El vestido Mondrian ( fr. Robe Mondrian ) es un vestido de lana de corte recto, sin cuello y sin mangas creado por el diseñador de moda francés Yves Saint Laurent para su colección otoño-invierno 1965-1966. Seis modelos de esta colección se inspiraron en la obra del artista abstracto holandés Piet Mondrian . Los vestidos tenían una decoración lacónica en forma de grandes bloques de colores, que son una especie de "citas" de las pinturas del artista, cada una de las cuales estaba conectada por costuras discretas. La colección fue un gran éxito, convirtiéndose en un símbolo destacado de la moda de los años 60, y las líneas de vestidos de Mondrian comenzaron a ser imitadas por otros estilistas y fabricantes, tanto en ropa como en una amplia variedad de complementos. La popularidad de estos modelos de ropa contribuyó a la popularización del trabajo del líder del neoplasticismo , así como a la recepción de sus decisiones artísticas y elementos de diseño.
Los vestidos "Mondrian" (a veces estilo "Mondrian") son vestidos de mujer sin cuello y sin mangas de una línea (A-line) hechos de telas de lana de alta calidad . Fueron creados por el diseñador de moda francés Yves Saint Laurent para su colección otoño-invierno 1965-1966. En la historia del arte, se observa que esta famosa colección debe gran parte de su éxito principalmente a los vestidos de Mondrian [1] . Se utilizaron imágenes y elementos de la obra del artista abstracto holandés Piet Mondrian en la decoración de seis vestidos y, en particular, en la pintura "Composición en rojo, amarillo, azul y rojo" [1] [2] . Debido a la popularidad de los vestidos de esta colección de arte, a menudo se la llama la "colección Mondrian", pero uno no puede estar completamente de acuerdo con este juicio, ya que para el desfile otoño-invierno 1965-1966, el diseñador de moda también se inspiró en algunos obras de Kazimir Malevich y Serge Polyakov . Mondrian es un destacado representante de una corriente del arte abstracto como el neoplasticismo , cuyo rasgo principal, según la propia definición del artista, debería ser el "rigor en el uso de los medios expresivos". Para construir la forma de esta pintura no figurativa, solo se permiten líneas horizontales y verticales, las cuales deben intersecarse en ángulo recto, formando planos desnudos. La paleta debe usar solo los colores primarios del espectro (rojo, amarillo, azul), que se colocan sobre un fondo neutro (blanco, gris, negro). Las pinturas neoplásticas de Mondrian, basadas en los principios del "equilibrio dinámico", se caracterizan por composiciones abstractas sobre un plano, formadas por rectángulos y cuadrados pintados en rojo, gris, azul y amarillo, y divididos en secciones por líneas negras [3] . Artistas unidos agrupados en torno a la revista " De Stijl " ("Estilo"), y su obra e ideas, además de pintar directamente, influyeron en la arquitectura, el interiorismo y el mobiliario (ver Bauhaus ) [4] .
Saint Laurent no fue el primer diseñador de moda en recurrir al trabajo de Mondrian. En la década de 1930, la diseñadora francesa Lola Prusac ( fr. Lola Prusac ) creó bolsos y maletas para la casa de moda Hermès con la famosa "cuadrícula de colores" de Mondrian [5] [6] . También, desde 1944, se realizaron varias sesiones de fotos, en las que las modelos posaron en el taller y las galerías, con el telón de fondo de pinturas o fondos diseñados en el espíritu de las obras del maestro holandés. En 1945, la diseñadora de moda estadounidense Stella Brownie de Foxbrownie estudió el trabajo de Mondrian, buscando utilizar sus imágenes en el proceso de creación de su colección de ropa. A pesar de que utilizó algunos elementos del estilo del fundador del neoplasticismo, el resultado obtenido no puede ser del todo acorde con sus aspiraciones artísticas. En particular, Brownie utilizó una decoración atípica para Mondrian, en forma de combinaciones de colores poco características para él, así como formas geométricas. Así, uno de sus modelos muestra que las líneas del dibujo están dirigidas en diagonal, algo que Mondrian casi nunca utilizó, y las formas geométricas contrastan con un fondo morado, que tampoco es propio de la lacónica paleta de la artista. En el artículo "Mondrian hace moda" [7] de la revista de historia del arte Art News del 15 de marzo de 1945, dedicado a la presentación de la colección Brownie, se señalaba que la trascendencia del artista radica en que su obra es reflejado en el arte aplicado [8] .
