Judy chicago

Judy Chicago (nacida como Judith Sylvia Cohen , cambió su nombre después de la muerte de su padre y primer esposo; 20 de julio de 1939, Chicago , Illinois ) es una feminista, artista , maestra y escritora estadounidense . Conocida por sus grandes instalaciones que se centran en el papel de la mujer en la historia y la cultura. En la década de 1970, Judith acuñó el término "arte feminista" y fundó el primer programa de arte feminista en los Estados Unidos. El trabajo de Chicago utiliza habilidades tradicionales femeninas, como la costura, y habilidades tradicionales masculinas, como soldadura y pirotecnia. La obra maestra de Judy Chicago es " The Dinner Party " (y su integral " Heritage Floor "), que se encuentra en la colección del Museo de Brooklyn .

Comienzo de la vida

Judith Sylvia Cohen nació en 1939 en Chicago, Illinois. Su padre, Arthur Cohen, era un rabino de la vigésima tercera generación; en su familia estaba el Vilna Gaon . A diferencia de sus antepasados, Arthur se convirtió en sindicalista y marxista. Trabajaba de noche en la oficina de correos y cuidaba a Judith durante el día, mientras que su madre, Maya Cohen, quien fue bailarina, trabajaba como secretaria médica. La participación activa de Arthur en el Partido Comunista Estadounidense, las opiniones liberales sobre el papel de la mujer y el apoyo a los derechos de los trabajadores influyeron fuertemente en el pensamiento y las creencias de Chicago [1] . En 1945, mientras Chicago estaba sola en casa con su hermano pequeño Ben, un agente del FBI visitó su casa. El agente comenzó a hacerle preguntas a Chicago, de seis años, sobre su padre y sus amigos, pero el interrogatorio fue interrumpido por el regreso de su madre. Después de eso, la salud de Arthur se deterioró drásticamente y en 1953 murió de peritonitis. La madre no discutió la muerte del padre con los niños y no les permitió asistir al funeral. Pero Chicago no pudo aceptar la muerte de Arthur hasta que creció. A principios de la década de 1960, estuvo hospitalizada durante un mes con una úlcera sangrante a causa del estrés.

Maya, la madre de Judy, amaba el arte e inculcó su pasión en sus hijos, como se ve en la vida posterior de Chicago, una artista, y su hermano, Ben, un alfarero. A la edad de tres años, Chicago comenzó a pintar y a tomar clases en el Instituto de Arte de Chicago . A los 5 años, Chicago ya sabía que "nunca quiso hacer otra cosa que no fuera el arte". Posteriormente, intentó ingresar a este instituto, pero le negaron el ingreso. En cambio, comenzó sus estudios en la Universidad de California con dinero de la universidad.

Educación y carrera temprana

En Los Ángeles, Judy se vuelve políticamente activa y crea carteles para la Asociación Nacional para el Avance de las Personas de Color (NAACP) en la universidad. Finalmente, Judy se convirtió en su secretaria ejecutiva. En junio de 1959 conoció y se enamoró de Jerry Jerowitz. Dejó la escuela y se mudó con él. En 1959, la madre y el hermano de Chicago se mudaron a Los Ángeles para estar más cerca de ella, y la joven pareja hizo autostop hasta Nueva York. Vivieron en Greenwich Village , antes de regresar en 1960 de Los Ángeles a Chicago para que Chicago pudiera completar su educación. Chicago se casó con Jerry en 1961. Se graduó con una Licenciatura en Bellas Artes en 1962 como miembro de la Sociedad Phi Beta Kappa. Jerry murió en un accidente automovilístico en 1963; Chicago se tomó esta derrota con dureza. Recibió su Maestría en Bellas Artes de la Universidad de California en 1964.

Como estudiante de posgrado en Chicago, creó una serie de pinturas abstractas en las que se identificaban fácilmente los órganos genitales masculinos y femeninos. La serie se llamó "Bigamy" ( Bigamia ) y está dedicada al difunto esposo. Una de las pinturas mostraba un pene abstracto que "se detuvo en vuelo" antes de que pudiera fusionarse con la vagina. Sus maestros, en su mayoría hombres, estaban alarmados por estos trabajos. A pesar del uso de órganos sexuales en su trabajo, Chicago evitó el tema de la identidad y la política de género.

En 1965, Chicago mostró su trabajo en una exposición en la Galería Rolf Nelson de Los Ángeles. Chicago fue una de las cuatro artistas femeninas que participaron en la exposición. En 1968, se le preguntó a Chicago por qué no participó en California. Mujeres en el Arte" en el Centro Lytton. Ella respondió: “No exhibiré en un grupo que tenga la palabra ‘mujeres’ o ‘judíos’ o ‘California’. Algún día todos superaremos esas etiquetas”. Chicago comenzó a trabajar en esculturas de hielo que eran "una metáfora de la joya de la vida", que también estaba asociada con la muerte de su esposo.

