Degas, Édgar

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Edgar Degas
Edgar Degas

Auto retrato. 1854-1855. Museo de Orsay , París
Nombrar al nacer Hilaire-Germain-Edgar de Gas
Fecha de nacimiento 19 de julio de 1834( 07/19/1834 ) [1] [2] [3] […]
Lugar de nacimiento
Fecha de muerte 27 de septiembre de 1917( 09/27/1917 ) [1] [3] [4] […] (83 años)
Un lugar de muerte
País
Género retrato [8] y pintura de género [8]
Estilo impresionismo , academicismo
Autógrafo
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Hilaire-Germain-Edgar de Ha o Edgar Degas ( fr.  Edgar Degas ; 19 de julio de 1834 ; París  - 27 de septiembre de 1917 ) - Pintor francés , uno de los representantes más destacados del movimiento impresionista .

Biografía y obra

Degas nació el 19 de julio de 1834 en París , en el seno de una familia acomodada de origen burgués, Auguste de Gas y Celestine Musson. Era el mayor de cinco hijos. A la edad de 13 años, Edgar perdió a su madre, lo que fue un duro golpe para él. Más tarde, en su juventud, influenciado por las nuevas ideas sociales, Edgar cambió su apellido de Ga al menos "aristocrático" Degas .

El padre del artista, Auguste de Gas, dirigía la sucursal francesa de un gran banco fundado en Italia por el abuelo de Edgar Degas, René Hilaire de Gas. Hilaire de Gas emigró a Italia durante la Revolución Francesa , creyendo que su vida estaba en peligro. La madre de Edgar, Celestine Musson, era de una familia francesa establecida en Estados Unidos. Su padre era corredor de bolsa de algodón en Nueva Orleans.

Período temprano

El deseo de dibujar comenzó a manifestarse en Degas ya en la infancia. Sin embargo, su padre profetizó una carrera como abogado para él, pero Edgar no tenía un gran deseo y habilidad para la jurisprudencia, y la riqueza de la familia le permitió pintar, sin importarle realmente la comida. Sin una necesidad extrema de dinero, Degas podía darse el lujo de no vender sus obras y trabajar en ellas una y otra vez, luchando por la perfección. Degas era un evidente perfeccionista, llegando en su pasión por la armonía ideal hasta el punto de perder el sentido de la realidad. Ya al ​​comienzo de su dilatada carrera, Degas era un artista que, según bromeaban, solo quitándose un cuadro podía dejar de trabajar en él.

A la edad de 20 años ( 1854 ), Degas entró como aprendiz en el estudio del otrora famoso artista Lamothe [9] , quien a su vez fue alumno del gran Ingres . En una familia familiar, Degas vio a Ingres, y conservó su apariencia durante mucho tiempo, y durante el resto de su vida conservó su amor por la línea melodiosa y la forma clara de Ingres. Degas también amaba a otros grandes dibujantes -Nicolas Poussin , Hans Holbein-  y copió su trabajo en el Louvre con tanta diligencia y habilidad que era difícil distinguir una copia del original.

Louis Lamotte era una figura bastante conocida en aquella época, aunque en nuestro tiempo la obra de este artista está casi olvidada. Lamotte supo transmitir el amor de Degas por los contornos claros, que el propio Ingre apreciaba tanto en el dibujo. En 1855, Degas logró ver al propio Ingres, que en ese momento tenía 75 años, e incluso recibir un consejo de él: “Dibuje líneas, joven, tanto como sea posible, de memoria o de la naturaleza”. Courbet y Delacroix tuvieron cierta influencia en la obra de Degas, pero Ingres siguió siendo la verdadera autoridad reconocida por él hasta el final de su vida para el artista.

Edgar estudió las obras de los grandes maestros de la pintura en el Louvre , durante su vida visitó varias veces Italia (donde vivían sus parientes por parte de su padre), donde tuvo la oportunidad de conocer las obras maestras de los maestros del italiano. Renacimiento . De particular interés para el pintor fueron antiguos maestros italianos como Mantegna , Bellini , Ghirlandaio y Giotto . Durante este período, Andrea Mantegna y Paolo Veronese se convirtieron en ídolos para él , cuya pintura espiritualizada y colorida impresionó literalmente al joven artista. Sus primeros trabajos se caracterizan por un dibujo nítido y preciso, una aguda observación, combinados con una escritura noble y sobria (bocetos de su hermano, 1856-1857, Louvre, París; dibujo de la cabeza de la baronesa Belleli, 1859, Louvre, París), luego con una interpretación de dura veracidad realista (retrato de una mendiga italiana, 1857, colección particular).

A principios de los años 60 del siglo XIX, Edgar Degas abre su propio taller en París. La base de su trabajo fue el retrato, pero Degas también prestó mucha atención a los lienzos históricos. Mientras estuvo en Italia, Degas pintó una serie de retratos que representan a miembros de su familia. Después de eso, durante varios años el retrato siguió siendo una de sus fuertes aficiones, alternando con temas históricos. Sin embargo, ya a principios de la década de 1860, Degas volvió a interesarse por las escenas de la vida moderna y, en primer lugar, por las carreras de caballos.

Pinturas históricas

Se trataba de obras complejas y de gran tamaño, con cuya ayuda el artista esperaba hacerse famoso exponiéndolas en el Salón. Una joven artista que quiere exponer en el Salón, en la primera mitad de los años sesenta, recurre a temas históricos: “Jóvenes espartanas desafiando a jóvenes a un concurso” (1860), “Semiramide pone la ciudad” (1861), “ Alejandro y Bucéfalo” (1861-1862), “La hija de Jefté” (1859-1860), “Episodio de la guerra medieval” (“Desastres de Orleans”) (1865). Las pinturas son de color oscuro, de forma seca. En la primera de estas pinturas, los movimientos de las figuras humanas en el lienzo carecen de una gracia exquisita, son agudos y angulosos, la acción se desarrolla en el contexto de un paisaje cotidiano ordinario.

De hecho, Degas nunca completó ninguno de estos trabajos, a pesar de numerosos dibujos preparatorios y bocetos al óleo. Por ejemplo, en Los ejercicios de los jóvenes espartanos, descuidó la precisión histórica para presentar un tema de la historia antigua de una manera diferente y claramente moderna. Pintó todo el cuadro en el espíritu clásico y estricto de Poussin, pero dio a los rostros de los héroes los rasgos de los "niños de Montmartre", los rasgos de la juventud de los suburbios parisinos, bien conocidos por él. En Semiramis Building Babylon, Degas creó una emocionante obra original, pero él mismo parecía inseguro de la dirección correcta en su búsqueda. El deseo de alcanzar el arte perfecto supremo le jugó una broma cruel a Degas: el movimiento hacia el ideal se convirtió en un fin en sí mismo para el artista. Tales obras dieron pie a hablar de los fracasos o fallas de Degas en este género. Sin embargo, es imposible no notar que literalmente en varios lienzos propuso una solución independiente a un problema que estaba más allá del poder de otros que no pudieron llenar la trama con sus propias imágenes.

