Sosaku-hanga ( japonés : 創作大画) es un tipo de grabado en madera que se originó en Japón a principios del siglo XX. En contraste con el movimiento Shin-hanga ("nueva impresión") paralelo existente, que apoyaba el sistema tradicional, cuando el artista, el tallador, el impresor y el editor participaban en la división del trabajo, los artistas del movimiento sosaku-hanga buscaban independientemente boceto ( jap . 自画, "jiga"), tallado en madera ( jap . 自刻, "jikoku") e impresión ( jap . 自刷, "jizuri") [1] . La autoexpresión del artista [2] pasó a primer plano.
En la Bienal de Arte de Sao Paulo en 1951, sosaku-hanga recibió reconocimiento mundial por primera vez. Ambos ganadores japoneses, Kanae Yamamoto y Kiyoshi Saito, seguidores de sosaku-hanga, superaron al nihonga tradicional, el yoga occidental y las pinturas de vanguardia . Otros artistas de sosaku-hanga como Koshiro Onchi (1891-1955), Uniti Hiratsuka (1895-1997), Sadao Watanabe (1913-1996) y Maki Haku (1924-2000) también se hicieron populares. figuras en Occidente [3] .
El nacimiento del movimiento sosaku-hanga está asociado con la creación de un pequeño grabado "El pescador", realizado por Kanae Yamamoto en 1904. Desviándose del sistema tradicional de división del trabajo, Yamamoto trabajó en la impresión exclusivamente por sí mismo [4] . Su enfoque fue desarrollado por seguidores, y en el período posterior a la Segunda Guerra Mundial, la dirección de sosaku-hanga cobró impulso y comenzó a percibirse como un replanteamiento de las tradiciones de ukiyo-e [5] .
El movimiento sosaku-hanga puede verse como una de las manifestaciones del creciente interés por el individualismo que era común al final de la era Meiji . Tanto en los círculos artísticos como literarios de principios de siglo, existía el deseo de expresar el "yo". Esta tendencia se puede ver en el comentario del artista Kotaro Takamura a su obra El sol verde (1910): “Quiero una libertad de arte absoluta. Por lo tanto, reconozco la autoridad ilimitada de la individualidad del artista... Incluso si alguien dibuja un "sol verde", no lo criticaré. Después de todo, a mí también me puede parecer verde” [6] .
En 1912, Natsume Soseki (1867-1916), en su libro Bunten and the Creative Arts, escribió que “el arte comienza con la expresión de uno mismo y termina con la expresión de uno mismo”. Este ensayo inició una discusión intelectual sobre la individualidad que inmediatamente resonó en la escena artística [7] . En 1910, los jóvenes aspirantes a artistas individualistas organizaron su primera exposición [8] .
Durante sus años de formación, el movimiento sosaku-hanga, al igual que muchos otros movimientos como el shin-hanga , el futurismo y el arte proletario, luchó por sobrevivir en una escena artística dominada por los géneros tradicionales adoptados por el "Bunten" (arte japonés). academia). La ocupación de sosaku-hanga se consideraba un oficio inferior no sólo a la pintura y la escultura japonesas, sino también a las pinturas del estilo occidental de yoga [9] . Y si, con la expansión de la moda en Japón , los europeos comenzaron a considerar las estampas ukiyo-e como arte, entonces en el propio Japón, las estampas modernas todavía se consideraban simples reproducciones para el consumo masivo. Los artistas de Sosaku-hanga no podían ganarse la vida imprimiendo solo impresiones. Muchos de los artistas más conocidos posteriores, como Koshiro Onchi (también conocido como el "padre" de sosaku-hanga), trabajaron como ilustradores de libros y talladores de madera [10] . No fue hasta 1927 que el "Taiten" (anteriormente Bunten) aceptó el sosaku-hanga como un movimiento artístico completo. En 1935, finalmente se permitieron las clases extracurriculares en hanga [11] .
Años de guerra de 1939 a 1945 resultó ser un tiempo de metamorfosis para sosaku-hanga. En 1939, se formó la First Thursday Society y desempeñó un papel importante en el renacimiento de la posguerra del grabado japonés. Sus miembros se reunían una vez al mes en la casa de Koshiro Onchi en Tokio para discutir temas artísticos y los objetivos del movimiento [12] . La "Sociedad" sirvió como lugar de intercambio de opiniones, brindó apoyo a los artistas durante los difíciles años de la guerra, cuando el arte estaba censurado. Entre los miembros de la "Sociedad" estaban Gen Yamaguchi (1896-1976) y Junichiro Sekino (1914-1988) [13] . Los conocedores estadounidenses Ernst Hacker, William Hartnett y Oliver Statler también formaron parte de ella. Participaron en la organización de exposiciones y ayudaron a revivir el interés occidental por los grabados japoneses [14] . En 1944, se publicó la primera colección del trabajo del grupo bajo el título "Primer jueves" (Ichimoku-shu) [15] .
Se puede decir que el grabado japonés se ha convertido en uno de los componentes de la recuperación económica de la posguerra. Durante la ocupación de las islas, los soldados estadounidenses y sus esposas compraron y coleccionaron grabados japoneses como souvenirs. Para promover el "arte democrático", el mecenazgo estadounidense pasó de apoyar el shin-hanga relativamente tradicional al más moderno sosaku-hanga [9] . El arte abstracto fue prohibido por el gobierno militar durante la guerra [16] , pero después de la guerra, los artistas volvieron a recurrir a la abstracción .
En la Bienal de Arte de São Paulo de 1951 , sosaku-hanga se presentó por primera vez en una exposición internacional. Posteriormente, los artistas Munakata Shiko y Matsubara Naoko realizaron sus exposiciones personales en Estados Unidos [17] .
El grabado japonés moderno continúa en parte las tradiciones de sosaku-hanga, ya que el artista suele ser responsable de todas las etapas de producción, pero al mismo tiempo se distingue por una gran cantidad de técnicas, temas y estilos. Así, Tetsuya Noda utiliza fotografías como bocetos, plasmando en sus grabados fragmentos arrancados de la vida cotidiana. Artistas como Maki Haku y Shinoda Toko utilizan la síntesis de caligrafía y trazos abstractos para crear imágenes meditativas [18] . Sadao Watanabe creó grabados en la tradición mingei (arte popular), combinando figuras budistas y cristianas occidentales en sus obras [19] .