| ann trutt | |
|---|---|
| inglés Ana Truitt | |
| Nombrar al nacer | inglés ana decano |
| Fecha de nacimiento | 16 de marzo de 1921 [1] [2] [3] […] o 1921 [4] |
| Lugar de nacimiento | |
| Fecha de muerte | 23 de diciembre de 2004 [2] [5] [6] o 2004 [4] |
| Un lugar de muerte | |
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| Estudios | |
| Premios | Beca Guggenheim |
Anne Trutt ( ing. Anne Truitt , nee Ann Dean ( ing. Anne Dean ); 16 de marzo de 1921, Baltimore , Maryland , EE . UU . - 23 de diciembre de 2004, Washington ) [8] - Escultora estadounidense .
A fines de la década de 1960, se hizo ampliamente conocida por sus esculturas minimalistas a gran escala . Es mejor conocida por sus exposiciones individuales en la Galería André Emmerich en 1963 y el Museo Judío de Manhattan en 1966. A diferencia de sus contemporáneos, Trutt realizaba esculturas a mano, evitando la producción industrial. Basadas en imágenes del pasado, las obras fueron una huella visual de la memoria. Un ejemplo es la serie de esculturas tempranas de Trutt, que recuerda los segmentos monumentales de una empalizada blanca [9] .
Ann Dean creció en Easton, Maryland, y pasó su juventud en Asheville , Carolina del Norte . Se graduó de Bryn Mawr College con una licenciatura en psicología en 1943. Después de rechazar una oferta para escribir su tesis doctoral en el Departamento de Psicología de la Universidad de Yale , trabajó brevemente como enfermera [11] en el departamento de psiquiatría del Hospital General de Massachusetts en Boston [12] . A mediados de la década de 1940, dejó la psicología y primero se dedicó a la ficción antes de inscribirse en cursos en el Instituto de Arte Contemporáneo de Washington . Se casó con el periodista James Trutt en 1948, con quien vivió hasta su divorcio en 1971.
A mediados de la década de 1940, después de abandonar la carrera de psicología clínica , Trutt comenzó a crear esculturas figurativas . En noviembre de 1961, junto a su amiga Mary Pinkot Meyer, la escultora visitó la exposición de H. H. Arnason "American Abstract Expressionists and Imagists" en el Museo Guggenheim [13] . Impresionada por lo que vio, recurrió a la escultura con formas geométricas limitadas. Trutt recordó: “... Pasé todo el día mirando arte... Vi los lienzos negros de Ed Reinhardt , negro y azul. Luego bajé por la rampa, doblé la esquina y vi las pinturas de Barnett Newman . Los miré, y desde ese momento me di cuenta de todo. Nunca entendí lo que se puede hacer en el arte. Tenga suficiente espacio. Suficiente color". Trutt quedó particularmente impresionado por el "universo de pintura azul" y la sutil modulación y sombreado del color en Onement VI [14] de Newman . La originalidad del expresionismo abstracto, que encontró en la obra de Barnett Newman y Ed Reinhardt, impresionó a Trutt y se convirtió en un punto de inflexión en su obra [10] .
La primera escultura de madera de Trutt, llamada First (1961), consiste en tres cercas blancas puntiagudas de diferentes tamaños, fijadas en la base y conectadas en la parte posterior con tablones, asemejándose a un fragmento de una cerca [15] . Estas formas contienen, más bien, recuerdos de la infancia que un reflejo del "resultado directo de la percepción empírica". La obra es un recuerdo penetrante de la idea de una valla, y de todas las vallas que ha visto Trutt, ninguna en particular [16] . Entre 1964 y 1967, Trutt se mudó a Japón con su esposo, quien había sido nombrado jefe de la oficina japonesa de Newsweek , donde creó esculturas de aluminio [11] . Antes de la primera exposición retrospectiva en Nueva York, decidió que no le gustaban las obras y las destruyó [17] .
