Cossa, Francesco del

Cossa, Francesco del
Nombrar al nacer Francisco del Cossa
Fecha de nacimiento ESTÁ BIEN. 1436
Lugar de nacimiento
Fecha de muerte 1478( 1478 )
Un lugar de muerte
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Francesco del Cossa ( en italiano:  Francesco del Cossa ; c. 1436 , Ferrara  - 1478 , Bolonia ) fue un pintor renacentista italiano .

Biografía

Giorgio Vasari , en su obra de varios volúmenes dedicada a pintores y escultores, no dejó una biografía de Francesco. Es más, allí confundió a Francesco del Cossa con Lorenzo Costa . Poco se sabía del artista hasta el siglo XIX, cuando se descubrieron sus frescos en el Palacio Schifanoia . Solo después de eso fue posible determinar el verdadero significado de su trabajo en la historia del arte italiano. El camino de vida del artista ha sido parcialmente restaurado gracias a los pocos documentos que se conservan.

Se desconoce la fecha de nacimiento del pintor. La fecha actual de 1436 es una inferencia derivada de las cartas de los dos eruditos boloñeses Angelo Michele Salimbeni y Sebastiano Aldrovandi, de febrero y mayo de 1478, en las que se menciona que el pintor Francesco del Cossa murió prematuramente en Bolonia en 1478 a la edad de 42 años.

Se han documentado los padres de Francesco, el maestro cantero Cristoforo y su esposa Fjordelisia Mastria. Su padre, lejos de ser la última persona en la ciudad, participó en la construcción del campanario de la Catedral de Ferrara. Los investigadores creen que bajo la influencia de su padre, Francesco dominó la escultura, ya que además de pintar se dedicaba a la escultura, así como a la preparación de vidrieras.

El nombre de Francesco se menciona por primera vez en un documento fechado el 11 de septiembre de 1456, que informa que el joven artista recibió pago por el fresco del Descendimiento de la Cruz, pintado cerca del altar de la Catedral de Ferrara (aunque no se puede entender del texto si era un fresco o un grupo escultórico). El padre de Francesco, Cristoforo, está designado en el documento como el tutor responsable de la parte financiera del asunto, lo que significa que el artista aún no tenía un estatus independiente. Esta obra duró poco, ya que a finales del siglo XV se reconstruyó el ábside del templo, y la obra fue destruida. En dos actas notariales diferentes de Ferrara de 1460, Francesco actúa como testigo y ya se le designa como "pictor", es decir, el artista. Sin embargo, continuó bajo la tutela legal de su padre hasta noviembre de este año.

El siguiente documento relacionado con Francesco del Cossa se encontró en Bolonia; dice que el pintor actuó como testigo en el bautizo del hijo del senador boloñés, el notario Bartolomeo Garganelli. El documento se considera prueba de los primeros contactos de Francesco con Bolonia, donde más tarde encontraría importantes clientes para sus obras entre la élite local (en particular, Garganelli le encargó pintar en la iglesia de San Pietro, lo que despertó la admiración de sus contemporáneos, pero posteriormente fue destruido). Padre Bartolomeo Garganelli - Domenico murió en el mismo año 1478 que Francesco; Se cree que la lápida escultórica de Garganelli, ordenada con anticipación, fue hecha por el propio Francesco o por su alumno Ercole de Roberti , quien también fue patrocinado por la familia Garganelli.

En 1463 murió su padre, pero los documentos no informan nada sobre el propio Francesco hasta 1467. Los investigadores sugieren que durante este período el artista pudo visitar Florencia y conocer allí el arte del dibujante y grabador Mazo Finiguerra, así como la obra de Domenico Veneziano , ya que la cultura florentina de representar el cuerpo humano, estrechamente asociada con la escultura. , y el característico trabajo florentino con ricos colores en las pinturas se encuentran en las obras posteriores de Francesco del Cossa, creadas después de 1467.

El 11 de febrero de 1467 fue celebrado en su Ferrara natal, pero un poco más tarde ese mismo año regresó a Bolonia, donde fue invitado a instalar vidrieras en la iglesia de San Giovanni in Monte. Francesco hizo los cartones de vidrieras que representan "Madonna and Child with Angels" (la vidriera fue realizada por los hermanos Domenico y Giacomo Cabrini), y "Madonna and Child" (esta vidriera se encuentra ahora en el Museo Jacquemart André, París) y, probablemente, "Joanna on Patmos".

