Nardo de Chone

Nardo de Chone
Fecha de nacimiento alrededor de 1320
Lugar de nacimiento
Fecha de muerte 1366 [1] [2] [3]
Un lugar de muerte
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Nardo di Cione  ( ital.  Nardo di Cione ; c. 1320 - m. 21 de mayo de 1365 o 16 de mayo de 1366) - Pintor italiano .

Biografía

Nardo pertenecía a la familia de artistas Cione, cuyo taller a mediados del siglo XIV , tras la terrible peste de 1348 , lideraba el mercado del arte en Florencia . Su hermano mayor, Andrea di Chone (Orcagna), es más conocido que sus hermanos menores, Nardo, Jacopo y Matteo, sin embargo, en el caso de Nardo, varios investigadores consideran que esto es una consecuencia inmerecida y ofensiva de la autoridad de uno de los primeros biógrafos de los pintores italianos Giorgio Vasari , quien, dedicando un capítulo aparte a Orkanier, menciona la obra de Nardo de pasada, considerándolo sólo un ayudante de su hermano mayor. Además, Vasari distorsionó el nombre del artista, diciendo que su nombre era Bernardo, cuando en realidad "Nardo" era la abreviatura de Leonardo. A pesar de las frecuentes colaboraciones y trabajos en el marco de un contrato familiar, el arte de Nardo di Cione era bastante peculiar e independiente, y se diferenciaba del modo duro de Orcagni en una lectura más lírica del legado de Giotto.

Se desconoce la fecha de nacimiento del artista. Es posible que haya adquirido sus habilidades artísticas en el taller de Bernardo Daddi , donde se cree que su hermano Andrea trabajó en algún momento. El nombre Nardo aparece por primera vez en 1346-48 en las listas del gremio de médicos y farmacéuticos "Arte dei Medici e degli Speciali", que incluía artistas (probablemente porque la preparación de pinturas era similar a la preparación de medicamentos). En ese momento, Nardo se había convertido en un maestro conocido por lo que en 1348, junto con su hermano Andrea, fue recomendado a los líderes de la ciudad de Pistoia, quienes se dirigieron a las autoridades de Florencia con una solicitud para nombrar a los mejores artistas. para hacer un altar en la iglesia de San Giovanni Fuorcivitas. Durante este período, los hermanos Cione vivían en el área parroquial de la iglesia de San Michele Visdomini y compartían un taller. En la década de 1350 y la primera mitad de la de 1360, Nardo, según documentos de archivo, vivía en la región central de Florencia, pero figuraba en una parroquia diferente a la de su hermano Orcagna, sin embargo, continuaba trabajando con él en el mismo taller. También se sabe por documentos que en 1356 Nardo pintó una imagen de la Virgen, que anteriormente había colgado en los locales de Gabella dei Contratti (una institución financiera y comercial en Florencia; la imagen no se ha conservado). En 1363 recibió el pago de las pinturas del oratorio de la hermandad de Bigallo, de las que ahora sólo se han conservado fragmentos. 21 de mayo de 1365 Nardo di Chone hizo testamento y en 1366 ya no vivía. Legó su propiedad para ser dividida entre sus tres hermanos: Andrea, Jacopo y Matteo. Dado que el testamento no menciona a su esposa e hijos, Nardo probablemente vivió su vida como soltero (aunque, según otras fuentes, tuvo un hijo, Giovanni, que lo ayudó en las pinturas de la Capilla Strozzi). Estos pocos datos son prácticamente todo lo que se sabe sobre los veinte años de carrera creativa del artista.

No se conserva ni una sola obra firmada del pintor. A pesar de que la mayoría de sus obras actualmente conocidas se encuentran en Florencia, Nardo trabajó en muchos otros lugares. Sobrevive un documento, aunque sin fecha, según el cual el artista Bartolomeo Cristiani de Pistoia llegó a un acuerdo con Nardo de que lo ayudaría en los casos en que Bartolomeo tuviera que trabajar fuera de Florencia. Además, la presencia en el gran altar de Bojnice de St. Rainer, el santo patrón de Pisa, testifica que el artista creó un altar para esta ciudad, es decir, probablemente trabajó en él.