Retrato de la familia Belleli

Los viajes por Italia y la influencia de los pintores italianos del siglo XV inspiraron a Degas a crear un retrato de grupo de la familia Belleli. Las tradiciones clásicas en la composición de este lienzo conviven con caracteres característicos, lo que distingue positivamente esta obra del artista. Este imponente retrato grupal muestra a la tía Degas Laura con su esposo, el barón Gennaro Belleli, y sus dos hijos. Laura está embarazada de su tercer hijo, aunque el vestido negro oculta su estado. En este momento, ella siguió luciendo luto por su padre, el abuelo Degas, quien murió recientemente; su retrato cuelga detrás de Laura. Degas comenzó a pintar este cuadro en 1858, cuando visitaba a sus familiares en Florencia. Aquí hizo muchos bocetos preliminares, pero escribió la versión final después de regresar a París en 1859. En ese momento, este retrato era la obra más grandiosa del artista. Las figuras aquí están representadas casi en tamaño natural, y la pintura en sí parece elaborada. El poder y la profundidad de la composición revelan el deseo del artista de seguir los patrones del Renacimiento italiano y las tradiciones de la generación anterior de maestros, especialmente Ingres, quien una vez también creó una serie de retratos destacados en Italia. Al mismo tiempo, la imagen se distingue por la frescura y el aspecto individual del artista. Las poses de las personas de pie en el retrato son poco convencionales y, en general, el lienzo transmite una atmósfera de fuertes lazos familiares, aunque, de hecho, el matrimonio de Laura no podría llamarse feliz.

Aquí hay otra descripción de esta pintura por un conocedor y conocedor del arte: “En comparación con el retrato de salón oficial, para el cual la precisión fotográfica, la puesta en escena fotográfica y la confiabilidad de una instantánea eran una condición estética indispensable, la imagen en su audacia y verdad significó una verdadera revolución. Las figuras no posan como en fotografías contemporáneas y retratos de salón de calidad media. Solo Giovanna, una de las hijas, está mirando a un espectador imaginario, el resto de las figuras están enfocadas unas a otras. La Baronesa se para libremente, tiene una postura orgullosa, erguida y remilgada. La pequeña Julia es arrebatada en un momento de agitación. Se sienta en el borde de la silla, su pierna izquierda está oculta: la técnica del maestro, a la que transmite una inmediatez espontánea. Para la pintura académica de esa época, esta fue una clara profanación del santuario ... En esta imagen, ya hay un indicio de esa forma de visión, que luego sorprenderá a Degas, cuando en cualquier motivo, imprudentemente seguirá siendo solo él mismo ". (E. Hüttinger).

Impresionistas y Degas

En 1861, Degas conoció a Edouard Manet , cuya amistad se prolongó hasta el final de la vida de este último. Siendo una persona muy autorizada entre los artistas jóvenes, el jefe informal del grupo Batignolles , Manet presentó a Degas a los pintores jóvenes, que más tarde se conocerían como los impresionistas . En los pocos círculos que unían a los artistas, Degas tenía una reputación indudablemente alta debido a sus modales, buena cultura, cortesía, originalidad, combinada con dureza, encanto: todo esto despertó un cierto respeto por él.

Con Edouard Manet, Degas reúne un rechazo general al arte de salón académico. Degas estaba más interesado en la vida moderna en todas sus manifestaciones que en las tramas torturadas de las pinturas expuestas en el Salón. Tampoco aceptó el deseo de los impresionistas de trabajar al aire libre, prefiriendo el mundo del teatro, la ópera y los cafés. Además, no le gustaba el aire libre, creía que la atención estaba dispersa en el aire y prefería incondicionalmente el ambiente controlado del estudio. Dado que el estilo de Degas se basaba en el dibujo fino, sus pinturas tienen una fidelidad completamente atípica para el impresionismo.

Adhiriendo a puntos de vista bastante conservadores tanto en la política como en su vida personal, Degas fue extremadamente inventivo en la búsqueda de nuevos motivos para sus pinturas, utilizando ángulos inesperados y planos ampliados ("Miss Lala at the Fernando Circus", 1879, National Gallery, Londres) . "Momentos capturados": así, quizás, se podría decir sobre muchas de las obras de Edgar Degas. Esta es su profunda afinidad interior con los impresionistas. Todos ellos fueron poetas de un mundo estremecedor, móvil, todos entendieron la vida como un movimiento constante. Y si los paisajistas comprendieron esto a través del movimiento del aire, la luz, el cambio de las estaciones del día y del año, a través del ciclo constante de la naturaleza, entonces Degas buscó transmitir la esencia viva del mundo a través del movimiento del hombre.

La década de 1860 en Francia estuvo marcada por el hartazgo de la joven intelectualidad progresista con las bases burguesas del Imperio de Napoleón III . Una nueva ola de artistas rompió las ideas tradicionales sobre la pintura, sobre las tramas y los héroes de las pinturas, introduciendo en su círculo escenas simples de la vida de la Francia napoleónica. La manera y el brillo de su trabajo fue cercano a Edgar Degas. Él, sin embargo, a diferencia de los impresionistas, fue un artista más social; partiendo de las tradiciones del clasicismo y el romanticismo de las viejas escuelas de pintura en Francia, prestó más atención no a las imágenes abstractas cotidianas de la vida moderna, sino a temas relacionados con el trabajo cotidiano, a menudo arduo, de sus contemporáneos.

Los impresionistas prestaron más atención a la luz (aquí podemos recordar las pinturas de Manet y Monet ), Edgar Degas, a su vez, prestó más atención al movimiento.

Incluso el éxito seguro de la pintura histórica de Degas "Las desgracias de la ciudad de Orleans " en el Salón de 1865 no desanimó al artista de un deseo consciente de representar la vida moderna en su forma nueva y algo revolucionaria en ese momento.

Los críticos a menudo coinciden en que, a pesar de la renuencia de Degas (a diferencia de los impresionistas) a trabajar al aire libre, su trabajo es fundamentalmente muy similar en general, lo que, a su vez, nos permite clasificar a Edgar Degas como impresionista. Al mismo tiempo, el propio Degas rechazó el término "impresionismo", así como algunos principios de creatividad de los artistas innovadores, y hacia el final de su vida se distanció de su sociedad. Queda por recordar que la división de la pintura, así como de los pintores por estilo, es siempre muy arbitraria. Los nombres de las tendencias y estilos en sí mismos, por regla general, son aleatorios, aparecieron y se fijaron espontáneamente, y dicen poco sobre el fenómeno del arte que se denomina. Más bien, estamos hablando de algún tipo de impulso común a la época, expresado por cada artista individualmente y de manera peculiar.

Guerra franco-prusiana

En 1870, la ola de la guerra franco-prusiana llegó a París. Al igual que Manet, Degas se ofreció como voluntario para el ejército. Sirvió en infantería y artillería. Degas se ofreció como voluntario para un regimiento de infantería, pero en el primer disparo resultó que el artista no veía bien con su ojo derecho; este fue el comienzo de una enfermedad que se convirtió en una ceguera casi total al final de su vida. Debido a problemas de vista, Degas fue transferido a un regimiento de artillería.