En 1469 o principios de 1470, Francesco regresa a Ferrara, donde, por invitación del duque de Borso d'Este , participa en la pintura del Palacio Schifanoia. Habiendo completado tres grandes frescos en el Salón de los Meses (Salone dei Mesi) que representan "marzo", "abril" y "mayo", Francesco se dirigió al duque con una carta en la que pedía un aumento en el pago de su trabajo. ya que se consideraba un maestro más conocido que otros artistas que trabajaron en el palazzo. Además, como informa Francesco, utilizó oro y pinturas más caras y, por tanto, mejores, y trabajó solo (da sollo), mientras que el duque fijó un precio fijo por 1 pie cuadrado (piede) en 10 bolognini, independientemente de la calidad y el número. de maestros Borso d'Este dejó en esta petición una resolución deseando que Francesco se contentara con la tarifa señalada, ya que esta tarifa se estableció específicamente para los maestros que fueron llamados a pintar las partes más importantes de la sala. Después de eso, el ofendido Francesco se fue a Bolonia, donde vivió principalmente hasta su muerte en 1478.

En Bolonia le esperaban prestigiosas órdenes. El gobernante de Bolonia , Giovanni II Bentivoglio (1443-1508), lo invitó a restaurar y reescribir parcialmente el llamado. Madona del Baraccano. Francesco completó el trabajo en 1472. Este fresco del Santuario de Santa Maria del Baraccano fue objeto de culto y de gran importancia para la familia Bentivoglio. En 1473 el artista realizó dos cartulinas preparatorias con figuras de S. Agustín y San Petronio para el templo de San Petronio, donde estos santos fueron representados mediante la técnica de la taracea. Al mismo tiempo (1470-73), junto con Ercole dei Roberti, estaba trabajando en un gran retablo para la Capilla Floriano Griffoni (el llamado Políptico Griffoni). Ahora, partes separadas de este altar desmantelado se conservan en diferentes museos del mundo.

En 1474, pintó un gran cuadro para la Cámara de Comercio de Bolonia, Madonna and Child Enthroned with St. Petronio, S. Juan el evangelista y donante adorador Alberto Cattani. Este cuadro, conocido como Pala dei Mercanti, está fechado y firmado por el artista.

En un documento fechado en 1475, él, junto con Bartolomeo Garganelli, con quien tenía relaciones comerciales, actúa como compañero de Marco Antonio degli Arloggi, y al año siguiente se convierte en padrino de otro hijo de Bartolomeo Garganelli. En el mismo año, 1476, su nombre aparece en un contrato comercial con dos sobrinos en Ferrara.

En 1478, Francesco estaba ocupado pintando la Capilla Garganelli en el templo de San Pietro de Bolonia, así como haciendo esculturas para esta capilla. La muerte inesperada y prematura del maestro ese año (que se cree que fue por la peste) interrumpió su trabajo. Todavía se desconoce qué tipo de escultura era, y los murales fueron completados por su alumno Ercole de Roberti. Estos frescos no tuvieron suerte. A pesar de las críticas favorables sobre ellos, en particular, luminarias como Michelangelo Buonarotti, los frescos fueron destruidos durante la reconstrucción del templo. Sólo unos pocos fragmentos han sobrevivido de ellos.

Creatividad

El florecimiento de la pintura en Ferrara y lo que suele llamarse la "escuela de Ferrara" están asociados con el reinado de los duques de Este. La fama de esta familia comenzó con Alberto d'Este (der. 1388-93), quien en 1391 fundó la universidad en Ferrara (Studio di Ferrara). Sin embargo, el verdadero avance para convertir a Ferrara en uno de los centros del Renacimiento se produjo bajo Lionello d'Este (1407-1450), alumno del famoso científico humanista Guarino da Verona (1374-1460). Entre los que trabajaron en Ferrara bajo este gobernante estaban Leon Battista Alberti (en 1438 y en 1441), Pisanello (1438), Jacopo Bellini (1441), Rogier van der Weyden (1450), Andrea Mantegna (1446-47) y Piero della Francisca (1446-47). Las obras de estos maestros sentaron las bases en Ferrara de lo que se convertiría en la "escuela de pintura de Ferrara". Los artesanos locales absorbieron este rico patrimonio y lo desarrollaron en un estilo especial inherente a los gustos de Ferrara.