La pintura florentina de la segunda mitad del siglo XIV difería significativamente de la pintura de la primera mitad. Los descubrimientos artísticos realizados por Giotto en la primera mitad del siglo no se desarrollaron más. Por el contrario, sus alumnos y seguidores recurrieron al arte de la era anterior, anterior a Jott, negándose en gran medida a desarrollar un espacio pictórico ilusorio y transmitir el volumen y la masa de un objeto. Los estudiosos han llegado a diferentes teorías sobre esto. Uno de los puntos de vista más comunes dice que tras la terrible peste que estalló en Italia en la década de 1340, que fue interpretada como un castigo de Dios por los pecados, la religiosidad conservadora se intensificó en la sociedad, poniendo de moda diversas innovaciones, y, en particular, en la pintura. también. . La sociedad, como suele suceder, buscó acudir a las fuentes primarias, con la esperanza de encontrar en ellas la salvación. Esto explica la planitud y la severidad de las imágenes pintorescas creadas por Andrea di Cione (Orcagna); la misma regla se aplica a la pintura de su hermano Nardo. Sin embargo, en las obras de Nardo, que fue un pintor puro, a diferencia de su hermano, conocido en el primer capítulo como escultor y arquitecto, se puede apreciar un enfoque más sutil y poético, que suele explicarse por la influencia de la escuela sienesa. y conocimiento de las obras de Giovanni da Milano , un artista lombardo que trabajó en Florencia. Por lo tanto, Nardo es considerado uno de los participantes en el desarrollo de la línea lírica en la pintura florentina, línea a la que pertenecieron Mazo di Banco , Giottino , Giovanni da Milano , Andrea Bonaiuti . Esta línea continuó en el siglo XV, fusionándose con la pintura gótica internacional en la obra de Lorenzo Monaco y Gentile da Fabriano .

Obras

La obra más grande y famosa del maestro, que ha sobrevivido hasta el día de hoy, son los frescos de la Capilla Strozzi en la iglesia florentina de Santa Maria Novella. Menos significativos son los frescos que se le atribuyen en la capilla de Santa Ana en Chiostro dei Morti en c. Santa Maria Novella, la capilla Gioci e Bastari y la capilla Covoni en la iglesia de Badia Fiorentina, así como la pintura de la procesión en la iglesia del refectorio de San Spirito.

Entre las obras de caballete de Nardo di Cione, solo hay un políptico completamente conservado  : este es el llamado "Altar de Bojnice" (c. 1350 Castillo de Bojnice , Eslovaquia). La obra consta de diez paneles de madera, en los que en la fila principal se representan: en el centro “Virgen con el Niño” (110x70cm), a ambos lados están Santiago, Jerónimo, Juan Bautista y San Pedro. lluvioso. Los cinco paneles de la predela contienen imágenes de San Agustín y María Magdalena; Apóstol Pablo y S. Catalina; en el centro - "Luto de Cristo por María y Juan"; a la derecha - el apóstol Pedro y S. Lucía; Santa Margarita de Antioquía y Santa. Antonio (ermitaño). Con la excepción de St. Rainerius, todos los personajes del altar son santos cristianos primitivos, y el altar en sí, presumiblemente, fue creado para la iglesia de los monjes agustinos en Pisa (esto se evidencia por la presencia en el altar del santo patrón de Pisa, St. Rainerius y San Agustín). En 1870, el conde Jan Frantisek Palfy lo adquirió en Italia y lo llevó a su castillo en Bojnice. La obra fue anteriormente atribuida a Orcagna, luego considerada obra conjunta de los hermanos, ahora definida como obra independiente por Nardo di Cione. La estructura gótica del altar se realizó a finales del siglo XIX. A esta obra se asoció un historial delictivo: en 1933, todos los paneles del políptico fueron robados, y durante más de un año estuvieron en desfavorables condiciones de almacenamiento. Tras esclarecer el crimen, los restauradores realizaron un serio trabajo para restaurarlo. A fines de la década de 1980, el altar fue objeto de controversia política durante la división de Checoslovaquia en la República Checa y Eslovaquia, ya que se mantuvo en un museo en Praga después de la Segunda Guerra Mundial; en 1995, el altar tomó su lugar en el castillo eslovaco de Bojnice, el evento estuvo acompañado de su consagración y misa solemne.

