Botticini, Francesco

francesco boticini
italiano  francesco boticini
Fecha de nacimiento 1446 [1] [2] [3] […]
Lugar de nacimiento
Fecha de muerte 16 de enero de 1498( 1498-01-16 ) [4]
Un lugar de muerte
País
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Francesco Botticini ( en italiano:  Francesco di Giovanni Botticini ; 1446 , Florencia  - 16 de enero de 1498 , Florencia) fue un pintor renacentista italiano .

Biografía

A pesar de que Francesco Botticini era un artista florentino bastante grande, Giorgio Vasari no lo mencionó en su obra de varios volúmenes. Por otra parte, la obra más famosa de Botticini, el cuadro "La Ascensión de María" ("Retablo de Palmieri", Londres, National Gallery) que Vasari atribuyó erróneamente al pincel Sandro Botticelli . La escasez de documentos encontrados en los archivos no permite una biografía coherente y completa del artista.

Botticini nació en la familia de Giovanni di Domenico, un artista que hacía y pintaba naipes. Con toda probabilidad, fue su padre quien le inculcó el gusto por el dibujo y le enseñó habilidades primarias. A la edad de doce o trece años (22 de octubre de 1459), Francesco fue enviado a estudiar por el artista florentino Neri di Bicci , quien dirigía un taller para la fabricación de una variedad de productos pictóricos de contenido religioso, hechos a un precio comercial medio. nivel. Neri di Bicci en la historia del arte italiano se hizo famoso por su "Diario", en el que, con la metódica de un contador, describió su negocio de arte: gastos e ingresos, así como todos los eventos asociados con este negocio. En el "Diario" llama a Botticini "Francesco di Giovanni naibaio" (el término "naibio" denotaba el trabajo rutinario de un aprendiz que pintaba cajas, ataúdes, banderas y otras bagatelas) e informa que menos de un año después (24 de junio de 1460) Francesco se escapó de su taller. En 1469, es decir, 9 años después, Botticini, con 23 años, ya era un maestro tan independiente y respetado que se unió a la comisión para evaluar la calidad de una de las obras de su antiguo maestro, realizada para el monasterio de Santa Maria di Candeli (este hecho también se describe en el Diario de Neri di Bicci). Según la opinión general de los expertos, Francesco Botticini dejó Neri di Bicci por el taller de Andrea Verrocchio , un destacado maestro del Renacimiento, que nutrió y reveló al mundo una serie de grandes talentos: Leonardo da Vinci , Sandro Botticelli , Domenico Ghirlandaio . , Pietro Perugino y otros Fue en el taller de Verrocchio donde Botticini alcanzó el nivel de un verdadero maestro en dibujo, figuras plásticas y soluciones compositivas. La influencia del maestro en Francesco fue tan fuerte que los investigadores consideraron erróneamente que algunas de sus obras del período temprano eran obras del propio Andrea Verrocchio.

Hacia 1470, el artista se unió a la Hermandad del Arcángel Rafael (la llamada “Raffa”), y pintó para él el famoso cuadro “Tres arcángeles y Tobio”, que ahora se conserva en la Galería de los Uffizi (hay constancia de pagando al artista una pequeña cantidad por parte del trabajo realizado). Un año más tarde (1471) aparece el nombre de Francesco entre los miembros de la Hermandad de St. Luke (asociación de artistas, escultores, joyeros, etc.). Por esta época, creó un taller que desempeñó un papel destacado en la vida artística de la Toscana, y trabajó en Florencia, Empoli, Valdarna, realizando varias órdenes, incluida la famosa "Ascensión de María" (1474-76, National Gallery, Londres). ) y "Tabernáculo de St. Sebastián" (después de 1476, Empoli, Museo). Otros documentos cubren sus actividades en 1484 y 1491. Informan que durante este período el artista trabajó en el altar de la iglesia de Sant'Andrea, la llamada. "Tabernáculo del Sacramento", que se instaló en el templo en 1491.

