El estudio de teatro bajo la dirección del actor y director de la escuela Vakhtangov [1] R. N. Simonov trabajó en Moscú desde 1928 hasta 1937 [2] [3] . Cerrado en 1937 como resultado de una fusión con el Teatro de la Juventud Trabajadora de Moscú .
En 1926, el actor y director de Evg. de 27 años. Vakhtangov Ruben Nikolaevich Simonov [4] tomó la decisión de crear un estudio de teatro. Alumno de los estudios Chaliapin y Vakhtangov, en ese momento ya era conocido en los círculos teatrales de Moscú por interpretar los papeles de Truffaldino y Pantalone (" Princesa Turandot ", 1922 y 1924), Virrey ("Comedias de Mérimée", 1924), Zhevakin (" Matrimonio " N. Gogol , 1924), Ametistov ( Apartamento de Zoyka de M. Bulgakov ) en 1926. En 1923 se fue de gira con el 3er Estudio del Teatro de Arte de Moscú en Letonia, Estonia, Suecia, Alemania. Escenificó el vodevil " Lev Gurych Sinichkin " de D. Lensky (interpretó el papel de Sinichkin) en el estudio. Vakhtangov en 1924, "Marion Delorme" de V. Hugo en el Teatro que lleva el nombre de Evg. Vakhtangov (1926), "La vuelta al mundo contigo mismo" de V. Shkvarkin en el Comedy Theatre (anteriormente Korsh) (1926). En 1924 comenzó a enseñar en la escuela de teatro en el Teatro que lleva el nombre de Evg. Vakhtangov.
La primera reunión organizativa del futuro teatro-estudio tuvo lugar en el otoño de 1926 . El equipo estaba formado por un grupo de jóvenes actores del Chaliapin Studio, los estudios Blue Bird y estudiantes de posgrado del Central College of Theatre Arts . Desde el principio, R. N. Simonov atrajo a A. M. Lobanov , I. M. Rapoport, A. M. Gabovich y V. A. Shvemberger (directores), el artista B. A. Matrunin, N. I. Sizova y M. N. Terian (compositores y jefes de la parte musical), D. N. Anastasyev (jefe de la parte literaria ). Más tarde, los artistas P. V. Williams , I. S. Fedotov, N. V. Kuzmin, G. B. Yakulov, S. M. Aladzhalov fueron invitados a trabajar en actuaciones ; compositores M. N. German, V. N. Kochetov, Yu. S. Milyutin , L. A. Schwartz ; coreógrafos I. A. Moiseev , M. M. Gabovich , N. A. Glan, artistas de la orquesta D. A. Lepilov (director) y E. S. Pazhitnova (pianista-acompañante). El canto de los estudiantes del estudio fue enseñado por el actor y maestro B. V. Bibikov .
La compañía incluía a los artistas V. N. Blagovidova, E. B. Bulatova, V. I. Gordon, N. A. Delektorskaya, A. I. Zavyalov, V. K. Ivanov, A. M. Inozemtsev, A. M. Koltypin, N. V. Lazareva, V. V. Maruta, I. V. Murzaeva , N. V. Pajitnov, N. S. Poluboyarinov, S. S. Polyakov, I. D. M. Profiev Protser, E. Ya. Senkevich, K. I. Tarasova , I. S. Tolkachev, E. S. Tryapkin, G. I. Uspensky, T. S. Khlystov, G. I. Chernovolenko, V. A. Shults
En el período de 1928 a 1937 (antes de la fusión con el Teatro de la Juventud Trabajadora de Moscú), la compañía incluía a los artistas A. R. Barsky, V. M. Berkhman, M. S. Volkova, A. G. Guliyev, M. P. Dagman, E. K. Zabiyakin , F. O. Zaslavsky, V. I. Zakharova, M. V. Zernov , I. K. Zinoviev, M. V. Khrenov, P. E. Klyukvin, N. K. Kechekezyan, B. P. Lebedev, G. A. Molenhauer, A. A. Mokhov, L. D. Nedovich, A. B. Nemirovskii, A. T. Pavlikina, V. I. Pavlova, N. N. Parkalab, E. Ya. Petker , S. M. Pushcheva, V. A. Robinzon, Yu. K. Sabinin, G. E. Sergeeva , G. D. Sinelnikov, S. A. Solonitsky, M. A. Strelkova, T. A. Tamarina, I. N. Teplykh, E. M. Tobiash , I. S. Tulskaya, S. M. Khmara, P. S. Shcherbak, M. N. Evolinskaya y V. S. Erlikh
En 1933, A. P. Adelgeim, T. P. Altseva, E. N. Baikova, L. E. Garfeld, G. A. Georgiou , V. V. Gertsik fueron admitidos en la escuela en el Studio Theatre y se unieron a la compañía V. A. Dykhovichny , A. G. Kepinov, G. A. Kondratieva, M. V. Malinina, N. A. Mitskevich, I P. Nielsen, T. N. Pylaeva, V. T. Romanova, Z. A. Sokolova, O. S. Solovyova, E. L. Utyosova , E. G. Foster, I. A. Kharitonov, Z. A Shterenberg.
