Estética técnica : una sección de estética , la ciencia de las leyes de la creatividad técnica y estética: diseño y diseño. Base teórica del diseño ; una disciplina científica que estudia los problemas socioculturales, técnicos y estéticos de la formación de un ambiente sujeto armonioso que rodea a una persona [1] .
Dentro de los límites de la estética técnica, estudian el tema, los métodos y la metodología para armonizar las relaciones en el sistema "hombre - objeto - medio ambiente". La estética técnica como disciplina científica estudia los aspectos sociales, estéticos, funcionales, ergonómicos y técnicos y tecnológicos de la formación del entorno sujeto en diversas áreas de la actividad humana y, por lo tanto, constituye la base científica y metodológica del diseño como una forma de "continuar un persona en las cosas" [2] .
El término "estética técnica" fue introducido en 1954 por el diseñador checo P. Tuchny. Los designó la teoría del diseño de herramientas y medios de producción , métodos científicos para mejorar las condiciones de trabajo basados en datos fisiológicos y antropométricos. Este término fue adoptado en la URSS , pero en un principio se asoció erróneamente con el concepto de cultura general de producción . Comenzaron a designar no la teoría del diseño, sino la práctica asociada a elevar la cultura de la producción por medio del diseño técnico y estético. Más tarde, el término "estética técnica" fue repensado críticamente y comenzó a usarse en un sentido diferente: la teoría general de la creatividad técnica en la industria [3] [4] .
La estética técnica estudia los principios y métodos del diseño y el diseño artístico, los problemas de la creatividad profesional y la habilidad de un artista-constructor (diseñador) [1] . La estética técnica incluye muchas direcciones científicas, escuelas, conceptos y métodos que surgieron en el proceso de su formación y desarrollo. La parte científica de la estética técnica consiste en los fundamentos del conocimiento sociocultural, la historia de las enseñanzas estéticas, la teoría de sistemas, la ergonomía, la antropometría, la teoría de la formación, el colorido, la heurística (la ciencia del pensamiento creativo), la ciencia de los materiales. La metodología de la estética técnica incluye las siguientes secciones: formación de estructuras y organización del proceso creativo del diseñador, morfología del diseño, métodos de búsqueda combinatoria y compositiva, métodos para modelar sistemas espaciales y de sujetos, métodos para diseñar una tarea de diseño y presentar un proyecto. Los fundamentos de la teoría y metodología del diseño artístico se estudian en instituciones educativas especiales como parte de cursos propedéuticos. Se dedican secciones separadas a cursos especiales [5] [6] [7] [8]
Las ideas de la estética técnica se originaron en la primera mitad del siglo XIX, mucho antes del advenimiento del diseño . En 1805, un artículo del escritor francés T.-B. Emeric-David, Sobre la influencia de la pintura en la industria del arte. En 1826, la Academia Estadounidense de Bellas Artes pasó a llamarse Academia Nacional de Diseño. En 1849, el Journal of Design comenzó a aparecer en Londres, fue publicado por el artista y teórico, el iniciador de la primera Exposición Mundial en 1851 en Londres y el primer director del Museo de South Kensington, Sir Henry Cole. Fue él quien en 1845 propuso el término "arte industrial" ( Ing. Industrial Art ).
El teórico del arte inglés J. Ruskin (Raskin), habiendo fundado el " Gremio de San Jorge " en 1869, designó el trabajo de los maestros medievales con la palabra "diseño", lo que implica la comprensión de la "belleza natural, natural" con la ayuda de trabajo manual, artesanal . Ruskin calificó a los maestros asociados con la producción de máquinas con la palabra despectiva "tramposo" ( ing. tramposo - "engañador, estafador"), ya que tales maestros en esos años enmascararon la verdadera esencia de las cosas con estilización y decoración superficial . Ruskin enfatizó: creado apresuradamente muere apresuradamente; lo más barato acaba siendo lo más caro; el arte de las cosas cotidianas es fundamental en la jerarquía de las artes; la producción mecánica paraliza la cosa manufacturada, su productor y consumidor. Ruskin propuso una utopía retrospectiva : un retorno de la producción mecánica barata de bienes inferiores al trabajo manual artesanal. Esta idea fue apoyada por el artista, escritor, teórico del arte, editor, publicista y político inglés W. Morris , quien intentó crear una producción moderna similar a los gremios medievales, basada en el trabajo manual del artista: “ Arts and Crafts ” (“Artes y Artesanía”).