Varios trípticos se han atribuido a la pincelada de Nardo . Uno de ellos, con la imagen de la Virgen y el Niño y dos santos, Gregorio Magno y Job, es bastante grande (250x212 cm) y se encuentra en el refectorio de c. Santa Croce, Florencia. Otro tríptico (300x212 cm) es aún más grande gracias a los altos pináculos y se conserva en la Galleria dell'Accademia, Florencia. Representa la trinidad del Antiguo Testamento: Padre, Hijo y Espíritu Santo, y a ambos lados está San Pedro. Romualdo y Juan el Evangelista. Los paneles de la predela adornan cuatro episodios de la vida de St. Romualda: Aparición a San Romualdo de San Apolinar; El ermitaño Marin instruye a St. Romualda y San Romualdo atormentados por demonios; sueño de san Romualdo. Los pináculos representan un cordero en el altar y dos ángeles a los lados. El tríptico no tiene la firma del autor, pero hay una fecha: 1365. La obra fue creada para la convención de Santa Maria degli Angeli en Florencia por orden de Giovanni Ghiberti, quien, según el testamento de 1363, donó la cantidad necesaria. Anteriormente, este tríptico se atribuía a Lorenzo Monaco, entonces considerado obra conjunta de Orcagna y Nardo; investigadores posteriores (Boskovitz, Tartuferi) consideran claramente que el tríptico es obra de Nardo di Cione.

Aproximadamente a la misma época, 1365, se atribuye la imagen de tres santos de la National Gallery de Londres. Juan el teólogo, Juan el Bautista y S. Los Jacobs se paran en toda su altura sobre una alfombra con imágenes de pájaros y adornos florales, un motivo que Nardo usaba a menudo. Fuentes escritas informan que este altar proviene de la iglesia de San Giovanni Battista della Calza, Florencia, como lo demuestra la figura de Juan Bautista en el centro (Giovanni Battista es Juan Bautista, su camisa de pelo grueso es visible debajo de una lujosa capa ). Este templo fue construido en un momento por voluntad de Bindo di Lapo Benini, y el altar probablemente fue encargado por él; esto puede explicar la presencia en la imagen de St. Jacob con un bastón de peregrino (Lapo - en italiano, una variante del nombre Jacopo, es decir, Jacob). Además, el hermano Bindo di Lapo Benini fue prior de la orden monástica en Pisa; Los investigadores sugieren que la presencia en el tríptico de Juan el Teólogo, hermano de S. Jacob, que está representado con el Evangelio en la mano, se explica por esta conexión familiar.

La carpeta de tríptico de tamaño mediano de la Galería Nacional, Washington , (c. 1360; 76x66,4 cm) no estaba destinada a los templos, sino a rezar en apartamentos privados. Estos pequeños altares caseros los hacían los artistas por encargo, o los producía el taller como una especie de producto estándar que podía comprarse directamente en el almacén. El artista representó en él a la Virgen y el Niño, St. El Apóstol Pedro y Juan el Teólogo. La colorida superficie de este altar se ha conservado perfectamente debido a que su interior estaba cerrado con puertas.