En 1969, el Museo de Arte de Pasadena exhibió una serie de esculturas plásticas acrílicas esféricas y dibujos de Chicago en una galería "experimental". Los expertos en Estados Unidos señalaron que el trabajo de Chicago era un excelente ejemplo de conceptualismo , y Los Angeles Times describió que el trabajo no mostraba signos de un "tipo de arte teórico de Nueva York". Chicago ha dicho que su arte temprano fue minimalista y un intento de "ser un chico". Chicago también experimentó con el arte escénico , utilizando fuegos artificiales y pirotecnia para crear una "atmósfera" que incluía destellos de humo de colores al aire libre. Con esta obra trató de dar "feminidad" al paisaje y "suavizarlo".

Durante este período, Chicago también comenzó a explorar su propia sexualidad en su trabajo. Creó la serie Pasadena Lifesavers de pinturas abstractas , pintadas con pintura acrílica sobre plexiglás. Las obras eran una mezcla de colores para crear la ilusión de que las figuras "giran, se disuelven, se abren, se cierran, vibran, gesticulan, se contonean", reflejando su descubrimiento de que podía tener muchos orgasmos . Chicago llama a esta serie uno de los puntos de inflexión en su trabajo en relación con la sexualidad y la representación de la feminidad.

Cambio de nombre

A medida que Chicago ganó su nombre como artista y se reconoció a sí misma como mujer, se sintió cada vez menos conectada con su apellido, Cohen (Casada con Gerowitz). Esto se debió a la muerte de su padre y esposo. Decidió que quería cambiar su apellido a algo independiente de los hombres y los vínculos con ellos a través del matrimonio o la herencia. Durante este período, se casó con el escultor Lloyd Hamrall en 1965 (se divorciaron en 1979). El propietario de la galería, Rolf Nelson, la llamó "Judy Chicago" debido a su fuerte personalidad y acento. Decidió que ese sería su nuevo nombre y trató de cambiarlo legalmente. Chicago se sorprendió al saber que se necesitaba la firma de su nuevo esposo para cambiar legalmente su nombre. Como resultado, se cambió el nombre. Para celebrar, posó para la exposición vestida de boxeadora, con una sudadera con su nuevo nombre escrito. En 1970, también colocó un cartel en una exposición individual en la Universidad de California, Fullerton, que decía: "Judy Chicago se quita todos los nombres que le ponen los hombres y elige su propio nombre". En el número de octubre de 1970 de Artforum se colocó un anuncio con la misma afirmación .

Carrera

El movimiento feminista en la década de 1970

En 1970, Chicago decidió trabajar a tiempo completo en Fresno College , con la esperanza de enseñar a las mujeres las habilidades necesarias para expresar una perspectiva femenina en su trabajo. En la ciudad de Fresno, creó una clase solo para mujeres y enseñó a quince alumnas fuera del campus para evitar "la presencia y, por lo tanto, la opinión de los hombres". Es en este momento que Chicago comienza a acuñar el término " arte feminista ". Su clase se convirtió en el primer programa de artes feministas en los Estados Unidos. Chicago es considerada una "artista feminista de primera generación" junto con Mary Beth Edelson, Karoly Schneeman y Rachel Rosenthal. Formaron parte del movimiento feminista en Europa y Estados Unidos a principios de la década de 1970 que desarrolló la literatura y el arte feministas.

Chicago se convirtió en maestra en el Instituto de Artes de California y lideró el Programa de Arte Feminista. En 1972, con Miriam Shapiro, creó la instalación Womanhouse , que fue el primer espacio de exhibición de arte que mostró una perspectiva femenina en el arte. Con Arlene Raven y Sheila Levran de Brettville, Chicago fundó Woman's Building en Los Ángeles en 1973 . Albergaba el Estudio-Taller Feminista, descrito por las fundadoras como "un programa experimental de educación artística para mujeres". Su objetivo era desarrollar un nuevo concepto de arte, un nuevo tipo de artista y una nueva comunidad basada en la vida, los sentimientos y las necesidades de las mujeres. Durante este período, Chicago comenzó a pintar con aerógrafo, principalmente pinturas abstractas con formas geométricas. Estos trabajos evolucionaron, centrándose cada vez más en la idea de "femenino". Chicago estuvo fuertemente influenciada por Gerda Lerner , cuyo trabajo la convenció de que las mujeres, incluso ignorantes de la historia de las mujeres, continuarían luchando en la vida por su cuenta y colectivamente.

casa de mujer

Womanhouse es un proyecto en el que participaron Judy Chicago y Miriam Shapiro. Comenzó en el otoño de 1971 cuando querían comenzar el año con un proyecto colaborativo masivo para mujeres artistas que pasaban mucho tiempo hablando sobre sus problemas de mujeres. Utilizaron estos problemas como combustible y los abordaron mientras trabajaban en el proyecto. Judy pensó que las estudiantes a menudo se acercan a las clases de arte con renuencia a superar sus límites debido a la falta de familiaridad con las herramientas y los procesos y la incapacidad de verse a sí mismas como trabajadoras. "El objetivo del programa de arte feminista es ayudar a las mujeres a remodelarse de acuerdo con su deseo de ser artistas y ayudarlas a construir sus artes en torno a su experiencia como mujer".