En la década de 1850, la activa actividad periodística y científica del arquitecto Gottfried Semper comenzó a crear una teoría estética que une las leyes de la conformación en la arquitectura, las bellas artes y la artesanía artística (Semper no utilizó la palabra "diseño"). En la obra inconclusa Style in the Technical and Tectonic Arts, or Practical Aesthetics (Praktische Aesthetik) (publicada en dos volúmenes en 1860 y 1863), Semper buscó desarrollar una "teoría práctica" para superar la perniciosa división del arte en "alto". y géneros "bajos", aspiraciones idealistas y el lado material de la creatividad, el diseño (conformación utilitaria) y la decoración posterior de los productos. Semper argumentó que la arquitectura y otras artes se originaron a partir de la artesanía artística ("Das Kunstgewerbe"), tienen una naturaleza común (transformación consistente de la función utilitaria) y una dinámica de desarrollo: de lo utilitario a lo artístico. Según Semper, toda forma transformada estéticamente se define [9] :
El ingeniero alemán F. Rehlo , en su libro “Sobre el estilo en la ingeniería mecánica” (1862), abogó por la plena interacción del arte y la tecnología y la introducción de estilos arquitectónicos en la ingeniería mecánica. El arquitecto, teórico y maestro belga Henri van de Velde en los años 1900 y 1920 abogó por la unidad armoniosa de la configuración técnica y artística, la conveniencia y la lógica, la "belleza práctica y razonable". El arquitecto y teórico alemán Hermann Muthesius se pronunció a favor de los productos técnicos "artísticos", y el asesor artístico de la empresa AEG Peter Behrens , uno de los fundadores del Werkbund alemán (1907), llevó a cabo por primera vez un cambio de imagen estilístico completo de una empresa industrial.
En Alemania, en Weimar, en 1919, el arquitecto Walter Gropius fundó la primera escuela de arte industrial " Bauhaus ". En 1934, el Museo Metropolitano de Arte (Nueva York) acogió la exposición "Arte Industrial Moderno" ("Arte Industrial Contemporáneo"). En el mismo año, el Museo de Arte Moderno de Nueva York acogió la exposición Machine Art. En 1934, G. Reid publicó el libro "Arte e industria", L. Mumford - el trabajo "Tecnología y civilización", J. Gloag - "Explicación del arte industrial" (Explicación del arte industrial). En 1936, la obra capital de N. Pevzner “Pioneros del diseño moderno. De William Morris a Walter Gropius. A esto le siguieron otros trabajos de L. Mumford, N. Pevsner, artículos y libros de J. Gloag, V. Gropius, Le Corbusier y muchos otros. En 1938, G. Dreyfus fundó el American Institute of Design, y en 1944, junto con W. D. Teague y R. Lowy, la Industrial Designers Society of America. En 1944, se creó el "Consejo Británico de Estética Técnica". En 1928, en Milán , el destacado diseñador y teórico italiano Gio Ponti fundó Domus, una revista sobre teoría y práctica de la arquitectura y el diseño. Las revistas "Modo", "Casabella" desempeñaron un papel importante. En 1955-1989, la revista Proekt se publicó en Varsovia en tres idiomas (inglés, alemán y polaco).