A fines de la década de 1480 y 1490, la empresa familiar, en la que, junto con Francesco Botticini, también trabajaba su hijo Raffaello , realizó trabajos en pequeños asentamientos alrededor de Florencia. En Fucecchio, localidad cercana a Empoli, se conserva un contrato fechado en 1492, según el cual Botticini pintó el retablo de la Virgen y el Niño con los santos para la Hermandad de S. Cross (ahora en el Museo Metropolitano de Arte, Nueva York), y su hijo Raffaello el retablo "La Anunciación con St. Francisco y Andrés. En la década de 1490, los investigadores atribuyen una serie de obras importantes creadas por Francesco para iglesias provinciales: el Altar de St. Jerome (Londres, National Gallery), el altar "Madonna and Child with Saints" (Prato, Museum), etc. Con toda probabilidad, el artista vivió toda su vida en Florencia, en la zona de Santa Croce, viajando por negocios solo a pequeños ciudades de provincia, y siguió trabajando activamente hasta su muerte, acaecida el 16 de enero de 1498.

Creatividad

En el ciclo de ideas artísticas que se sucedieron en Florencia en la segunda mitad del siglo XV, Francesco Botticini maniobró con bastante éxito, utilizando en su arte todo lo que consideraba necesario. Su trabajo se considera influenciado por Verrocchio, Botticelli, Andrea del Castagno , Cosimo Rosselli , Filippino Lippi y la pintura flamenca. Los primeros investigadores de la obra de Botticini, como Bernard Bernson y Raymond van Marle , fueron críticos con su legado, acusando al artista de falta de originalidad y tendencia a imitar los estilos de otros pintores. Los especialistas modernos, no tan categóricos en sus críticas, se refieren al Tratado de Cennino Cennini , que relata que copiar a artistas reconocidos formaba parte de la formación, para lo cual existían colecciones de dibujos y diagramas que circulaban entre los talleres de arte.

La obra de Botticini se divide en tres períodos principales: el temprano, en el que se hace visible la dependencia del arte de su maestro Andrea Verrocchio; el período maduro de la década de 1470 - principios de la década de 1480, cuando el artista, influenciado por las obras de Sandro Botticelli y la pintura flamenca, pudo crear un estilo complejo y refinado individual; y el período tardío, que se caracteriza por la reproducción de clichés artísticos y la repetición de fórmulas propias comprobadas: en este momento, el artista trabajaba principalmente para clientes de las ciudades de provincia alrededor de Florencia. Las obras que existen hoy, atribuidas al maestro, por regla general, no tienen firma ni fecha, por lo que diferentes autores atribuyen algunas de sus obras a obras anteriores o posteriores.

Primeros trabajos

Everett Fahey y Luciano Bellosi, que estudiaron la obra del joven Botticini, atribuyeron al período temprano (1465-70) una serie de obras, entre ellas "St. Sebastian (Museo Metropolitano de Arte, Nueva York; previamente atribuido a Andrea Castagno); una serie de pinturas de la predela de un altar desconocido: "La resurrección de Cristo" (Frick Collection, Nueva York) y "Crucifixión" (National Gallery, Londres); “La flagelación de Cristo” (col. Burnson, Settignano), “La última cena” (Galería Nacional de Escocia, Edimburgo) y otros, del propio Andrea Verrocchio, también obra temprana de Francesco Botticini. El punto culminante del período de dependencia del trabajo de Verrocchio fue la creación de la pintura "Tres arcángeles y Tobio" (c. 1471; Galería de los Uffizi, Florencia). Anteriormente, se consideraba obra de Andrea Verrocchio, por lo que la imagen es estilísticamente cercana a la gama de obras sobre este tema que salieron de su taller (por ejemplo, una variante de la National Gallery, Londres).

Tres arcángeles y Tobius

La historia de Tobías se describe en el Libro bíblico de Tobías, que no se incluyó en el texto canónico. Tobías era un rico mercader de Nínive, que hacía mucho bien a la gente y posteriormente quebró. Envió a su hijo Tobius a Median Ragi para recuperar la plata que había sido depositada durante mucho tiempo con su antiguo socio. Tobías conoció a un joven que dijo conocer el camino y se ofreció a acompañarlo. En el camino, Tobías decidió bañarse en el río y un gran pez lo atacó. Su compañero ordenó apoderarse de ella y arrojarla a tierra. Hornearon y comieron el pescado, y se llevaron el hígado, el corazón y la bilis. El padre de Tobius sufría de ceguera, y el compañero de Tobius le aconsejó que lo curara con la bilis de este pez. Después de varias colisiones dramáticas, Tobius regresó a casa sano y salvo, curó los ojos de su padre y solo entonces se dio cuenta de que lo acompañaba nada menos que el mismísimo arcángel Rafael. Gracias a esta historia bíblica, el arcángel Rafael comenzó a ser venerado como el santo patrón de los viajeros y un hábil sanador. Este culto dio origen a la Hermandad del Arcángel Rafael, muy popular en Florencia en los años 1450-80, y las pinturas que representan la historia de Tobías, que fueron creadas durante este período por una variedad de artistas. Como regla general, estas pinturas no estaban destinadas al altar, sino que se colgaban en las paredes laterales de los templos, lo que permitía a los creyentes dirigirse al arcángel Rafael con tal o cual oración.