Junto con Cosimo Tura y Ercole de Roberti, Francesco es considerado el representante más importante de esta escuela de pintura. Se cree que Cosimo Tura jugó un papel importante en su formación , aunque no hay pruebas fehacientes de que Francesco fuera alumno suyo. Varias fuentes de la obra de Tura, entre las que se encuentran la pintura veneciana contemporánea, el gótico internacional y la pintura de Mantegna, se combinaron en su obra con la ayuda de una gráfica única: los volúmenes de las figuras en las obras de Tura se ahogan en la línea desenfrenada y nerviosa del diseño de ropa. . Esta manera, así como la obra de Piero della Francesca, fueron decisivas para las escasas obras tempranas de Francesco del Cossa. En ellos suaviza la rígida naturaleza gráfica de Tura con una línea más suave y una construcción suave de los volúmenes.

Su obra maestra indudable: los frescos en el Palacio Schifanoia ya contienen escenas antiguas, como " Triunfos " o " Tres Gracias" . Estos frescos combinan armoniosamente una variedad de motivos: paisajes fantásticos, personajes mitológicos, escenas de la vida de Borso d'Este. y sus cortesanos, todo esto se transmite con la ayuda de un dibujo hábil y colores ricos. Se presta especial atención a la arquitectura diversa y ricamente decorada. Los frescos representan una fiesta pintoresca, muy alejada de las obras secas de su maestro Tura, y aunque todavía sienten el aliento del gótico tardío, las obras están imbuidas de un nuevo espíritu renacentista.

En el altar "Anunciación", realizada para c. Osservanza, la influencia de Piero della Francesca es evidente, expresada en la imagen del espacio que Francesco del Cossa construye con la ayuda de la perspectiva y la iluminación. En general, la obra de madurez del maestro es una original y armoniosa fusión de las corrientes artísticas renacentistas con el gótico saliente. Esta manera, en mayor o menor grado, fue continuada por su alumno Ercole de Roberti, quien a su vez influyó en la formación de Lorenzo Costa.

Grandes obras

Las primeras obras de Francesco del Cossa no se conocen con certeza, especialmente porque el artista novato, probablemente, no dejó una firma en ellas. El investigador italiano Roberto Longhi atribuyó a tales obras “Lamentación de Cristo con S. Francis (Museo Jacquemart André, París), St. Justina Padua y Donator (Chasen Museum of Art, Madison; esta pintura también se atribuye a Bernardo Parentino), Madonna and Child (Bucknell University Art Gallery, Lewisburg), Madonna and Child (National Gallery of Art, Washington). No todos los investigadores están de acuerdo con estas atribuciones, y no existe una vinculación exacta de estos trabajos a una fecha específica, se supone que fueron creados en los años 1450-1460.

Vidrieras de San Giovanni in Monte Las vidrieras fueron realizadas por los hermanos Jacopo y Domenico Cabrini. Francesco del Cossa preparó las cartulinas estampadas, que luego se transfirieron a vidrios de colores. Se le atribuye la autoría de tres vidrieras "Madonna and Child" (ahora en el Museo Jacquemart André, París), así como "Madonna and Child with Angels" y "John on Patmos" (ambas en San Giovanni in Monte , Bolonia). Datan de 1467, y en ellos se nota especialmente la suavidad de las líneas, alejando a Francesco de la manera de Cosme Tura.

Retrato de un niño de perfil. (finales de la década de 1460; 25x18 cm, Galería Nacional de Arte, Washington). El retrato de un niño desconocido fue retocado repetidamente. Hubo largas discusiones sobre la autoría de la obra: se propusieron una variedad de candidatos de los pintores de la primera fila, desde el milanés Boltraffio, hasta los venecianos Jacopo Bellini, Alvise Vivarini y Girolamo da Santacroce y el florentino Francesco Botticini. Frederick Mason Perkins sugirió en 1938 que el autor del retrato era de origen Ferrara. En un catálogo de la Galería Nacional de 2003, uno de los mejores conocedores de la pintura italiana, Miklós Boskovitz, atribuyó la pintura a Francesco del Cossa, señalando que probablemente fue creada a fines de la década de 1460. Adquirido por Samuel Kress en 1937.