Un lugar especial en la obra de Nardo se le da a la excelente escena de la Crucifixión de la Galería de los Uffizi, Florencia, que completó en su primera etapa, alrededor de 1350. Sus dimensiones son 145x71 cm El científico estadounidense Richard Offner sugirió que anteriormente esta imagen era la parte central de algún tipo de tabernáculo. La "Crucifixión" está escrita de acuerdo con las reglas establecidas: los ángeles recogen la sangre de Cristo crucificado en cuencos, en la parte inferior de la muerte de Jesús, María, María Magdalena y el amado discípulo Juan lloran. En la base de la cruz se encuentra el cráneo de Adán, recordando que Cristo murió en la cruz para expiar los pecados humanos. La escena se caracteriza por un delicado equilibrio compositivo, y la figura de la Magdalena, sosteniendo la cruz entre sus brazos, está llena de gracia no jotiana, sino gótica. En la parte inferior hay una pequeña predela con medias figuras de los santos Jerónimo, Santiago el Joven, Pablo, Santiago el Mayor y Pedro el Mártir. Otra "Crucifixión con Madonna y John Sorrowing" (106x48,5 cm), menos exitosa, se conserva en el Museo del Distrito de Milán.

Los investigadores notan la gracia inherente a la "Madonna and Child" de Minneapolis (Instituto de las Artes; tamaño 82,5x33,3 cm; fechada entre 1350 y 1360). La figura alta y alargada de la Virgen de pie sobre una lujosa alfombra, vestida con un manto azul hábilmente drapeado con elegantes pliegues, está cerca de los ejemplos del gótico norteño y al mismo tiempo es lírico en italiano. Quizás antes este cuadro fuera el panel central de un pequeño altar. Los investigadores han notado repetidamente la minuciosidad de la imposición de colores por parte del artista. Usó tonos suaves y translúcidos, que aplicó en varias capas; el uso de pigmentos rosados ​​para los labios y las mejillas de sus madonas animaba su imagen. Los esgrafiados minuciosamente ejecutados (se aplicó pintura a la base de oro y luego se raspó el patrón) y el cuidadoso laminado en oro ayudó a que sus obras se conservaran bien. Por estas razones, varios expertos consideran a Nardo el mejor entre los maestros del Trecento.

Otra "Madonna and Child with Four Saints" del Museo de Brooklyn, Nueva York, es mucho más grande (196,9 x 100,3 cm). La obra está fechada a mediados de la década de 1350; en él, el artista representó a la Virgen con un bebé sosteniendo un carduelis en la mano, un símbolo de la Pasión de Cristo. Alrededor de ellos se encuentran: a la izquierda - Santos Zenobio de Florencia y Juan Bautista, a la derecha - Santa Reparata y Juan el Teólogo. Santa Reparata y Zenobio de Florencia son patronos de Florencia; además, Santa Reparata era la santa titular de la Catedral de Florencia, que alberga las reliquias de Santa. Zinovia. En base a esto, los investigadores sugieren que este gran ícono adornaba anteriormente una de las columnas dentro de la Catedral de Florencia.

A Nardo di Cione también se le atribuyen algunos paneles individuales que representan santos. Dos pinturas de la Alte Pinakothek, Munich probablemente formaron un díptico; en uno de ellos se pueden ver los santos Antonio, Ambrosio, Juan Bautista , Pablo y Catalina; por el otro, los santos Pedro, Julián, Esteban y un santo obispo desconocido. Otra variedad son los paneles separados que anteriormente componían estructuras de altar más complejas, como "Juan el evangelista" del Museo Lindenau , Altenburg , o "San Pedro" de la Galería de arte de la Universidad de Yale (c.1355-60; 99,4x40cm) ; anteriormente "St. Peter" era parte de un gran tríptico que Nardo pintó con su hermano Andrea - la sala de vapor "St. Peter", un cuadro que representa a "Juan el Bautista", pintado por Andrea Orcagna. Junto a tales trabajos, existen trabajos sobre los cuales los investigadores no tienen una opinión definida; se consideran un trabajo conjunto de Nardo y Andrea, o un producto del "taller de Chone". Estos incluyen, por ejemplo, "Crucifixión y Seis Santos" del Museo Metropolitano de Arte, Nueva York, y "Crucifixión" del Museo Ashmolean.