Los setenta y las exposiciones impresionistas

Al final de la guerra, Degas visitó Gran Bretaña , luego visitó los Estados Unidos , donde vivían sus parientes maternos. En 1871, cuando terminó la guerra, el artista realizó un breve viaje a Londres, y en el invierno de 1872-1873 pasó varios meses en Nueva Orleans , con sus parientes estadounidenses. Una de las primas de Edgar, Estelle Musson, era ciega, y Degas sintió especial simpatía por ella, previendo incluso entonces que él mismo podría perder pronto la vista.

En 1873 el artista regresa a París. Llegaron tiempos difíciles para él: su padre murió, dejando grandes deudas. Según otras fuentes, las deudas fueron el resultado de tratos fallidos en la bolsa de algodón estadounidense por parte de los hermanos Degas, quienes heredaron la oficina de corretaje de su tío. Queriendo preservar la reputación de la familia, Degas pagó parte de la deuda con su dinero, que heredó, pero esto no fue suficiente. No solo tuvo que vender la casa y la colección de viejos maestros reunida por su padre, sino también pensar por primera vez en vender sus propias obras. El conocimiento de los impresionistas fue muy útil: Degas participó en casi todas sus exposiciones desde 1874 .

Entre 1874 y 1886 hubo ocho exposiciones de los impresionistas, y Degas participó en siete de ellas, faltándose sólo la penúltima, en 1882. Siendo un destacado dibujante, Degas pudo representar la vida contemporánea con una habilidad digna del pincel de los artistas de antaño. La crisis financiera que experimentó Degas tras la muerte de su padre se superó tras varios años de intenso trabajo diario, y en 1880 Degas se había convertido en una figura destacada y respetada en el mundo del arte parisino. Tras la última exposición de los impresionistas en 1886, el artista dejó de exponer públicamente su obra, prefiriendo vender sus cuadros a un precio elevado a través de varios agentes de venta.

Bailarines Degas

La extraordinaria popularidad de las escenas de ballet representadas por Degas se explica fácilmente, ya que el artista nos muestra el mundo de la gracia y la belleza, sin caer en un sentimentalismo excesivo. La vida del ballet se les transmite tan vívidamente que uno puede imaginar fácilmente cuán frescas y originales les parecieron estas pinturas a los contemporáneos de Degas. Los artistas que escribieron ballet antes de Degas construyeron composiciones geométricamente correctas o representaron estrellas de ballet inclinándose con elegantes reverencias. Tales retratos se parecían a fotografías de estrellas de cine de Hollywood tomadas para la portada de una revista brillante.

“Me llaman pintor de bailarines”, escribió Degas. De hecho, a menudo abordó este tema. Pero es completamente erróneo pensar que Degas era un erotómano. “Las bailarinas siempre han sido solo una excusa para representar telas maravillosas y capturar el movimiento”, dijo Degas.

Una entrada interesante del Diario de Edmond de Goncourt , hecha el 13 de febrero de 1874: “Ayer pasé todo el día en el estudio de un artista increíble llamado Degas. Después de muchos intentos, experimentos, sondeos en todos los sentidos, se enamoró de todo lo moderno, y en esa modernidad fijó su mirada en las lavanderas y las bailarinas. De hecho, la elección no es tan mala. Todo es blanco y rosa; el cuerpo femenino en batista y gasa es la ocasión más encantadora para el uso de tonos claros y delicados... Las bailarinas pasan ante nuestros ojos... El cuadro representa un vestíbulo de ballet, donde contra el telón de fondo de una ventana luminosa, los contornos fantásticos de las piernas de aparecen los bailarines bajando las escaleras; entre todas estas ondulantes nubes blancas, la mancha roja del tartán vuela, y la divertida figura del coreógrafo se destaca en marcado contraste. Y ante nosotros aparecen graciosas curvas de cuerpos, giros y movimientos de estas pequeñas niñas capturadas en la naturaleza. El artista muestra sus cuadros, complementando de vez en cuando las explicaciones con la reproducción de alguna figura coreográfica, imitación, en el lenguaje de los bailarines, de uno de los arabescos. Y es verdaderamente divertido ver cómo él, de puntillas, con las manos en alto, mezcla la estética de la danza con la estética de la pintura, hablando de los tonos impuros de Velázquez y la silueta de Mantegna.

Érase una vez, Antoine Watteau , un amante de los temas teatrales, prefería dibujar damas encantadoras y frívolas y elegantes jóvenes melancólicos en poses simuladas congeladas, que eran para Watteau un símbolo visible de la belleza de un mundo condicionado y frágil: hermoso, separada por su irrealidad de la vida cotidiana. Siendo un observador impecable, Degas notó algo que nunca había llamado la atención de los artistas de los últimos años: el movimiento de la mano de alguna dama sentada a su lado, o los binoculares dejados por alguien, o un abanico solitario olvidado en un sillón por un chica joven ¿Podría Antoine Watteau darse el lujo de representar la escena, mirándola a través de cientos de espectadores sentados en la sala, representando no la acción en sí, sino el perfil de un vecino al azar, una conversación involuntariamente escuchada y las expresiones faciales de los interlocutores? Edgar Degas percibió el teatro de esta manera. En el tema de los bailarines, Degas estuvo fuertemente influenciado por Honoré Daumier . En sus litografías, se limitó a plasmar escenas teatrales aleatorias arrebatadas al plano general, convirtió sus rostros en máscaras grotescas que recuerdan a las máscaras teatrales de Callot .

Figuras frágiles e ingrávidas de bailarinas aparecen ante el espectador ya sea en el crepúsculo de las clases de baile, ya sea a la luz de los focos del escenario, o en breves momentos de descanso. La aparente ingenuidad de la composición y la posición desinteresada del autor crean la impresión de una vida extraterrestre asomada ("Clase de baile", 1873-1875; "Bailarín en el escenario", 1878 - ambos en el Musée d'Orsay, París; " Bailarines en ensayo”, 1879, Museo Pushkin, Moscú; “Bailarines azules, 1890, Musée d'Orsay , París). El mismo desapego se observa en Degas en la representación del desnudo.

Muchas veces se habló del desapego de Degas en relación a sus modelos. De hecho, la representación de los bailarines en las pinturas de Degas está desprovista de un sentimiento erótico o de cualquier contacto humano personal. Algunos conocedores del trabajo de Degas creen que uno puede notar el contraste entre la objetividad impasible en la representación de los personajes y el sentimiento cálido y vivo que se vierte en la pintura misma. Esta declaración, tal vez, está cerca de la objetividad cuando se trata del color del fondo, pero la afirmación de que las pinturas de Degas llevan tanto la ironía sutil y ligeramente triste del artista como su profunda ternura por los modelos, es similar a la emotividad de la crítico de arte y no puede ser probado. En general, la esfera de los sentimientos en las pinturas de muchos artistas no se expresa directamente, y todas las descripciones del espectro de emociones que parecen existir en una imagen en particular son solo fantasías que no se pueden probar ni refutar. Esta es su fuerza y ​​debilidad.

