| Jan van Eyck | |
| Virgen en la Iglesia . ESTÁ BIEN. 1438-1440 | |
| Madera, aceite. 31×14cm | |
| Galería de Arte de Berlín , Berlín | |
| ( Inv. 525C ) | |
| Archivos multimedia en Wikimedia Commons |
La Virgen en la Iglesia es un cuadro de Jan van Eyck , pintado hacia 1438-1440.
La pintura representa a la Virgen María caminando con el niño Jesús en brazos bajo las bóvedas de una catedral gótica . El estilo de la pintura es muy cercano al eleus bizantino del siglo XIII, como lo indican la pose, la monumentalidad y el tamaño anormalmente grande de la Madre de Dios en comparación con el interior de la catedral, lleno de luz cálida, que simboliza la pureza . de María y la presencia invisible de Dios [1] .
La mayoría de los historiadores del arte consideran que la pintura es el ala izquierda de un díptico , cuyo lado derecho era el retrato de un donante . Se conocen dos copias de la Virgen en la Iglesia, realizadas por un artista desconocido, convencionalmente llamado Maestro 1499 , y Jan Gossart en forma de dípticos con alas derechas completamente diferentes: en uno, un donante arrodillado reza en el interior, en el otro, al aire libre. en compañía de San Antonio . Los cambios significativos en la composición de van Eyck por parte de ambos artistas probablemente se deban a seguir la tradición pictórica de su época, pero ambas copias son reconocidas como "destrucción espiritual y estética del concepto original" [2] .
"Madonna in the Church" se describió por primera vez en 1851. Su datación y atribución han sido durante mucho tiempo objeto de debate en la comunidad científica. Anteriormente, la pintura se consideraba una obra temprana de Jan van Eyck o se atribuía a su hermano Hubert van Eyck , pero ahora se atribuye con confianza al período tardío del trabajo de Jan van Eyck en función de la técnica de pintura que utilizó en las obras de mediados. -30s del siglo XV y posteriores. En 1874, la Galería de Arte de Berlín adquirió el cuadro . En 1877 fue robado y pronto encontrado, pero sin el marco tallado original, perdido para siempre [3] . Hoy en día, "Madonna in the Church" es generalmente reconocida como una de las obras maestras más significativas de van Eyck. Según Millard Miss , su "majestuosa delicadeza de iluminación sigue siendo insuperable en la pintura occidental" [4] .
La historia de la pintura tiene importantes lagunas. Quizás el cliente original y dueño de la pintura fue el mecenas de van Eyck, Felipe III el Bueno , como se menciona en el inventario de su bisnieta Margarita de Austria , quien heredó la mayor parte de la colección de su bisabuelo [5] . Desde principios del siglo XVI hasta 1851, casi no sobrevivieron registros documentales de la pintura, y el incidente del secuestro en 1877 generó dudas sobre la autenticidad de la tabla devuelta. En 1851, León Delaborde describió un retablo de un pueblo cercano a Nantes como "Madonna en una iglesia, con el niño Jesús en la mano derecha, pintado sobre tabla, en muy buen estado y en su marco original" [6] . Es probable que esta pintura terminara en posesión del coleccionista de Aachen Barthold Sürmondt en la década de 1860 [7] , cuya colección de 219 pinturas fue adquirida por la Galería de Arte de Berlín en 1874 [8] .