Entre las "Madonnas" creadas por Nardo, podemos mencionar la "Madonna and Child" del Museo de Arte de Milwaukee, Wisconsin (c. 1350) y la magnífica "Madonna del Parto" (1355-60, Fiesole, Bandini Museum). "Madonna del parto" significa "Madonna de las mujeres en el parto"; En el marco de este tipo iconográfico, la Virgen se representaba embarazada (sus magníficas formas en la cintura lo atestiguan) y servía como imagen de oración para las mujeres embarazadas que anhelaban soportar con seguridad y dar a luz a un niño.

Frescos en la Capilla Strozzi en la Iglesia de Santa Maria Novella

Los frescos de la Capilla Strozzi son la obra más grande y filosóficamente más profunda de Nardo di Cione que ha sobrevivido hasta el día de hoy. Se desconoce la fecha exacta de construcción de esta capilla . La iglesia de Santa Maria Novella comenzó a construirse en 1246 y se completó a principios del siglo XIV, por lo que las diferentes partes de la misma tienen diferentes fechas de finalización. Las opiniones de los investigadores están divididas, unos hablan de la datación temprana de la construcción de la capilla, otros de una fecha posterior y relacionan los trabajos sobre su construcción con los nombres de los hijos de Rosso di Jerio Strozzi, fallecido en 1316 - Ubertino, Strozza, Giacomo y Marco. La familia Strozzi, junto con Bardi y Peruzzi, era uno de los clanes más poderosos de Florencia, que hizo su fortuna en el comercio y la banca.

Tampoco se conoce la época de creación de los murales de la capilla a partir de fuentes antiguas. Solo se sabe que entre 1354 y 1357 Andrea di Cione, apodado Orcagna, realizó el altar de esta capilla, que le fue encargado por Tommaso di Rossello Strozzi. Al mismo tiempo que este altar podrían haber aparecido los frescos de la capilla, pero en este caso no está claro si el mismo Tommaso o su primo Jacopo di Strozza Strozzi fue el cliente de los murales, o, como una de las opciones , su tío Fra Pietro Strozzi. Los autores antiguos nombran a Andrea di Cione (Billi; 1516-1520), a su hermano Nardo (Ghiberti; 1447) como los ejecutantes de los frescos, y también se menciona su trabajo conjunto (Vasari; 1550 y 1568). Todos los investigadores modernos consideran que los frescos son obra de Nardo di Cione. Su hijo Giovanni, junto con Nardo, probablemente trabajó en los murales de la capilla, a cuyo pincel los investigadores atribuyen las imágenes de los padres de la iglesia en el arco de entrada y la pintura en la bóveda.

La pintura de las tres paredes de la capilla es, en realidad, un gran tríptico, en el que las paredes izquierda y derecha están pintadas con pinturas del Cielo y el Infierno, y la pared principal, del altar, con la escena del Juicio Final. El principal atractivo de la capilla es la imagen del infierno siniestro, cantada por Dante, que, según Ghiberti (siglo XV), se transmite con una autenticidad asombrosa, por lo que recibe su otro nombre: "capilla del infierno". Los frescos en un momento fueron gravemente dañados por el fuego y fueron repintados muchas veces. El “Paraíso” y el “Infierno” se vieron especialmente afectados, y el “Juicio Final” y la pintura del arco se conservaron mejor. Partes del arco están decoradas con cuatro medallones, en los que, entre las personificaciones de las virtudes Principal y Teológica, se sienta en el trono Tomás de Aquino. En la abertura de la ventana están las figuras de la Virgen y Tomás de Aquino, en el arco de entrada están los santos padres de la iglesia, así como San Pedro. Domingo y Pedro

