"Patrón y decoración" ( ing. Patrón y decoración ; P&D [1] [2] o nueva decoratividad [3] ) es un movimiento de arte contemporáneo estadounidense de mediados de la década de 1970 y principios de la de 1980. La Galería Holly Solomon [4] desempeñó un papel clave en el apoyo al movimiento . En 2008 se llevó a cabo una exposición retrospectiva del trabajo en el Museo del río Hudson [1] [5] .
Muchos de los autores que trabajaron en la dirección de "Patrón y Decoración" tuvieron una educación artística en el campo del arte abstracto de la década de 1960. El predominio de un espíritu masculino occidentalizado en el pensamiento artístico modernista ha llevado a la marginación de las ideas femeninas y no occidentales [6] . La nueva dirección buscó revivir el interés en formas secundarias como el patrón, que en ese momento se equiparaba con la trivialidad. La actitud negativa predominante hacia la decoración generalmente no ha sido compartida por las culturas no occidentales [7] .
Los orígenes de la dirección se encuentran fuera de los límites del arte elevado. Muchas obras imitan patrones como los utilizados en papel tapiz , telas estampadas y edredones , difuminando la línea entre el arte y el diseño [1] .
Los artistas de la dirección también buscaron inspiración fuera de los Estados Unidos. Los diseños geométricos y florales muestran similitudes con los azulejos islámicos de España y el norte de África . También se encuentran influencias de mosaicos mexicanos, romanos y bizantinos , bordados turcos, xilografías japonesas , alfombras y miniaturas persas e indias [1] .
Basado en material tradicional, la dirección "Patrón y decoración" les da una interpretación modernista. El curador del Museo de Arte Moderno de Jacksonville, Ben Johnson, caracterizó las pinturas como pinturas abstractas, desprovistas de una composición específica, cubriendo todo el lienzo y sin distinguir entre primer plano y fondo. Según él, en los primeros años, los artistas del movimiento intentaron distanciarse de los principios del minimalismo con sus líneas estrictas y su composición restringida, pero en realidad a menudo usaban sus propias técnicas [8] .
Algunas obras que se encuadran en los principios de la dirección pueden ser consideradas arte aplicado [9] . Además de la pintura, los artistas también utilizaron otras formas de arte. Uno de los primeros trabajos clave de Joyce Kozloff fue una instalación llamada An Interior Decorated (1978). Incluía cerámica, pisos de baldosas pintados a mano, tapices de pared serigrafiados y litografías . La obra se encontraba en la Galería Tibor de Neigy de Nueva York [10] [11] .
Además de pinturas coloridas y collages de flores, Robert Kushner creó trajes estampados que se usaron en actuaciones [12] .
Muchos collages se crearon descontextualizando y combinando elementos dispares, por lo que se formó un nuevo significado. Miriam Shapiro acuñó el término "femmage" para describir la combinación de pintura y costura . Embelleció el lienzo pintado con labores tradicionales de mujer, como punto de raso , punto de cruz y acolchado [13] .
Además de los ensamblajes materiales , los artistas se dedicaron a la unificación espiritual de fragmentos de diferentes culturas. La forma del collage fue clave para la dirección. Críticos como Anna Schwartz citan esta recombinación de materiales de origen como evidencia de que el movimiento Pattern and Decoration es un ejemplo temprano del posmodernismo [5] .
Durante varios años, la dirección fue un éxito de crítica y los artistas obtuvieron buenos ingresos por la venta de su obra. Las obras fueron demandadas tanto en América como en Europa. Sin embargo, desde la década de 1980, la actitud de los críticos ha cambiado [1] . Las razones de la reacción violenta son variadas y objeto de controversia. El crítico del New York Times, Holland Kotter, explicó esto diciendo que el arte estaba asociado con el feminismo , así como con los orígenes del arte, ya que los corazones, las flores turcas, los papeles pintados y los arabescos no encajaban en los conceptos neoexpresionistas y neoconceptualistas de la época. finales de la década de 1980. Con la instauración del multiculturalismo y el derecho a la propia identidad, como señala Kotter, el clima artístico se ha vuelto más favorable a estos objetos y al movimiento en su conjunto [1] .
En 2008, el Museo de Arte del río Hudson en Yonkers , Nueva York , acogió una exposición titulada Pattern and Decoration: An Ideal Vision in American Art, 1975-1985 ), que intentaba restaurar la reputación de la dirección. La curadora de la exposición Anne Schwartz argumentó que la sensualidad del arte feminista parecía inapropiada para la audiencia en ese momento, y cuando el movimiento Pattern and Decoration usó métodos similares: provocación, placer, gentileza, desafió al intelectual, que se suponía que dominaba en las mentes. de la audiencia [5] .
Existe una estrecha relación entre el movimiento del Patronaje y la Decoración y el arte feminista [5] . Surge de los cimientos de la dirección, frente al minimalismo y el conceptualismo, para los cuales el ascetismo era el valor más alto, y la decoración y la artesanía estaban degradadas.
Joyce Kozloff y Valerie Jodon, en el ensayo de 1978 Art Hysterical Notions of Progress and Culture , las artistas Joyce Kozloff y Valerie Jodon plantearon la sugerencia de que el sexismo y el racismo están en el corazón del discurso de la historia del arte occidental . Al mismo tiempo, se confirmaba el valor de la decoración y la estética de la belleza, que se atribuían a lo femenino [6] .
Los temas florales, los patrones y las decoraciones están asociados con lo femenino. Los artistas de "Patrón y Decoración" utilizaron artesanías como bordados y abalorios , tradicionalmente considerados actividades domésticas de las mujeres. La incorporación de estos elementos en las pinturas socavó la superioridad de las bellas artes sobre la artesanía y, por lo tanto, planteó la cuestión del espacio público (masculino) frente al espacio doméstico (femenino) y contrastó las bellas artes con lo utilitario [14] .
Sin embargo, entre los críticos no hay acuerdo sobre hasta qué punto la dirección puede considerarse feminista. Aunque Kozloff y Jodon fueron abiertos sobre su agenda feminista, los artistas masculinos Robert Kushner y Kim McConnell a veces evitaron el tema [15] . Más a menudo hablaron sobre la motivación estética para elegir decoraciones. Kushner razonó que las galerías y los museos aceptarían el trabajo si se veía industrial, rectangular, gris, pero le resultaba aburrido, por lo que prefería crear pinturas que tomaban mucho tiempo para mirarlas y comprenderlas por completo [16] .
Debido a que estos artistas masculinos fueron clave para el movimiento y su trabajo fue un éxito comercial [17] , la caracterización general como arte femenino no es aceptada por todos los críticos. Por otro lado, Carissa DiGiovanni argumenta que el distanciamiento de los artistas masculinos de la idea feminista la ayudó en general, ya que la estética femenina que adoptaron se volvió aceptable para el establecimiento artístico [18] .