“Laokoon, o en los límites de la pintura y la poesía” ( en alemán: Laokoon oder über die Grenzen der Malerei und Poesie ) es un tratado programático del poeta, dramaturgo y estético G. E. Lessing , dedicado al problema de la determinación de los límites entre la pintura y la poesía. poesía. Publicado por primera vez en 1766 en Berlín .
El antiguo grupo escultórico " Laocoonte y sus hijos ", almacenado en el Museo del Vaticano , sirvió como base para la comprensión teórica de Lessing de las especificidades de las bellas artes y la poesía. Hablando en contra del programa estético del clasicismo que dominó durante casi todo el siglo de la Ilustración , que consistía en afirmar el principio de la comparabilidad de las formas de arte, que se remonta a la antigüedad (como, por ejemplo, en la poética normativa de Horacio - " ut pictura poesis ”), Lessing, refiriéndose en muchos aspectos a la misma experiencia de la antigüedad clásica, señala la diferencia fundamental entre las artes “tanto en los temas como en la naturaleza de su imitación” [1] .
En su intento de definir la tarea de la poesía, el programa estético del clasicismo apuntaba a su correlación con las artes visuales. Así, la tarea del arte poético era la imitación plástica de la naturaleza. Se suponía que la poesía describía con mayor precisión la diversidad de la naturaleza elegante, para demostrar la idea de la conveniencia y la mejora general del mundo, así como para decorar y elevar el mundo de la realidad. La función pictográfica se asignó cada vez más a la pintura, que consistía en actuar como portavoz de diversas abstracciones abstractas, utilizando las herramientas del lenguaje universal de las estáticas imágenes mitológicas convencionales, o, por el contrario, simplemente ilustrando escenas de la mitología clásica y de Homero. [2] Lessing señala que el pensamiento crítico contemporáneo del clasicismo, olvidando el hecho de que en la antigüedad los dos tipos de arte tenían una clara distinción (en particular, Lessing señala una mala interpretación del aforismo de Simónides - "la pintura es poesía silenciosa, la poesía es hablar pintura”), creó una idea falsa sobre las especificidades y tareas de ambas artes:
Y esta falsa crítica confundió parcialmente incluso a los maestros. Suscitó en la poesía un deseo de descripciones, y en la pintura, una sed de alegorías, porque intentaron convertir la primera en un cuadro sonoro, sin saber, en esencia, lo que la poesía podía y debía representar, y la segunda en mudo. poesía, sin pensar en hasta qué punto la pintura puede expresar conceptos generales sin apartarse de su propia naturaleza y sin convertirse en una literatura arbitraria.
- [3]En su tratado, Lessing se opuso al programa estético de los principales teóricos del clasicismo ( Gottsched y sus asociados). Las artes plásticas y la poesía tienen un enfoque común en el sentido de que ambas tienen como objetivo la imitación de la naturaleza y de una forma u otra están llamadas a reproducir la realidad. El punto fundamental es que, según Lessing, cada tipo de arte, gracias a sus especificidades especiales y técnicas individuales, cumple su propósito a su manera. La propiedad específica de la poesía es que pertenece a las artes temporales; el tema de la imagen en la poesía es la acción que fluye en el tiempo. A diferencia de la pintura, cuyo tema son los cuerpos y sus propiedades, la poesía es prácticamente inaccesible a la imagen de la apariencia corporal en su totalidad, plenitud plástica. Un objeto en las artes visuales es captado por el artista en un momento determinado de su desarrollo, precisamente cuando “sólo desde cierto punto de vista” es posible fijar sus rasgos más estables. [4] Tal fijación del momento más significativo y propicio en la pintura y las artes plásticas tiene por objeto asegurar la unidad e integridad de la contemplación, en la que "se clarificarían tanto el momento anterior como el posterior" [5] . La poesía, en cambio, es capaz de representar un desarrollo constante, la acción en su dinámica viva. La imagen en poesía no se construye sobre una recreación detallada de un objeto ubicado en el espacio, sino que por el contrario, consiste en la transformación de un objeto que está en el espacio en uno perdurable en el tiempo. La herramienta principal de la poesía son los signos lingüísticos arbitrarios que indican la secuencia de acciones en el tiempo, mientras que los signos de las bellas artes (naturales) pueden representar objetos ubicados solo en un plano [6] . La pintura puede representar acciones, pero solo indirectamente, con la ayuda de cuerpos y sus propiedades ubicadas una al lado de la otra, la poesía puede representar cuerpos, ya que cada acción tiene un sujeto ("cuerpo real" - Wesen Körper), pero también solo indirectamente, con la ayuda de las acciones. Si la pintura capta un momento favorable en la posición del cuerpo, entonces la poesía indica una propiedad que provoca cierta idea sensual del cuerpo [7] .