La historia de la atribución y la datación de la pintura da una idea clara del desarrollo del estudio de la pintura holandesa temprana en los siglos XIX y XX. Originalmente se pensó que era un trabajo temprano de Jan van Eyck de alrededor de 1410. En el catálogo de la Galería de Arte de Berlín de 1875, la pintura se atribuye a Hubert van Eyck, junto con las páginas del Libro de Horas de Turín-Milán , pertenecientes a la "Mano G", lo que fue confirmado en 1911 por el arte belga. historiador Julen de Loo [9] . En el catálogo de 1912, Jan van Eyck [9] ya figuraba como autor de Madonna in the Church . A principios del siglo XX, el crítico de arte austriaco Ludwig von Baldas lo atribuyó al período 1423-1429, y durante mucho tiempo se consideró que había sido escrito a principios de la década de 1430 [9] . El primer estudio serio del cuadro lo realizó Erwin Panofsky , quien lo fechó entre 1432 y 1434, pero posteriores investigaciones de Meyer Shapiro le obligaron a posponer la fecha a finales de los años 30 [10] . Una comparación con la Santa Bárbara de van Eyck en la década de 1970 dató a la Virgen alrededor de 1437 [9] . El crítico de arte austriaco Otto Pecht mostró en la década de 1990 que la pintura probablemente pertenece al período tardío de van Eyck, basándose en una comparación de los interiores con el Retrato de Arnolfini de 1434 [11] . Ahora, la mayoría de los historiadores del arte lo atribuyen a 1438-1440, aunque siguen existiendo argumentos a favor de fechar 1424-1429.
La Virgen en la Iglesia es casi una miniatura , pintada sobre una pequeña tabla de 31 × 14 cm, típica de los dípticos de oración del siglo XV, que a menudo se sostenían en las manos para examinar de cerca los detalles de la imagen [12] . María en forma de Reina del Cielo , en una corona ricamente adornada con joyas, lleva a Cristo aferrado a ella en sus brazos. Una túnica azul oscuro, que simboliza la naturaleza humana de María, cubre un vestido rojo, en cuyo dobladillo está tejida en oro una inscripción con fragmentos distinguibles "SOL" y "LU" , probablemente de las palabras latinas para "sol" y " luz" [13] . Según una versión, es una cita del Libro de la Sabiduría de Salomón ( Sab 7,29 ): EST ENIM HAEC SPECIOSIOR SOL E ET SUPER OMNEM STELLARUM DISPOSITIONEM . LU CI CONPARATA INVENITUR PRIOR ( Ella es más hermosa que el sol y más excelente que la multitud de estrellas; en comparación con la luz es más alta; porque la luz es reemplazada por la noche, y la sabiduría no vence a la malicia ), encontrado en uno de las otras Madonnas de van Eyck [14] . Los patrones de madera tallada en el arco en la parte más alejada de la nave , coronada por la escena de la crucifixión de Cristo , representan la Anunciación y la Coronación de María . En la hornacina bajo el arco izquierdo, entre dos velas, hay una figura de madera de María con Cristo en la misma posición que paseando por la catedral. Según Erwin Panofsky, era necesaria la percepción de los personajes como esculturas vivientes [15] . En el vano del arco se aprecia un altar con dos ángeles, probablemente cantando el villancico Dies est laetitiae , cuya cita se inscribió en el marco perdido, según un inventario de 1851 [16] . Tales inscripciones estaban destinadas a la lectura de oraciones y, a veces, ocupaban puertas enteras, como, por ejemplo, en el tríptico de la Virgen y el Niño de la Galería Nacional de Londres [17] .
Las sombras en el lado exterior de la catedral, visibles en la abertura de entrada a la izquierda, están representadas con un realismo inusual para la primera mitad del siglo XV y probablemente estén pintadas de la naturaleza. Elementos similares de claroscuro , que requieren un estudio detallado de las propiedades y el comportamiento de la luz solar, aparecen en la pintura mucho más tarde. Panofsky señala que dado que el altar está ubicado en la parte este de la catedral, la luz del sol no puede caer desde la izquierda, desde las ventanas del lado norte; por lo tanto, su fuente es de otra naturaleza y puede indicar la presencia cercana de Dios fuera de los muros de la catedral [18] .