En 1975, se publicó el primer libro de Chicago, Through the Flower . Ella capturó la lucha de esta mujer por su esencia como artista.

"Cena"

Chicago tomó en serio el consejo de Gerda Lerner y tomó medidas para enseñar a las mujeres sobre su historia. Era la obra maestra de Chicago, The Dinner Party , que ahora se encuentra en la colección del Museo de Brooklyn. Su creación tomó cinco años y costó alrededor de $250,000. Judy primero dio vida a este proyecto en su estudio en Santa Mónica . Es un triángulo grande con lados de 48, 43 y 36 pies (14,5, 13 y 11 m) e incluye 39 cubiertas . Cada conjunto representa una figura femenina histórica o mítica, como artistas, diosas, activistas y mártires. El proyecto se creó con la ayuda de más de 400 personas, en su mayoría mujeres, que se ofrecieron como voluntarias para ayudar con la costura, la escultura y otros aspectos del proceso. Una parte importante de la "Fiesta de la cena" fue el " Piso patrimonial ": baldosas de cerámica que cubren toda el área del triángulo entre las mesas y enumeran los nombres de 999 mujeres que son modelos a seguir que han hecho una importante contribución a la desarrollo de una sociedad igualitaria, a la mejora de las condiciones de vida de las mujeres.

Proyecto Nacimiento y Powerplay

De 1980 a 1985, Chicago creó The Birth Project . Utiliza imágenes de parto , reflejando el papel de una mujer como madre. La imagen ha obligado a muchos a repensar la historia de Génesis, que se centra en el hecho de que el Dios masculino creó al humano masculino sin la participación de una mujer. Chicago llamó al proyecto "revelar la identidad femenina primordial escondida en lo más profundo de mi alma... El nacimiento de una mujer es parte del amanecer de la creación". 150 costureras de los Estados Unidos, Canadá y Nueva Zelanda ayudaron en el proyecto, trabajando en 100 paneles en varias técnicas: acolchado , macramé , bordado, etc. La mayoría de las piezas de Project Birth están en la colección del Museo de Albuquerque .

Es interesante notar que Chicago no estaba personalmente interesada en la maternidad. Aunque admiraba a las mujeres que eligieron este camino, lo consideró inadecuado para ella. En 2012, dijo: "No había forma en este mundo de asegurarme de tener hijos y la carrera que tenía".

Después de que el proyecto Chicago Birth se completó y se exhibió, volvió al trabajo independiente en el estudio. Durante este período crea PowerPlay, una serie de dibujos, bordados, pinturas, relieves en papel y bronce. En esta serie, Chicago reemplazó la perspectiva masculina por una feminista, explorando la "masculinidad" y cómo los hombres se ven afectados por el poder.

El Proyecto del Holocausto

A mediados de la década de 1980, los intereses de Chicago pasaron de los temas de la identidad femenina al estudio del poder y la impotencia masculinos en el contexto del Holocausto. La periodista Galit Mana sostiene que este tema todavía se considera desde una perspectiva feminista, como se describe en el proyecto de Chicago The Holocaust Project: From Darkness into Light (1985-1993) en colaboración con su esposo, el fotógrafo Donald Woodman, con quien se casó en Año Nuevo. Víspera de 1985. Aunque los dos maridos anteriores de Chicago eran judíos, ella solo comenzó a explorar su herencia judía después de enamorarse de Woodman. Chicago se reunió con el poeta Harvey Mudd, quien escribió un poema épico sobre el Holocausto. Judy se interesó en ilustrar el poema pero luego decidió crear su propio trabajo usando técnicas visuales y textuales. Chicago trabajó con su esposo para completar el trabajo, que tomó ocho años. La historia de las víctimas del Holocausto coincidió con las pérdidas en la vida de Judy: su madre murió de cáncer y su hermano Ben de esclerosis lateral amiotrófica .

