Orfeo (ópera)

Orfeo ( en italiano  Orfeo , a veces en italiano  L' Orfeo, favola in musica ) es una ópera de Claudio Monteverdi , creada en 1607 con libreto de Alessandro Strigio el Joven . Junto con " Orfeo y Eurídice " de Christoph Willibald Gluck , es considerada una de las obras musicales más significativas sobre el tema del antiguo mito griego de Orfeo [2] ; es una de esas primeras óperas que todavía se representan regularmente en muchos teatros de todo el mundo en la actualidad. El estreno de la ópera tuvo lugar el 24 de febrero de 1607 en Mantua ( Italia ). La ópera fue escrita para ser representada en la corte de Mantua durante el tradicional carnaval anual.

En el teatro musical a principios del siglo XVII, el interludio tradicional - números musicales entre los actos de la obra principal - se convirtió gradualmente en un drama musical completo, que más tarde recibió el nombre de "ópera". Orfeo de Monteverdi marcó el final de un período de experimentación y se convirtió en la primera obra completa del nuevo género. Tras el estreno, la ópera se volvió a representar en Mantua y, posiblemente, en los próximos años en otras ciudades italianas. La partitura de Orfeo fue publicada por Monteverdi en 1609, reeditada en 1615. Tras la muerte del compositor (1643), la ópera cayó en el olvido. El interés por esta obra, reavivado a finales del siglo XIX, motivó la aparición de sus nuevas ediciones y producciones. Al principio, se trataba de representaciones de conciertos de la ópera dentro de instituciones educativas (institutos) y sociedades musicales. La primera representación de ópera se representó en París en 1911, desde ese momento Orfeo apareció cada vez más en la escena musical. Después de la Segunda Guerra Mundial , las representaciones auténticas comenzaron a ser favorecidas en la puesta en escena de la ópera . "Orpheus" se ha grabado repetidamente y se representa cada vez más en los teatros de ópera. En 2007, se celebró el 400 aniversario de la ópera con representaciones en todo el mundo.

En su edición de la partitura de la ópera, Monteverdi indica 41 instrumentos que, combinados en varios grupos, sirven para representar diversas escenas y personajes. Así, cuerdas , clavicémbalos y flautas longitudinales representan las regiones pastoriles de Tracia, habitadas por ninfas y pastores; los instrumentos de metal ilustran el inframundo y sus habitantes. Creado en la era de la transición del Renacimiento al Barroco , "Orfeo" utiliza todos los logros musicales de su tiempo y especialmente audazmente - la polifonía . La innovación de Monteverdi también se mostró en la orquestación (parcial) de la partitura, provista de "deseos" separados del autor para los intérpretes. Al mismo tiempo, a diferencia de la partitura orquestal en su sentido posterior (clásico), con instrumentos escritos con precisión y con todos los detalles de textura , con tempos anotados, matices, etc., la partitura de "Orfeo" (como se aceptaba generalmente en la luego la tradición) dejó a los músicos una cierta libertad para la improvisación .

El nacimiento del género operístico

En 1590 o 1591, Claudio Monteverdi, que se había desempeñado como músico en Verona y Milán , recibió un puesto de violista en la corte del duque Vincenzo Gonzaga en Mantua. El talento y el trabajo duro permitieron a Monteverdi alcanzar el puesto de maestro della musica en 1601 en la corte de Gonzaga , estuvo a cargo de toda la vida musical de la corte ducal [3] [4] [5] .

La especial pasión de Vincenzo Gonzaga por el teatro musical se desarrolló bajo la influencia de las tradiciones de la corte florentina. A finales del siglo XVI, innovadores músicos florentinos desarrollaron el interludio, una pieza musical que llenaba el tiempo entre actos de dramas conversacionales, en una forma cada vez más refinada [3] . Dirigidos por Jacopo Corsi , los sucesores de la famosa asociación florentina Camerata [K 1] crearon la primera obra generalmente relacionada con el género de la ópera: Daphne fue escrita por Corsi y Jacopo Peri , director de orquesta del duque florentino , y puesta en escena en Florencia en 1598. . Esta obra combinó elementos de canto madrigal y monodia con bailes y pasajes instrumentales en una sola acción dramática. Solo han sobrevivido fragmentos de la partitura de Daphne, pero varias otras obras florentinas del mismo período, la Idea de alma y cuerpo de Emilio de Cavalieri , Eurídice de Peri y otra Eurídice, Giulio Caccini  , han sobrevivido hasta el día de hoy por completo. Las obras de Peri y Caccini fueron las primeras de muchas representaciones musicales del mito de Orfeo basándose en las Metamorfosis de Ovidio y fueron las predecesoras directas del Orfeo de Monteverdi [7] [8] .