La representación de los cafés en la obra de Degas

La prueba más precisa de cafeschantans pertenece al pincel del aristócrata y frecuentador de los elegantes salones del Parc Monceau , Edgar Degas, que se adelantó a Toulouse-Lautrec por toda una década. A lo largo del último tercio del siglo XIX, antes de la llegada del cine, los cafés seguían siendo el lugar favorito de los parisinos para relajarse. Estos establecimientos eran muy diversos y se encontraban en todas partes, como lo son hoy los cines: en Montmartre, en el bulevar de Estrasburgo, en los Campos Elíseos y en los suburbios. Los más atractivos, por supuesto, eran los que se abrían en verano, al aire libre, en jardines iluminados por bolas de gas blanco.

Degas, a quien no le gustaban los espacios abiertos, prefería la iluminación artificial, la iluminación de gas le ayudó a encontrar nuevas soluciones. Les dijo a sus amigos impresionistas: "Ustedes necesitan una vida natural, yo necesito una artificial". Sin embargo, las escenas de la vida de los cafés en sus lienzos respondieron a la primera tarea que se impusieron los impresionistas: reflejar la modernidad. Le atraía el carácter democrático e incluso cierta vulgaridad de los cafés. Tal atmósfera divirtió y entretuvo a Degas. Allí se dieron cita personalidades extraordinarias: ventrílocuos, excéntricos, patriotas, campesinas, damas sentimentales, epilépticos... Todavía existen tipos de este tipo, y, si se piensa bien, cualquier estrella del pop moderno puede atribuirse a una de estas categorías. Degas no tenía preferencia; visitaba con gusto tanto los elegantes establecimientos de los Campos Elíseos, La Scala , Ba-Ta-Clan, Elise-Montmartre, como las dudosas tabernas de Belleville y La Villette, donde le atraían siluetas insólitas.

Vida personal

En su vida personal, Degas era a la vez reservado y de mal genio; tenía ataques de ira. Amigos y miembros de su familia hablaban de Degas como una persona torpe y directa. De hecho, una vez lo llamaron cariñosamente "cachorro de oso" por sus frecuentes quejas y quejas. La actitud de Degas hacia su propio cuerpo estaba libre de convenciones. De hecho, la bañera, que a menudo vemos en sus muchas pinturas posteriores de mujeres lavándose, fue colocada audazmente por él en el medio del estudio. También era conocido como un actor de mimo capaz.

Sin embargo, no hay evidencia del deseo de Degas por la cercanía física con los bailarines de ballet o cualquiera de sus modelos, así como cualquier otra información sobre la vida personal del artista. Nadie sabía si Degas tenía una amante. El propio Degas nunca habló de sus relaciones con las mujeres.

La Oficina del Algodón

A su regreso a Francia, Degas crea el “ Oficina de algodón ” (1873), una pintura notable en composición, expresión, luz y color. Degas pintó este cuadro durante un viaje a sus familiares en Nueva Orleans. El tema elegido por él para su lienzo, una oficina comercial, había sido cuidadosamente evitado por todos los artistas. Los retratos precisos de los personajes están magníficamente inscritos por Degas en la atmósfera de un entorno empresarial y, en general, la imagen es un bosquejo vivo de la vida cotidiana, haciendo eco más con las novelas de Emile Zola que con la mayoría de las obras de los pintores contemporáneos de Degas. Nueva Orleans era en ese momento la cuarta ciudad más grande de los Estados Unidos, y como puerto marítimo competía con el principal puerto del país, Nueva York. La base de la prosperidad de la ciudad fue el comercio del algodón. Degas escribió a su amigo: “Un aplauso. Todos aquí viven solo del algodón y por el bien del algodón”. En el primer plano de la pintura se sienta el tío Degas, Michel Musson, un corredor de bolsa de algodón; el hermano del artista, René de Gas, está representado leyendo un periódico, mientras que su otro hermano, Achille de Gas, está apoyado en un tabique al fondo a la izquierda. René y Aquiles importaban vino a Nueva Orleans y Degas estaba orgulloso de su éxito. Aquí, en la oficina del tío, simplemente pasaron un rato y, por lo tanto, se sentaron mientras todos los demás estaban ocupados con el trabajo. Aunque la obra da la impresión de espontaneidad, su composición fue pensada tan cuidadosamente como en todos los lienzos de Degas. Por ejemplo, las figuras vestidas de negro están dispuestas de manera que sobresalgan en el fondo y parezcan sobresalir del cuadro. Más tarde, pinta un retrato del artista Lepic ( Plaza de la Concordia ), hasta cierto punto, un tipo de arte de retrato revolucionario, cuando el entorno del personaje principal (condicionalmente) no tiene menos peso, valor y significado que el héroe de la retrato.

Establecimiento de Tellier

Degas encargó obras de una serie de bocetos de Montmartre para una edición de lujo de The Cardinal Family concebida por Ludovic Halévy . Con este fin, recopiló numerosos bocetos, litografías, monotipos y dibujos. El tema interesó a Degas, y siguió desarrollándolo con entusiasmo, en el espíritu de Rabelais , lo que es tanto más extraño cuanto que Alevi pronto abandonó su plan. En vida de Degas, estas obras hechas con prisas fueron vistas solo por unos pocos afortunados, entre los que se encontraba Renoir, que quedó encantado con ellas. Vollard logró hacerse con varios dibujos para usarlos como ilustraciones para The Tellier's Establishment de Guy de Maupassant y Pierre Louis ' Grimaces of the Courtesans . Sólo gracias a tan feliz coincidencia ha llegado hasta nosotros este lado poco conocido de la obra de Degas. Con el pretexto de querer dejar inmaculada la memoria de su hermano, René de Haas destruyó la mayoría de los dibujos que había encontrado en el taller de Edgar después de su muerte.

Vollard , siempre lento para llevar a cabo sus planes, no publicó The Tellier's Establishment, con ilustraciones de Degas, hasta 1934. El libro resultó increíble; Habiendo comprado una copia, Picasso la consideró una perla en su colección. Más tarde lo legó al Louvre, donde todavía se exhibe en su colección personal.

Pasteles de Degas

El pastel consiste en un pigmento colorante en polvo mezclado con una pequeña cantidad de una sustancia pegajosa (generalmente goma arábiga) y prensado en forma de crayón. El pastel puede dar tanto un tono muy rico como un tono muy débil, pero tiene un gran inconveniente: la capa de pastel aplicada a la superficie es extremadamente efímera y puede destruirse con el más mínimo toque. Para evitar esto, la superficie se trata con una composición especial que protege el patrón, pero los colores se desvanecen notablemente. Los artistas empezaron a utilizar el pastel a finales del siglo XV, y en el siglo XVIII el pastel tuvo una moda especial, y sobre todo en el retrato. Luego vino el período en que se olvidó el pastel, y el interés por él se despertó solo en la segunda mitad del siglo XIX. Algunos de los principales pintores impresionistas adoptaron el pastel, apreciándolo por su frescura de tono y la velocidad con la que les permitía trabajar.