En 1934, la compañía se repuso con artistas del Teatro Bauman de Niños Trabajadores (en 1936 pasó a llamarse Teatro de Moscú para Niños ) T. A. Ardasenova, S. Kh. Gushansky, I. M. Doronin, N. I. Petrov, Z. A. Sazhin.
El teatro-estudio se inauguró el 6 de noviembre de 1928 con una obra de teatro de la novela de parodia de Sergei Zayaitsky "La belleza de la isla de Lyulu". No tenían locales propios, ensayaban donde podían, y las actuaciones se realizaban en clubes de Moscú y de la región de Moscú, en la Casa de la Cultura de la Armenia Soviética y en la sala de reuniones de la Academia de Ciencias Artísticas, bajo la dirección de que R. Simonov organizó un taller de teatro experimental. A sugerencia del liderazgo de la Academia, el director V. Shvemberg realizó una actuación de "propaganda" basada en la obra de S. Gorodetsky y A. Kondratiev "El tesoro desencantado" sobre un tema de actualidad: "sobre una suscripción a préstamos" ( el estreno tuvo lugar en septiembre de 1929) en el estudio. Al mismo tiempo, se comenzó a trabajar en " Talentos y admiradores " de A. N. Ostrovsky .
En abril de 1930, el estudio recibió el estatus oficial de Studio Theatre móvil (es decir, sin su propio escenario) bajo la dirección de R. N. Simonov bajo la Administración de Empresas de Entretenimiento de Moscú. La parte más vieja de la compañía comenzó a recibir un pequeño salario. Y, sin embargo, recordando los primeros tres años de vida del estudio, R. Simonov los caracterizó como "increíblemente difíciles" [5] .
A principios de la década de 1930, el teatro-estudio representó varias obras de autores soviéticos sobre temas contemporáneos: "Debemos querer" de V. Derzhavin (dirigida por A. Lobanov con la participación de R. Simonov, 1930), una obra del mismo autor "En la línea de fuego "(post. R. Simonov e I. M. Rapoport, 1931) y otros. Las actuaciones basadas en obras de V. Derzhavin fueron bien recibidas por el público, especialmente "En la línea de fuego" con el subtítulo "Incandescencia", sobre el papel del Komsomol en la vida del país, utilizando el ejemplo de una planta eléctrica. equipo. Los protagonistas de la obra son típicos de las obras de esos años: un trabajador avanzado-miembro del Komsomol, un trabajador viejo, un gruñón y un bebedor, un secretario de una célula del Komsomol, que oculta su esencia egoísta detrás de la eficiencia externa, activistas obreros y " agarradores inconscientes". El conocido crítico V. Ermans destacó el carácter dinámico y emotivo de la producción, el juego expresivo de los actores, e instó a seguir manteniendo el espíritu de lucha del joven equipo [5] . Se planteó un tema relacionado en la obra "Entusiastas" de E. Tarvid y N. Serebryakova (1932). A. Lobanov en 1931 representó "Talentos y admiradores" basado en la obra de A. N. Ostrovsky y en 1932 "Vaudeville de la Revolución Francesa". En diciembre de 1932 y en agosto del año siguiente, el equipo realizó con éxito su primera gira larga en Leningrado . Los amplios salones de las Casas de la Cultura de Leningrado se llenaron al máximo.