En el muro central se sitúa la escena del Juicio Final. Su espacio pintoresco está gravemente perturbado por un gran ventanal. Encima de la nube, se ve una media figura de Cristo, con la mano derecha bendice a los justos, con la izquierda señala a los pecadores (su mirada se dirige en su dirección). Antes de Cristo, los ángeles estaban ubicados simétricamente, anunciando el comienzo del Juicio Final. Abajo, como intercesores del género humano, se representan a la Virgen y a Juan el Bautista. Los rostros de los doce apóstoles sentados aún más abajo están dirigidos hacia Cristo. En el nivel más bajo, se muestra la resurrección general, los muertos apenas comienzan a salir de sus tumbas abiertas y oscuras. A la izquierda de la ventana está el lado de los justos, a la derecha está el lado de los pecadores. A pesar del patetismo intenso y emocional, la escena se caracteriza por un orden compositivo sólido. El medio de trasladar la tensión del momento son las expresiones faciales y los gestos expresivos de los personajes. Se representan personas de todas las edades y rangos, junto con ellos, el maestro busca transmitir toda la gama posible de sentimientos y sufrimiento. Los investigadores prestan atención a la vestimenta extremadamente diversa, a veces exótica, de los personajes, especialmente los disfraces de paganos y brujos. Entre los justos representados, los expertos identificaron con bastante facilidad una serie de figuras bíblicas e históricas. En la fila superior, de izquierda a derecha, Moisés con dos tablas, Noé con un modelo del arca en la mano, Isaac (con un cordero), luego sus padres, Sara y Abraham. Abajo, de izquierda a derecha, se puede ver a Petrarca (de negro), Boccaccio (de frente), Dante (de blanco) y el profesor Pietro Strozzi (m. 1353), a quien algunos investigadores atribuyen su participación en la elaboración del programa iconográfico de los murales. . Tratar con los pecadores es mucho más difícil, ya que no existe una iconografía establecida de pecadores específicos (así como no existen, ni pueden existir, sus iconos). Los rostros representados por el artista son tan individuales que los investigadores no tienen dudas de que se trata de personajes históricos reales o personas que vivieron en esa época.

Aún más impresionante es la composición " Paraíso ", ubicada en el muro sur. Tiene el carácter del mismo ceremonial hierático que en la "ciudad bendita" de Dante (Paradise, Canto XXXII). En la composición del fresco, el artista busca combinar el Trono Divino y la Ciudad Celestial, tratando, sin embargo, de evitar la monotonía y el esbozo. Es difícil decir qué tan factible es tal tarea: las filas de santos se mantienen uniformes, como si fueran columnas alineadas, cuya regularidad se rompe solo en la parte inferior de la parte central, donde se puede ver a la pareja casada junto a la Archangel Michael. Muchos investigadores (en particular, Offner, 1960; Giles, 1977; Pitts, 1982; Kreytenberg, 2000) creen que se trata de retratos de los clientes de la capilla, aunque su ubicación aquí parece algo extraña para la época.

El Paraíso se contrasta con el ominoso panorama del Infierno . La imagen del infierno en la pintura florentina tenía un carácter especial, ya que estaba bajo la innegable influencia de la Divina Comedia de Dante Alighieri. El infierno, cantado por un destacado poeta, tuvo una fuerte influencia en la imaginación de los artistas (por otro lado, algunos autores creen que el mismo Dante escribió el poema bajo la impresión de un fresco que representaba el Juicio Final, creado hacia 1300 por Pietro Cavallini ). Antes de que Nardo di Cione pintara un fresco en la Capilla Strozzi, el infierno fue representado por Giotto (Capilla de Santa Magdalena en Bargello), Buonamico Buffalmacco (Camposanto en Pisa) y Andrea di Cione (Orcagna) en la Iglesia de Santa Croce (fragmentos - en el Museo de la Santa Cruz) .

Nardo describió el infierno como una sección longitudinal de una tubería gigante; de arriba abajo hasta el mismo centro del infierno descienden seis círculos. Los círculos están divididos en sectores, que muestran los diferentes castigos a los que son sometidos los pecadores. Los investigadores señalan que tal estructura de la imagen del infierno es una transcripción visual directa del texto de Dante. Sin embargo, a pesar de la estrecha interacción con el texto de la Divina Comedia, Nardo no se propone la tarea de reproducir el texto con exactitud literal. No representó un embudo, a lo largo del cual descienden gradualmente Dante y Virgilio.