En la corte de Gonzaga, las representaciones teatrales tenían una rica historia. En 1471 se representó aquí el drama lírico de Angelo Poliziano El cuento de Orfeo, donde al menos la mitad de la acción, junto con las conversaciones de los personajes, eran partes vocales. En 1598, Monteverdi asistió al departamento musical de la corte en la puesta en escena de El pastor fiel Giovanni Battista Guarini ; según el historiador del teatro Mark Ringer, se convirtió en "el punto de inflexión de las producciones teatrales" y dio lugar a una fascinación general por el drama pastoril en Italia [9] . El 6 de octubre de 1600, habiendo llegado a Florencia para participar en las celebraciones de la boda de María de Médicis con el rey Enrique IV de Francia , el duque Vincenzo asistió a una representación de "Eurídice" de Peri [8] . Es posible que sus principales músicos de la corte, incluido Monteverdi, también asistieran a esta actuación. Al duque le gustó esta nueva forma de teatro y apreció sus posibilidades para reforzar su prestigio como mecenas de las artes [10] .

Libreto

Entre los espectadores del "Eurídice" en octubre de 1600 se encontraba un joven abogado y diplomático que sirvió en la corte de Gonzaga, Alessandro Strigio [11] , hijo de un famoso compositor . El joven Strigio, un músico talentoso, tocó la viola a la edad de dieciséis años en las festividades de la boda del duque Fernando de Toscana en 1589 . Junto con los dos hijos del duque Vincenzo, Francesco y Ferdinando , fue miembro de la sociedad intelectual privilegiada de Mantua, la "Academia de los Encantados" ( en italiano:  Accademia degli Invaghiti ), donde se produjeron la mayoría de las producciones teatrales de la ciudad . No está claro cuándo Striggio comenzó a escribir el libreto de Orfeo, pero en enero de 1607 el trabajo estaba en pleno apogeo. En una carta fechada el 5 de enero, Francesco Gonzaga pide a su hermano, que en ese momento se encontraba en la corte florentina, que contrate los servicios de un virtuoso castrato de entre los cantores del Gran Duque para participar en la representación de una "obra con música". " programado para coincidir con el carnaval en Mantua [13] .

Las fuentes principales del libreto de Strigio fueron los libros diez y once de las Metamorfosis de Ovidio y el libro cuatro de las Geórgicas de Virgilio . De estas obras tomó el material principal, pero no la estructura del drama; las acciones del primer y segundo acto siguen exactamente los trece versos de las Metamorfosis [14] . Cuando trabajaba en el libreto, Striggio también utilizó la obra de Poliziano de 1480, El pastor fiel de Guarini y el libreto de Ottavio Rinuccini para Eurídice de Peri . El musicólogo Harry Tomlinson encuentra relativamente muchas similitudes entre los textos de Strigio y Rinuccini, señalando que algunos de los discursos de Orfeo "se reescriben cerca del contenido e incluso repiten expresiones utilizadas en Eurídice" [16] . Según la crítica Barbara Rassano Hanning, la poesía de Strigio no era tan refinada como la de Rinuccini, pero la dramaturgia del libreto es más interesante. Rinuccini, cuya obra fue escrita específicamente para las festividades que rodearon la boda de los Medici, alteró el mito para brindar un "final feliz" apropiado para la ocasión. En cambio, Strigio, que no creó su obra para una celebración cortesana, tuvo la oportunidad de seguir el mito, según el cual Orfeo fue despedazado por mujeres enojadas (Bacantes) [15] . De hecho, escribió una versión ligeramente atenuada en la que las bacantes amenazan con matar a Orfeo, pero su muerte no se muestra, dejando el final abierto [17] .

