| Stanislav Sychev | |
|---|---|
| Nombrar al nacer | Stanislav Ivánovich Sychev |
| Fecha de nacimiento | 19 de diciembre de 1937 |
| Lugar de nacimiento | Odesa , URSS |
| Fecha de muerte | 2 de septiembre de 2003 (65 años) |
| Un lugar de muerte | Odesa , Ucrania |
| Ciudadanía | URSS → Ucrania |
| Estudios | escuela de arte de odessa |
Stanislav Ivanovich Sychev ( ukr. Stanislav Ivanovich Sichov ) (19 de diciembre de 1937, Odessa - 2 de septiembre de 2003, Odessa ) - Artista ucraniano , uno de los fundadores de la escuela de arte no oficial de Odessa.
Stanislav Sychev nació el 19 de diciembre de 1937 en Odessa [1] .
En 1960 se graduó en el Odessa Art College . Grekova (profesora Frumina, Dina Mikhailovna ).
En 1961-1963 vivió y trabajó en Uzbekistán .
Muchos críticos creen que el Owl + Khrushchik, organizado el 8 de mayo de 1967 en la “ Fence Exhibition ” por los jóvenes artistas Stanislav Sychev y Valentin Khrushch , en la cerca de la Ópera de Odessa, se convirtió en el punto de partida del “inconformismo de Odessa” [2 ] . Esta exposición duró sólo tres horas [2] .
En la década de 1970 participó en exposiciones no oficiales en Odessa y Moscú. En 1989 participó en la exposición internacional "Impreza" en Ivano-Frankivsk . En 1989 y 1994 , sus exposiciones individuales se llevaron a cabo en el Museo de Arte Occidental y Oriental de Odessa [3] .
Stanislav Sychev murió el 2 de septiembre de 2003 en Odessa [4] .
Las obras de Sychev hoy están dispersas en países y continentes. Sus pinturas, acuarelas y dibujos se conservan en colecciones públicas y privadas, muchas en dueños al azar que no saben lo que tienen.
Es raro que alguien hoy en día tenga tal universalismo de pensamiento pictórico. Quizás sería más exacto llamar a esta cualidad del talento de Sychev una multivarianza a gran escala. Trabajó apasionadamente en murales monumentales : un fresco en las instalaciones de la Escuela de Arte de Odessa (pronto fue destruido por orden de la administración, que temía la creatividad demasiado libre de sus estudiantes más talentosos). Trabajó en un fresco en Uzbekistán , imbuido de motivos nacionales alegres y refinados. Trabajó en otras cosas monumentales, cuyo destino a menudo resultó ser tan dramático como el de un fresco escolar. En su vida hubo toda una etapa de pinturas de gran formato: trágicas, frenéticas, donde el color rojo palpitaba, atravesando el lienzo con potentes trazos. Eran pinturas de caballete de gran tamaño: 3x4 metros, 5x5 metros - tal es la escala de esa pintura, que pronto se fue al fuego. Una escala acorde con la intensidad trágica de la personalidad del artista. Pero junto a estos lienzos, una vez quemados con sus propias manos en el patio de su propia casa y conservados solo en la memoria de sus seres queridos, están sus grabados sobrevivientes. Serán discutidos. El grabado es un arte aristocrático en su moderación: una línea negra, una mancha, una hoja blanca. No hay movimiento libre del pincel, salpicaduras de pintura gratis. Movimiento escrupulosamente verificado de la aguja de grabado, cortador, grabador. Conservados y cuidadosamente conservados por la familia del artista, sus grabados son mágicamente en miniatura, su tamaño promedio es de 2x3 centímetros. Aquí está la "aguja seca", la técnica ahora casi olvidada de raspar una imagen de espejo en una placa de metal, que luego se encuentra en la impresión. Estas diminutas obras maestras muestran cómo con todo el ardor dominó la agotadora técnica del grabado. Aguafuerte aguafuerte, aguafuerte punta seca, linóleo , xilografía (xilografía) . ¿Es realmente la misma mano, el mismo ojo, la misma alma que creó la poderosa furia de los trágicos lienzos de Sychev y el diminuto virtuosismo de sus grabados? Gracias a la computadora, podemos hojearlos sin cesar, agrandarlos y alejarnos de nosotros mismos, sin olvidar que, contrariamente a la tradición de los gráficos impresos, estas cosas existen cada una en una sola copia. No se replicaron, se conservaron solo en la primera impresión. Tuvieron suerte: ellos, pequeños y frágiles, sobrevivieron.