Frescos en el Palacio Schifanoia. (tres frescos, cada uno midiendo aprox. 500x320 cm; 1470, Palazzo Schifanoia, Ferrara). Palazzo Schifanoia (probablemente del italiano schivar la noia - "despreciar el aburrimiento") fue construido como un palacio de verano para el entretenimiento de la familia y la corte del gobernante de Ferrara, Borso d'Este. La Sala de los Meses (Sala dei Mesi) es la sala principal del palacio, de 11x25 metros de tamaño, ubicada en la planta baja y adosada al palacio por el arquitecto Pietro Benvenuti poco después de 1465. Los frescos decoraban la sala a lo largo de todo el perímetro de las paredes. De estos, a menudo con pérdidas significativas, solo han sobrevivido los frescos de los muros este y norte. Esto se debe a que a lo largo de varios siglos el edificio sufrió grandes daños: primero, Ercole I d'Este intentó reconstruirlo, y el techo se derrumbó como resultado, luego, cuando la línea masculina de los d'Este dinastía se trunca bajo Alfonso II en 1597, el edificio pasó al conde Massa Carrara - Cibo, quien lo abandonó por completo, desde 1736, cuando se instaló allí una fábrica de tabaco, el edificio sufrió repetidas reformas constructivas, y las paredes con frescos fueron revocadas . Se quedó solo después de que el palacio se convirtiera en propiedad municipal en 1898 y se convirtiera en un museo.

Los frescos fueron descubiertos en 1835-40 e inicialmente se asociaron con el trabajo de Cosimo Tura. No ha sobrevivido ningún contrato relacionado con la historia de la creación de los frescos, por lo que hasta que Adolfo Venturi publicó una carta de Francesco del Cossa al duque de Borso d'Este en 1885, los investigadores no pudieron determinar con precisión la autoría de las obras. En una carta, del Cossa indica que pintó tres frescos "marzo", "abril" y "mayo". Varios investigadores afirman que, al menos en el fresco de abril, fue asistido por su alumno Ercole dei Roberti. Los frescos fueron restaurados en 2001, 2004 y 2019-20.

Cada fresco está dividido en tres secciones horizontales. La parte superior representa triunfos paganos, el centro muestra los signos del zodíaco y la parte inferior muestra escenas de la vida cotidiana del duque de Borso d'Este. Cada signo del zodíaco está acompañado por tres "decanos", a los lados y encima.

" marzo "

En la parte superior, Minerva, Diosa de la Sabiduría, reina triunfante sobre un carro tirado por dos unicornios. A su derecha, las mujeres se reúnen alrededor de un telar, un poco más abajo frente a ellas se sientan tres mujeres, que simbolizan los Parques (o Destinos): una borda y las otras dos miden y cortan el hilo de la vida. A la izquierda hay un grupo de científicos que están discutiendo algo; probablemente incluye retratos de profesores y abogados reales (se cree que Leon Battista Alberti está representado en este grupo a la derecha). En la sección central está el signo de Aries con tres decanatos. En la parte inferior a la izquierda, el duque de Borso d'Este sale de caza. El artista dotó a esta escena de muchos detalles cotidianos: un perro observa patos en un estanque, unos sabuesos persiguen una liebre, un duque lidera una escuadra de cazadores y, al fondo, unos campesinos podan vides. En el lado derecho, el duque de Borso d'Este, rodeado de cortesanos, hace justicia, escuchando la queja de los pobres.

" abril "

En la parte superior, la diosa del amor Venus hace su triunfo, sentada sobre una balsa coronada de rosas rojas y blancas, a la que está enganchada una pareja de cisnes. En una mano sostiene un membrillo, en la otra una manzana dorada, que le entregó Paris. Las palomas revolotean sobre su cabeza, y justo frente a ella, el dios de la guerra Marte se arrodilló: la escena simboliza la victoria del amor sobre la enemistad. En las orillas del río, los jóvenes cuidan de las niñas bellamente vestidas. Los arbustos de granada y los conejos blancos que corretean entre las parejas simbolizan la fertilidad. Arriba a la derecha, sobre un altozano, se representan las tres Gracias.