Los creadores de la estética técnica fueron diseñadores en ejercicio: J. Nelson, B. Munari, F. Kiesler, K. Mollino, I. Noguchi, P. Fornasetti. En la segunda mitad del siglo XX: M. Bellini, E. Marie, A. Mendini, A. Branzi, E. Sottsass, F. Stark. Se puede decir que todo el siglo XX estuvo marcado por el diseño.
En 1949 se fundó en Ulm (Alemania) la Escuela Superior de Formación de Formas, que heredó las ideas principales de la Bauhaus. Sus rectores fueron destacados teóricos y practicantes del diseño: Max Bill (1953-1956) y Thomas Maldonado (1957-1961). El concepto de Maldonado se reducía a lo siguiente: el diseño no es arte en el sentido tradicional de la palabra, sino una respuesta de diseño de una persona al desafío de un entorno que cambia rápidamente. Por lo tanto, el diseño del diseño tiene un contenido dual: la armonía de la naturaleza afecta a una persona, y una persona responde a la naturaleza con la armonía de la forma, que se basa en un principio exclusivamente racional. La mercancía nunca se convertirá en arte en el sentido tradicional, y el diseño industrial, como la arquitectura moderna, no es arte.
en Rusia a principios del siglo XX. hay ideas de la unidad del arte y la tecnología, la belleza de la empresa de producción en sí (Ver: Strakhov. 1906), el rechazo de la decoración en los productos industriales, la fusión orgánica de utilidad, función y belleza en ellos (Ver: Engelmeyer. 1910; Stolyarov. 1910). En 1920, se formó VKhUTEMAS (All-Union Artistic and Technical Workshops), donde A. Rodchenko , V. Tatlin , L. Lissitzky , M. Ginzburg , I. Leonidov desarrollaron las ideas de "arte de producción", diseño y estética técnica. En febrero de 1945, tres meses antes de la victoria final sobre la Alemania nazi, el gobierno de la URSS, a sugerencia de una comisión especial, adoptó una resolución que establecía que "a fin de formar personal altamente calificado para la industria del arte y restaurar ciudades y monumentos de arte", la Escuela Superior de Arte e Industria de Moscú ( MVHPU , antigua Escuela Stroganov de Dibujo Técnico) y la Escuela Superior de Arte e Industria de Leningrado ( LVHPU , antigua Escuela de Dibujo Técnico del Barón Stieglitz). Por miedo a utilizar un término burgués, durante mucho tiempo en lugar de la palabra "diseño" se utilizó "diseño artístico" y "arte industrial". En 1957, la revista " Arte Decorativo de la URSS " ("DI URSS")
fue fundada bajo la Unión de Artistas de la URSS en Moscú . Su competencia incluía la discusión de temas de historia, teoría y práctica del folklore, artes y oficios, monumental y decorativo, arte y diseño de diseño. Mikhail Filippovich Ladur, diseñador gráfico, pintor y decorador, se convirtió en el redactor jefe de la revista. Uno de los iniciadores de la creación y subdirector de la revista, de hecho, su líder, fue el filósofo y teórico del arte Karl Moiseevich Kantor . Después del colapso de la URSS en 2012, la revista revivió con el nombre de "Arte Decorativo" ("DI").
Entre los teóricos nacionales, los más famosos son V. R. Aronov , N. V. Voronov, O. V. Genisaretsky, V. L. Glazychev , L. A. Zhadova , A. V. Ikonnikov , K. M. Kantor , E. N Lazarev, V. Yu. Medvedev, G. B. Minervin, V. O. Rodin, E. A. Rosenblum , V. F. Sidorenko. Los principales centros para el desarrollo de la estética técnica y el diseño doméstico a mediados y la segunda mitad del siglo XX fueron VNIITE (Instituto de Investigación Científica de Estética Técnica de toda la Unión) con departamentos y laboratorios creativos de "diseño artístico" (un término obsoleto) , MVHPU y LVHPU, Senezh Art Design Studio [10] [11] .
