| El arte como experiencia | |
|---|---|
| inglés El arte como experiencia [1] | |
| Autor | Dewey, John |
| Fecha de la primera publicación | 1934 |
Art as Experience ( 1934 ) es el principal trabajo de John Dewey sobre estética, presentado originalmente como una conferencia en Harvard (1932). La estética de Dewey se ha encontrado útil en varias disciplinas, incluidos los nuevos medios.
Dewey comenzó a escribir artículos sobre estética ya en la década de 1880. Además, consideró este tema en el libro Democracia y educación (1915). En su obra más importante, Experiencia y naturaleza (1925), Dewey sentó las bases de la teoría de la experiencia estética. [2]
La teoría de Dewey es un intento de trasladar la comprensión de lo característico del proceso artístico con su manifestación física en el "objeto expresivo" al proceso como un todo, proceso cuyo elemento fundamental no es la "obra de arte" material, sino el desarrollo de la "experiencia". La experiencia es lo que afecta la vida de una persona. Por lo tanto, esta teoría es importante para nuestra vida social y educativa.
Sin embargo, tal cambio de énfasis no significa que un objeto artístico separado haya perdido su significado: el objeto es reconocido como el lugar más importante para los procesos dialécticos de la experiencia y una razón unificadora para las experiencias. A través del objeto expresivo, el artista y el espectador activo chocan entre sí, con sus condiciones materiales y mentales, con su cultura en su conjunto.
La descripción del acto de experimentar se basa en gran medida en teorías biológicas y psicológicas. En un artículo sobre la psicología de los arcos reflejos, Dewey dice que los datos sensoriales y los estímulos mundanos ingresan al individuo a través de canales sensoriales aferentes y que la percepción de estos estímulos es una suma.
El intercambio sensorial biológico entre el hombre, que Dewey llama "cosa viva", y el medio ambiente es la base de su teoría estética.
Dewey amplía los límites de la filosofía estética porque demuestra la conexión del arte con la experiencia cotidiana y, por lo tanto, nos recuerda la suprema responsabilidad que el arte y el individuo siempre han tenido el uno con el otro.
Enfatizar lo estético en la experiencia no significa enfatizar lo político, lo impráctico o lo marginal. Esto significa enfatizar cómo esta experiencia, siendo estética, es una manifestación y registro de la vida, un medio que estimula su desarrollo. La experiencia estética es el juicio final sobre la calidad de una civilización.
John Dewey propone una nueva teoría de la experiencia estética. Sugiere que existe una relación continua entre la experiencia refinada de las obras de arte y las actividades cotidianas, y para comprender la estética, se debe comenzar por estudiar las escenas y los acontecimientos de la vida cotidiana. Esta idea contrasta con las teorías estéticas ofrecidas por Immanuel Kant y otros defensores del idealismo alemán , quienes se inclinaban hacia las formas de arte clasicistas conocidas como “ High Art ” o Bellas Artes. Dewey prueba la validez del " arte popular ".
Debemos establecer una relación entre la experiencia estética y la existencia ordinaria, con todas las dificultades y sufrimientos que se reconoce que constituye la experiencia. Es deber del teórico aclarar esta conexión y sus consecuencias. Y si el público entendiera el arte de otra manera, ganaría el respeto y la admiración universales.
La crítica de Dewey es que critica las teorías existentes que "espiritualizan" el arte y rompen su conexión con la experiencia cotidiana. La exaltación del arte y su erección en un pedestal lo apartarán de la vida pública. Estas teorías en realidad causan un daño grave, ya que impiden que las personas se den cuenta del valor artístico de su vida cotidiana y del arte popular (cine, jazz, cómics) que más aman. Como resultado, se destruyen las ideas estéticas, que son un componente necesario de la felicidad.
El arte tiene valor estético sólo cuando se convierte en una experiencia para las personas. El arte realza el sentido de la vida inmediata y enfatiza lo que es valioso. El arte comienza con una feliz inmersión en la actividad. Todos aquellos que realizan su trabajo con sumo cuidado: artistas, científicos, artesanos están artísticamente involucrados en la actividad. La experiencia estética incluye la transición de la irritación a la armonía y es una de las experiencias humanas más intensas.
El arte no puede ubicarse en los museos. Hay razones históricas que dividieron el arte en museos y galerías: el capitalismo, el nacionalismo y el imperialismo.
El nombre está tomado de John Keats , quien una vez escribió una carta [3] a Benjamin Robert Haydon .