En la sección central está el signo de Tauro. En la sección inferior a la izquierda, Borso d'Este regresa de cazar; gran parte de esta escena se pierde debido a un corte en la puerta. En el lado derecho, un sonriente Borso d'Este entrega dinero a su bufón de la corte, Skokkola. Se cree que algunos de los retratos de los cortesanos de esta escena fueron reescritos por el artista Baldassare d'Este. Arriba están las carreras (palio) que se celebraron en Ferrara en la fiesta de San Jorge. Damas con lujosos tocados y otros espectadores miran por las ventanas y observan la competencia desde balcones cubiertos con alfombras orientales.

"Mayo"

La sección superior muestra a Apolo sosteniendo un arco en una mano y el símbolo del sol en la otra. Triunfa en un carro conducido por Aurora (Dawn); el carro es conducido por cuatro caballos, simbolizando la mañana, el día, la tarde y la noche. A su izquierda hay un grupo de poetas, a la derecha arriba, las Nueve Musas. Los científicos no han encontrado una explicación satisfactoria para la presencia de una gran multitud de putti desnudos a la derecha, su significado sigue sin estar claro.

En la sección central está el signo de Géminis. La sección inferior fue destruida en su mayor parte en el siglo XVIII cuando se cortó una puerta a través de la pared. Anteriormente, se representaba allí a unos campesinos que presentaban una cesta de cerezas a Borso d'Este. Los fragmentos sobrevivientes muestran cosechas, podas y otras escenas de la vida rural.

El retablo de la Anunciación con la predela de la Natividad (Galería de Dresde, 139x134 cm y 26x116 cm respectivamente, 1471). Las pinturas son fragmentos de un retablo comprado en 1750 por el elector de Sajonia, Augusto III, como obra de Mantegna (su firma falsificada una vez estuvo allí). Posteriormente, el altar se atribuyó a Alessio Baldovinetti y Pollaiolo. Roberto Longhi en 1934 determinó que fue obra de Francesco del Cossa, originaria de la iglesia Osservanza de Bolonia, fue creada hacia 1471. Longhi atribuyó a este altar también dos pequeños paneles con figuras de S. Clara y Sta. Catherine, que ahora se conservan en la colección Thyssen Bornemiss de Madrid. Con toda probabilidad, estaban situados a los lados de la predela.

A la escena de la "Anunciación" se le da un ambiente arquitectónico extraño: los edificios están revestidos con mármol exótico, toda la escena está dividida por una columna corintia abigarrada. Una diminuta figura en el cielo de Dios Padre, soltando una paloma, es visible solo a través del arco izquierdo que conduce a la calle con palacios inusuales. El dormitorio de la Virgen es visible a través del arco derecho. Un enorme caracol se desliza por el borde inferior de la imagen. Este caracol ha causado muchas disputas e interpretaciones. Algunos creían que era un símbolo de la Inmaculada Concepción, otros que era un símbolo de humildad, otros que era un símbolo de muerte y resurrección, pero como casi nunca se encuentran caracoles en las imágenes religiosas, otros investigadores consideraron que esto era simplemente una demostración del artista de sus habilidades para representar diferentes criaturas vivas.

La larga predela del retablo es inusual porque no está dividida por escenas individuales; todo está lleno de un tema: la representación de la escena de la natividad. Algunos investigadores consideran que la predela no es obra del propio Cossa, sino de su taller.

"Madonna and Child" en Santa Maria del Baraccano (1472, fresco, fue retirado y reinstalado detrás del altar mayor; 400x250 cm, tiene la firma del artista y la fecha). Se cree que el fresco fue pintado a finales del siglo XIV por el artista boloñés Lippo di Dalmasio. Francesco solo agregó dos ángeles con candelabros y renovó la propia Virgen, recibiendo 100 ducados por esto. A los pies del trono de la Virgen, se representan dos donantes, y los investigadores aún no han determinado si se trata de retratos de Giovanni Bentivoglio y su esposa, o de Bente Bentivoglio y Maria Vinciguerra, quienes iniciaron el culto a esta Virgen. .