A lo largo de los años, Degas prefiere cada vez más los pasteles, a menudo en combinación con monotipos, litografías o gouache. Pastel atrae al maestro con su nobleza, pureza y frescura de color, superficie de textura aterciopelada, vivacidad y vibración de trazo emocionante. Nadie pudo igualar el dominio del pastel con Degas, quien lo utilizó con un poder e ingenio, que ninguno de sus contemporáneos logró. Degas es un colorista sutil, sus pasteles son armoniosos, ligeros o, por el contrario, están construidos sobre fuertes contrastes de color. Sus pinturas parecen ser arrebatadas accidentalmente al flujo de la vida por las escenas, pero este “accidente” es fruto de una cuidada composición, donde un fragmento recortado de una figura, un edificio, enfatiza la inmediatez de la impresión.

La manera de Degas fue notable por su sorprendente libertad, aplicó pasteles con trazos audaces y quebrados, a veces dejando el tono del papel que aparecía a través del pastel o agregando trazos en óleo o acuarela. Uno de los descubrimientos del artista fue el tratamiento de la pintura con vapor, después de lo cual el pastel se suavizaba y podía matizarse con un pincel o con los dedos. En sus obras posteriores, que recuerdan a un caleidoscopio festivo de luces, Degas estaba obsesionado con el deseo de transmitir el ritmo y el movimiento de la escena. Para dar un brillo especial a las pinturas y hacerlas brillar, el artista disolvió el pastel con agua caliente, convirtiéndolo en una especie de pintura al óleo, y lo aplicó sobre el lienzo con un pincel. Las obras tardías de Degas también se distinguen por la intensidad y la riqueza del color, que se complementan con los efectos de la iluminación artificial, las formas ampliadas, casi planas, y la limitación del espacio, que les confiere un carácter tenso y dramático (“Blue Dancers”, pastel, Museo Estatal de Bellas Artes, Moscú).

Degas no solo usó la técnica del pastel de una manera nueva, sino que también creó pinturas con ella que eran más grandes que las obras de otros artistas hechas en pastel. A veces cosía varias hojas juntas para obtener la superficie del tamaño que necesitaba. En sus últimas obras al pastel, realizadas ya cuando su vista estaba muy debilitada, las formas majestuosas se disuelven casi por completo en el fuego de los colores llameantes. El historiador de arte estadounidense George Heard Hamilton escribió sobre estas obras de Degas: “El color de sus pinturas fue el último y más grande regalo del artista al arte moderno. Incluso con Degas, que estaba perdiendo la vista, la paleta se mantuvo cercana a la de los fauvistas”.

La técnica del pastel permitió a Degas mostrar más claramente su talento como dibujante, su amor por la línea expresiva. Al mismo tiempo, los tonos ricos y un toque “brillante” de pasteles ayudaron al artista a crear esa atmósfera colorida especial, esa ligereza iridiscente que tanto distingue su trabajo. Mirando los pasteles de Degas, te das cuenta con particular claridad de la esencia de las nuevas conquistas de la pintura. El color aquí parece surgir ante sus ojos de un resplandor iridiscente, de una corriente de "partículas elementales" iridiscentes, de un torbellino de líneas de "energía" que se cruzan. Todo aquí está lleno de movimiento significativo. El fluir de las líneas da lugar a la forma, el color nace de un torbellino de trazos coloridos. Esto se nota especialmente en los “Bailarines azules” del Museo de Moscú, donde la melodía de la danza parece surgir del parpadeo iridiscente de tonos puros. Entre las diez obras de Edgar Degas que se conservan en los museos rusos, solo una ("Bailarina en el fotógrafo" del Museo de Bellas Artes Pushkin) está pintada al óleo. El resto están hechos en pasteles.

A lo largo de su vida, Degas creó una gran cantidad de bocetos preparatorios y obras terminadas. Sus obras gráficas pueden servir como evidencia del crecimiento creativo que experimentó el artista, demuestran claramente cómo el maestro creó composiciones al pastel que representaban escenas de baile a partir de bocetos, movimientos y poses separados. En estas obras, el enfoque colorista del autor es mucho más audaz que en sus pinturas. En ellos, utilizó el color con libertad y mordacidad.

Trabajo posterior

A fines de la década de 1980, Degas esencialmente se había dado cuenta de su deseo de "volverse famoso y desconocido". Era práctico y capaz de administrar su influencia, en contacto constante con muchos artistas, y tal actividad comenzó a molestar a algunos de sus colegas. Como prueba adicional de que confía en su talento y está tranquilo acerca de su posición, Degas se encierra en un estrecho círculo de amigos cercanos. Se exhibe solo en unos pocos lugares públicos selectos, lo que despierta el interés de respetables revistas de arte en París. La productividad de Degas crece, el número de obras terminadas destinadas a la venta, al mismo tiempo que planifica cuidadosamente su estrategia de licitación con un grupo de distribuidores confiables. El más destacado de ellos fue Durand-Ruel, a quien Degas conoció a principios de los 70. Degas era consciente de las presiones de la prensa comercial y parece haber distinguido entre las "mercancías" orientadas al mercado, como él las llamaba, y el resto de sus escritos. Los primeros se caracterizaron principalmente por un alto grado de decoración, los segundos fueron claramente más vanguardistas. Varios de ellos acabaron en la galería de Theo van Gogh (hermano de Vincent). Aunque Degas se alejó cada vez más del papel destacado y activo que desempeñó en la comunidad de artistas parisinos, su influencia en la generación más joven aumentó. Degas nunca tuvo alumnos, pero muchos artistas, como Paul Gauguin, Georges Seurat, Henri Toulouse-Lautrec, reconocieron su influencia en su arte.

Evaluar la obra de Degas en años posteriores no es fácil. El hecho es que en algún lugar de 1886 dejó de usar cuadernos, y fue de ellos que los investigadores recopilaron mucha información sobre los primeros períodos de su trabajo. Desde la década de 1990, las obras de Degas llevan la impronta de un hombre envejecido, cuyo cuerpo, alma y moral han pasado por duras pruebas en los últimos veintisiete años de su vida. El ingenio y el humor fueron reemplazados por un tono más serio, la productividad creativa disminuyó gradualmente debido a la ceguera inminente. Se observó que en las obras de este período, Degas rindió homenaje a los elementos abstractos de su arte. La intensidad del color ha aumentado y la línea se ha vuelto más enérgica y expresiva. Si bien el espacio, como antes, seguía siendo teatral (irreal) o indefinido, las figuras, ahora en su mayoría bañistas, tampoco perdían tiempo, se las arreglaban con sus cuerpos debilitados con cierto esfuerzo. Y, sin embargo, tienen una voluntad fuerte e inflexible del propio artista. A menudo, estas obras posteriores se interpretan como el mero resultado de las dolencias seniles del artista, oprimido por una ceguera progresiva, volviéndose intolerante, sufriendo de melancolía y soledad, convertido en antisemita bajo la influencia del caso Dreyfus. Sí, todo lo dicho anteriormente es cierto, pero también es cierto que Degas no perdió la flexibilidad de su mente, siguió siendo una personalidad brillante y controvertida y estaba buscando nuevos caminos en el arte.