Actuaciones que se han vuelto especialmente notables:
"Belleza de la isla de Lyulu" basada en la novela de S. Zayaitsky (publicada por R. Simonov, artistas G. Yakulov y S. Aladzhalov, música de N. Sizov, bailes organizados por I. Moiseev, 1928) . La novela parodia de S. Zayaitsky con el característico subtítulo “Una novela para leer en el camino” cuenta una historia sencilla sobre cómo, habiendo visto en la pantalla y creyendo en la existencia real de una belleza llamada Lulu en una isla lejana, un grupo de parisinos amigos va en su busca. Después de haber experimentado un naufragio en el camino, un encuentro con caníbales salvajes y muchas otras aventuras, todos regresan juntos a París, donde se enteran de que una doncella portera fue filmada en el papel de la belleza salvada. Una alegre actuación musical con baile y pantomima fue un éxito de público y recibió buenas críticas de la crítica. Los creadores de la actuación, como todo el estudio, no recibieron ningún pago, además, recaudaron dinero de los miembros del estudio para la producción de escenografía y vestuario.
"Talentos y admiradores" A. N. Ostrovsky (post. A. Lobanov, artista B. Matrunin, 1931) .
La presentación pública de la actuación tuvo lugar el 23 de mayo de 1931 en el club de la fábrica Goznak en Plyushchikha, el estreno tuvo lugar un mes después en el Hermitage Garden Theatre . El primer gran trabajo de dirección de Andrey Lobanov trajo el primer gran éxito: la actuación y después de muchos años fue reconocida como la mejor producción del estudio de teatro [3] [5] . El director abandonó la interpretación generalmente aceptada de la obra clásica de A. N. Ostrovsky como una comedia cotidiana, que ya se ha vuelto habitual, convirtiéndola en un drama social. El nuevo sonido de la obra se logró cambiando la naturaleza de la relación entre los personajes, se encontró con precisión la apariencia externa de cada uno de ellos, el dinamismo de la actuación, el acompañamiento musical cuidadosamente seleccionado.
En el centro de la actuación, Lobanov puso la compleja relación de la joven actriz Negina con el ex alumno Meluzov y el "terrateniente muy rico" Velikatov "esperando el lugar de un maestro". “Se enfatizó el destino distorsionado de Negina y su dolor en el final, la protesta civil de Meluzov, el “agarre de lobo” del Velikatov de dos caras y exteriormente imponente, la malignidad o inutilidad de otras figuras que merecen ser denunciadas” [6] , lo que trajo gran urgencia social a la obra. La obra fue dinámica debido al rápido cambio de episodios en los que el director dividió la obra en cuatro actos y la instalación de escenografía en tres círculos giratorios. Entre episodio y episodio sonaban viejos valses y polkas, creando la atmósfera de un teatro provinciano del siglo pasado. El artista B. Matrunin encontró las imágenes escénicas externas exactas de los héroes de la obra [5] : vestidos modestos de Negina (K. Tarasova), que contrastan con los trajes brillantes de Smelskaya (E. Bulatova), Domna Pantelevna (V. Blagovidova ) vestido de manera popular), la apariencia de Meluzov (E. Zabiyakin), característica de los plebeyos del siglo XIX, el trágico Gromilov (K. Ivanov) con un impermeable y un sombrero de ala ancha, que recuerda a un "ladrón teatral ”, el joven príncipe Dulebov (I. Poluboyarinov) con una levita de colores brillantes y un sombrero de copa. El conjunto de actores se complementó con "el sirviente siempre dormido de Negins Matryona (I. Murzaeva) y el conductor de la estación (M. Zernov), una figura profética, que proclamó durante muchos años con voz senil la partida del tren." Admirando la actuación, la prensa notó en su ironía, frescura, dinámica cierta similitud con la "Princesa Turandot" de Vakhtangov, y en el desarrollo crítico y revolucionario de los clásicos encontró "una sombra invisible del líder reciente del Teatro Octubre " [7 ] .
