El matierismo ( fr. Matierisme ) es un movimiento pictórico relacionado con el arte informal europeo que se originó en Francia poco después de la Segunda Guerra Mundial . Se extendió en Europa a finales de los años cuarenta y principios de los cincuenta . El historiador de arte francés Michel Tapie [1] desempeñó un papel importante en la difusión del movimiento .
Se cree que el maternalismo nació en Francia , tras la aparición de las obras de los artistas Jean Fautrier y Jean Dubuffet . Sin embargo, también es característico de las obras de Antoni Tapies , que se atribuyeron en España al movimiento de pintura materica - pintura matérica en 1947-1948. También en los orígenes del movimiento se encuentran la obra de Alberto Burri , quien describió su estilo como "polimaterialismo" y creó obras en piedra pómez, resina y arpillera, y la obra de Lucio Fontana , refiriéndose al espacialismo .
España , Italia y Francia son, por lo tanto, los países donde la pintura matérica se ha desarrollado más, es aquí donde el surgimiento de una nueva dirección se hace eco de movimientos existentes como COBRA y Gutai .
La característica principal del materismo es la pintura abstracta utilizando diversos materiales no tradicionales añadidos al lienzo, preservados como soporte principal de la obra y procesados en espesor y empastados utilizando óxido de zinc , carbonato de calcio o aceite polimerizado , con impurezas como: arena , grava , yeso , cera , alquitrán , trapos , madera , hilo , piezas de vidrio , chatarra , artículos botánicos, etc. Además de agregar estos materiales atípicos, el artista podría frotar la superficie del material figurativo con varias herramientas o con las manos desnudas, dejando rastros de rasguños, cortes o incluso huellas de objetos estampados, o usar barniz, lo que provocó deformación, agrietamiento y agrietamiento, también la superficie podría deformarse o destruirse parcialmente con el uso de cortes, pinchazos o quemaduras. Los colores de los lienzos pueden variar y, desde el punto de vista de la composición, el lienzo puede consistir en distintas áreas con o sin la adición de material [2] .
Antes del surgimiento del movimiento, había precedentes en la historia del arte cuando otros artistas trataban el lienzo con despreocupación o introducían en él elementos ajenos a la pintura.
Los cubistas incluían en sus collages materiales atípicos, arena, artículos de periódico o cajetillas de cigarrillos, por ejemplo Pablo Picasso en el cuadro Cabeza de hombre con sombrero , (1912-13) utilizaba carboncillo, pintura al óleo, tinta, arena y palitos de papel o Georges Braque en Compotier , botella y vaso , (1912), lienzo usado, óleo y arena. Los dadaístas ya tenían una manera especial de procesar la superficie del lienzo (cortes, pliegues), como ejemplo, Paul Klee en el cuadro Anatomía de Afrodita , (1915), Jean Arp en el cuadro Der Hirsch (1914). En las obras del ready-made Marcel Duchamp " Rueda de bicicleta" , (1913), Raoul Hausman y Ray Man , se puede rastrear un anticipo del arte del ensamblaje , algunas obras fueron realizadas sobre superficies distintas al lienzo (tablas de madera, metal , etc.); mientras que las esculturas cubistas de Picasso y Henry Loren influyeron en artistas de vanguardia rusos como Vladimir Tatlin ("relieves pictóricos" y "contrarrelieves" de 1914) o las " Composiciones " de Ivan Pugni (1915).
Finalmente, los surrealistas también comenzaron a aplicar diversos materiales al lienzo, por ejemplo, Andre Masson en el lienzo " Caballos muertos" (1927), utilizó óleo y arena sobre lienzo, " Rotten Donkey " de Salvador Dalí , (1928), óleo usado, arena, grava sobre madera, Joan Miró , en C ollage , (1929), papel resinado usado, lápiz, lija, alambre, telas cosidas pegadas sobre papel verjurado tendido sobre contrachapado.
En cuanto al tratamiento de la materia pictórica, además del "scratching" utilizado por Antoine Pevsner en el cuadro Mujer disfrazada , (1913), luego por Max Ernst , Paul Klee o Esteban Frances, los artistas comenzaron a utilizar la cera, siendo pioneros Camille Briand en 1936 y Viktor Brauner en 1943. Este último también será uno de los primeros en unir objetos directamente a grandes lienzos conservando su función de soporte, como muñecos de celuloide y plantas artificiales. Finalmente, Simon Huntay incluso presentará esqueletos de animales.
Los artistas informalistas o los que en América triunfan en el expresionismo abstracto utilizan los mismos métodos, recuperando también la idea de combinar objetos cotidianos o desechos del lienzo ( nuevo realismo , pop art , COBRA , etc.). Sin embargo, teniendo en cuenta el tamaño y la diferente naturaleza de los materiales (madera, metal, plástico). La mayoría de estas obras son entonces más fácilmente asimilables con ensamblajes resultantes de un ejemplo dadaísta o surrealista, o incluso con obras tridimensionales o esculturas reales (Lie Bontecou, Martial Rice , Daniel Spoerri , etc.) [3] .
Jean Fautrier exalta la materialidad de sus pinturas y las muestra como "objetos". A la irrealidad del "informal" absoluto, que, a su juicio, no puede ser privado de una parte real para emocionar, añade una protesta contra la práctica de la "configuración liberada", cuya fórmula se aplica también a otros artistas, como Wols o Henri Michaud .
