Música del sudeste de Europa
La palabra "música" en sí es de origen griego antiguo ( griego Μουσική ) y proviene de las "musas" - en la mitología griega antigua, las hijas de Zeus , que dieron origen a la poesía, el arte y la ciencia.
En la antigua Grecia, la música acompañaba diversas esferas de la vida y sonaba en las reuniones y eventos públicos, en los rituales, en el teatro y en los juegos. Figuras de músicos se encuentran en la mitología ( Orfeo , Filamón , Tamyris , Marsyas ) y poemas épicos ( Demódoco y Femio en la Odisea ). En jarrones antiguos se han conservado imágenes de músicos tocando instrumentos musicales como el arpa, la cítara y la lira. En honor a los dioses, los antiguos griegos compusieron himnos, como peanos nomos en honor a Apolo o ditirambos en honor a Dionisio.
A partir del siglo VI a.C. mi. la musica se convierte en objeto de interes de los filosofos. En particular, Pitágoras descubrió una serie de patrones acústicos que son de fundamental importancia para la teoría musical europea moderna. Aristóxeno planteó la tesis sobre la percepción empírico-auditiva de los intervalos musicales, Platón y Aristóteles desarrollaron la doctrina del papel de la música en la educación ética.
La música griega antigua era predominantemente monofónica ( monody ). Su base modal estaba compuesta por modos griegos antiguos, que se basaban en tetracordios, que podían combinarse en modos de octava: "armonías". Los nombres de los modos de octava griegos antiguos (Lydian, Dorian, etc.) también se usan ampliamente en la teoría musical moderna.
Según algunos musicólogos y críticos, en particular los griegos [1] [2] , la música bizantina estuvo fuertemente influenciada por la antigua cultura musical griega . Los musicólogos soviéticos K. K. Rozenshild y Yu. V. Keldysh encontraron la influencia de la canción persa , judía , siria y armenia y asumieron la influencia de la música griega de la Antigüedad tardía. [3] También se debe señalar la influencia romana , ya que Bizancio incluía centros culturales como Alejandría y Antioquía . E. Hertsman, investigador de la cultura bizantina, cree que la música bizantina es una continuación de la música antigua tardía. [cuatro]
La notación de la música eclesiástica bizantina es una variedad regional de la notación neumental . Suele distinguir cuatro tipos correspondientes a las cuatro etapas del desarrollo histórico del sistema:
Se descifra la línea tonal de los cantos registrados en el sistema de notación bizantina media (y posterior) [5] . Ritmo (por ejemplo, alargamiento irracional de sonidos individuales, fermata y pausas), matices de interpretación (por ejemplo, acentos dinámicos, glissando, agogía ) y rica ornamentación (por ejemplo, microcromática ornamental y vibrato ), también "codificados" en los neumas originales , son descifrados ambiguamente hasta el día de hoy son objeto de controversia (a menudo muy aguda) entre los bizantólogos. La tradición de interpretación musical de manuscritos de notación paleo-bizantina se ha perdido.
En 1814, los llamados Tres Didascalas (otras designaciones para la reforma son “Notación crisanthiana” y “Nuevo método”) [6] propusieron un método de descifrado simplificado de manuscritos musicales antiguos, que se ha generalizado en la práctica del griego moderno. adoración como la principal. En el siglo XX. los intentos de descifrar la notación bizantina se multiplicaron. A partir de 1936 en Occidente, los editores (bajo la dirección de Egon Welles ) de la serie de publicaciones científicas Monumenta Musicae Byzantinae (MMB) propusieron su propia forma de descifrar los manuscritos musicales. Sus transcripciones hacen que la melodía sea estrictamente diatónica y el ritmo como "libertad de expresión". Esta "libertad", sin embargo, en la transcripción MMB moderna de 5 líneas se fija en forma de solo dos duraciones: cuartos y octavos; por lo tanto, las transcripciones de los editores de MMB se parecen mucho a las (obsoletas) transcripciones rítmicas del canto gregoriano [7] . Destacados científicos occidentales propusieron transcripciones alternativas (principalmente relacionadas con el ritmo , con menos frecuencia melodías ) de monumentos de notación bizantina: el alemán Ewald Yammers (1962) [8] y el holandés J. van Bizen [9] . El método de Bizen fue desarrollado por el griego I. Arvanitis, quien insistió en el ritmo binario en los stichera e irmos bizantinos [10] . En Rusia, las transcripciones rítmicas de Arvanitis fueron apoyadas por un estudiante de I. E. Lozovoi M. Shkolnik, quien aplicó a los monumentos bizantinos el sistema rítmico conocido de los (posteriores) signos dobles rusos y tratados de teoría musical [11] . En la misma Grecia, el intento más audaz de restaurar la música sacra bizantina fue realizado por Simon Karas (1903-1999), quien formó toda una escuela de sus seguidores (uno de sus representantes más destacados es Lycurgus Angelopoulos ). Los seguidores de la tradición neobizantina de los "tres didascales" rechazaron la reconstrucción de Karas, describiéndola como "poco profesional" e incluso "herética".
