of Art, Cleveland), según los expertos, fue creado "antes de 1317", es decir, cuando, como dicen, Ugolino también trabajó en el estudio de Duccio y fue fuertemente influenciado por su arte. Su peculiaridad es que en la parte superior sobre la Virgen y el Niño hay una escena de la Crucifixión, y los pináculos no representan a los profetas habituales, sino a los apóstoles Pedro (con una llave en la mano) y Pablo (con una espada), así como dos santos que no tienen una identificación inequívoca. El Niño Jesús juega suavemente con su madre, repitiendo un gesto que se puede ver en las obras de Duccio. La misma Madre de Dios volvió su mirada triste como hacia adentro, previendo el destino de su divino hijo. Los investigadores creen que la escena de la Crucifixión se ubicó sobre la Virgen y el Niño para enfatizar la creencia generalizada en ese momento de que la Madre de Dios sabía qué destino le esperaba a su hijo. Se desconoce la iglesia a la que se destinaba la obra, pero la presencia de S. Francis dice que ella estaba relacionada con la orden franciscana.

Un tipo similar de políptico "Madonna and Child with Saints", que consta de cinco partes, se conserva en la colección de Ricasoli (Brolio di Chianti); antes estuvo en la iglesia de San Paolo in Rosso. Este trabajo es bastante grande: 97x195 cm y data de los años 1320-1330. La imagen habitual de la Virgen y el Niño está acompañada por los apóstoles Pedro y Pablo, así como Juan Bautista con Juan el Teólogo. Los pináculos representan Bendición de Cristo y ángeles.

El políptico del Clark Art Institute (Williamstown, Massachusetts) es el más grande jamás atribuido a Ugolino. Sus impresionantes dimensiones, 163,7x341,4 cm, indican que alguna vez estuvo instalado en el altar del templo mayor, pero se desconoce la iglesia a la que estaba destinado. El artista representó en él a la Virgen con el Niño y los santos (de izquierda a derecha) Francisco, Andrés, Pablo, Pedro, Esteban y Luis de Toulouse. Bendición Cristo y los profetas se encuentran en los pináculos. Este políptico ha sobrevivido hasta el día de hoy en buen estado: se ha conservado su marco original, después de la restauración los colores brillaron con su antigua frescura. Esta obra también se caracteriza por discrepancias en la datación: según uno, dato más cauteloso, fue creada en 1310-1330, según otros en 1317-21.

Trípticos

Varios trípticos se atribuyen a Ugolino, los más famosos de los cuales se encuentran en la Galería de los Uffizi , Florencia, y en el Museo de Arte Sacro en el pequeño pueblo de Tavarnelle Val di Pesa. Estas obras no cuentan con la firma del autor y fecha exacta.

Tríptico La Virgen y el Niño con St. Pablo y San Peter" fue un encargo de la familia Pannilini y originalmente estaba ubicado en la iglesia parroquial de San Pietro a Villore en San Giovanni d'Asso (Siena), luego terminó en la colección del inglés Hutton, de quien fue adquirido por el italiano. coleccionista Alessandro Contini Bonacossi. Tras la muerte de Alessandro, la viuda vendió la obra al gobierno italiano, y desde entonces el tríptico se conserva en la Galería de los Uffizi. Esta obra se atribuye a Bernard Bernson , quien en 1932 la identificó como obra de Ugolino di Nerio. El tríptico mide 150 x 146 cm y data de alrededor de 1320-1325. Además de la Virgen y los dos apóstoles, el artista representó en pináculos al Cristo de la Bendición y dos santos, probablemente S. Esteban y Juan el evangelista. Los investigadores ven la influencia de Simone Martini en este trabajo.

El tríptico de tamaño mediano del Museo Tavarnelle Val di Pesa (109x119cm) proviene de c. San Pietro a Olena. El artista representó en él a la Virgen y el Niño de St. Pedro y Juan el evangelista. En los pináculos hay un Cristo bendiciendo y dos ángeles, es decir, este tríptico sigue el esquema habitual con el que se realizaban este tipo de trípticos para iglesias parroquiales. La atribución de la obra pertenece nuevamente a Bernard Bernson, quien en 1936 la clasificó entre el "taller de Ugolino". Esta atribución fue confirmada además por la mayoría de los expertos. La obra está fechada aproximadamente en la misma época que el tríptico anterior: 1320.