En 1882, la vista del artista comenzó a deteriorarse drásticamente y Degas comenzó a recurrir a la técnica del pastel y luego a la escultura. Las figuras representadas en sus lienzos posteriores siempre se amplían como si el artista las estuviera examinando desde una distancia muy cercana. Edgar Degas fue un artista casi universal, no solo en cuanto a géneros, sino también en cuanto a la técnica en la que realizó su obra. Gradualmente, Degas cambió casi por completo del óleo al pastel, ya que esta técnica le permitía sentir la proximidad a la superficie de la imagen y le permitía forzar menos la vista. Pero el pastel se desmorona de la imagen, debe arreglarse con una solución especial y, como resultado, los colores se oscurecen. Por lo tanto, al final, Degas inventó su propia forma de hacer óleo de acuerdo con sus características cercanas al pastel, y comenzó a pintar al óleo utilizando la técnica del pastel.

Esculturas de Degas

Degas comenzó a esculpir pequeñas esculturas de cera a fines de la década de 1860 y, a medida que su vista se deterioraba, el artista prestó más y más atención a este género en particular. Los temas de las esculturas de Degas repetían los temas de sus pinturas: bailarines, bañistas o jinetes al galope. Degas esculpió estas obras para sí mismo, reemplazaron los bocetos para él y completó solo unas pocas esculturas. Con el tiempo, Degas recurre cada vez más a la escultura, porque aquí puede confiar más en el tacto que en la vista casi perdida. El mismo Degas no se ocupó del metal y la piedra: solo hizo esculturas de materiales blandos exclusivamente para él. En las figuras de bailarinas, bañistas, caballos (a menudo esbozados en el modelado), Degas logró la transmisión plásticamente expresiva del movimiento instantáneo, la agudeza y lo inesperado de la pose, manteniendo la integridad plástica y la construcción de la figura.

Con el apoyo de su compañero escultor Bartolomé, Degas creó una gran cantidad de figuras de cera y arcilla de bailarines y caballos. Degas apreciaba la cera por su variabilidad, los amigos que visitaban el estudio del artista a veces encontraban una bola de cera en lugar de la escultura: aparentemente, Degas consideró que su trabajo no tuvo éxito. Ninguna de estas esculturas, a excepción de la Pequeña bailarina de los catorce , fue exhibida por Degas. Después de la muerte de Degas, se encontraron alrededor de 70 obras sobrevivientes en su taller, y los herederos del artista las transfirieron al bronce; el propio Degas nunca trabajó con bronce. Las primeras muestras de estas esculturas aparecieron en 1921. Durante muchos años se creyó que las propias esculturas de cera, a partir de las cuales se hacían los vaciados, no se podrían conservar, pero fueron descubiertas en el sótano en 1954; Al final resultó que, se utilizaron duplicados especialmente hechos para la fundición. Al año siguiente, todas las esculturas de cera de Degas fueron compradas por el coleccionista estadounidense Paul Mellon, quien, habiendo donado una pequeña parte de las obras al Louvre, sigue siendo propietario de la mayoría de ellas. Se hicieron aproximadamente 20-25 moldes de cada escultura de cera, por lo que el número total de copias es de aproximadamente 1500. Algunas de ellas se pueden ver en los principales museos del mundo y en algunos lugares, por ejemplo, en Ny Carlsberg Glyptotek, Copenhague. , hay un conjunto completo.

Dibujos de Degas

El dibujo fue la piedra angular de todo el trabajo de Degas. El artista ejerció su mano, trabajando en la tradición de Ingres, uno de los dibujantes más destacados de la historia del arte europeo. Degas fue ayudado por una memoria visual fenomenal y un sentido innato de la plasticidad de la línea y el contorno. Nació para dibujar.

En sus primeros dibujos, Degas logró una precisión y un naturalismo sorprendentes, a menudo utilizando un lápiz para ello. Sin embargo, en la década de 1870, el estilo del artista se volvió más libre y fluido, momento en el que Degas abandonó casi por completo el lápiz y cambió a la tiza blanca y al carboncillo negro. El impresionante efecto que logró con esta técnica está bien ilustrado por el Two Horsemen Sketch sin fecha. Degas también utilizó una técnica de escritura diferente y, muy a menudo, combinó diferentes materiales dentro del mismo trabajo. La mayoría de los dibujos de Degas son bocetos y bocetos de figuras humanas, como Ballerina Tying a Shoe, 1880-1885. Este dibujo está hecho no tanto con lápiz como con carboncillo. Por lo general, el artista hizo una serie de bocetos preliminares y, a veces, utilizó el mismo estudio para varios lienzos diferentes.

La innovación de Degas

El arte de Degas se caracteriza por una combinación de lo bello, a veces fantástico, y lo prosaico. Fascinado por la diversidad y la movilidad de la vida urbana, pinta el París contemporáneo (calles, teatro, cafés, carreras de caballos) en aspectos en constante cambio. Las obras de Degas, con su composición estrictamente calibrada (asimétrica, con una fragmentación dinámica del cuadro de la película), con su dibujo preciso y flexible, ángulos inesperados, interacción activa de figura y espacio (a menudo como si se volviera del revés en un plano), combine la aparente imparcialidad y la aleatoriedad con una cuidadosa consideración y un cálculo preciso sin miedo.

Degas luchó por el máximo "realismo" o "naturalismo" de sus obras. Aunque los dos términos se intercambiaban a menudo, en realidad el naturalismo era una forma de realismo más progresista, ya que se enriquecía con los últimos avances de la ciencia. El escritor y periodista Edmond Duranty, amigo de Degas, instó persistentemente a sus amigos a seguir los descubrimientos de la ciencia, a utilizar las innovaciones para que el arte del artista siguiera el ritmo de los tiempos. La forma en que Degas persiguió este realismo científico puede ilustrarse por su actitud hacia la exhibición de obras en exposiciones impresionistas.

Al colocar todas las pinturas de cada artista en habitaciones con esquemas de colores íntimos, con paredes pintadas en tonos desconocidos que complementaban las pinturas, y al extender las horas de visita nocturna cuando se encendían lámparas de gas, Degas y sus colegas crearon efectos, actuando de acuerdo con el Últimos descubrimientos de la física óptica. Al igual que otros impresionistas, Degas le dio gran importancia a los marcos, él mismo diseñó su color y forma. Como explicó más tarde Claude Monet , Degas hizo esto con el fin de "hacer que el marco ayudara y complementara la obra", realzando así los colores. Degas incluso estipuló específicamente que los marcos de sus pinturas no deberían cambiar. Cuando un día vio su cuadro, insertado en un marco ordinario de fundición dorada, lo compró con rabia.