Jan van Eyck fue el primer pintor del norte en prestar gran atención a los elementos arquitectónicos [19] . En sus primeras obras suelen aparecer iglesias y catedrales de estilo románico con un contexto veterotestamentario , por ejemplo, representando el Templo de Jerusalén , sin embargo, en este cuadro, el estilo de la catedral es claramente gótico , lo que unido a la pose de la Virgen y su desproporción con el interior, indica la influencia de la tradición bizantina y del gótico internacional [20] . Se han hecho intentos para vincular el interior a un edificio específico [21] [22] , pero lo más probable es que van Eyck representara un espacio arquitectónico idealizado, especialmente porque algunos elementos, como un triforio redondeado sobre portales puntiagudos, son poco probables en catedrales de ese estilo. tiempo [23] . Pakht sugirió que en el interior se esconde una ilusión óptica, ya que la figura de la Virgen cierra la transición entre el primer plano y el fondo, impidiendo que el espectador capte la discrepancia entre ellos [24] .
Todas las aberturas de las ventanas están vidriadas con vidrio transparente, lo cual no es típico de las catedrales de aquellos tiempos [4] . En la única ventana con una parte superior visible en las profundidades de la catedral hay una vidriera con un patrón de flores rojas y azules, como si floreciera sobre una estatua de madera del Cristo crucificado [4] . Según el historiador de arte John Ward, esta vidriera (notablemente ausente de las copias sobrevivientes de la pintura) simboliza el Árbol de la Vida resurgente del Libro del Génesis . La idea puede haber sido tomada de Masaccio , cuya pintura " Crucifixión " representa un arbusto que crece de una cruz sobre la cabeza de Jesús [25] .
Hay una serie de indicios de que la imagen es el ala izquierda de un díptico desmontado: en el extremo derecho del marco, había sujetadores diseñados para enroscarse en las bisagras de su segunda mitad [26] ; Mary está ligeramente descentrada a la derecha; una ligera inversión del interior, similar al ala izquierda del Retablo de Merode de Robert Campin , indica su necesaria continuación a la derecha [27] ; la figura y la mirada de la Virgen se dirigen a algún objeto más allá del borde del cuadro, a pesar de que el santo que mira al donante es un rasgo común de los dípticos y trípticos holandeses de la época [27] .
Las dos copias supervivientes de la Virgen en la Iglesia, generalmente atribuidas a Jan Gossart y al Maestro de Gante de 1499, se hicieron más de medio siglo después del original, conservado en ese momento en la colección de Margarita de Austria, bisnieta. de Felipe III el Bueno, y son dípticos con retratos de donantes en el ala derecha [ 28 ] , de contenido muy diferente. La versión del Maestro de 1499 representa al abad cisterciense Christian de Hondt en sus lujosos apartamentos [29] , Gossaert tiene al donante rezando Antonio Siciliano sobre un fondo natural, sostenido por San Antonio. Se desconoce si alguna de las versiones está relacionada con el díptico original de van Eyck [30] .
"Madonna in the Church" del Maestro de 1499 es una reelaboración libre del original, que ha perdido el equilibrio y la integridad de su composición [2] . El tablero de Gossaert es más interesante, aunque los cambios que hizo son aún más significativos: la sección añadida a la derecha cambia el equilibrio del centro de la imagen, el atuendo de la Virgen se vuelve azul oscuro, sus rasgos faciales cambian por completo [31] . En ambas copias, los puntos de luz brillantes en el suelo desaparecen, privando a la imagen de un encanto místico [32] ; probablemente, los artistas no lograron captar su importante significado para la imagen [33] . Sin embargo, en los aspectos principales, Gossaert trató de transmitir la atmósfera del original con la mayor precisión posible, lo que indica su gran respeto por el genio de van Eyck [34] .
En un sentido general, la pintura representa la aparición de la Virgen María a un donante orante arrodillado, representado en el ala derecha perdida [15] - un tema común en la pintura nórdica del siglo XV [35] , otro ejemplo famoso de la cual es la Virgen de Canon van der Pale .