Francesco Botticini escribió su versión de la historia de Tobías por orden de la Hermandad del Arcángel Rafael ("Il Raffa"), de la que se convirtió en miembro de facto alrededor de 1470. En contraste con el trabajo sobre este tema de su maestro Andrea Verrocchio, el artista aumentó el número de personajes al incluir dos arcángeles más: Miguel (con una espada) y Gabriel (con una flor de lirio en la mano). En el centro, el arcángel Rafael conduce a Tobías, sosteniendo en la otra mano una jarra que contiene el corazón, el hígado y la bilis del pescado capturado. Los investigadores señalan que, por regla general, el pez que llevaba Tobías se representaba pequeño, y esto puede indicar que los artistas no estaban familiarizados con el texto original del Libro de Tobías. El artista abordó el tema de Tobías en reiteradas ocasiones; a su pincel se le atribuyen al menos siete variaciones sobre este tema; además, la historia de Tobías era tan popular en ese momento que el artista incluyó esta historia en la representación tradicional de la “Adoración del Niño Jesús” (Cleveland, Museo de Arte), “Madonna and Child Enthroned with Saints” (National Gallery de Escocia, Edimburgo) y “Crucifixión con santos” (anteriormente conservada en el Museo Kaiser Friedrich).

Período maduro

En la década de 1470, Francesco entra en un período maduro y creativamente más productivo. Habiendo dominado la poética y la gracia de Botticelli y el naturalismo de la pintura flamenca, y combinándolos con las habilidades obtenidas de Verrocchio y algunos de los hallazgos de Filippino Lippi, el artista sintetiza un estilo propio, que tuvo éxito entre sus contemporáneos. El éxito se evidencia en las numerosas obras creadas por Botticini en la década de 1470 - la primera mitad de la década de 1480: "Madonna and Child enthroned with John the Baptist and St. Pankraty, Sebastian y Peter" (190x195 cm, hay una fecha en el altar - 1471, Museo Jacquemart Andre, París), "St. Sebastian (141x66,7 cm; 1473-74, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York) Madonna and Child Enthroned and Two Saints (140x143 cm, 1470-75, coll. Harris, London), quien murió durante el bombardeo de Berlín en 1945, el altar "Crucifixión con S. Antonio el abad, St. Lorenzo, San Pedro Mártir, Arcángel Rafael y Tobías” (1470-75, conservado en el Museo Kaiser Friedrich); "Altar de San Monica ”(179x180 cm, 1470-1478, Iglesia de Santo Spirito, Florencia; en la imagen se pueden ver retratos de monjas agustinas bellamente ejecutados).

Los investigadores creen que después de la instalación del "Altar de St. Mónica" en el templo florentino Francesco visitó Empoli, donde creó una serie de obras notables, entre ellas "El Tabernáculo de St. Sebastian "(el artista realizó junto con el escultor Antonio Rossellino; después de 1476, Empoli, Museo)," La Anunciación "(dos puertas, cada una de 190x82 cm, ca. 1480, Museo de la Colegiata, Empoli) y" Tabernáculo Sacramento” ( “Sagrario del Sacramento del Sacramento”, hacia 1485, Empoli, Museo). La última obra se inició en 1484 por orden de la Hermandad de las Túnicas Blancas (Compania della veste Bianca); en 1491, el altar se instaló en el templo de Sant'Andrea, pero solo se completó en 1504 por el hijo de Francesco, Raffaello Botticini. Además, “Madonna and Child in Glory with Mary Magdalene and St. Bernard" (188x177 cm, ca. 1485, París, Louvre), el retablo "El Descendimiento de la Cruz con la Madre de Dios, José de Arimatea, María Magdalena, S. Bernardino y S. Sebastian" (148x148 cm, 1480-85, Fiesole, c. Badia Fiesolana), un pequeño tríptico "Madonna and Child with Saints Dominic, Arzobispo, Thomas Aquinas and Nicholas of Bari (Museum Petit Palais, Avignon), toda una serie de opciones "Adoración de María al Niño Jesús" (han sobrevivido más de una docena), muchas imágenes de la "Virgen y el Niño", y una serie de otras obras.