Para inspirarse en el proyecto, Chicago y Woodman vieron el documental Shoah , que incluye entrevistas con sobrevivientes de campos de concentración y otros lugares relacionados con el Holocausto. También estudiaron archivos fotográficos y artículos sobre el Holocausto. Además, viajaron por Europa del Este durante dos meses y medio, visitaron todos los campos de concentración y finalmente fueron a Israel . Este viaje alentó a Chicago y Woodman a ver el Holocausto como un fenómeno global, por lo que Judy introdujo referencias a otros temas como el ambientalismo, el genocidio de los indios americanos y la guerra de Vietnam en el trabajo . Con estos objetos, Chicago trató de relacionar temas contemporáneos con el Holocausto. Este aspecto del trabajo causó controversia dentro de la comunidad judía. El proyecto Holocausto: de la oscuridad a la luz consta de dieciséis obras a gran escala realizadas con una variedad de medios, incluidos tapices, vidrieras, metal, madera, fotografías, pinturas y bordados de Audrey Cowan. La exposición termina con una pintura que representa a una pareja judía en sábado. La exposición cubre 3000 pies cuadrados (278 m²), dando al espectador la sensación de una exposición completa. El proyecto Holocausto: de la oscuridad a la luz se exhibió por primera vez en octubre de 1993 en el Museo Spertus de Chicago. Gran parte del trabajo se lleva a cabo en el Centro del Holocausto en Pittsburgh , Pensilvania .

Chicago dedicó los siguientes seis años a crear una obra que reprodujera los sentimientos de las víctimas de los campos de concentración. Incluye la pintura One Must Scream , basada en las experiencias de dos personas que sobrevivieron al crematorio de Birkenau . “Este cambio de enfoque”, escribe G. Mana, “impulsó a Chicago a trabajar en otros proyectos con un enfoque en la tradición judía”, incluyendo Voices from the Song of Songs (1997), donde Chicago “introduce el feminismo y la sexualidad femenina en su interpretación. de fuertes personajes femeninos bíblicos".

Vida y trabajo moderno

Chicago se casó con el fotógrafo Donald Woodman en 1985. Para celebrar su 25 aniversario de bodas, en 2010 Chicago creó " Ketubah Renewal " ( Renovación Ketubah ).

Los archivos de Chicago se encuentran en la Biblioteca Schlesinger del Radcliffe College, y su colección de libros sobre la historia y la cultura de la mujer se encuentra en la Universidad de Nuevo México. En 1999, Chicago recibió el premio UCLA Alumni Award for Professional Achievement y también recibió títulos honoríficos de Lehigh University , Smith College , Duke University y Russell Sage College . En 2004, Chicago recibió el premio Visionary Woman Award del Moore College of Art and Design. Chicago fue nombrada homenajeada del Proyecto Nacional de Historia de la Mujer por albergar el Mes de la Historia de la Mujer en 2008. Judy donó su colección de materiales de enseñanza de artes feministas a la Universidad Estatal de Pensilvania en 2011 mientras vivía en Nuevo México . En el otoño de 2011, Chicago regresó a Los Ángeles para la ceremonia de inauguración de una exposición en el Museo Getty titulada "Rivales". Para la exhibición, regresó al campo de fútbol de Pomona College, donde realizó una instalación de fuegos artificiales a fines de la década de 1960 y la volvió a ejecutar.

También hay interés por la obra de Judy Chicago en Reino Unido, donde realizó dos exposiciones individuales en 2012 en Londres y otra en Liverpool. En una exposición en Liverpool en noviembre de 2012, Chicago presentó una monografía ilustrada dedicada a Virginia Woolf . Dijo que solía pensar en sus estudios de literatura como secundarios a las bellas artes, pero ahora los considera una parte importante de su trabajo. Perú Chicago posee nueve libros y el poema Meger (1979).

Chicago se esfuerza por estar en movimiento, explorando nuevas direcciones para su creatividad; incluso se inscribió en una escuela de diseño de automóviles para aprender a pintar con aerógrafo y pronto comenzó a trabajar con vidrio. Chicago dijo: “No estoy motivado por una carrera. Mi trabajo no son los puntos de Damien Hirst : son comprados, así que pintó miles de puntos. ¡Probablemente nunca haría eso! Simplemente no me pasaría a mí " . Al mismo tiempo, con el tiempo, el tema de su obra se amplió; como dice la propia artista, “quizás se puede decir que miré por encima de mi vagina” [2] .

Notas

1. ↑ Crawford, Marisa . La ícono feminista Judy Chicago sobre la resistencia al ciclo de borrado  (ing.) , hiperalérgica  (23 de septiembre de 2019). Archivado desde el original el 24 de septiembre de 2019. Consultado el 25 de septiembre de 2019.
2. ↑ 12 Cooke , Raquel . El arte de Judy Chicago  (3 de noviembre de 2012). Archivado desde el original el 15 de noviembre de 2016. Consultado el 19 de marzo de 2017.

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