Con muchos ejemplos, Lessing demostró que en poesía es mejor evitar las descripciones detalladas. Así, por ejemplo, la descripción de Alcina en el Roldán Furioso de Ariosto puede sorprender con los más amplios conocimientos en varios campos, pero al mismo tiempo no emocionar en absoluto al lector; además, Lessing dice que gracias a tales descripciones, es difícil formar algún tipo de imagen completa. “Pueden tener algún significado solo en boca de un profesor de pintura que explica a sus alumnos la belleza de un modelo académico: en este caso, una mirada al modelo que está frente a sus ojos es suficiente para ver los contornos correctos de un frente brillante, y la línea graciosa de la nariz, y el encanto de unos brazos estrechos y oblongos. Pero en la descripción del poeta no veo nada de esto, y con disgusto siento la futilidad de mis esfuerzos por ver algo” [8] . Las instrucciones de Lessing consistían en el hecho de que aconsejaba, basándose en Homer, dar en lugar de descripciones de un objeto, una descripción de la acción que tiene lugar con él, o representar qué efecto puede tener el objeto mismo. Así, Homero evita describir a Helena , pero al mismo tiempo nos hacemos una idea de su belleza por el efecto que, según cuenta el poeta, tuvo la belleza en el consejo de los ancianos de los troyanos. “Qué puede dar un concepto más vivo de esta encantadora belleza, si no el reconocimiento de los fríos viejos de que ella es digna de la guerra que costó tanta sangre y lágrimas. Lo que no se puede describir por partes y en detalle, Homero es capaz de mostrarnos en su efecto sobre nosotros. Represéntanos, poetas, el placer, la atracción, el amor y el deleite que en nosotros suscita la belleza, y así nos pintarás ya la belleza misma [9] .
También es importante la polémica contenida en el texto entre Lessing e I. I. Winkelman , el principal investigador del arte de la antigüedad clásica. En A History of the Art of Antiquity (1764), Winckelmann argumentó que los sellos distintivos del arte clásico son la simplicidad noble y la grandeza tranquila, que se manifiestan en posturas y expresiones faciales. En "Laocoonte" vio un vívido ejemplo de la firmeza y la máxima ecuanimidad del espíritu, superando cualquier tipo de sufrimiento. En contraste con tal ideal estoico, aprobado por Winckelmann, Lessing señaló que la supresión de la sensualidad no era en absoluto característica de la antigüedad clásica. “¡Pero el griego no es así! Era sensible y conocía el miedo; reveló tanto su sufrimiento como su dolor; no se avergonzaba de ninguna debilidad humana, pero nadie podía impedirle hacer un acto de honor o de deber. Otra cosa, apunta Lessing, es que toda sensualidad debería haberse manifestado con moderación, en contraste con la desmesura en los sentimientos característica de los bárbaros. “El heroísmo del griego son las chispas escondidas en el pedernal, que permanecen latentes y dejan la piedra fría y transparente hasta que alguna fuerza externa las despierta. El heroísmo del bárbaro es una llama brillante y devoradora que arde sin cesar y destruye o al menos debilita toda buena inclinación en su alma . En cuanto a la cuestión de la admisibilidad de una descripción completa y completa del sufrimiento en la antigüedad, Lessing justifica la posición de Winckelmann de que Laocoonte no lanza un grito debido a un dolor insoportable, sino que solo emite un "suspiro tembloroso y ahogado" [10] , pero en lugar de una prueba psicológica de esto último, da una estética. Lessing cree que la descripción del sufrimiento se permitió solo en parte. En relación con Laocoonte, el principal objetivo del artista era representar la máxima belleza asociada al sufrimiento corporal, pero debido a la incompatibilidad de este tipo de sufrimiento con la belleza, el escultor se enfrentó a la tarea de expresar algo que, por sus propiedades, menos distorsiona la belleza misma. Así, según Lessing, en lugar del grito de Laocoonte, el artista representó un gemido, y "no porque el grito expusiera la indignidad, sino porque distorsiona asquerosamente el rostro" [11] .