Jean Paulan escribe sobre la técnica de Jean Fautrier, que hizo su propio material, que contiene acuarela y fresco, témpera y gouache, donde el pastel triturado se mezcla con aceite, tinta y gasolina. Todo se aplica apresuradamente sobre papel aceitoso y el recubrimiento se adhiere al lienzo. La ambigüedad, en cierto sentido, abandona al sujeto. [cuatro]
En un contexto dominado por el existencialismo , Jean Dubuffet presenta su arte como un proceso creativo a partir del cual el espectador debe poder experimentar el desarrollo a través de las huellas dejadas por el artista. Explora varios métodos de procesamiento de sus pinturas ( Paysage Vineux , (1944) ; Dhôtel nuancé d'abricot , (1947) ; La Mer de peau , (1958), serie de pinturas Hautes Pâtes (1946), Pâtes battues (año 1953) , Peintures laquées (1954) utiliza varios tipos de ensamblaje . El artista húngaro Zoltan Kemeny utilizará las mismas técnicas, añadiendo piezas de metal, por ejemplo la obra de Orient Fair , (1948), utiliza un collage en relieve sobre tabla, mortero , óleo, yeso, metal, trapos [5] .
Antoni Tapies , que expone su obra por primera vez en 1948 en el Salón del 1 de octubre de Barcelona, muestra un particular interés por los cortes, cortes, nudos y arañazos en sus composiciones. Describe su obra como "campos de batalla donde las heridas se multiplican sin cesar", desprovistas de todo rasgo anecdótico y "apoyando, como él dice, todos los impulsos imaginarios, inconscientes, anacrónicos...". También está investigando sobre el tema. Los elementos gráficos y plásticos que utiliza son sobre lienzo, formando un universo propio. Trabaja la superficie , y también utiliza técnicas de empaste , raspado, así como del collage . Es mezclando cola y tinte, a veces asociados con arena, polvo, tierra, polvo de mármol, terciopelo, paja, papel y objetos como trapos, cuerdas o mantas, que Tàpies encuentra un medio completamente original, un material con el que expresa la profundidad. , formas, sombra, luz, trabajar con herramientas, así como con tu propio cuerpo. En esta pregunta, sólida, espesa, arenosa, en esta textura que es a la vez magma, lava y limo, el artista entra, incisiones y cortes. La cruz, toma diversas formas, manchas, formas rectangulares (que parecen espacios cerrados, muros, persianas cerradas), la letra T como firma son elementos recurrentes de su vocabulario plástico. De sus obras, se puede señalar ( Collage de riz et cordes , (1949), Le feu intérieur , (1953), Peinture avec croix rouge , (1954), Rideau de fer au violon , (1956). En 1960- En el 90, colabora con Manolo Millares, Antonio Saura y muchos otros artistas.
En 1948, Alberto Burri expuso sus primeras obras abstractas en la Galería La Margherita de Roma , y luego en 1949 en París en el Salon des realités nouvelles. Es en esta época cuando se datan sus series " Catrami " (alquitranes) y " Muffe " ( podrida ) . En 1950 fundó el grupo artístico Origen con Ettore Kolla. Luego desarrolla la técnica del collage e introduce en su pintura el uso de elementos heterogéneos tomados de la realidad cotidiana, al tiempo que utiliza materiales que se descomponen con el uso, como la madera quemada y los trapos. Su investigación, de interés directo para la crítica, suscita reflexiones sobre la "estética del desecho", que son cruciales para el art brut y el nuevo realismo . En 1952, comenzó a realizar su famosa serie " Sacchi " (bolsas), en la que incluyó sacos de arpillera que pintó, raspó y sumergió en pegamento antes de cubrirlos con tela usada y otros materiales. Desde 1969, utiliza en sus obras piezas de madera, láminas de metal oxidadas deformadas por plástico quemado a altas temperaturas. A partir de 1973, comenzó a crear una serie de " Cretti " (grietas), las obras eran composiciones muy grandes que utilizaban resinas, que recuerdan el agrietamiento del barro secado al sol. El uso de grietas como proceso rítmico recuerda a la antigua cerámica china ( Cesare Brandi ). Finalmente, en la década de 1970 Burri comenzó a introducir el cellotex (mezcla de serrín y cola) en su obra con muy pocos colores: negro, blanco y dorado.
Ya en 1949, Lucio Fontana comenzó a pintar superficies monocromáticas ya "maltratarlas" haciendo agujeros o muescas en el lienzo. Él llama al nuevo tipo de trabajo " Concepto espacial ". En 1950 funda el espacialismo , movimiento en el que también participan otros artistas como Roberto Crippa , Enrico Donati y Emilio Scanavino . Los artistas especialistas ya no se atan al color y la pintura del lienzo, más que a crear sobre él una construcción pictórica de carácter tridimensional, motivada por la captación del movimiento en el espacio-tiempo a través de la conciencia de las fuerzas naturales ocultas del partículas elementales y luz, que actúan descontroladamente sobre la superficie del lienzo. .
Debido a un accidente que daña una de las pinturas del artista programada para una exposición en París , Fontana luego repara este daño con un gesto soberano de rascar, perforar y cortar el plano de la pintura con una cuchilla, una navaja, un cortador para revelar tres- espacio dimensional.
Jacques Daucet del grupo COBRA también cambia la superficie de algunas de sus pinturas, como " Equilibrists ", (1948), y entre los artistas miembros del grupo Gutai fundado en Japón por Jiro Yoshiharo y mostrado en Europa por Michel Tapie . Entonces, Kazuo Shiraga pinta con los pies descalzos, los lienzos se crean cuando el artista, agarrado a una cuerda que cuelga del techo, crea una obra con solo sus pies, mientras que Shozo Shimamoto rompe la pintura, daña el lienzo y usa un cañón que proyecta esmalte. pintar. Las actuaciones artísticas del grupo Gutai tendrán una gran influencia en el movimiento Fluxus .