| Pedro Pablo Rubens | |
| Autorretrato con Isabella Brant . ESTÁ BIEN. 1609 | |
| Lienzo , óleo . 178 × 136,5 cm | |
| Alte Pinakothek , Múnich | |
| ( Inv. 334 [1] ) | |
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Autorretrato con Isabella Brant es una pintura de Peter Paul Rubens .
En el otoño de 1608 , Rubens, preocupado por la grave enfermedad de su madre, se ve obligado a regresar a Amberes . Procedía de Italia , adonde regresó en mayo de 1600 y donde ejerció como pintor de corte del duque de Mantua . 1603 , en su nombre, Rubens viajó a España para entregar los regalos del duque al rey Felipe y al duque de Lerma. A partir de entonces, trabajó alternativamente en Roma , Mantua y Génova , donde creó majestuosos retablos y pintó retratos.
La fama de su habilidad voló por delante de Rubens y, cuando regresó a Amberes , se hizo todo lo posible para mantenerlo aquí para siempre. La ciudad y los estadistas españoles el archiduque Alberto VII y la infanta Isabel Clara Eugenia le dieron órdenes, y en septiembre de 1609 recibió el cargo de pintor de corte.
Pero tomó la decisión final después de enamorarse de Isabella Brant , de 18 años, con quien se casó el 3 de octubre de 1609. Isabella era la hija del muy reverenciado patricio y secretario de Estado de Amberes, Jan Brant , cuyo retrato también se encuentra en la Alte Pinakothek . Le dio al artista una hija y dos hijos. Después de su repentina muerte el 20 de junio de 1626, Rubens escribió al encargado de la biblioteca real de París , Pierre Dupe :
Perdí a una esposa realmente buena, que legítimamente podía, incluso necesitaba ser amada, porque no tenía esas cualidades negativas que suelen ser inherentes al sexo femenino. Era disparatada y sin los habituales caprichos femeninos, siempre educada y alegre. Debido a estas cualidades, todos aman y lloran después de la muerte.
Para los primeros espectadores de la imagen, parecía ser algo nuevo, nunca antes visto en la pintura holandesa, al menos principalmente por su tamaño. El retrato doble es una imagen realmente grande. Las figuras del artista y su esposa parecen tan grandes para esta pintura que originalmente se pensó que la pintura podría haber sido cortada en los bordes. El artista y su esposa están representados en tamaño natural y no posan al margen, como era habitual, sino que están naturalmente correlacionados y en contacto con el espectador. El autor le dio deliberadamente al retrato de grupo una ambigüedad de significado y prestó mucha atención a su composición.
Esta pintura fue creada por Rubens poco después de su matrimonio y representa a la pareja frente a un arbusto de madreselva . La confianza en sí mismo tranquila, incluso algo imperturbable, proviene de la imagen, en la que las figuras se representan igualmente grandes y una al lado de la otra, una expresión de la independencia y la posición igualitaria de los cónyuges. Rubens se sentó en un banco e Isabella estaba arrodillada a su lado sobre una capa azul tirada al suelo. La pose del artista está llena de extrema soltura y libertad, se sienta con las piernas cruzadas. La historia del retrato mundial aún no ha conocido un movimiento tan relajado de una modelo posando para un retrato.
Como señaló con precisión uno de los críticos, Rubens representó en este retrato no solo a él y a su esposa, sino también un retrato de matrimonio. El gesto de la joven, llena de libertad interior, poniendo confiadamente su mano derecha sobre la mano de su marido, recuerda el gesto de Giovanna Chenami del Retrato de los Arnolfini de Jan van Eyck . Rubens conservó su significado sagrado, asociado al sacramento de los esponsales, pero lo dotó de una especial calidez de intimidad, incluyéndolo en todo un sistema de conexiones que unen a los jóvenes y desarrollan el mismo tema en el cuadro. El toque suave y conmovedor de las manos es parte de una curva en forma de S que comienza en la cabeza del artista y termina en la mano baja de Isabella, uniendo la composición.
El fondo del paisaje juega un papel importante, que se convierte esencialmente en un entorno real para la ubicación del retratado. Esta ilusión se ve reforzada por el punto de vista elegido, la tierra con hierbas y flores. La imagen parece ser parte de una realidad viva. Sin embargo, el retrato de grupo carece de cualquier toque de autenticidad prosaica. Fue creado según las leyes de la más hábil organización rítmica de formas y volúmenes en el espacio y en un plano. Se puede ver que las figuras encajan en el óvalo, que están unidas por tonos de color cercanos, especialmente dorados. En la rica paleta de colores, los ecos de la paleta de los venecianos del siglo XVI, especialmente Veronese , se sienten vívidamente, sin embargo, el sistema mismo de trabajar con un trazo oculto alisado, creando la impresión de una superficie similar al esmalte, traiciona. la mano de un pintor norteño.