Al final de la temporada 1934-1935, "Talents and Admirers" se llevó a cabo con una casa llena constante unas 600 veces, y en total más de 1000 veces antes de que cerrara el teatro [7] . El éxito de los espectadores no se vio obstaculizado por los "Talentos y admiradores" del Teatro de Arte de Moscú (organizado por K. S. Stanislavsky , N. N. Litovtseva y V. A. Orlov, 1933).
"Entusiastas" E. Tarvid y N. Serebryakova (post. R. Simonov, artista B. Matrunin, 1932) . La actuación contó sobre la vida de la juventud trabajadora soviética: trabajo, descanso, relaciones personales. Realizando una tarea urgente, los trabajadores de Komsomol trabajan, independientemente del tiempo. Para un tema no demasiado ganador, era necesario encontrar una forma teatral convincente y entretenida, y el director la definió como “musical-dramática”. El acompañamiento musical contribuyó a la organización de la acción, ayudó a "revivir" la actuación, marcó el ritmo adecuado para el movimiento escénico de los actores.
"Era de vodevil de la Revolución Francesa" (post. A. Lobanov, 1932) .
El espectáculo de vodevil exigía de los intérpretes, actores dramáticos del "género conversacional", la capacidad de cantar y bailar, como es típico del "género ligero". El director, a su vez, necesitaba hacer tales cambios en las tramas de vodevil, escritas hace un siglo y medio, para que pudieran ser interesantes para una audiencia moderna. Los interludios, la representación satírica de los representantes del "clero reaccionario" ayudaron a dar al vodevil una ventaja política y a conectar los acontecimientos de la Francia revolucionaria a finales del siglo XVIII con la vida de la sociedad soviética a principios del siglo XX. Simonov escribió en sus memorias: “En nuestra actuación, por primera vez, el actor tuvo que lidiar con coplas de vodevil, con ritmos de vodevil, por primera vez comenzó a hablar sobre grandes problemas en el lenguaje fácil de un personaje de vodevil, y si no siempre tuvo éxito, si a veces no dominó la forma, esto no podría generar pesimismo, sino que, por el contrario, debería haber sido un incentivo para un nuevo trabajo en un género similar, que, lamentablemente, es tan poco común en el escenario soviético. [5] .
A fines de 1933, se completó la tan esperada reparación del edificio destinado al estudio en Bolshaya Dmitrovka con un auditorio para 400 asientos. La gran inauguración del ahora estacionario estudio de teatro tuvo lugar el 20 de noviembre de 1933 . En menos de cinco años, desde finales de 1933 hasta 1937, se estrenaron nueve representaciones, sin contar la " Dote " de A. N. Ostrovsky , traída a los ensayos generales en 1937, pero no completada . Durante el mismo tiempo, el teatro estuvo de gira en muchas ciudades: Gorky , Murmansk , Jarkov , Leningrado (dos veces), las ciudades del Cáucaso Mineralnye Vody . Actuaciones estrenadas:
"Ellen Jones" ("Machinal") S. Treadwell (post. R. Simonov y A. Gabovich, artistas A. Olenev, V. Libson y L. Kulaga, 1933) .
En el centro de la obra de la escritora estadounidense Sophie Treadwell se encuentra el trágico destino de una simple trabajadora, Ellen, que muere en un intento de resistir a la "máquina" sin alma, cuya personificación en la obra es el estado capitalista. Ellen está sola en su lucha, está rodeada de gente indigna, es traicionada por el hombre del que se enamoró. No hay una máquina real en la obra, a excepción de la silla eléctrica en la que se ejecuta a Ellen por matar a su marido. Y en esta actuación, el acompañamiento musical ocupó un lugar importante: sonaron canciones populares estadounidenses. Esta obra se representó simultáneamente en el Teatro de Cámara y ambas producciones con Alisa Koonen y Ksenia Tarasova en el papel principal disfrutaron de un éxito igualmente grande.