El Laocoonte es el documento más importante de la reflexión estética de la época. En el momento de su lanzamiento, fue recibido muy positivamente, y sus ideas, percibidas por muchos con entusiasmo, provocaron de inmediato la más amplia respuesta. Al comienzo de su carrera, el joven Johann Gottfried Herder continuó y desarrolló las enseñanzas de Lessing. Primero, en Fragmentos sobre la literatura alemana reciente ( Fragmente über die neuere deutsche Literatur , Riga, 1766-1768), y luego en Critical Forests ( Kritische Wälder , 1769), inmediatamente adyacente al Laocoonte, Herder actuó como comentarista y crítico de Lessing. teoría estética. La crítica de Herder se refería a la posición declarada de Lessing sobre la relación de las artes con su propio material. Si en las artes visuales el material (colores y formas) está directamente involucrado en el impacto, entonces en la poesía el material principal que afecta los sentimientos, el sonido, es arbitrario en sí mismo y se vuelve válido solo debido a un cierto contenido semántico [12] . La acción representada por el sonido sucesivo de las palabras en la poesía se basa en el poder presente en las propias palabras (Kraft), y de ninguna manera se limita a características puramente mecánicas como la extensión y la secuencia del sonido [13] . Es el significado de las palabras, argumenta Herder, en contraste con las proposiciones teóricas de Lessing, a través de la experiencia dinámica sensual que actúa sobre las habilidades de la imaginación y la fantasía, que organizan la pluralidad de la experiencia en una imagen artística holística [14] .
Para Johann Wolfgang Goethe , la liberación de Laocoonte fue un acontecimiento significativo. A finales del siglo XVIII. , en pleno apogeo del período clasicista de su obra, Goethe dedicó un artículo aparte en el primer número de su revista Propylaea ( Propiläen , 1798) a los problemas del Laocoonte, basándose en las disposiciones teóricas de Winckelmann y Lessing. Además, en la segunda parte de “ Poesía y verdad ” ( Dichtung und Wahrheit: aus meinem Leben , 1812) podemos leer los testimonios de Goethe sobre el impacto que las ideas de Lessing tuvieron en la generación más joven de su época [15] . El tratado de Lessing también fue muy apreciado por el principal teórico de la escuela romántica, Friedrich Schlegel , aunque señala en su obra sobre Lessing (1797) que al principio "totalmente insatisfecho y molesto, dejó de lado a Laocoonte, a pesar de que lo tomó". con iridiscentes esperanzas, y a pesar de la impresión que ciertos lugares han causado" [16] . En su obra principal, El mundo como voluntad y representación , Arthur Schopenhauer dedica un párrafo aparte a la consideración de los problemas del Laocoonte [17] .
Si caracterizamos el impacto del programa de trabajo de Lessing en la estética del siglo XIX. en general, se puede argumentar correctamente que las ideas principales del tratado de Lessing, aunque tuvieron un amplio impacto en el desarrollo del pensamiento estético, pero, como Al. V. Mikhailov , de hecho, la naturaleza de tal impacto resultó ser en la mayoría de los casos “indirecto y, por así decirlo, imprevisto”, y a menudo podría referirse a “otras relaciones dentro del arte que las que Lessing afectó directamente” [ 15] .