La edición del libreto, realizada en Mantua en 1607, año del estreno, contiene el final ambiguo de Striggio. En el libreto de Striggio de 1607, el monólogo de Orfeo en el acto 5 no es interrumpido por la aparición de Apolo, sino por un coro de bacantes borrachas que cantan sobre la "furia divina" de su patrón, el dios Baco . El motivo de su ira es Orfeo y su renuncia a las mujeres, él no escapará de su furia, y cuanto más tiempo las evade, más difícil le espera su destino. Orfeo abandona el escenario, y su destino sigue sin estar claro, las mujeres al final de la ópera cantan y bailan en honor a Baco [18] . La partitura de Monteverdi, publicada en Venecia en 1609 por Ricciardo Amadino , sugiere un final diferente. Apolo lleva a Orfeo al cielo, donde encontrará la imagen de Eurídice entre las estrellas. Se desconoce quién es el autor del texto del nuevo final. Los investigadores notan el estilo alterado del final alternativo, la mayoría de los comentaristas creen que los poemas no fueron escritos por Strigio. Se supone que es obra de un aficionado, tal vez Ferdinando Gonzaga, o incluso (parcialmente) del propio compositor. Entre los posibles autores figura el nombre de Ottavio Rinuccini, quien fue el libretista de la siguiente ópera de Monteverdi, Ariadna [19] . El historiador musical Claude Paliska cree que ambos finales son bastante compatibles: Orfeo evade la furia de las bacantes y es rescatado por Apolo [20] .

Según Ringer, es casi seguro que el final original de Striggio se usó en el estreno, pero no hay duda de que Monteverdi consideró que el final revisado era estéticamente correcto . Según Nino Pirrotta , el final con Apolo  formaba parte del plan original de la obra, pero no se llevó a cabo en el estreno porque la pequeña sala donde se desarrollaba la función no podía albergar la maquinaria teatral que requería este final. En cambio, se introdujo una escena con Bacantes; Las intenciones de Monteverdi se hicieron realidad cuando se eliminaron las limitaciones técnicas [21] .

M. Saponov [22] hizo una traducción completa del libreto de la ópera al ruso con todos los comentarios instrumentales (según las ediciones del libreto de 1607 y la partitura de 1609) .

Composición

Monteverdi en el momento de trabajar en Orfeo ya tenía suficiente experiencia en la composición de música teatral. En ese momento había servido en la corte de Gonzaga durante unos 16 años, la mayor parte como intérprete o arreglista de música escénica. En 1604, para el carnaval de Mantua, compuso la balata Amor de Diana y Endymion [23] . Los elementos a partir de los cuales Monteverdi construyó su primera ópera - arias , canciones estróficas (pareados), recitativos , coros, danzas, pausas musicales (interludios) - no fueron, como señaló el director Nikolaus Arnoncourt , inventados por él, “él armó los todo el stock de las últimas y viejas posibilidades en una unidad verdaderamente nueva . El musicólogo Robert Donington escribe: “[La partitura] no contiene ningún elemento que no se basara en un precedente, sino que llega a su plena madurez en esa forma recién desarrollada… Aquí están las palabras tan directamente expresadas en la música como [los pioneros de la ópera] querían expresarlos; aquí hay música que los expresa... con toda la inspiración de un genio” [25] . Una de las novedades introducidas por Monteverdi en Orfeo, que causó revuelo entre el público, fue el canto de diálogos. Antes del estreno de Mantua, el melómano Carlo Magno se lo contó a su hermano como algo "increíble": "... todos los personajes [en el escenario] hablarán musicalmente" [19] .

Monteverdi al inicio de la edición de la partitura indica los requisitos para la composición de la orquesta, pero, de acuerdo con la tradición de la época, no especifica el uso exacto de los instrumentos [24] . En ese momento, a cada ejecutante se le dio la libertad de tomar decisiones con base en el conjunto de herramientas que tenía a su disposición. Las interpretaciones pueden diferir marcadamente entre sí. Además, como señaló Harnoncourt, en ese momento todos los músicos eran compositores y se esperaba que colaboraran creativamente en cada interpretación, en lugar de seguir estrictamente la partitura [24] . Por tradición, a los cantantes se les permitía decorar sus arias. Monteverdi escribió versiones simples y adornadas de algunas de las arias, como Possente spirto de Orfeo (probablemente la versión sin adornos estaba destinada a un cantante que no podía cantarlas) [26] . Como señala Arnoncourt, Monteverdi, en comparación con otros compositores de su época, introdujo muchos adornos en sus obras, y “donde no escribió adornos, quería muy poco de ellos” [27] .