"Políptico Griffoni" (c. 1470-73, dado que no se ha conservado el marco original, las dimensiones estimadas del políptico con el marco son de aproximadamente 2,8 x 3,7 m). Gran altar para su capilla en c. San Petronio in Ferrara fue encargado por el rico comerciante Floriano Griffoni. Está dedicada a San Vicente Ferrer y fue encargada poco después de la canonización del santo en 1458. Francesco del Cossa, a quien se encargó el altar, invitó a Ercole de Roberti a trabajar juntos, por lo que todos los paneles principales del políptico fueron ejecutados por Francesco, Ercole pintó la predela y pequeñas imágenes de santos en las pilastras laterales. El carpintero del barco Agostino de Marchi da Crema, junto con Cossa y de Roberti, trabajaron en el marco del altar. La fecha de finalización de la obra se considera el 19 de julio de 1473, cuando el carpintero Agostino de Marchi da Crema recibió el pago final del marco tallado, aunque las pinturas podrían haber sido terminadas antes.

En el siglo XVI, el altar fue visto por Giorgio Vasari, pero sin saberlo lo atribuyó a su alumno Ercole de Roberti "Lorenzo Cossa" (es decir, Lorenzo Costa). En su forma original, la obra se mantuvo hasta aproximadamente 1725, cuando el nuevo propietario de la capilla, el cardenal Pompeo Aldrovandi, desmanteló el altar y utilizó sus partes individuales como "pinturas de habitación" para la residencia de campo de su familia en Mirabello, cerca de Ferrara (él informa esto en una carta fechada el 22 de octubre de 1731). Posteriormente, partes individuales del altar llegaron al mercado comercial, pasaron a diferentes colecciones y la existencia del altar fue olvidada. En 1934, el investigador italiano Roberto Longhi llegó a la conclusión de que las pinturas individuales de Cossa de diferentes museos eran partes del mismo altar. Su hipótesis fue confirmada por el dibujo de Stefano Orlandi de este políptico, que se adjuntó a la correspondencia de Aldrovandi y fue descubierto recién en los años 80 del siglo pasado.

En el centro del políptico había una pintura que representaba a St. Vincent Ferrer (154x60 cm, National Gallery, Londres). El santo dominico español se muestra de cuerpo entero con un rosario en una mano y un libro en la otra. Bajo sus pies hay un extraño pedestal que descansa sobre una columna cortada. Sobre el santo se encuentra la figura de Cristo rodeado de ángeles con instrumentos de pasión. La pintura fue adquirida por la Galería Nacional en 1858 de la colección Costabili en Ferrara.

A los lados de la figura principal del altar había imágenes de S. Pedro y San Juan Bautista (ambas pinturas de 112x50 cm cada una, Brera Pinacoteca, Milán). San Pedro está representado canónicamente: con llaves y un libro, Juan el Bautista sostiene una cruz de caña con la figura de un cordero y un pergamino que revolotea con las palabras "He aquí una voz que clama en el desierto" (Juan; 1, 23). Detrás de ellos se puede ver un paisaje sólido de "Mantenev", así como guirnaldas de coral y cristal de roca (quizás simbolizan el rosario). Ambos cuadros fueron adquiridos por el Museo de Brera en 1893 al empresario de Ferrara Giuseppe Cavalieri.

El nivel superior constaba de tres pinturas: “St. Florian" (79,4x55 cm), "La crucifixión de Cristo" (dia. 60x63,2 cm) y "St. Lucía" (77,2x56cm); los tres están hoy en la Galería Nacional, Washington. San Florián es el patrón del monaguillo Floriano Griffoni, sostiene una espada y una flor en sus manos (aunque el santo se identificó originalmente como San Martín o San Liberale). Santa Lucía es la patrona de la esposa del cliente, Lucía Griffoni. En lugar del plato habitual con ojos, tiene una flor con ojos en lugar de pétalos en la mano y una rama de palma en la otra mano. Ambas pinturas fueron consideradas obra de Marco Zoppo a mediados del siglo XIX. Samuel Kress las adquirió en 1936 de un coleccionista parisino y posteriormente las transfirió a la National Gallery.

En la "Crucifixión" redonda a los lados de la cruz están las figuras de la Virgen y Juan de luto. Esta pintura fue comprada por Philip Lehmann en 1914 de la colección Costabili en Ferrara, creyendo que era obra de Andrea Castagno. Pero al enterarse de que este era el trabajo de la escuela de Ferrara, lo vendió en 1943 a Samuel Kress, y decidió que el trabajo de una escuela tan insignificante no valía la pena el dinero gastado. En las tres pinturas se utiliza un fondo dorado, común en la pintura gótica, que indica la esencia extraterrestre del representado.