En 1965, Saint Laurent y la empresa que fundó con Pierre Berger se encontraban en una posición bastante difícil. Después de dejar el puesto de director artístico de la casa de moda Christian Dior en 1961 y fundar la suya propia, lanzó varias colecciones que no tuvieron éxito. Sus modelos, mostrados en la colección primavera-verano de 1965, fueron considerados demasiado conservadores, lo que contrastaba con la acogida dada a la moda futurista ofrecida por otros modistos ( Pierre Cardin , André Courrèges ). Influenciado por el éxito de la "moda espacial" de Courrège, Saint Laurent llegó a la conclusión de que necesitaba realizar una serie de cambios radicales para satisfacer las demandas modernas de sus clientes. En julio de 1965, casi completó la mayor parte de su colección otoño-invierno, sin embargo, según él, en ese momento no tenía ideas realmente modernas y en sintonía con la época. En una entrevista con France Dimanche , el diseñador de moda dijo lo siguiente al respecto: “Nada realmente vivo, nada moderno me vino a la mente, a excepción de un vestido de noche, que bordé con lentejuelas a la manera de la pintura de [Serge] Polyakov. . Así fue hasta que abrí el álbum de Mondrian que me regaló mi madre por Navidad , y aquí capté mi idea clave . El diseñador de moda explicó su elección por el hecho de que se inspiró principalmente en "el componente arquitectónico de uno de los fundadores del grupo De Stijl , y no en un elemento decorativo". Además, según su confesión, aprendió de Mondrian "concisión y equilibrio" [1] . El memorable patrón geométrico del vestido se formó a partir de piezas separadas de tejido de punto de colores, cortadas juntas de tal manera que ocultan las curvas del cuerpo, simplifican su expresividad y volumen, que es estilísticamente inherente a la pintura del neoplasticismo [9] [8 ] . El periodista y documentalista francés Loïc Prigent ( en francés: Loïc Prigent ), mientras trabajaba en el documental Yves Saint Laurent: The Last Defile (en francés: Yves Saint Laurent, le dernier défilé , 2013) [10] y estudiaba la famosa colección de 1965, concluyó que en realidad los vestidos fueron ensamblados a mano, como un mosaico . Según él, las uniones ingeniosamente camufladas de piezas de lana solo pueden sospecharse si observa una dirección diferente de los hilos en inserciones rectangulares brillantes y rayas negras. Además, el diseño y corte de los vestidos destacan por el trabajo hábil, minucioso y laborioso de los maestros sastreros del atelier de Yves Saint Laurent . Según Prijean, la idea del diseñador de crear un vestido muy simple para la colección de alta costura podría haber parecido ofensiva para las costureras que trabajan para él, ya que este atuendo es en realidad una sola pieza de tela con tres aberturas. Al parecer, ellos mismos decidieron complicar el trabajo, convirtiéndolo en un verdadero desafío a sus habilidades [11] .
Se puso énfasis visual en las líneas verticales del vestido, que se logró aplicando un bloque de color intenso en la parte superior a la altura de los hombros y en la parte inferior del vestido en el dobladillo. Cada bloque de punto ha sido cortado y ajustado para adaptarse a una zona concreta de la figura femenina, y las costuras quedan veladas tras las discretas formas del vestido. La paleta de decoración lacónica del vestido consta de tres colores principales, que se complementan con secciones en blanco y negro, que crean un contraste visual, reflejando el estilo artístico del artista holandés. Para cumplir con el formato de retrato de la figura y la estricta composición arquitectónica del vestido, las líneas negras entre las brillantes secciones geométricas de la decoración del vestido adquirieron proporciones más densas que las del artista [12] . La línea de vestidos estilo Mondrian se exhibió junto con zapatos negros de tacón bajo con punta cuadrada y hebilla cuadrada de metal plateado, diseñados específicamente para esta colección por el reconocido diseñador de zapatos francés Roger Vivier [13] [2] .
Los vestidos aparecieron por primera vez en la portada de la revista francesa Vogue en septiembre de 1965, después de lo cual ganaron gran popularidad [9] . El éxito de esta colección fue muy significativo, fue escrito e imitado por otros fabricantes. Un crítico de Le Journal de Paris escribió en 1965 que esta colección era única, enfatizando su innovación de la siguiente manera: "El logro de Saint Laurent es que creó una silueta completamente nueva utilizando principios antiguos" [1] . La revista Paris Match escribió que las figuras femeninas en estos vestidos y las líneas duras de las pinturas del artista abstracto están muy combinadas, y señaló: "tacones bajos, aretes de plata y vestidos muy cortos: todo el conjunto causó un verdadero impacto". En septiembre de 1965, la revista Harper's Bazaar describió la colección como "una abstracción emergente, ropa del futuro, claramente definida por un jersey blanco , perfectamente proporcionado para enfatizar la silueta" [14] .