En Dewey, esta afirmación puede entenderse de diferentes formas: el término "etéreo" se utiliza en relación con los teóricos de la estética idealista y otras escuelas similares, quienes identificaban el arte con elementos inaccesibles al sentido y a la experiencia ordinaria por su trascendencia y cualidades espirituales. Esto sirve como una condena más de la teoría estética, que injustificadamente eleva el arte demasiado por encima de las raíces pragmáticas y empíricas de las que se extrae.
Otra interpretación de esta frase podría ser que la "Tierra y sus contenidos", siendo los ingredientes para la formación de "Cosas celestiales", como si además aclarara la idea de la estética pragmática de Dewey. En otras palabras, "La tierra y su contenido" puede referirse a la experiencia humana utilizada para crear arte ("Cosas celestiales") que, aunque se deriva de la experiencia, aún contiene una cualidad divina y creativa que no es inherente a la creación original.
Volviendo a la intrusión de lo sobrenatural en el arte, la mitología y las ceremonias religiosas, Dewey insiste en la necesidad de combinar esoterismo y puro racionalismo. Dewey considera que la imaginación humana es una poderosa herramienta de síntesis para expresar la experiencia de interactuar con el medio ambiente. Como tal, la racionalidad por sí sola no es suficiente para comprender plenamente la vida o llevar una existencia plena.
El arte y la mitología (estética), según Dewey, son un intento de encontrar la luz en la Gran Oscuridad. El arte habla directamente a los sentidos y la imaginación, y muchas experiencias estéticas y religiosas surgen como resultado de la energía y el material que se usa para expandir y mejorar la experiencia de vida.
En este pasaje, Dewey aborda la doctrina de la revelación divina y el papel de la imaginación en la experiencia y el arte.
John Dewey distingue entre la experiencia como un todo y la experiencia como un acto de una sola vez, como "experiencia". La experiencia como un todo sucede constantemente, ya que las personas están constantemente involucradas en el proceso de la vida, pero la experiencia a menudo se ve interrumpida por algunos conflictos y resistencias. La mayoría de las veces, no somos conscientes de la conexión entre los eventos, sino que tenemos una secuencia inconexa, y esto no es estético.
La experiencia ocurre cuando el trabajo está hecho, el problema está resuelto, el juego ha terminado. Hacer y terminar algo crea experiencias. En la experiencia, cada parte posterior fluye libremente. Los episodios se funden en unidad, como en una obra de arte.
Tal experiencia tiene sus propias cualidades individuales. La experiencia es individual y singular, cada una tiene su propio comienzo y su propio final, su propia trama y su propia cualidad especial que impregna toda experiencia. Y la emoción en la experiencia es la fuerza impulsora y vinculante.
La expresión artística no es espontánea. Una simple erupción de emoción no es expresión artística. El arte requiere actividad y reflexión a largo plazo. Sólo está disponible para aquellos que están absortos en la observación. El trabajo de un artista requiere la comprensión de la experiencia pasada, el "filtrado" de las emociones. Para que la actividad se convierta en expresión artística es necesaria la excitación, la confusión y el deseo de irrumpir.
En el quinto capítulo, Dewey aborda el objeto pictórico en sí. Él cree que el objeto no debe ser considerado aislado del proceso que le dio origen, o de la imagen individual de la que surgió.
Las obras de arte se crean utilizando los materiales del mundo "público", creando así nuevas ideas sobre el significado de este mundo. Una obra de arte habla de la naturaleza de la experiencia humana.
Dewey cree que las personas que negaron el conocimiento del arte lo hicieron asumiendo que el arte no tenía conexión con el mundo exterior.
El significado está más allá de la experiencia personal. La pintura del puente de Won Gogh no es una representación del puente o de las emociones. Muy probablemente, a través de una representación pictórica, Van Gogh presenta al espectador un nuevo objeto en el que se fusionan las emociones y la escena exterior, el mundo exterior.
Dewey dice que el desempeño creativo no se trata de las cosas naturales tal como son, como suceden literalmente. Agrega que el artista se acerca al escenario, al mundo exterior, con experiencias de fondo cargadas de emociones. Las líneas y los colores se cristalizan en una armonía o ritmo particular que interactúa con el espectador. Esta pasión en el desarrollo de una nueva forma es emoción estética. Y las emociones anteriores no se olvidan, sino que se fusionan con la emoción creada por la nueva visión.