El hecho de que Degas era aficionado a las invenciones técnicas se evidencia en sus grabados, también usó los tradicionales de una manera nueva, por ejemplo, pastel y témpera, a base de pegamento, y no de aceite. Ambos materiales son secos o de secado rápido, opacos, lo que permitió a Degas realizar fácilmente cambios (y enmascarar) sus composiciones. Usando su potencial expresivo para representar el mundo contemporáneo de la ópera y los cafés, Degas estaba convencido de que la fragilidad de estos materiales es el más adecuado para transmitir las alegrías fugaces de las artes escénicas.

La falta de una profunda tradición en esta técnica permitió a Degas utilizar libremente papel para la base, elástico y maleable, que podía añadirse o quitarse mientras se trabajaba en la composición. Además, usó sombreado y sus propios dedos para crear planos tonales; con la ayuda de un pincel y agua, aplicó pigmentos de lápiz pastel borrados en polvo para obtener un juego de colores uniforme. Sus esfuerzos se vieron coronados por el surgimiento de un nuevo vocabulario de realismo, tal como lograron hacer los hermanos Goncourt (Edmond-Louis-Antoine y Jules-Alfred) y Emile Zola en la literatura contemporánea. Los críticos lamentaron la aleatoriedad de los extraños puntos de vista, las formas cortadas y los pisos inclinados en sus pinturas. Estos elementos formaban parte de la ideología del realismo-naturalismo. De hecho, detrás de la espontaneidad de sus composiciones se ocultaba su cuidada elaboración. Degas fue, según la definición de Edmond de Goncourt, que visitó el estudio del artista, “un hombre que mejor que nadie supo, transcribiendo la vida moderna, capturar su alma”.

Puesta de sol

Casi diez años antes de su muerte, Degas prácticamente dejó de escribir. Vivía solo. Mientras Renoir y Monet disfrutaban del calor del hogar familiar, Degas vivía cada vez más solo en su apartamento de soltero, sembrado de un caótico montón de lujosos y polvorientos lienzos, cosas y alfombras raras. La muerte se llevó a muchos de sus viejos amigos más cercanos, y su mal genio lo privó de la compañía de los pocos amigos sobrevivientes. Paul Valéry, que a veces venía a visitar a Degas en el estudio, dejó una descripción de la desolada existencia de un artista casi ciego que ya no podía escribir y solo pintaba un poco con carboncillo. Sin embargo, a la edad de 80 años ya era un artista reconocido, sus cuadros se vendían a precios fabulosos para la época.

Edgar Degas murió el 27 de septiembre de 1917 en París a la edad de 83 años, siendo un maestro reconocido y pintor autorizado, considerado con razón uno de los representantes más brillantes del impresionismo, un creador original. Según la última voluntad de Degas, el funeral fue modesto, aunque muchos viejos amigos se reunieron para ver a Degas en su último viaje, entre los que se encontraban Claude Monet y el artista Jean-Louis Forain . Degas pidió no hacer discursos de duelo durante su funeral y, sobre todo, insistió en que si Forin tenía que decir unas palabras, que fuera la frase más sencilla, como: "Él, como yo, era muy aficionado a dibujar".

Un cráter en Mercurio lleva el nombre de Edgar Degas .

Manera creativa

Degas tenía poco interés por el paisaje, que ocupaba un lugar central en la obra de los impresionistas, y no buscó plasmar en el lienzo el escurridizo juego de luces y sombras que tanto fascinaba a Monet. Degas surgió de la pintura tradicional, que significaba muy poco para otros impresionistas. Degas se puede atribuir al impresionismo solo gracias al juego de colores temblorosos y luminosos. Común, tanto para Degas como para el resto de los impresionistas, fue, quizás, solo un ávido interés por los temas pictóricos de la vida moderna y el deseo de capturarlos en el lienzo de alguna manera nueva e inusual. El mismo Degas dijo: “Uno debe tener una idea elevada del arte; no sobre lo que estamos haciendo en este momento, sino sobre lo que nos gustaría lograr algún día. No vale la pena trabajar sin él". Auguste Renoir dijo de su amigo: “Degas era perspicaz. ¿No se escondía detrás de una levita negra, un cuello duro almidonado y un sombrero de copa el artista más revolucionario de toda la pintura nueva?

La ironía del destino, pero fue en la década de 1890, después del colapso del grupo impresionista, cuando las obras de Degas se acercaron más al estilo del impresionismo. Sin embargo, las formas borrosas y los tonos vivos que comenzó a utilizar durante estos años fueron más el resultado de una pérdida progresiva de la visión que del deseo del artista por los colores y las formas propias del impresionismo. La espontaneidad no era inherente al artista, y él mismo dijo: “Todo lo que hago, lo aprendí de los viejos maestros. Yo mismo no sé nada acerca de la inspiración, la espontaneidad o el temperamento. El dramatismo especial de las imágenes nace muy a menudo de un movimiento de líneas inesperadamente audaz, una composición inusual que recuerda a una fotografía momentánea, en la que las figuras con partes individuales del cuerpo dejadas detrás del marco se desplazan en diagonal hacia una esquina, el centro parte del cuadro es un espacio libre (“Opera Orchestra”, 1868—1869, Musée d'Orsay, París; Two Dancers on Stage, 1874, Gallery of the Warburg and Courtauld Institute, Londres; Absinthe, 1876, Musee d'Orsay , París). Para crear una tensión dramática, el artista también utilizó la luz direccional, representando, por ejemplo, una cara dividida por un foco en dos partes: iluminada y sombreada ("Cafechantan en el Ambassador", 1876-1877, Museo de Bellas Artes, Lyon; " Cantante con guante”, 1878, Museo Vogt, Cambridge). Esta técnica fue utilizada posteriormente por A. de Toulouse-Lautrec en carteles para el Moulin Rouge.

Su don de observación, la precisión y vigilancia de su mirada eran incomparables. Y el poder de la memoria visual solo podía ser comparado con él por Daumier. Las habilidades de observación y la memoria visual fenomenal de Degas le permitieron capturar gestos, posturas con una precisión extraordinaria, captar movimientos característicos sobre la marcha y transmitirlos con una veracidad extraordinaria. Degas siempre pensó cuidadosamente la composición de sus pinturas, a menudo haciendo muchos bocetos y bocetos, y en los últimos años de su vida, cuando su visión que se desvanecía ya no le daba la oportunidad de buscar nuevos temas, una y otra vez recurrió a su imágenes favoritas, a veces traduciendo los contornos de figuras de viejos lienzos, utilizando papel carbón.