El fresco ha perdido su capa de pintura, por lo que es extremadamente difícil observar los detalles de la composición. En el lado izquierdo del primer registro está el umbral del infierno, donde se representa a los pecadores preparándose para el cruce (Divina Comedia, Oda III). Luego viene el primer círculo, "Limbo" - un castillo, "rodeado siete veces con paredes delgadas". Esta es la suerte de los que no conocieron a Dios ("Infierno", canto IV). A la izquierda está el segundo círculo del infierno. Las almas de los pecadores acuden a él y reciben varios castigos ("Infierno", canción V). Más adelante en el tercer círculo (a la derecha) se puede ver un terrible Cerbero (debajo está la inscripción - CERBERO), atormentando las almas ("Infierno", canción VI). En el tercer registro, el artista representó el cuarto círculo del infierno. Aquí, los avaros y los despilfarradores, custodiados por Plutón, están condenados al tormento eterno: "Su multitud parecía interminable; dos huestes marchaban ejército contra ejército, empujando cargas con el pecho con un grito eterno; luego chocaron y de nuevo retrocedieron con dificultad, gritando el uno al otro: “¿Qué salvar? » o "¿Qué tirar?" ("Infierno, Canción VII). Más a la derecha está el quinto círculo, donde las almas de los pecadores enojados y de mal genio languidecen en el Estigia ("Infierno, Canción VII y VIII"). En el cuarto registro, un vasto interior se representa el muro, pasando entre los círculos superior e inferior del Infierno: la ciudad de Dit. Está custodiado por demonios y furias, y detrás de sus muros y torres, el infierno inferior arde con una llama eterna ("Infierno", canto VIII y IX ) abre. Debajo hay un panorama del sexto círculo del Infierno: la tierra envuelta en fuego y los sarcófagos ardientes de los heresiarcas (" Infierno ", Canción IX-X). En el quinto registro está el séptimo círculo, donde están los violadores. atormentado, seguido por los centauros A la izquierda hay un bosque de suicidas y despilfarradores custodiado por arpías ("Infierno", Canción XIII), y a la derecha - el lugar del tormento eterno de blasfemos, sodomitas y usureros custodiado por Gerion. Está lloviendo fuego constantemente ("Infierno", Oda XIV-XVII). El sexto registro contiene los círculos octavo y noveno del infierno. El artista, de acuerdo con el nombre de este lugar en el inframundo ("ranuras malvadas"), divide el coche un plano fangoso con varias trincheras descendentes, convirtiendo esta parte de la composición en un complejo sistema ramificado. Este es un lugar de tormento eterno para hechiceros, hechiceros, sobornadores, mentirosos, y en el centro, entre las "grietas del mal", se encuentra el último y noveno círculo del Infierno, que está custodiado por Nimrod, Anteo y Efialtes ( "Infierno", canción XXXI). Es aquí donde se encuentra Lucifer de tres caras. "El que sufre lo peor de todos" - Judas, luego Bruto y Casio. Tal imagen del infierno es descrita por Dante. La pintura de la Capilla Strozzi le da un alcance monumental y un carácter visual, cuando una mirada puede cubrir el enorme abismo del tormento infernal.

Se sabe que el Concilio Local (1335) celebrado en la iglesia de Santa Maria Novella aún prohibía a los representantes de la orden dominicana leer las obras de Dante escritas en italiano. Después de que Nardo di Cione comenzara a pintar la capilla, este veto a la Divina Comedia se levantó con toda probabilidad oficialmente, y también se sancionó abiertamente el desarrollo de un programa de pintura (Jacopo Passavanti o Fra Pietro Strozzi podrían haber tomado parte en esto). Queda abierta la cuestión de quién inició la disposición pictórica del poema de Dante. Vasari (1568) no menciona esto. En la literatura de historia del arte moderno, existe la opinión de que Nardo di Cione podría actuar en contra de la voluntad del cliente.

Bibliografía

Notas

  1. ↑ Nardo di Cione // Arte Reino Unido - 2003.
  2. ↑ Nardo di Cione // KulturNav  (inglés) - 2015.
  3. ↑ Nardo di Cione // Ateneo
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