Anteriormente, a Ugolino se le atribuía otro famoso tríptico del Museo de Arte Sacro de la ciudad de Certaldo, el llamado. Tríptico de Bagnano. Sin embargo, en el curso de una restauración reciente y la cuidadosa investigación que la acompañó, los expertos determinaron que era obra del pintor Cenny di Francesco di Ser Cenny.

Cruces pintadas

A Ugolino di Nerio se le atribuye una cruz pintada creada para la iglesia de Santa Maria dei Servi en Siena. Se trata de un gran crucifijo interior de 401x244,5 cm, los expertos lo fechan "alrededor de 1330". Hoy la cruz se conserva en el Museo de la Catedral de Siena. Se hizo según la tecnología de pintura de cruces que existía en ese momento - témpera y oro sobre una base de madera (álamo), sobre la que se superponía una capa de yeso . El Cristo crucificado está representado en la cruz en la pose de Christus patiens (Cristo sufriente), su cuerpo flaco destaca sobre la superficie ornamentada del tabellón. Una característica curiosa de la cruz es una pequeña figurilla de un personaje vestido con un traje monástico cerca de los pies de Jesús crucificado. Causó una animada discusión entre los expertos. Según algunos, se trata de una imagen de Filippo Benizzi, que vivió en el siglo XIII, el quinto prior general de la orden de los servitas (siervos de la Virgen María), que hizo mucho en los albores de la formación de esta orden. , y cuyo culto estaba muy extendido en los monasterios mucho antes de su canonización, acaecida en 1671. Según otros, se trata del beato Joachim Piccolomini, que vivió en Siena, una figura no menos famosa de la misma orden, que murió en 1305. En cualquier caso, el solo hecho de la presencia de este personaje indica que la cruz fue creada exclusivamente para la hermandad monástica de los Siervos. Desde su creación, la cruz ha cambiado varias veces de lugar en el templo. Este trabajo es atribuido a Ugolino por el famoso científico italiano del siglo XIX Giovanni Battista Cavalcasella en 1864; los científicos del siglo XX, que estudiaron cuidadosamente todas sus características, generalmente están de acuerdo con esta atribución.

Otra Cruz Pintada atribuida a Ugolino se conserva en la Pinacoteca de Siena. Es conocido por su número de catálogo como "Cruz No. 34". Se trata de una obra pequeña, de 68x45 cm de tamaño, su creación se atribuye a los años 1310-30.

Crucifijos

A Ugolino se le atribuyen varias escenas que representan la Crucifixión de varios museos y colecciones privadas. Dos de ellos son extremadamente similares en su iconografía: "Crucifixión" del Museo Thyssen Bornemisza y "Crucifixión" de una colección privada, Florencia. Se trata de iconos de tamaño medio (el primero de 135x89 cm; el segundo de 105x48 cm), que antiguamente servían como objetos de culto en templos, cuyos nombres específicos hoy en día son difíciles de establecer. Quizás alguna vez fueron las piezas centrales de trípticos o retablos más elaborados. Dos escenas de la "Crucifixión" se distinguen por la presencia de ángeles en la versión del Museo Thyssen Bornemisz, y también por el hecho de que esta obra, por razones desconocidas, fue aserrada desde abajo, de modo que sólo una parte de las figuras de Nuestra Señora y Juan Evangelista sobrevivieron. Ambas obras pertenecen aproximadamente a la misma época, 1330-35.

Una "Crucifixión" anterior, cuya creación se atribuye a los años 1315-20, se conserva en la Pinacoteca de Siena. Es de tamaño más modesto (67,5x44,4 cm); su característica es la presencia en la escena de St. Francisco inclinándose a los pies de Cristo. Esto es evidencia de que la obra fue escrita para la orden franciscana, y estuvo previamente en uno de los monasterios o templos franciscanos.