La parte superior del altar estaba coronada por dos tondos que representaban la "Anunciación" (ambos de 25 cm de diámetro, Museo Villa Cagnola, Gazzada). A la izquierda está el Arcángel Gabriel con una flor en la mano, a la derecha está la Madre de Dios leyendo un libro. No todos consideran que la "Anunciación" pertenezca a la mano de Cossa, algunos investigadores y, en particular, en el museo donde se conservan dos tondos, los consideran obra de Ercole de Roberti.

Retrato de un hombre con un anillo (c. 1472-1477; 38x27 cm, Colección Thyssen-Bornemisza, Madrid) En torno a este retrato hubo largas discusiones, tanto sobre el personaje representado como sobre su autoría. Berenson consideró a Ercole de Roberti como el autor de la obra, Longhi decidió que era obra de Francesco del Cossa. Otros pintores de Ferrara también fueron propuestos como candidatos, pero la mayoría de los investigadores coincidieron con la opinión de Roberto Longhi, quien señaló la fina técnica y el fuerte modelado, que hablan de la influencia de Antonello da Messina o pintura holandesa. Además, el fondo del paisaje con rocas extrañas se hace eco de un paisaje similar detrás de St. Vincent Ferrer de la Galería de Londres.

Existe una larga tradición sobre el personaje representado, posiblemente del siglo XVI, que se trata de un retrato del pintor y joyero boloñés Francesco Francia. Sin embargo, el mismo Longhi expresó dudas al respecto, señalando la vestimenta del personaje y la tipología general de la obra. En 1915 se propuso una versión de que el representado es un representante de la familia d'Este, ya que el diamante del anillo es uno de los emblemas de esta dinastía. Pero es posible que se trate simplemente de un retrato de un novio desconocido tendiéndole un anillo a su novia, que probablemente estaba retratada en un retrato de pareja, como era costumbre en aquella época. El retrato fue adquirido por el barón Hans Heinrich Thyssen-Bornemisza para su colección en 1956.

Pala dei Mercanti (1474, Pinacoteca Nacional, Bolonia; 228x226cm) Esta obra tardía fue pintada por el artista en Bolonia cuatro años antes de su muerte. Según una inscripción en la base del trono de la Virgen, la pintura fue encargada en 1474 por el juez Alberto de Cattanei y el notario Domenico degli Amorini, para la Cámara de Comercio (Foro de 'Mercanti). La Virgen y el Niño se sienta bajo un arco artesonado entre candelabros decorativos adornados con frutas. Sobre sus cabezas se ensartan cuentas de coral rojo (que simbolizan la Pasión de Cristo) y cristal de roca (que simbolizan la pureza de la Virgen). A la izquierda, San Petronio (quizás un retrato de algún eclesiástico destacado) sostiene una maqueta de la ciudad de Bolonia. A la derecha, Juan el Teólogo lee el Evangelio. A la izquierda del trono, el donante, el juez Alberto de Cattanei, está de pie en una pose de reverencia. La escena de la Anunciación está representada en la parte superior de la imagen: a la izquierda está un ángel, a la derecha está la Madre de Dios.

Encuentro del rey Salomón y la reina de Saba (desco da parto, 61x61 cm; fechado en el tercer cuarto del siglo XV, Museum of Fine Arts, Boston). El trabajo es una bandeja para mujeres en trabajo de parto, en la que se presentaban golosinas a la madre después de un parto exitoso. El tema del encuentro de Salomón y la Reina de Saba fue muy popular durante el Renacimiento, a menudo se representaba en los cofres de boda "cassonne". En el reverso de la bandeja, un putto alado desnudo sostiene dos grandes cuernos de la abundancia, que simbolizan la fertilidad. La obra se atribuyó originalmente al artista camerino Giovanni Boccati, pero el museo actualmente la etiqueta como "atribuida a Cossa". La bandeja fue comprada en 1917 por la Sra. Walter Scott Fitz como regalo al Museo de Bellas Artes de Boston.

Notas

  1. ↑ Lista sindical de nombres de artistas  (inglés) - 2017.

Fuentes

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Bibliografía

Enlaces

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