Dimitri Cantemir fue el primer compositor de música otomana. Muchos instrumentos musicales fueron traídos a los Balcanes durante el control otomano, pero los lugareños también adoptaron muchos instrumentos otomanos. La influencia de los ritmos y melodías turcos se puede ver en la música balcánica.
Los instrumentos tradicionales de la música clásica turca actual incluyen el tanbur , un laúd punteado de cuello largo , el nai , una flauta con un orificio longitudinal en el extremo, el kemancha , un violín doblado, el oud , un laúd punteado de cuello corto y sin forro, el qanun , una cítara punteada , violín y, en la música Mevlevi , - instrumento de percusión kudyum y arpa .
El arte popular de los griegos es diverso. Las canciones se pueden dividir en épicas, históricas, cotidianas, baladas. Entre los cotidianos están el trabajo, las canciones de cuna, el amor, la boda, la bebida, el cómic, el calendario, dedicado a las fiestas populares masivas. La gran mayoría de las canciones históricas se crearon durante los años de la lucha griega contra el yugo turco ( canciones de klefts ) y durante la formación del estado griego, cuando la glorificación de la libertad y la independencia se convirtió en su principal contenido. La interpretación de canciones populares griegas suele ir acompañada de una danza redonda .
Los nombres de las danzas folclóricas tienen su origen en el área donde existen (por ejemplo, la danza cretense), de un hecho histórico (la danza Zalongo), del nombre de la profesión (hasapiko - danza de los carniceros, etc.). O toman sus nombres del ritmo y el movimiento (sirtos, sirtaki, etc.). La instrumentación popular incluye varios tipos de laúd, flauta (avlos), lira (lira cretense), flautas longitudinales, gaitas. Bouzouki, baglama, mandolina, violín son especialmente populares. La composición de las orquestas de instrumentos folclóricos griegos modernos también incluye clarinetes y guitarras.
La música albanesa es una fusión de las tradiciones musicales del sureste de Europa y ha sido muy influenciada por las culturas de los pueblos balcánicos vecinos, eslavos e italianos, así como por la influencia turca como resultado del yugo otomano. Pero a pesar de que Albania formó parte del Imperio Otomano durante casi 500 años , el pueblo albanés logró preservar su identidad cultural, incluso en la música.
Después de la independencia en 1912, Albania no tuvo una cultura musical profesional hasta la década de 1940. La primera colección de música folclórica fue lanzada por el pianista Peter Dungu.en 1940. Después del establecimiento del régimen comunista en 1944, con la asistencia activa de la URSS, comenzó el desarrollo del arte nacional, incluida la cultura musical profesional. Ya en 1944, el coro del Ejército Popular de Albania (más tarde el Conjunto Artístico del Ejército Popular) se organizó bajo la dirección de G. Avrazi, en 1960 el Conjunto de Danza y Canción Popular del Estado .dirigido por Česk Zadeya[12] . Las escuelas de música comenzaron a abrirse en las ciudades de Albania; en 1947 , el Art Lyceum que lleva el nombre de A. Y. Misya con el departamento de música para clases de violín, violonchelo, instrumentos folklóricos y canto. En 1950, se inauguró la Filarmónica Estatal de Albania en Tirana, que reúne a grupos profesionales de interpretación: una orquesta sinfónica y militar de viento, un grupo de danza y cantantes solistas. En la década de 1950, la Filarmónica de Albania representó una serie de obras de compositores rusos: la ópera Rusalka de Dargomyzhsky (1953), Ivan Susanin de Glinka (1955), el ballet La fuente de Bakhchisaray de Asafiev (1953).
En 1956, se inauguró en Tirana el Teatro Nacional de Ópera y Ballet con una escuela de ballet, donde se representaron varias óperas clásicas, operetas y ballets, incluidos los soviéticos: " Lola " de S. N. Vasilenko, " Shurale " de F. Z. Yarullin y otros. . Los principales artistas del Teatro Nacional fueron educados en la URSS y otros países del campo socialista, incluidos los cantantes: artistas de honor de la NRA A. Mula, I. Tukichi, M. Dzhemali, L. Kachay, así como D. Atanas, G. Chako; cantantes - R. Yorgandzhi, G. Heba, I. Velya; bailarines de ballet: artistas de honor de la NRA A. Aliay, Z. Khadzho, G. Vendresh, así como el coreógrafo P. Kanachi, el director de orquesta M. Wako.
Hasta la década de 1950, no había música nacional de formas importantes en Albania. Las primeras óperas nacionales comenzaron a aparecer a mediados de la década de 1950 (ópera Mrika de P. Yakova, 1954) y en la década de 1960 - Primavera de T. Daiya (1960), Flor de la memoria de K. Kono (1961), " Heroína" de V. Nova (1967), "Skanderbeg" de P. Yakova (1968), "Niña de las montañas" de N. Zorachi (1970); ballets — Khalil y Khayria de T. Daiya (1963), Delina de C. Zadeya (1964), Partisan de K. Lyara (1967), Children of the Fisherman de T. Daiya (1972), ballet para niños Fearless eaglet" Ch .Zadei (1971); operetas - "Dawn" de K. Kono (1954), "Layla" de T. Daiya (1957); oratorio patriótico de K. Trako (1961), cantata de marcha de T. Avrazi, obertura sobre temas populares albaneses de D. Leki (1954), Sinfonía 1 de Ch. , "Suite infantil" para orquesta sinfónica T. Daya (1956) , cuarteto de cuerdas T. Daya (1956), "Rondo" para cuarteto de cuerdas N. Zorachi (1960), "Suite albanesa" para flauta y piano N. Zorachi (1960 ), “Three Symphonic Pictures” de C. Zadei, voz y suite instrumental de T. Harapi (1965), conciertos para piano y orquesta de T. Harapi y C. Zadei (ambos de 1969), para violín y orquesta de N. Zorachi (1969) y otros.