Las obras de Degas, con su composición estrictamente ajustada y al mismo tiempo dinámica, a menudo asimétrica, dibujo preciso y flexible, ángulos inesperados, interacción activa de figura y espacio, combinan la aparente imparcialidad y aleatoriedad del motivo y la arquitectura de la imagen con un pensamiento cuidadoso. y cálculo. “No hubo arte menos directo que el mío”, así evalúa el propio artista su propio trabajo. Cada una de sus obras es el resultado de largas observaciones y un arduo y minucioso trabajo para plasmarlas en una imagen artística. En la obra del maestro no hay nada improvisado. La plenitud y la delicadeza de sus composiciones a veces nos hace recordar las pinturas de Poussin. Pero como resultado, aparecen en el lienzo imágenes que no sería exagerado llamar la personificación de lo instantáneo y aleatorio. En el arte francés de finales del siglo XIX, la obra de Degas a este respecto es diametralmente opuesta a la obra de Cézanne. En Cezanne, la imagen lleva toda la inmutabilidad del orden mundial y parece un microcosmos completamente completo. En Degas, contiene sólo una parte de la poderosa corriente de vida cortada por el marco. Las imágenes de Degas están llenas de dinamismo, encarnan los ritmos acelerados de la era contemporánea al artista. Era la pasión por transmitir movimiento: esto, según Degas, determinaba sus temas favoritos: imágenes de caballos al galope, bailarinas ensayando, lavanderas y planchadoras en el trabajo, mujeres vistiéndose o peinándose.

Tales métodos implican un cálculo preciso más que libertad e inspiración, pero también hablan del extraordinario ingenio del artista. En su búsqueda creativa, Degas aparece como uno de los artistas más atrevidos y originales de su tiempo. Al comienzo de su carrera profesional, Degas demostró que podía pintar magistralmente de la manera tradicional en óleo sobre lienzo, pero en su madurez experimentó mucho con diferentes técnicas o con una combinación de materiales. A menudo no pintaba sobre lienzo, sino sobre cartón y utilizaba diferentes técnicas, como óleo y pastel, dentro de la misma imagen. La pasión por experimentar estaba en la sangre del artista, no en vano, allá por 1879, uno de los observadores que visitó la exposición impresionista escribió que Degas estaba "buscando incansablemente nuevas técnicas".

El enfoque del artista hacia el grabado y la escultura fue igual de creativo. La manera de Degas se formó bajo la influencia de varios artistas. Reverenciaba profundamente, por ejemplo, a Ingres, y él mismo se consideraba un escritor a la manera tradicional que profesaba Ingres. Esta influencia es claramente visible en las primeras obras de Degas: claras, de espíritu clásico, con formas claramente escritas. Como muchos de sus contemporáneos, Degas se vio influido por la gráfica japonesa con sus ángulos insólitos, a la que él mismo recurrió en sus obras posteriores. En las pinturas de Degas, hay muchos rastros de fragmentación, inesperados para el arte europeo, en xilografías kakemono japonesas. La fotografía, a la que Degas era aficionado, hizo que la composición de sus lienzos fuera más fresca e inusual. Algunas de sus obras dan la impresión de una instantánea, pero en realidad esta sensación es fruto de un largo y minucioso trabajo del artista.

Edmond Goncourt escribió sobre Degas: “Una persona muy sensible, que capta la esencia misma de las cosas. Todavía no he conocido a un artista que, reproduciendo la vida moderna, capte mejor su espíritu ". Al final, Degas logró desarrollar su propia visión única de las impresiones del mundo que nos rodea. A veces se le llama un observador frío e impasible, especialmente cuando escribe retratos de mujeres, pero Berthe Morisot, una de las artistas destacadas de la época, dijo que Degas "admiraba sinceramente las cualidades humanas de los jóvenes dependientes". Pocos otros artistas estudiaron el cuerpo humano tan duro como Degas. Dicen que al final de la sesión, los modelos de Degas no solo estaban mortalmente cansados ​​​​de una larga pose, sino que también pintaron rayas, que el artista, perdiendo la vista, aplicó a sus cuerpos como marcas que lo ayudaron a determinar con mayor precisión las proporciones. .

“A lo largo de su vida”, escribió Paul Valéry, “Degas buscaba en la imagen de una figura desnuda, considerada desde todos los puntos de vista, en un número increíble de poses, en todo tipo de movimientos, ese único sistema de líneas que expresar con la mayor precisión no sólo un momento dado, sino también la mayor generalización. Ni la gracia ni la poesía imaginaria están incluidas en sus metas. Sus obras no cantan nada. En la obra hay que dejar algún lugar al azar, para que surja algún tipo de hechizo que entusiasme al artista, se apodere de su paleta y dirija su mano. Pero Degas, una persona esencialmente obstinada, nunca satisfecha con lo que se obtiene inmediatamente, poseyendo una mente demasiado crítica y demasiado educada por los grandes maestros, nunca se entregó al placer directo del trabajo. Me gusta este rigor".

Renoir comentó una vez que “si Degas hubiera muerto a los cincuenta, habría sido recordado como un excelente artista, y nada más. Sin embargo, después de los cincuenta, su trabajo se expandió tanto que en realidad se convirtió en Degas. Quizá Renoir no esté del todo bien aquí. Cuando Degas cumplió 30 años, ya estaba creando lienzos que se incluían en el tesoro del arte mundial. Por otro lado, Renoir señaló correctamente que las obras maduras de Degas son más individuales, realmente se "expandieron" en estilo, lo que las distingue principalmente de las primeras obras del artista. Continuando con la firme creencia de que el dibujo en la pintura es la base de los cimientos, Degas al mismo tiempo comienza a preocuparse menos por la belleza y la claridad del contorno, expresándose con la ayuda de una variedad de formas y riqueza de color.

Esta expansión de estilo coincidió con el creciente interés de Degas por el pastel , que gradualmente se convirtió en su principal medio para dibujar. En sus pinturas al óleo, Degas nunca trató de representar la textura rota amada por el resto de los impresionistas, prefiriendo pintar en un estilo tranquilo y uniforme. Sin embargo, en el trabajo al pastel, el enfoque del artista se vuelve mucho más audaz y usa el color con tanta libertad como cuando trabajaba con tiza o carboncillo. De hecho, el pastel está al límite entre el dibujo y la pintura, y el propio Degas dijo que le permite convertirse en "un colorista con una línea".

Galería

Notas

  1. ↑ 1 2 Edgar Degas  (holandés)
  2. ↑ Hilaire Germain Edgar Degas  (inglés) - OUP , 2006. - ISBN 978-0-19-977378-7
  3. ↑ 1 2 Edgar Degas // Enciclopedia Británica 
  4. ↑ Itaú Cultural Edgar Degas // Enciclopédia Itaú Cultural  (port.) - São Paulo : Itaú Cultural , 1987. - ISBN 978-85-7979-060-7
  5. ↑ lista de artistas del Museo Nacional de Suecia - 2016.
  6. ↑ Colección en línea del Museo de Arte Moderno 
  7. ↑ 1 2 RKDartists  (holandés)
  8. ↑ 1 2 http://vocab.getty.edu/page/ulan/500115194
  9. ↑ Degas, Hilaire-Germain-Edgar // Diccionario enciclopédico de Brockhaus y Efron  : en 86 volúmenes (82 volúmenes y 4 adicionales). - San Petersburgo. , 1890-1907.

Literatura

Enlaces

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