"El jardín de los cerezos " de A.P. Chekhov (post. A. Lobanov, 1934) . A diferencia de la mayoría de las otras producciones de Lobanov, The Cherry Orchard recibió un coro de críticas, en las que las voces benévolas individuales resultaron ser casi inaudibles. “Lobanov fue acusado de tergiversar a Chéjov, de olvidar las tradiciones de interpretación de sus obras en el Teatro de Arte, de nihilismo en relación con el patrimonio cultural, de sociologismo vulgar, que acababa de ser duramente criticado. El tribunal se celebró tanto en las páginas de los periódicos como en la opinión pública” [7] . Incluso después de 20 años, el punto de vista oficial sobre la actuación no ha cambiado. Se expresó de manera más aguda en la capital "Ensayos sobre la historia del teatro dramático soviético ruso": "En esta actuación, polémicamente dirigida contra la producción del Teatro de Arte, la distorsión más franca de los personajes, el género, la composición y el mismo se permitió la esencia ideológica de la obra.” [3] .
Así se consideró el intento del director de leer la obra como una comedia, de dotar a los personajes de rasgos satíricos o negativos, de despojarlos de su ostentosa nobleza exterior. R. Simonov escribió sobre Lobanov: [7] “En el arte, siempre supo cómo encontrar una solución nueva e inesperada. Sus decisiones a veces incluso parecían paradójicas, casi escandalosas, pero siempre fueron interesantes y talentosas. Por ejemplo, su obra "El jardín de los cerezos". Todo era contrario a la tradición. Por lo general, Charlotte es interpretada por ancianas cómicas, pero en el estudio le dieron este papel a una chica de estudio joven, bonita y elegante, G. Sergeeva. Ranevskaya fue privada de cualquier neblina de poesía. Era una dama chic que "quemó su vida" en París. El lacayo Yasha de repente resultó estar extrañamente conectado con ella, y en lugar de la tradicionalmente "azul" Anya, había una niña en la actuación que condenó duramente a su madre y chismeó bastante mal sobre ella ... ". El comerciante sobrio Lopakhin se opuso en la obra al "estudiante eterno" y al "maestro desaliñado" Trofimov, quien pronunció el famoso monólogo sublime sobre el trabajo y un hombre borracho frente al piso del restaurante. Gaev se presenta como vacío, inútil, incapaz de hacer nada y sin ganas de hacer nada. "Gone into the shadows" es la imagen poética de un jardín de cerezos en flor, un símbolo del pasado querido por los héroes de la obra.
Ksenia Tarasova, quien interpretó el papel de Anya, escribió: “Recuerdo nuestra discusión. Estábamos discutiendo los tres: Lobanov, Khmelev y yo. Discutieron justo después de la actuación:
- El espectador debería reírse de los Ranevskys, Gaevs, y me alegro de que la audiencia se esté riendo. Esta raza de gente ha sido eliminada”, dijo con alegre entusiasmo, con una firme determinación de convencernos.
“Andrey, estás siendo travieso”, se enfureció Khmelyov.
Es hora de revisar los errores. Estoy a favor de Chéjov contra el Teatro de Arte de Moscú”, dijo Lobanov con confianza. Y lo revisó con alegría, con talento, con picardía” [7] .
“Me parece que no, estoy convencido de que si hubiera una oportunidad de ver El jardín de los cerezos de Lobanov ahora, no habría acusaciones amargas para Lobanov y nosotros, no habría artículos cáusticos. <…. > Yo definiría la actuación de Lobanovsky como una gran comedia, llena de ironía cáustica y sentido moral. Ridiculizó y desacreditó lo que estaba sujeto a burla y desacreditación ”(N.V. Pajitnov, citado de [7] ). R. Simonov expresó una evaluación similar: “Por supuesto, la decisión de la actuación fue muy audaz para ese momento, pero ahora, cuando ha pasado tanto tiempo, yo, al recordar una vez más esta producción en mi estudio, estoy convencido de cuán correctamente, orgánicamente Lobanov reveló este juego ... » [5] .