Hay pocos dibujos de Stanislav Sychev y están distribuidos de manera desigual a lo largo del tiempo. Los trabajos educativos de los estudiantes de 1956-1958 prevalecen claramente , se presentan 1961 y 1965 , solo quedan algunas hojas de los demás. De ellos solo se puede adivinar cómo el artista creció en el exigente arte del dibujo: de los estudios clásicos de estudio de la naturaleza, pasó a una posesión cada vez más libre de una línea limpia, liberando la forma del plano de la hoja (dibujos " Uzbek”, “Cats”) y al juego de líneas deliciosamente relajado e irónico con un avión (“Goat”).
El dibujo , por extraño que parezca al espectador, es generalmente el coleccionable "más pobre". Los coleccionistas saben que el mercado del arte es el que menos posibilidades tiene de encontrar dibujos. Los propios artistas a menudo los tratan sin reverencia, como un material puramente auxiliar para la imagen futura, por lo que los dibujos rara vez se guardan. Pero pasan los años y un boceto conservado accidentalmente adquiere la autenticidad y credibilidad de un documento. Este es también el caso de los dibujos de Sychev presentados en esta sección.
Las acuarelas de Sychev son una esfera especial de su existencia pictórica. En acuarela, la hoja siempre se muestra a través del color, otorgándole la luminosidad propia de esta técnica. Pero en las hojas de Stanislav Sychev, la luminosidad y la ligereza no son dominantes. Su hoja de acuarela está estructurada con líneas que arrebatan una forma a la inexistencia y la fijan en el espacio. El espacio en sí está creado por una técnica refinada: el artista confía completamente en el libre movimiento de las manchas de color en el plano. Al interactuar con la estructura lineal de la hoja, crean un soplo de volumen en ella. El gran crítico de arte ruso Pavel Florensky argumentó que en una obra una línea encarna el pensamiento y el color encarna la emoción. Las acuarelas de Sychev son solo eso. Requieren una mirada reflexiva, un "sentimiento" intelectual. Asómate a cualquier hoja de Sychev, al menos "Los perros vuelan" (7x10 cm, 1979 ) con su grito de rojo. El color aquí, en efecto, está sacado del sujeto, existe como una emoción independiente, como un grito del alma que no se materializa en una cosa. Estas acuarelas no son tanto suaves y luminosas como ocultas, ya menudo francamente trágicas y conmovedoras, densamente mezcladas con la amargura de la sensación del mundo. Aquí están frente a ti en un archivo llamado simplemente "Acuarela". Pero esta es una acuarela de Stanislav Sychev.
Muchos de los primeros retratos y retratos de la última década de la vida del artista están disponibles. Las obras de Sychev de la década de 1950 son formalmente educativas. Pero de ninguna manera son estudiantes o jóvenes. Al mirar estos rostros, vemos personas y vemos una persona: vemos a las personas representadas en el lienzo y vemos a la persona que las representó: un hombre joven, casi un niño, que tiene la capacidad de mirar al héroe tan objetivamente como posible. Hay algo especial en este look: la delicadeza del pincel, tan pocas veces inherente a la juventud.
El joven Sychev tiene una pintura estricta, imbuida de respeto por la persona representada: un modelo escolar, una niña atractiva, un padre en un retrato. Pasarán algunos años y en los retratos aparecerá un sentimiento penetrante de ansiedad (por ejemplo, "Autorretrato", construido en rojo, y muchos otros). Este sentimiento literalmente corroe la armonía del realismo logrado en los primeros retratos. La destrucción de la forma académica por la expresión de la cosmovisión se convirtió en uno de los factores determinantes en el desarrollo posterior del artista. Este proceso es impredecible, porque resultó ser un diálogo.
El diálogo de Sychevsky consigo mismo condujo a su concepción de un retrato femenino en la década de 1990 , que parecía inesperado para muchos. Estamos hablando de obras como "Patricia Valeria", "Melody for Hellas", "Dance of Salome", "Helga's Spring". Preguntaron: ¿qué es? Estilismo Belle Epoque , ¿un tributo tardío al Salón o algo más? - Creo que es el último. Tales retratos femeninos de Sychev son un encuentro fallido de las heroínas consigo mismas. Quién, de hecho, "en la vida" de estas heroínas, no le importa al artista. Después de todo, escribió en sus poemas: No me importa quién seas: una princesa o una prostituta, una heroína y lo que pasó para experimentar en el camino de la vida ... Verdaderamente, todos sabemos quiénes somos, pero no uno sabe quiénes podríamos ser. Con estos retratos, el artista muestra a las mujeres quiénes podrían ser. Estar allí, "en algunos siglos lejanos", como decía la poeta ( Anna Akhmatova ). El artista condujo a sus heroínas al espacio del ser y al tiempo de la existencia que él había creado. Se los llevó y los dejó ahí, en las fotos. Tal es el camino de los retratos de Stanislav Sychev desde los años 50 hasta finales de los 90 , que el espectador verá en esta sección.