Para Dewey, una obra de arte aclara y despeja el significado enredado de la experiencia previa. Lo que, por ejemplo, no es capaz de dibujo no artístico, que inspira emociones, pero no contiene significado.
Dewey argumenta que no existe una distinción particular entre forma y sustancia. Para Dewey, la esencia de un poema es el poema mismo. La sustancia representa la culminación de los esfuerzos creativos del artista. La forma le permite "despertar" la sustancia de tal manera que pueda fusionarse con las experiencias de los demás y crear experiencias propias más completas y vívidas. Este proceso ilustra la relación triádica entre artista, objeto de arte y espectador.
En este capítulo, Dewey argumenta que todas las formas de arte provienen del mundo mismo. La interacción de un organismo vivo con su entorno es la fuente de todas las formas de resistencia, tensión, equilibrio, es decir, aquellos elementos que son necesarios para la experiencia estética. Estos elementos se combinan para Dewey en un término general: ritmo. Argumenta que el ritmo existía en la naturaleza incluso antes de que aparecieran la poesía, la pintura, la arquitectura y la música. Por lo tanto, tiene sentido ver la estética en todo. Los ritmos de la naturaleza incluyen los ciclos del día y la noche, las estaciones, la reproducción de plantas y animales, y el desarrollo de la artesanía humana, tan necesaria para la vida en la naturaleza. Esto da lugar al desarrollo de rituales de siembra, cosecha e incluso de guerra. Estos ritmos de cambio y repetición están profundamente arraigados en el subconsciente humano. La revelación estética de los ritmos constituye una forma artística.
La energía impregna una obra de arte, y cuanto mayor sea su concentración, más convincente debe ser la obra de arte. Dewey da el ejemplo de niños pequeños que intentan representar una obra de teatro. Gesticulan, dan volteretas cada uno a su manera, casi sin prestar atención a lo que hacen los demás. Esto contrasta con una obra de teatro bien construida e interpretada. Sin embargo, de esto no se sigue que la última jugada sea mejor que la primera. Este es uno de los casos de contraste de valores estéticos a partir de diferentes formas de organizar la energía. La organización de la energía es importante como "un elemento común en todas las artes" y juega un papel importante en la "obtención de resultados". Por lo tanto, el gran arte encuentra y utiliza la energía ideal.
En este capítulo, Dewey considera varias cualidades comunes a todas las obras de arte.
Al comienzo del capítulo, Dewey analiza el sentimiento de "captura total", el sentimiento del "todo que lo abarca todo" que uno siente directamente en el proceso de experimentar una obra de arte. El sentimiento de integridad, la fusión de todas las partes del trabajo solo puede ser intuitivo. Las partes de una obra de arte pueden distinguirse, pero el sentimiento de su fusión es la cualidad de la intuición. Sin esta "cualidad envolvente intuitiva", las partes son externas entre sí.
Otro rasgo común a todas las obras de arte tiene que ver con la idea de medios y fines. Los medios y los fines se fusionan tanto en las obras estéticas como en la experiencia estética. Los medios son fines en la estética. La antiestética tiene una clara separación de medios y fines: los medios son simplemente medios, pasos mecánicos utilizados únicamente para lograr un fin deseado. Dewey usa la idea de "viajar" como ejemplo. Se emprende un viaje antiestético sólo para llegar al destino; cualquier paso para acortar el viaje se utiliza con mucho gusto. El viaje estético está hecho por el “placer de moverse y ver lo que hay alrededor”. Una extensión de una experiencia no estética puede generar frustración e impaciencia, mientras que una experiencia estética puede aumentar la sensación de placer.
Dewey analiza otro aspecto que es común a todas las obras de arte: el espacio y el tiempo. Tanto el espacio como el tiempo tienen las propiedades de un lugar, una extensión del estado. Para el concepto de espacio, define estas cualidades como amplitud, espacialidad y distanciamiento. Y por el concepto de tiempo: transición, exposición y fecha. Dewey dedica gran parte del resto del capítulo a una discusión de estas cualidades en varias obras de arte y disciplinas.
En los párrafos finales, Dewey resume este capítulo. Sostiene que debe haber una esencia común en el arte, "porque hay condiciones generales sin las cuales no es posible ninguna experiencia". En última instancia, es la persona que contempla una obra de arte la que debe distinguir y apreciar estas cualidades comunes, ya que "la inteligibilidad de una obra de arte depende de la presencia del significado, que es creado por las partes y su conexión como un todo".