La crítica y el público captaron de inmediato la influencia de las imágenes del artista en la colección de moda en los vestidos tipo Mondrian de Saint Laurent. El columnista estadounidense Rabai Graham señaló que el diseñador de moda logró lograr más “autenticidad de Mondrian” que nadie, ya que sus vestidos “observaron cuidadosamente esas proporciones y conservaron exactamente esos colores que son típicos de la pintura de Mondrian” [8] . La crítica de arte estadounidense Nancy Troy señala que el vestido "Número 81" indicado en el catálogo de la muestra tiene un parecido directo con las obras de Mondrian de la década de 1920, lo que se indicó inmediatamente después de la presentación de los atuendos. Como confirmación de la relación entre moda y arte, Saint Laurent y Mondrian, la crítica utiliza invariablemente ilustraciones en las que se muestra este modelo de vestido junto a un prototipo de pintura. Como observó Troy, el resultado de esta interpenetración es lo que los críticos de arte caracterizan como una serie de obras maestras de la alta costura, y llama "Número 81" "una obra excepcional" [8] . Según el historiador de vestuario Michael Czerwinski, esta línea de vestidos tiene un "fuerte efecto de orden y simplicidad" que ayudó a Saint Laurent a alcanzar la altura de "un escultor y un artista conceptual" [9] . Además, el éxito de la colección, que utilizaba elementos del op art y la abstracción, que estaban ganando popularidad en la década de 1960, permitió al diseñador de moda expandir significativamente y “rejuvenecer” su clientela [12] .
Solo los clientes adinerados podían permitirse "piezas de alta costura increíblemente caras" como los vestidos de Mondrian, que costaban 1.800 dólares a mediados de la década de 1960 . Dado el éxito de esta línea de vestidos de Yves Saint Laurent , han aparecido muchos ejemplares mucho más económicos de otros fabricantes. Así, la columnista Jane Tamarin del New York Herald Tribune ilustra su artículo con fotografías de cinco vestidos Mondrian no originales que oscilaban entre los 37 y los 60 dólares, comentando irónicamente en esta ocasión: “Y si te cansas de ponértelos, puedes colgarlos”. en la pared en cualquier momento” [8] .
Como observó Nancy Troy, los vestidos de Saint Laurent de esta colección “casi instantáneamente se convirtieron en modelos para una gran cantidad de copias y falsificaciones de todas las categorías de precios; así, de la noche a la mañana, apareció una nueva tendencia de increíble alcance, accesible a todos los segmentos de la audiencia consumidora, “a raíz de lo cual apareció todo un “nicho en el mercado, que estaba completamente ocupado por productos bajo la marca Mondrian” [8] . Se cree que fue gracias a la serie de vestidos Mondrian que la obra del líder del neoplasticismo logró por fin asentarse en el mundo de la alta costura, el diseño y los coleccionistas de arte: “simultáneamente con la creciente popularidad del estilo Mondrian entre un enorme número de consumidores medios, las pinturas de este artista se convirtieron en un objeto de deseo para ricos coleccionistas de bellas artes" [8] . Las referencias a las imágenes de las pinturas de Mondrian se pueden encontrar tanto en los modelos posteriores de ropa de Saint Laurent, como en las colecciones, líneas de ropa y accesorios de otros diseñadores [16] .
Los vestidos originales de esta colección están presentes en las colecciones de los principales museos del mundo, incluido el Rijksmuseum de Ámsterdam , el Victoria and Albert Museum de Londres , el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York , el Museo Yves Saint Laurent de París . Como observó Nancy Troy, la colección de 1965 de Saint Laurent debe considerarse el comienzo del punto de partida cuando comenzó a "crear moda, apoyándose en el arte". Además, el diseñador de moda comenzó a coleccionar pinturas de artistas famosos ( Van Gogh , Matisse , Braque , Picasso , Mondrian) y a crear modelos de ropa, inspirándose en la pintura y el arte [17] .
En 2018, la empresa estadounidense de muñecas Barbie Mattel y el Museo Yves Saint Laurent colaboraron para crear una minicolección de muñecas vestidas con réplicas de los famosos atuendos de la diseñadora de moda francesa: el vestido de Mondrian, la chaqueta safari de 1968 y el vestido de noche. "1983 [18] .