Un pequeño panel que representa la "Crucifixión y dos donantes" (24x46,6 cm) del Instituto Courtauld de Londres, con toda probabilidad formaba parte de la predela del ahora desconocido altar. Algunos investigadores creían que esta obra pertenecía al famoso Retablo de Santa Croce, pero la reconstrucción moderna de esta obra no sugiere la presencia de esta tabla en ella.

Vírgenes

Como la mayoría de los artistas sieneses, Ugolino di Nerio pintó muchas Vírgenes. El culto a la Virgen de Siena fue más allá de lo habitual, ella no era solo la patrona de la ciudad, como otros santos, sino su señora, y el liderazgo sienés realizó la ceremonia de colocar las llaves de la ciudad frente a su rostro en la Catedral. Como todos los grandes artistas de su tiempo, Ugolino representó a la Madre de Dios tanto en la forma de una amante sentada en un trono como en la forma de una madre divina que acaricia a Cristo. Las primeras manifestaciones de la Virgen eran de carácter solemne y público, las segundas eran imágenes más íntimas. El primer tipo incluye la "Madonna and Child with a Donante" de la Iglesia de Santa Maria del Prato en la ciudad de San Casciano val di Pesa (c. 1335, 138x71 cm), el segundo - una serie de íconos bastante similares del “Madonna and Child” de varios museos y templos: el Louvre, París (1315-20), el Museo Metropolitano, Nueva York (c. 1325), el Museo de Bellas Artes, Boston (1325-30), el Museo del Distrito de Pienza, la Iglesia de los Siervos de Montepulciano, la iglesia de San Bartolomeo a Scampata, Figline Valdarno (Toscana), etc. Sin embargo, es posible que no todas estas "Virgen" fueran obras únicas, y algunas sirvieron alguna vez como un panel central para trípticos o polípticos.

La pequeña "Maesta" del Instituto de Arte de Chicago (37,2x23,2 cm; 1325-35) se destaca un poco aparte. En él, además de la Virgen y el Niño sentados en el trono, S. Pedro, Pablo, Juan el Bautista y S. Domingo. Inclinado al pie del trono estaba un donante con el atuendo monástico de los dominicos. Tal icono podría ser la parte central de un pequeño tríptico casero o una imagen independiente para rezar.

Santos individuales

A Ugolino también se le atribuye una serie de paneles de madera con imágenes de varios santos, que anteriormente formaban parte de algunas estructuras de altar más complejas. Debido a la falta de una cobertura archivística y documental detallada de las actividades del artista, es difícil determinar cuáles fueron estas obras y qué lugar ocupaba cada cuadro individual con la imagen del santo en la actualidad. Por ejemplo, se sabe por fuentes de archivo que “Santa Margarita con una cruz en la mano” de la colección de Kress (ahora Portland, Museo de Arte), anteriormente formaba parte de un políptico, en el que, además de ella, Santa . Lucía, Santa Agustín y San Ambrosio. San Ambrosio y Agustín se perdieron hace mucho tiempo, la imagen de San Ambrosio. Lucía se conserva hoy en el Museo de Arte de Budapest; se desconoce el origen de este altar disperso.

En otra ocasión, varios paneles separados de museos estadounidenses, "St. Louis of Toulouse" y "Mary Magdalene" del Museo del Salón de la Legión de Honor, San Francisco se combinaron con "St. Catherine" del Museo Krannert (Urbana, Illinois). La Virgen y el Niño del Museo de Arte de la Universidad de Princeton se propuso como panel central. Dado que la composición resultó ser asimétrica, Federico Zeri sugirió agregar un panel que representara “St. Michael" del Museo Czartoryski de Cracovia, pero luego abandonó esta idea. La cuestión de la credibilidad de tal diseño permanece abierta.

Entre los paneles individuales con santos, el icono que representa a Santa Ana con la niña María en brazos es bastante interesante. Fue escrito cuando la iconografía de Santa Ana aún no se había desarrollado por completo y, por lo tanto, los investigadores tenían dudas sobre la corrección de la definición de la trama. Más tarde, cuando se estableció la iconografía de esta trama, St. Anna fue representada por regla general con María sosteniendo a Cristo en sus brazos, la llamada. "S t. ana trío

Bibliografía

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