Hacia 1485 se fecha la creación del cuadro “Madonna adorando al Niño Jesús con Juan Bautista y ángeles” (tondo diam. 123 cm, Galería Pitti, Florencia). Los investigadores notan una fuerte influencia flamenca en él; esta imagen de María en el jardín se considera una disposición del antiguo modelo gótico del hortus conclusus ("jardín cerrado"), que el artista ejecutó con nuevos medios renacentistas. La pintura sirvió como prototipo para toda una serie de obras similares "al estilo de Botticini". La obra maestra indudable de este período es el gran retablo "Ascensión de María" (Retablo de Palmieri, ca. 1475-76, Londres, National Gallery).

El retablo de Palmieri

La obra fue encargada por Matteo Palmieri (1406-1475), un rico florentino, estadista, poeta y humanista. El contrato para la creación del altar no se ha conservado, pero hasta el día de hoy ha sobrevivido evidencia indirecta que confirma que el trabajo fue realizado por Botticini. Palmieri encargó un altar poco antes de su muerte en 1475 para la capilla de su familia en la iglesia de San Pier Maggiore. Luego de la muerte de su esposo, su viuda Niccolosa Serragli le dio dinero al artista para completar la obra. El altar estuvo instalado en la capilla hasta 1477; el acuerdo final con Botticini lo hizo Antonio, sobrino de Matteo Palmieri, a quien se le confió la gestión de los asuntos familiares. En 1783 la iglesia de San Pier Maggiore fue destruida y el cuadro pasó a ser propiedad de la familia Palmieri hasta que fue vendido a un anticuario. Tras pasar por varias manos, acabó en manos del duque de Hamilton, que la compró en 1882 para la London National Gallery como obra de Sandro Botticelli.

El altar se distingue no solo por su gran tamaño (228,5x377 cm), sino también por la peculiar iconografía de la imagen de la Ascensión de María. El artista dividió la imagen en dos partes: la terrenal, en la que se puede ver un vasto panorama que se adentra en la distancia, y la celestial, dirigida hacia arriba en círculos concéntricos. En la parte inferior, cerca del sepulcro vacío de María, en el que crecían lirios como símbolo de su pureza y pureza, se reunían 12 apóstoles discutiendo con sorpresa lo sucedido. A la izquierda, con el telón de fondo de una vista de Florencia, Matteo Palmieri está representado en la pose de un donante, a la derecha está su esposa Niccolosa. Por encima de todo lo que sucede en la tierra, se abrió una gigantesca altura celestial, en la que una hueste de ángeles y santos, compuesta de nueve niveles, estaba ubicada en tres círculos, en total conformidad con la enseñanza de la iglesia sobre la jerarquía angélica, que se remonta al siglo Época de Dionisio el Areopagita . El cuadro no contiene una trama, popular para la pintura del siglo XV, con el apóstol Tomás recibiendo de María un cinturón, que simbolizaba, por un lado, la prueba de su ascensión al cielo, y por otro, la conexión de Cielo y tierra. De hecho, el artista combinó dos motivos iconográficos en uno: la imagen de la Jerarquía Angélica (por lo general, en la Coronación de María se representaba una gran cantidad de ángeles y santos) y la Ascensión de María. La parte superior de la imagen con numerosas figuras de ángeles en varias poses con su elegancia se asemeja a las obras de Verrocchio y Sandro Botticelli, la parte inferior, con su panorama ilimitado de la tierra, es obra de los maestros flamencos.