Cada uno de los cinco actos operísticos corresponde a uno de los episodios de la historia, y cada uno termina con un coro. La acción de Tracia se traslada al Hades y nuevamente a Tracia, pero, probablemente, "Orfeo", como era costumbre en los entretenimientos cortesanos de la época, se interpretó sin interrupciones, sin cortina entre las acciones. Según la costumbre de la época, el cambio de escenario para el público se reflejaba musicalmente: cambios de instrumentación, tono y estilo de ejecución [28] .

Funciones musicales

El musicólogo Hans Redlich , al analizar la ópera, señala que es producto de dos épocas musicales. En "Orfeo" se combinan elementos del tradicional madrigal del siglo XVI con la nueva dirección florentina en la música, que se distingue por el uso del recitativo y la homofonía , de acuerdo con las ideas de los miembros de la camerata y sus seguidores [29 ] . En esta nueva dirección, el texto domina a la música. Si bien se convierte en una ilustración de la acción, la atención de la audiencia se dirige principalmente al texto. Los cantantes ahora tenían que prestar atención no solo a la parte vocal de la actuación, sino también a representar el carácter del personaje y transmitir las emociones correspondientes [30] .

El recitativo de Monteverdi fue influenciado por Peri ("Eurídice"), pero en "Orfeo" es menos predominante de lo habitual en la música dramática de la época. Constituye menos de una cuarta parte de la música en el primer acto, alrededor de un tercio de los actos segundo y tercero, y algo menos de la mitad en los dos actos finales .

La importancia de "Orfeo" radica no solo en el hecho de que fue la primera ópera, sino también en el hecho de que "Orfeo" es el primer intento de aplicar todas las posibilidades de la música conocida en ese momento en el nuevo género emergente [32 ] . Así, Monteverdi acudió a audaces innovaciones en el uso de la polifonía , campo en el que hasta ese momento Palestrina había sido la principal autoridad . Monteverdi amplía y cambia las reglas que los compositores fieles a las ideas de Palestrina observaban estrictamente [33] . Monteverdi no fue un orquestador en el sentido convencional [34] ; Ringer cree que el elemento de improvisación instrumental hace de cada interpretación de la ópera de Monteverdi "una experiencia única y separa su obra del canon operístico posterior" [30] .

La ópera comienza con una toccata de sonido marcial repetida dos veces para trompetas. Cuando se toca con instrumentos de viento barrocos, este sonido puede asombrar al público moderno, Redlich lo llama "aplastante" [35] . Tal comienzo era común para las representaciones musicales en la corte de Mantua. El coro que abre las Vísperas de Monteverdi ( Vespro della beate Vergine, SV 206 1610), creado para la corte de Gonzaga, también se acompaña de esta toccata [30] . Toccata jugó el papel de un saludo al duque. En opinión de Donington, si no hubiera sido escrito, la casualidad hubiera requerido que el saludo fuera improvisado [25] . La toccata militante da paso a un suave ritornello , que precede a la aparición de la Música. En forma abreviada, el ritornello se repite entre cada uno de los cinco versos de la sección introductoria y completo después del verso final. Su función dentro de la ópera es la personificación del "poder de la música" como tal. Apareciendo al final del acto 2 y nuevamente al comienzo del acto 5, se convierte en uno de los primeros ejemplos de un leitmotiv operístico . El acto 1 presenta un idilio pastoral. Dos coros, solemnes y alegres, enmarcan el canto de amor central Rosa del ciel . El júbilo continúa en el acto 2, con una canción y una melodía de baile que, según Harnoncourt, muestra el conocimiento de Monteverdi de la música francesa [37] .

Personajes

Contenidos

La acción tiene lugar en Tracia (actos uno, dos y cinco) y el reino de Hades (actos tres y cuatro) en tiempo mitológico. Una tocata instrumental precede a la salida de la Música, que toca el prólogo. Dando la bienvenida a la audiencia, anuncia que a través de dulces sonidos puede "calmar cualquier corazón atribulado". Ella glorifica su poder y presenta al protagonista del drama, Orfeo, quien "domesticó a los animales salvajes con su canto".