Bernardo de Claraval escribió en el siglo XII: "Así como el resplandor del sol atraviesa sin obstáculos el cristal de una ventana, así la Palabra de Dios entró en el seno de la Virgen y luego salió de él" [36] . La luz, que simboliza el nacimiento virginal y el nacimiento de Jesucristo, se convirtió en un medio común para expresar el misterio de la Encarnación en la pintura del norte del siglo XV. Van Eyck fue uno de los primeros en desarrollar la saturación de luz del espacio visual, utilizando efectos de iluminación y gradaciones de luces y sombras. El motivo de lo Divino se manifiesta en él en la iluminación del rostro, los cabellos, el manto de María, en el brillo de las piedras preciosas de su corona, en las velas encendidas cerca de la estatuilla de la Virgen, en los puntos de luz sobre la suelo de baldosas - en todas partes van Eyck enfatiza el cambio en el color del objeto dependiendo de la fuente y la intensidad de la luz [37] .
En la columna detrás de la Virgen se ve una tablilla con el texto para la lectura de la oración, que es un sello distintivo de las iglesias de peregrinación . Un fragmento de dicho texto, un himno inscrito en un marco perdido, terminaba con la palabra ETCET ( y así sucesivamente ), instruyendo al adorador a leer el himno completo. Así, la Virgen María puede interpretarse como una estatua que cobra vida desde una hornacina en el fondo, que es signo de la más alta recompensa a la piedad y como corona de la peregrinación. En ambas copias de la imagen se conserva la tablilla, y en una de ellas está cerca del espectador [38] .
La Virgen en la Iglesia, junto con la Virgen en la Fuente , se consideran las últimas obras de van Eyck, quien murió alrededor de 1441. El vestido de las vírgenes de pie está dominado por el azul, ambas abrazando al niño Jesús al estilo del eleus bizantino [39] , mientras que las vírgenes anteriores de van Eyck solían sentarse vestidas de rojo. La pintura bizantina tuvo una influencia significativa en los pintores italianos del Renacimiento temprano , cuya obra pudo haber encontrado van Eyck durante sus viajes a Italia en 1426 o 1428 [40] . La influencia bizantina también se puede ver en los esfuerzos diplomáticos de Felipe III el Bueno hacia el acercamiento con la Iglesia ortodoxa griega . Van Eyck pintó un retrato del cardenal Niccolò Albergati , quien tomó parte activa en ellos [41] .
La monumentalidad y el tamaño ampliado de la Virgen, que enfatiza su identificación con la catedral misma, se remontan a la tradición italo-bizantina, ejemplificada por la Virgen Ognisanti de Giotto ( c. 1310). En el siglo XIX, la distorsión de la escala de la Virgen, que se encuentra en otras pinturas de van Eyck, por ejemplo, en "La Anunciación ", se consideró un error de un artista inmaduro, lo que dio motivos para atribuir la imagen a sus primeros período, pero en 1941 E. Panofsky sugirió que el tamaño de la Virgen simboliza la encarnación en No es la Iglesia misma [42] , es decir, la imagen debe entenderse no como “Madonna en la Iglesia”, sino como una metáfora “Madonna es la Iglesia” [14] . A diferencia de obras anteriores, como Madonna del canciller Rolin , van Eyck reduce la escala del interior para enfatizar la majestuosidad de la Virgen y acercarla al donante [43] . La construcción intencional de tal composición ahora es universalmente reconocida.
E. Panofsky también creía que los pintores del Renacimiento italiano y del norte trabajaban como arquitectos y encontraron una manera de convertir "la perspectiva desde un punto de vista matemático en un método matemático de dibujo". Como confirmación de su concepto, Panofsky, basándose en un análisis geométrico de la pintura "Madonna in the Church", "dedujo el plano" del edificio, y coincidía con el plano de la catedral de Lieja , sin embargo, el El artista “no dudó en iluminar la basílica desde el lado norte”, lo que no es cierto, “porque la catedral de Lieja estaba orientada, como de costumbre, de oeste a este” (el edificio no se ha conservado). En esta importante circunstancia, según el investigador, se revelaba el “simbolismo oculto del espacio pictórico” [44] .
| Obras de Jan van Eyck | ||
|---|---|---|
| ||