Tras la caída del régimen comunista, aparecieron nuevos compositores en el país, como Alexander Peci, etnógrafo musical Ramadan Sokoli, Sokol Shupo, Andry Sina, Pyolumb Worpsy, Vasil Tole, también surgieron nuevas organizaciones musicales, como la Sociedad de Músicos Profesionales y la Sociedad de Nueva Música Albanesa [13] .
La cantante de ópera albanesa Inva Mula , hija del compositor Avni Mula , goza de reconocimiento internacional.
La música búlgara es parte de la cultura búlgara , balcánica , europea y mundial.
Bulgaria adoptó el cristianismo entre 863 y 864. Con el establecimiento del cristianismo, también se desarrolló el canto eclesiástico en el antiguo idioma búlgaro, pero durante la dominación bizantina (1018-1187), la penetración del canto bizantino canonizado en la iglesia búlgara retrasó el desarrollo del canto búlgaro. cantos religiosos nacionales relacionados con la base popular. Después de la liberación del dominio de Bizancio y la formación del Segundo Reino Búlgaro (1187-1396), la cultura búlgara comenzó a florecer. En los siglos XIII-XIV. bajo la influencia del arte musical popular, se formó el canto búlgaro , cuyas muestras se conservaron en el canto litúrgico de la Iglesia Ortodoxa Rusa de los siglos XVII-XVIII. Desde entonces, se han conservado la Zograph Trefology (siglo XIII) y el Synodikon on Tsar Boril (siglo XIV), los únicos monumentos escritos con notación musical que nos han llegado.
En el siglo 17 El clero ruso invitó a cantantes búlgaros a enseñar canto religioso a los coristas rusos.
Muchos coristas bizantinos son de origen búlgaro. El más famoso de ellos es el cantante y compositor John Kukuzel , apodado el "Angélico" (vivía en un monasterio en Bizancio). Creó la notación neumental neobizantina (los llamados "cukuzel neumes"), que se utiliza en la música de iglesia moderna hasta el día de hoy. Mientras que en Bizancio se cultivaron cantos de cuco complejos y virtuosos con ornamentación estampada , en Bulgaria se desarrolló un canto de culto más simple y democrático. Melodías búlgaras, así llamadas. "bulgarica", penetrar en la música sacra occidental. La conquista de Bulgaria por los turcos (1393-96) puso fin a su independencia como estado independiente. Los monjes búlgaros en los monasterios del Monte Athos conservaron sus melodías de iglesia, y los monjes errantes fueron los distribuidores de cantos búlgaros entre otros pueblos eslavos.
Hay siete regiones principales en Bulgaria, diferentes en su folclore : Ródope, Tracia, Strandzha, Pirin, Shopskaya, Dobrudzhanskaya, Severnyashkaya (búlgaro del norte) Los principales instrumentos musicales populares de Bulgaria son la gaita , el kaval , el gadulka , la tambura y el tapan .
Durante el dominio otomano no había instituciones musicales ni pedagogía musical en Bulgaria. Solo los búlgaros individuales recibieron educación musical en Rusia y Europa. Después de la Liberación de Bulgaria, algunos de ellos regresaron a su tierra natal y crearon muestras de música clásica búlgara original.
En 1899, Emanuil Manolov creó la primera ópera búlgara, Siromahkinya. Georgy Atanasov escribió las óperas "Altsek", "Kosara", "Abandoned Vodnitsa". Panayot Pipkov creó las primeras operetas infantiles búlgaras "Niños y pájaros" y "Schuretz y Mravki". Su obra más famosa es el Himno de los Santos Cirilo y Metodio. Nikola Atanasoff escribió la primera sinfonía búlgara. El teórico más importante de la música eclesiástica y folclórica búlgara a finales de los siglos XIX y XX fue Dobri Hristov .
Turbo-folk (en serbio, Turbo-folk , inglés Turbo-folk ) es un género musical, una combinación de música electrónica y folclórica que se originó a principios de la década de 1980 en Yugoslavia y actualmente es popular en los Balcanes. Las pioneras del turbofolk fueron las intérpretes femeninas Lepa Brena y Dragana Mirković . El turbofolk floreció en la década de 1990 en Serbia; uno de los divulgadores de este género fue el presidente yugoslavo Slobodan Milosevic . Por primera vez, tal término fue utilizado por el cantante Rambo Amadeus , quien irónicamente llamó a esta música "cacofonía" [14] , describiendo sus propias obras.