Entre los escritos de Matteo Palmieri se encuentra un poema filosófico escrito en terzan llamado "La ciudad de la vida" (Citta di Vita), en el que revivió algunas de las antiguas ideas de Orígenes (en particular, sobre el origen de las personas de los ángeles), y afirmó los ideales civiles del humanismo (en particular, creía que quien gobierna en la tierra tiene derecho a ocupar un lugar entre los santos en el cielo). Como obra herética, fue prohibida por la iglesia y vio la luz recién en el siglo XIX. Fuentes antiguas (Landino, 1481; Vasari, 1568) escriben sobre la herejía de Palmieri. Rosselli en 1657 informa que el altar estaba cerrado con un velo de los visitantes. Además, el rostro de Matteo Palmieri en el cuadro fue dañado por un intruso de la misma forma que a veces se hacía con los apóstatas de la fe (aunque el daño también pudo haber ocurrido por otras razones puramente técnicas; restaurado en 1956) . Sin embargo, los investigadores modernos creen que es poco probable que la iconografía inusual de la pintura (hay santos, pero aún personas en la jerarquía angelical) esté asociada con la herejía de Palmieri, y el altar herético difícilmente habría podido soportar a las monjas benedictinas en su iglesia durante mucho tiempo, que perteneció a la Iglesia de San Pierre Maggiore. Además, en el futuro, varios artistas repitieron repetidamente el hallazgo iconográfico de Botticini de una forma u otra.

Obras posteriores

A fines de la década de 1480 - 1490, el artista no solo experimentó, sino que reprodujo los esquemas desarrollados. Tras la muerte de Lorenzo de' Medici en 1492, Florencia entró en un período de inestabilidad política. En 1494, el monje Savonarola se convirtió en el gobernante real de Florencia, con él la ciudad se sumergió en la ortodoxia religiosa. Botticini sobrevivió esta vez haciendo encargos para iglesias en pequeños pueblos alrededor de Florencia. Entre sus obras más importantes de este período se encuentran los retablos "La Virgen y el Niño entronizados con Ángeles y los Santos Benito, Francisco, Silvestre y Antonio Abad", realizados para la Hermandad de S. Cruz en Fucecchio (287,5 x 153,3 cm; Museo Metropolitano de Arte, Nueva York); “Madonna and Child Enthroned with Saints, the Arcangel Raphael and Tobias” (c. 1495; 149x170 cm; Galería Nacional de Escocia, Edimburgo); "Madonna and Child Enthroned with Saints Jerome, Francis, Anthony of Padua and Louis of Toulouse" (157x133 cm, 1490-98, Prato, Museo de la Ciudad); "El retablo de Rucellai" (San Jerónimo en el desierto, Santos Damasio (papa), Eusebio, Paula y Eustoquio; 235x258cm, 1490-98, Londres, National Gallery). Este puede haber sido el último gran trabajo de Botticini. Se cree que fue encargado por un representante de la poderosa familia florentina, Girolamo di Piero di Cardinale Rucellai (¿m. 1497?), quien fue enterrado cerca de este altar en la iglesia de los Jerónimos (Ermitaños de San Jerónimo) en Fiesole. San Jerónimo (italiano: Girolamo) era el santo patrón de los difuntos, y en el altar, con toda probabilidad, Girolamo di Piero y su hijo están representados como donantes. En la predela del altar hay pinturas con escenas de la vida de S. Jerónimo. La peculiaridad del altar es su marco, que, a pesar de la restauración realizada en el siglo XIX, ha conservado la marca del tallista original. Es decir, en el fondo, es un marco original del siglo XV, lo cual es una rareza.

La Adoración de María, el Niño Jesús (88x57 cm, década de 1490; Ca d'Oro, Galería Franchetti, Venecia) y varias otras obras similares, las Vírgenes del Museo de Cincinnati y de los museos de Autun también se atribuyen a la década de 1490 y en Grottingen, La Coronación de María en la Galería Savoy, Turín. A los pinceles de Botticini también se les atribuyen varios retratos masculinos creados en diferentes momentos. En total, diversos investigadores asocian con el nombre de este pintor más de un centenar de obras de pintura de caballete: pinturas de iconos independientes, altares enteros y partes dispersas de los mismos. El hijo de Francesco - Raffaello Botticini (nacido en 1477 - los documentos lo informan hasta 1520), trabajó principalmente en las provincias, pero de una manera pictórica diferente, ya que las tendencias artísticas cambiaban rápidamente, y a principios del siglo XVI el estilo de Francesco Botticini parecía como un anacronismo evidente.

Notas

  1. ↑ Identificador de nombre estándar internacional - 2012.
  2. ↑ Francesco  Botticini
  3. ↑ Francesco Di Giovanni Botticini  (inglés) - OUP , 2006. - ISBN 978-0-19-977378-7
  4. ↑ https://www.treccani.it/enciclopedia/francesco-botticini_(Dizionario_Biografico)

Bibliografía

Enlaces

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