Las esculturas que han asegurado el lugar de Anne Trutt en la historia minimalista son de colores agresivos y desafiantemente simples, a menudo de gran tamaño. Realizadas en madera y pintadas de un solo color con acrílico , se asemejan a columnas o pilares rectangulares lisos [18] . Trutt creó dibujos de sus diseños en una escala reducida, luego fueron hechos por un carpintero. Las estructuras se elevan sobre el suelo y, a menudo, son huecas, lo que permite que la madera respire a medida que cambian las temperaturas. Trutt imprimó la madera con yeso y luego aplicó hasta 40 capas de pintura acrílica, alternando trazos horizontales y verticales y lijando cada capa [17] . El artista buscó eliminar cualquier marca de pincel y creó planos de colores perfectamente suaves. Las capas de pintura forman una superficie con una profundidad palpable. Además, la superficie tangible de la pintura transmite el constante sentido de la geografía de Trutt, a través de trazos verticales y horizontales que hacen referencia a la latitud y la longitud . El proceso creativo combina "la inmediatez de la intuición, la eliminación de materiales preparados previamente y la intimidad de la intimidad hecha a mano". Las bases ocultas de las esculturas las elevan lo suficiente como para crear una sensación de flotación. El límite entre la escultura y la tierra parece ilusorio. Esta ambivalencia formal se refleja en la afirmación de que el color contiene una vibración psicológica que, cuando se purifica como en la escultura, aísla el evento representado como una cosa más que como un sentimiento. El evento se convierte en una obra de arte, una sensación visual de color. Las pinturas de la serie Arundel , iniciada en 1973, son líneas de grafito apenas visibles y acumulaciones de pintura blanca sobre superficies blancas [10] . En Ice Blink (1989), una obra de color crema, hay finas rayas rojas en la parte inferior de la pintura, lo suficiente para definir la perspectiva. La banda morada en la parte inferior del azul cielo Memory (1981) [19] tiene una función similar . Comenzado alrededor de 2001, Piths , lienzos con bordes deliberadamente deshilachados cubiertos con gruesos trazos de pintura negra, indican el interés de Trutt por las formas que desdibujan la línea entre dos y tres dimensiones.
En la primera exposición, celebrada en la Galería André Emmerich, Trutt presentó seis esculturas de álamo pintadas a mano , incluidas Ship-Lap , Catawba , Tribute , Platte y Hardcastle . Emmerich se convirtió en su marchante de arte durante mucho tiempo. Trutt conoció a Emmerich a través de Kenneth Noland , quien también estuvo representado por Emmerich. En las historias sobre la primera exposición individual de Trutt, se puede ver la manifestación de las opiniones chovinistas que existían en la comunidad artística de Nueva York de la década de 1960. Greenberg, Rubin y Noland eligieron las obras de arte para la exposición y dispusieron que se colocaran sin ningún aporte de la propia Trutt. A menudo se referían a ella como "la buena esposa de James Trutt", y Emmerich le pidió a Trutt que no diera su nombre para ocultar su género, con la esperanza de que esto ayudara a que la exposición fuera mejor recibida. Después de la exposición, Greenberg, en un ensayo Recentness of Sculpture (1967), afirmó que el trabajo de Trutt "presagiaba" el arte del minimalismo. La declaración de Greenberg no es del todo correcta, ya que Donald Judd , Robert Morris y Dan Flavin presentaron su trabajo antes [20] .
La pintura de Trutt no se menciona a menudo al describir su trabajo. Durante gran parte de la década de 1950, Trutt usó lápiz, acrílico y tinta, creando no solo bocetos para esculturas posteriores, sino también dibujos que eran obras de arte independientes . Trutt también ha publicado tres libros: Daybook , Turn y Prospect . En Perspectiva , su tercer volumen de reflexiones, Trutt decidió repasar “toda su experiencia como artista”, así como a su hija, madre, abuela, maestra y persona en perpetua búsqueda [22] . Durante muchos años se desempeñó como profesora en la Universidad de Maryland en College Park y se desempeñó como presidenta interina de la colonia de artistas Yaddo.
Trutt murió el 23 de diciembre de 2004 en el Sibley Memorial Hospital de Washington por complicaciones después de una cirugía abdominal [12] . Dejó tres hijos y ocho nietos, entre ellos el escritor Charles Finch [23] .
El legado de Anne Trutt está gestionado por la Galería Matthew Marks de Nueva York y la Galería Stephen Friedman de Londres.
La primera exposición individual de Trutt tuvo lugar en febrero de 1963 en la Galería André Emmerich de Nueva York. En Washington, su trabajo se mostró en Pyramid Gallery, que luego se convirtió en Osuna Gallery. Las obras se incluyeron en la exposición "Negro, blanco y gris" de 1964 en el Wadsworth Atheneum en Hartford , Connecticut , que ha sido descrita como la primera exposición minimalista. Fue una de las tres mujeres en la exposición representativa de Estructuras primarias de 1966 en el Museo Judío de Nueva York. Desde entonces, Trutt ha realizado exposiciones individuales en el Museo Whitney de Arte Americano (Nueva York, 1973), la Galería de Arte Corcoran (Washington, 1974) y el Museo de Arte de Baltimore (1974, 1992). En 2009, el Hirshhorn Museum and Sculpture Garden (Washington) organizó una retrospectiva de la obra de Trutt [24] , que incluía 49 esculturas y 35 pinturas y dibujos [17] . Del 19 de noviembre de 2017 al 1 de abril de 2018 se llevó a cabo la exposición In the Tower: Anne Truitt [25] en la National Gallery of Art .
El trabajo de Anne Trutt se encuentra en colecciones de museos en todo Estados Unidos, incluido el Museo de Arte Americano Smithsonian (Washington), el Museo Nacional de Mujeres en las Artes (Washington), el Museo de Arte Moderno (Nueva York) , el Museo Whitney de American arte _