" Virgin Soil Upturned " basado en la novela de M. Sholokhov (publicado por R. Simonov y A. Lobanov, artista I. Zinoviev, 1934). Todos los artistas de la compañía participaron en la actuación, cumplió plenamente con los requisitos de la época. Crítico Vl. Morskoy, que vio la actuación de gira en Kharkov, escribió: “Ruben Simonov desplegó una imagen grande y vívida de los primeros pasos de la colectivización en el Don. Sí, apareció en el escenario tierra virgen removida, rica, fértil, que se suelta con el arado del poder y la sabiduría proletarios. Simonov en los tonos de la epopeya crea una actuación realista, imbuida de un gran amor por los nuevos cosacos, dirigida con todo su filo contra el enemigo de clase. (Vl. Morskoy. "Virgin Soil Upturned". - "Kharkov Worker", 1935, 1 de junio).
"La familia Volkov" de A. Davurin (diseñado por R. Simonov, artista B. Matrunin, 1935). “Una interpretación con mayor o menor éxito de los intérpretes individuales se interpreta bien en conjunto, en términos de imágenes naturales simples, sin mucho énfasis ni presión. En la capacidad de trabajar con actores, por supuesto, un gran logro de la dirección artística del teatro. El trabajo reflexivo del director hace que esta actuación sea "actuadora". A partir de ahí, de su naturaleza actoral: su indudable emotividad, contagiosidad, su actividad "(D. Talnikov. "La familia Volkov". - "Arte soviético", 1936, 17 de enero).
"Siempre a las cinco" de S. Maugham (publicado por A. Lobanov, 1936)
"Equipo de música" de D. Del (publicado por A. Lobanov y V. Maruta, 1936)
"Fecha" de K. Finn (publicado por R. Simonov, artista B. Matrunin, 1936)
" Hijos del sol " de M. Gorky (publicado por A. Lobanov y V. Maruta, 1937) . La primera apelación de A. Lobanov a la más compleja de las obras de la dramaturgia de Gorki y el primer encuentro de jóvenes actores con una obra del género tragicómico.
" Dubrovsky " basado en la novela de A. S. Pushkin (post. R. Simonov, artista N. Kuzmin, 1937) . El espectáculo se estaba preparando con motivo del centenario de la muerte del poeta, lo que le dio un significado especial a la futura producción. Cierta dificultad para los estudiantes del estudio fue un nuevo aumento para ellos: el género romántico de la historia, que, según Simonov, no fue fácil de dominar.
El estudio de teatro bajo la dirección de R. N. Simonov funcionó durante 11 años, desde 1926 hasta 1937. Formado en 1936, el Comité de las Artes de toda la Unión comenzó a fines de la década de 1930 la reorganización del negocio teatral en el país. Se cerraron algunos teatros y grupos de estudio, incluido el Segundo Teatro de Arte de Moscú , el Teatro del Consejo Central de Sindicatos de toda la Unión, el Teatro que lleva el nombre de Vs. Meyerhold , Studio Theatre bajo la dirección de Alexei Diky . Grupos combinados (no siempre con éxito) diferentes en sus principios creativos: el Teatro de Cámara Tairov con el Teatro Realista Okhlopkov , el Teatro-Estudio. M. N. Ermolova con Khmelev 's Studio . Numerosos Teatros de la Juventud Trabajadora (TRAM) en ese momento fueron cerrados o reformados. A fines de 1937, el Studio Theatre bajo la dirección de R. N. Simonov se fusionó con el TRAM de Moscú. El nuevo equipo, que recibió en 1938 el nombre de Teatro de Moscú. Lenin Komsomol (al elegir el nombre, la puesta en escena de la obra basada en la novela de N. Ostrovsky "Cómo se templó el acero" desempeñó un papel), estuvo encabezada por el actor y director I. N. Bersenev . Pocos miembros del antiguo personal del estudio de teatro permanecieron en él: N. A. Delektorskaya, V. V. Maruta, N. N. Parkalab, G. E. Sergeeva, K. I. Tarasova y algunos otros. R. N. Simonov en 1939 fue nombrado director en jefe (director artístico) de Evg. Vakhtangov, donde sirvió hasta el final de su vida.