En 1962, se publicó el Decreto del Consejo de Ministros de la URSS "Sobre la mejora de la calidad de los productos de ingeniería y los bienes culturales y domésticos mediante la introducción de métodos de diseño artístico". El principal desarrollador del decreto fue el famoso diseñador Yuri Borisovich Solovyov (1920-2013). En Moscú, se estableció VNIITE (Instituto de Investigación de Estética Técnica de toda la Unión) en el territorio de VDNKh, con sucursales en Leningrado, Kiev, Vilnius , Minsk y otras ciudades. El primer director del VNIITE de Moscú en 1962-1987. Solovyov también se convirtió. Se crearon SHKB (Oficinas Especiales de Diseño) sectoriales, así como oficinas de diseño y laboratorios en empresas industriales.
En 1965, tuvo lugar la Primera Exposición y Conferencia de toda la Unión sobre Diseño Artístico. En 1964-1992. se publicó un boletín especializado, y luego la revista " Estética Técnica ". El editor en jefe de la revista en 1964-1988 fue Yu. B. Solovyov, el fundador y primer presidente de la Unión de Diseñadores de la URSS (1987-1990). Desde 1969, Solovyov también fue vicepresidente, y en 1977-1980. Presidente del Consejo Internacional de Sociedades de Diseño Industrial ( CIADI ).
En 1974, en LVHPU lleva el nombre. Y EN. Mukhina E.N. Lazarev creó un curso de formación experimental (ETC) y un grupo de estudio de diseño de sistemas, y en 1986 organizó un departamento de diseño de sistemas y software. La tarea principal del programa experimental de la LVHPU no era el diseño de cosas individuales, sino "la estructuración armoniosa del sujeto y los aspectos procedimentales de los sistemas hombre - objeto - medio ambiente". En consecuencia, el tema de la actividad de diseño se consideró como "formación de estructuras armoniosas"; los objetos de tal actividad "pueden ser muy diferentes, desde una cosa separada que adquiere propiedades de diseño, técnicas y estéticas, hasta un sistema (programa) de actividad que adquiere propiedades de naturaleza similar". La consistencia se logró mediante el "método de programación de diseño". Según el concepto de E.N. Lazarev, dado que "tanto en la práctica real como en la investigación teórica, el diseño siempre actúa como un método para traducir tareas ideales en entornos materiales", entonces el diseño "no es una especie de actividad independiente, sino una etapa, y bastante universal, de cualquier actividad". ” [12] .
Otro centro de "diseño artístico" fue el estudio Senezh en el norte de la región de Moscú, en la orilla este del lago Senezh. En 1945-1991 en este lugar funcionó la Casa de la Creatividad de toda la Unión de la Unión de Artistas de la URSS. En 1964, se creó un estudio experimental "Senezh" en la Casa de la Creatividad bajo la dirección de E.A. Rosenblum y K. M. Kantor. El trabajo del estudio estaba conectado con el concepto filosófico de G.P. Shchedrovitsky , uno de los fundadores del círculo lógico de Moscú (1952). Shchedrovitsky desarrolló la idea de la autodeterminación de la metodología "como un marco general para toda la vida humana" y el "enfoque de la actividad teórica" para el diseño. Propuso una nueva forma de organización del "pensamiento proyectivo colectivo": los juegos de actividad organizativa (OGA). Los participantes crearon proyectos y modelos que implicaron una transformación constante. Investigó la metodología y la técnica del cambio, la integridad no importaba. Lo recién creado fue reconocido como obsoleto y sujeto a destrucción. La personalidad creativa del arquitecto-diseñador tampoco tuvo la importancia que antes se le daba. Fue una creatividad totalmente colectiva, y se configuró como un “sistema duradero”. Posteriormente, en diversos centros científicos y metodológicos, universidades y talleres creativos, se desarrollaron los últimos conceptos de diseño ambiental, diseño conceptual, no diseño o diseño inmaterial de las relaciones sociales, teoría del actor-red, diseño total de previsión de la situación social [13 ] .