Todo lo escrito por Sychev se proyecta sobre una persona, ya sea un interior, una naturaleza muerta o un paisaje (de hecho, prácticamente no se presentan en su forma pura). Viviendo junto al mar, siguió siendo un extraño para la marina como tal, pero desarrolló su propio género autoral, que me gustaría llamar "el hombre y los elementos". Eche un vistazo a la acuarela "Viento", donde la trama es la lucha del cuerpo de una niña con la presión del aire. Pero tal lucha física de una persona con los elementos es más bien una excepción para él. Él, un habitante de la ciudad y del sur, convierte la interacción de una persona con los elementos agua, sol y aire en una declaración de su afinidad, en la interacción de asuntos afines. Sychev vio el cuerpo humano como algo conatural al elemento agua, calentado por el sol y convirtiéndose en su partícula, como algo naturalmente incluido en los ritmos plásticos de la orilla del mar. Sorprendentemente hermosos son los cuerpos de sus mujeres, tendidos en la orilla del mar y bañados por las olas. Son afines a los elementos naturales, forman parte de este ser rítmico y son generados por él. La presencia invisible del hombre en los paisajes de Asia Central ("Kittab", "Mulberry Tree") es más bien una excepción al concepto del autor. Por lo general, su persona se incluye en el paisaje como una encarnación visible del estado individual del personaje. Por lo tanto, al hojear las reproducciones del género paisajístico de Stanislav Sychov, el espectador capta en ellas no tanto un "paisaje del alma" como un paisaje dominado por un elemento separado, un elemento irresistible, cuyo nombre es Destino.
La definición de “pintura de género”, bien conocida por todos los amantes de las bellas artes , suele entenderse como sinónimo del término “género cotidiano” , es decir, una imagen en la que sucede algo. Este “algo” en la historia del arte europeo fue entendido por los artistas de diferentes maneras: desde la alineación concienzuda de los personajes en un lienzo enorme por parte de los académicos hasta el “arrebato” de un estado de la corriente de momentos por parte de los impresionistas. Sin embargo, como señaló un crítico estricto y observador, los impresionistas convirtieron así todo en un paisaje, incluso un rostro humano (por no hablar del acontecimiento). Tratando de no hundirnos en las profundidades de la teoría de los géneros, hagámonos la pregunta: ¿de dónde sacó el artista Stanislav Sychev sus temas? ¿Dónde lo buscaste, dónde lo encontraste? El marco que contiene la trama, a menudo resulta ser las ventanas de la vivienda (al azar mirando por la ventana), las ventanas del automóvil, el tranvía, la puerta entreabierta. Así, el artista se reserva el derecho de no componer los personajes sobre un lienzo en blanco, de no interferir en su relación, sino de fijar la composición ya compuesta por Su Majestad la Oportunidad. Por supuesto, esta es una técnica consciente, ¡pero qué medida de tacto artístico, delicado respeto por los héroes de la imagen futura! Lo que sucede se cuenta de la única manera: la forma en que se representa. El lienzo "En el puerto" puede llamarse formalmente un paisaje, pero es absolutamente imposible llamarlo así, porque la imagen trata de otra cosa. Se trata de la soledad de una persona en un mundo frío y cruel, donde la única alma viviente es un perro. El color amarillo penetrante, los contornos traqueteantes de las figuras de los personajes crean una escena de género dedicada a la soledad verdaderamente desesperada y que permanece en la memoria del espectador como un ejemplo del " género duro " de Sychev . Muchas obras de Stanislav Sychev, formalmente adjuntas a un retrato o boceto, son por su propia naturaleza precisamente un "género duro". ¿Cómo explicar este término ocasional (es decir, compuesto para una ocasión específica)? Busquemos una metáfora. Los amantes del jazz conocen muy bien la sorprendente definición: "Blues es cuando una buena persona se siente mal". ¿No se trata de las pinturas de Stanislav Sychev, que formalmente se pueden definir como tramas o retratos, pero en esencia son puramente el "género duro" de Sychev? Imágenes sobre lo malas que son las personas buenas. Están frente a ti. ¡Sea receptivo! Estaba tan esperanzado .