Primer Acto

Orfeo y Eurídice salen con ninfas y pastores que hacen de coro griego , comentando la acción. Uno de los pastores anuncia que hoy es la boda de Orfeo y Eurídice; el coro responde, majestuosamente al principio ( Vieni, Imeneo, deh vieni… ), y luego en una alegre danza ( Lasciate i monti… ). Orfeo y Eurídice cantan sobre su amor mutuo antes de salir con los invitados a la ceremonia de boda en el templo. La parte del coro que quedó en el escenario cuenta cómo Orfeo fue transformado por el amor, aquel para quien los suspiros eran alimento y el llanto bebida, convertido en una persona feliz.

Acto II

Orfeo regresa con el coro principal y alaba con él la belleza de la naturaleza. Orfeo reflexiona sobre su anterior desgracia, pero declara: "Después del dolor, uno está más satisfecho, después de haber sido herido, uno es más feliz". De repente, el Mensajero entra con la noticia de que, mientras recogía flores, Eurídice recibió una mordedura fatal de serpiente. El coro canta con simpatía: “¡Ah, un caso amargo, ah, un destino profano y cruel!”, y la Mensajera se castiga a sí misma por traer malas noticias (“Me iré para siempre y en una cueva solitaria viviré según mi dolor” ). Orfeo, después del aria ("¿Estás muerta, vida mía, y respiro?"), anuncia su intención de descender al inframundo y convencer a su gobernante para que permita a Eurídice volver a la vida, de lo contrario él mismo permanecerá allí. Orfeo se va y el coro reanuda su lamento.

Tercer Acto

Orpheus se dirige con Hope a las puertas del inframundo. Señalando la inscripción en la puerta ("Abandonad la esperanza, todos los que entráis aquí") [K 4] , Nadezhda se separó de él. Orfeo se encuentra con el barquero Caronte, quien se niega a llevarlo a través del Estigia . Orfeo intenta convencer a Caronte y le canta una canción que le resulta halagadora ( Possente spirto e formidabil nume ), pero el barquero es implacable. Sin embargo, cuando Orfeo comienza a tocar su lira, Caronte se queda dormido. Orfeo toma la barca y cruza el río para adentrarse en el Inframundo, mientras un coro de espíritus canta que la naturaleza no tiene defensa contra el hombre: "Domó el mar con un árbol frágil y despreció la ira de los vientos".

Cuarto Acto

En el inframundo, Proserpina, la esposa de Plutón, profundamente conmovida por el canto de Orfeo, le pide a su esposo que libere a Eurídice. Plutón está de acuerdo, pero le pone una condición a Orfeo: mientras lleve a Eurídice al mundo de los vivos, no debe mirar hacia atrás, de lo contrario perderá a su esposa. Orfeo abandona el reino de los muertos, arrastrando consigo a Eurídice. Espera su felicidad, pero a medida que pasa el tiempo, las dudas comienzan a vencerlo: "¿Quién me convencerá de que ella me sigue?" ¿Quizás Plutón, por envidia, lo engañó? Orfeo mira a su alrededor, Eurídice canta desesperada ( ¡Ahi, vista troppo dolce e troppo amara! ) y desaparece. Orpheus intenta seguirla, pero una fuerza invisible lo detiene. El coro de espíritus canta que Orfeo, habiendo vencido al Inframundo, fue, a su vez, vencido por sus pasiones.

Acto Quinto

Al regresar a su Tracia natal, Orfeo lamenta su pérdida en un largo monólogo, canta sobre la belleza de Eurídice y decide que la flecha de Cupido nunca volverá a golpear su corazón. Backstage echo repite sus líneas de cierre. De repente, Apolo desciende de las nubes del cielo y reprende a Orfeo: "¿Por qué desperdicias tu don en ira y tristeza?" Invita a Orfeo a dejar el mundo y unirse a él en el cielo, donde verá la imagen de Eurídice en las estrellas. Orfeo responde que sería indigno no seguir el consejo de un padre tan sabio, y juntos suben. El coro de pastores concluye que "el que siembra en el sufrimiento debe cosechar los frutos de la gracia". La ópera termina con una vigorosa danza de la moresque .