El teatro experimental (también conocido como teatro de vanguardia ) surge a finales del siglo XIX, simultáneamente con la formación del Teatro Occidental , liderado por Alfred Jarry y sus obras sobre el rey Ubú, que supusieron una especie de rechazo a la forma clásica. de escribir y montar obras de teatro en general. Con el tiempo, el significado de este término ha cambiado. Ahora el teatro de vanguardia es el tipo dominante de teatro en el escenario mundial. Tomó diversas formas de manifestación que antes se consideraban radicales. Los asistentes al teatro de vanguardia están tratando incansablemente de encontrar algo nuevo, que no tenga análogos en ningún rincón del mundo.
Al igual que otras manifestaciones del " vanguardismo ", el teatro experimental surge como respuesta a una crisis cultural de masas muy sentida. A pesar de todo tipo de métodos políticos y externos de reconciliación, los teatros de vanguardia, sin excepción, resisten al teatro burgués. Por su parte, el teatro experimental trata de utilizar nuevas formas de comunicación mediante el habla y el movimiento para transformar el tono de percepción [1] y establecer una nueva relación más efectiva con el público.
El afamado director de teatro experimental y dramaturgo Peter Brook describe su tarea principal trazando un paralelo con la formación de "... un teatro en el que la diferencia entre el actor y el espectador será solo práctica, no fundamental". [2]
Tradicionalmente, el público es considerado un observador pasivo, pero muchos seguidores del teatro experimental querían cambiar este estándar. Por ejemplo, Bertolt Brecht quería involucrar al público en la acción con la ayuda de un actor que atraviesa una " cuarta pared " imaginaria durante la obra y cuestiona directamente al público; al mismo tiempo, el actor no da respuestas, lo que obliga a la audiencia a pensar y profundizar en sí mismos. Augusto Boal soñó que el público reaccionaría inmediatamente a la acción, y Antonin Artaud trató de influir directamente en el nivel de percepción subconsciente de la audiencia. [3] Peter Brook identificó un triángulo de relaciones dentro de una actuación: las relaciones internas de los propios artistas, la relación de los artistas entre sí en el escenario y su relación con la audiencia. [3] [4] La compañía de teatro experimental británica Wellfire State International se refirió a un "círculo ceremonial" durante una actuación en la que los actores forman un sector, la audiencia un segundo y la energía se concentra en el medio. [5]
Además del impacto ideológico del papel del espectador, los actores en los teatros se involucran e interactúan con el público de diferentes maneras. Dado que las representaciones comenzaron a realizarse en lugares no destinados a la representación teatral, se puso en duda la existencia misma del proscenio . Se atraía al público por todos los medios posibles, la mayoría de las veces como participantes activos en la producción, y el uso del proscenio a menudo socavaba tales intenciones.
Por lo general, se invitaba al público al escenario como voluntarios, involucrándolos así en la acción. El actor les hizo sentir que estaban en un papel diferente, para que la audiencia pudiera cambiar sus puntos de vista, valores y creencias en relación con la trama del discurso y su tema. Por ejemplo, durante una escena de paliza, un actor podría acercarse a la audiencia, "evaluar" a uno de los espectadores y desafiarlo a duelo en el acto. El susto en el rostro de una persona dejaría grabado firmemente el mensaje de “horror al bullying” en la memoria del propio espectador y de toda la audiencia.
Además, había teatros de diferentes formas y diseños. Los directores repensaron varias formas de dirigir la obra. Es importante señalar que hay muchos trabajos de investigación sobre los teatros de la época isabelina y antigua. Podemos observar algunas características en la estructura, que ya se consideran tradicionales, en todas partes. Por ejemplo, el edificio del Teatro Nacional de Londres está construido con un alto nivel de flexibilidad. Nos recuerda a un espacio teatral isabelino utilizando un travesaño (Dorfman Theatre), y un escenario construido en forma de proscenio (Littleton Theatre) y anfiteatro (Olivier Theatre). Los directores y arquitectos querían conscientemente “destruir” el proscenio tradicional. Jacques Copeau , en cuanto a escenografía, fue una figura muy importante. Buscó alejarse del naturalismo excesivo para encontrar una visión nueva y más concisa del propósito de la escena. [6]
Algunos grupos jugaron un papel importante en cambiar la cara del teatro a los ojos del público, más que su papel. Los actores usaron sus habilidades para involucrar al público y aumentar su actividad cultural de varias maneras: lectura de propaganda instructiva desde el escenario o por proporción. Por ejemplo, en el teatro Welfire State International, el público puede establecer un paralelismo entre la "microsociedad" creada representada en el escenario y su propio hábitat. [5]
Augusta Boal presentó el Teatro Legislativo a los ciudadanos de Río. Quería ayudar a los residentes a darse cuenta de lo que quieren cambiar en la sociedad brasileña. Como asesor, Boal introdujo una serie de leyes nuevas, aprovechando la reacción del público a las representaciones. El principal objetivo de los directores, en el marco del teatro experimental, es influir en la sociedad, o al menos en el público reunido en la sala, cuyo resultado es una modificación de actitudes, opiniones y valores, así como un aumento de actividad social.
Tradicionalmente ha existido una metodología muy jerarquizada para la creación de una obra de teatro. Primero, el autor encuentra un problema importante y luego escribe el guión. El director interpreta la historia, junto con los actores, de forma que pueda representarla en el escenario, y los intérpretes encarnan directamente la visión colectiva del director y del guionista. Muchos directores de teatro se han vuelto escépticos acerca de esta jerarquía, ya que comenzaron a reconocer a los artistas como individuos creativos de pleno derecho. Todo comenzó con el hecho de que a los actores se les dio cada vez más libertad en cuanto a su propia interpretación de la obra y su papel. Al fin y al cabo, así surgió el teatro colectivo. Esta dirección contribuyó al surgimiento de un equipo de teatro de improvisación en el marco de uno experimental. Los actores e intérpretes escribieron la letra por sí mismos, por lo que no necesitaron un guionista para escribir material para el programa o para la producción teatral.
Es por esta combinación de circunstancias que podemos observar hoy nuevas formas de autorrealización y una amplia gama de oportunidades adquiridas por los actores. La dirección del director y guionista ha cambiado drásticamente. Hoy en día, los directores ya no juegan el papel de la máxima autoridad, como solían ser, sino que solo actúan como asesores u organizadores .
Además de los cambios en la propia jerarquía, también se modificaron los roles individuales de los artistas. Un enfoque integrado es cada vez más común a medida que los actores no quieren sentirse incómodos en sus papeles. Junto con los cambios dentro de la actividad teatral, otras formas de arte tampoco se detienen. La danza , la música , las artes visuales y la literatura comenzaron a absorber nuevos colores, mientras que los artistas se sienten muy cómodos cooperando entre sí, sin prestar atención a los diferentes grados de formación y calificaciones.
El teatro experimental ha hecho su parte de cambios en las tradiciones establecidas del teatro. La metamorfosis ocurrió en: