Fujita, Tsuguharu

Tsuguharu Fujita [1] ( Jap. 藤田嗣治 Fujita Tsuguharu , Francés Tsuguharu Foujita , también Leonard Fujita [1] [K 1] ( Francés Léonard Foujita ), 27 de noviembre de 1886 , Tokio - 29 de enero de 1968 , Zúrich ) - Pintor francés y artista gráfico de la Escuela de París , oriundo de Japón . Recibió su educación artística en la Escuela Superior de Bellas Artes de Tokio . Habiendo llegado por primera vez a París en 1913, vivió y trabajó en Francia durante mucho tiempo , y en 1955 recibió la ciudadanía francesa. Durante su vida, disfrutó de una amplia fama internacional; Las exposiciones personales de Fujita se llevaron a cabo en muchos países del mundo. Creó su propio estilo, combinando en su obra las técnicas de la pintura y el grabado japonés con las tradiciones del realismo europeo . Los más famosos son sus desnudos , numerosas representaciones de gatos, retratos de mujeres y niños y autorretratos . Al final de su vida, se convirtió al catolicismo , tomando el nombre de "Leonard Fujita", y pintó sobre temas religiosos. Murió de cáncer en Zúrich en 1968. Durante su vida, recibió uno de los premios más importantes de Francia, la Legión de Honor , y fue condecorado póstumamente con la Orden Japonesa del Sagrado Tesoro , 1ª clase. Las cenizas del artista están enterradas en Reims , en la llamada Capilla Fujita , que diseñó y pintó con su propia mano a los 80 años. Reims también alberga la colección más grande del mundo de su trabajo.

Biografía

Infancia y juventud en Japón

Tsuguharu Fujita nació en Tokio y descendía de la noble familia Fujita (el apellido "Fujita" significa "campo de glicinas "; el nombre "Tsuguharu" - "heredero del mundo") [2] [3] . Su padre fue el general Tsuguakira Fujita, médico del Ejército Imperial . Madre, Masa Fujita, murió en 1891; Tsuguharu también tenía un hermano mayor y dos hermanas mayores [4] .

Cuando el niño tenía dos años, la familia se mudó al sur de Japón, a la ciudad de Kumamoto [5] [K 2] . Aquí, el pequeño Tsuguharu estaba encantado de descubrir el mundo natural, que inspiró sus primeros bocetos. Posteriormente, el artista recordó a menudo su infancia en una casa junto al río [5] .

En 1892, la familia Tsuguharu regresó a Tokio. Al ir a la escuela primaria en 1893, el niño mostró una clara habilidad para pintar. En 1900, el jurado oficial seleccionó el dibujo del joven artista para una demostración en el Pabellón de Japón en la Exposición Universal de París [ 7] .

En Tokio, Tsuguharu conoció el arte occidental y tuvo el sueño de ir a París, la capital de las artes. Contrariamente a los temores de Tsuguharu, su padre aceptó su decisión de convertirse en artista, pero él y su amigo, el escritor Mori Ogai , aconsejaron al joven que estudiara en Japón [8] .

En 1904, Fujita comenzó a prepararse para ingresar a la Escuela Secundaria de Bellas Artes de Tokio (ahora la Universidad de las Artes de Tokio ). Paralelamente a esto, estudió francés y, por curiosidad, asistió a la Iglesia Católica [8] . Habiendo aprobado con éxito los exámenes de ingreso, Fujita ingresó a la Escuela en 1905. Durante el primer semestre de prueba, estudió pintura japonesa tradicional, pero luego eligió un curso de pintura al óleo occidental [7] . Los maestros notaron a Tsuguharu como un estudiante capaz y diligente, aunque fueron criticados por ser demasiado aficionado al estilo de pintura occidental [9] . En los mismos años, se manifestó su inclinación por la extravagancia, los accesorios inusuales y la ligera extravagancia en la ropa, que, sin embargo, se distinguían por una elegancia inmutable [10] .

En 1906, Fujita realizó un viaje a China y Manchuria [9] . Sin embargo, cuando regresó, redescubrió el encanto de los paisajes japoneses y los pintó principalmente. Durante este período, conoció a Tomiko Tokita (登美子), también estudiante de la Escuela de Arte de Tokio, quien pronto se convertiría en su esposa [11] .

En 1910, Fujita completó sus estudios en la escuela de arte; como trabajo de graduación, presentó un autorretrato (el primero conocido; Fujita posteriormente creó muchas obras en este género) [9] . En 1911 recibió su primer encargo oficial: un retrato del emperador de Corea exiliado en Japón [12] . En el mismo año, sus paisajes se mostraron repetidamente en exposiciones en Tokio. A pesar del relativo éxito, Fujita siguió soñando con París. El padre no se opuso a la partida de su hijo e incluso accedió a ayudarlo económicamente, con la condición de que en tres años regresara a su tierra natal. El 8 de junio de 1913, Tsuguharu Fujita viajó a Francia [12] .

París

Fujita se bajó del barco en Marsella el 5 de agosto de 1913 [13] . A su llegada a París, se instaló en el barrio de Montparnasse , donde vivían artistas, poetas y otras personas relacionadas con el arte. En un café conoció al artista chileno Manuel Ortiz de Zárate , quien le presentó a Picasso [14] . En el estudio de Picasso, vio su propio "período azul" y una serie de pinturas cubistas, así como pinturas del oficial de aduanas Rousseau , que le causaron una gran impresión. Con el tiempo, Fujita conoció a muchos artistas y poetas de Montparnasse: Apollinaire , Jacob , Braque , Leger , van Dongen , Bonnard , Vlaminck , Marquet , Dufy ... También se acercó a artistas extranjeros de la llamada escuela parisina : Modigliani , Pascin , Soutine y otros [15 ] [16] . Un extravagante japonés con gafas atrajo la atención de todos. Sus amigos le dieron el apodo de "Fu-fu" ( fr. fou - loco) [17] .

Fujita se impuso la tarea de unir Oriente y Occidente en su obra [18] . No tenía suficiente dinero para pinturas al óleo, por lo que recurrió a gráficos y acuarelas. A pesar de la extrema pobreza, trabajó duro y fructíferamente. 1914-1915 se convirtió en un período de búsqueda de estilo para Fujita; muchas de sus obras en ese momento tenían rastros de la influencia del cubismo y el futurismo [19] [20] . Como el propio artista recordó más tarde, estaba tan insatisfecho consigo mismo que destruyó algunas de las obras en el proceso de creación, y en 1914 quemó alrededor de 500 de sus pinturas, para calentarse y para que en el futuro no lo deshonraran. su nombre [20] .

Fujita visitaba regularmente el Louvre , estudiando y copiando las obras de los grandes predecesores. Además, en un esfuerzo por comprender los fundamentos de la civilización europea, recurrió a la cultura de la Antigua Grecia y asistió a la "Academia" de Raymond Duncan [21] . Mientras tanto, habían pasado tres años, después de los cuales Tsuguharu tuvo que regresar a Japón. Decidió no volver y escribió una carta a su padre, en la que rechazaba su apoyo económico [22] . Incluso el estallido de la Primera Guerra Mundial no afectó su firme intención de permanecer en París [23] .

En 1917, Fujita conoció a Fernanda Barry , de quien se enamoró [24] . Se convirtieron en marido y mujer (para entonces Fujita ya se había divorciado de Tomiko), y el artista se fue a vivir con Fernanda, quien se comprometió enérgicamente a "promover" su obra. En gran parte gracias a ella, en 1917, la primera exposición individual de Fujita se llevó a cabo en la Galería Cheron (en francés: Galerie Chéron ), donde se mostraron 110 de sus acuarelas [K 3] . El día de la inauguración, Picasso acudió a la exposición y, según cuenta Fujita, pasó varias horas en ella, examinando detenidamente los dibujos [26] . La exposición trajo el éxito del artista; su trabajo comenzó a vender [27] . Un efecto secundario del éxito fue que Fujita finalmente pudo permitirse comprar pinturas al óleo y dedicarse a la pintura al óleo . Además, pudo visitar Italia, donde conoció de primera mano grandes obras de arte. Mirando la Última Cena de da Vinci , el artista experimentó por primera vez algo así como una revelación religiosa [29] . Además, Fujita logró reunirse con el Papa Benedicto XV , quien le dio permiso para venir a estudiar los frescos del Vaticano en cualquier momento . El Papa también encargó un retrato al artista, pero murió antes de que se completara el retrato [29] .

A partir de 1919, Fujita expuso en el Salon d'Automne de París , donde sus pinturas atrajeron la atención general [30] . Hacia 1921 se determina la principal gama de temas de su pintura: mujeres desnudas, gatos, niños, autorretratos [31] . En los mismos años, finalmente se fijó la imagen que eligió para sí mismo: flequillo largo, anteojos, un pequeño bigote y trajes inusuales (muchos de los cuales Fujita cosió para sí mismo); en su muñeca izquierda tiene un tatuaje en forma de reloj (el único, según el propio Fujita, que le permitía no ser puntual) [32] [33] . Su modelo favorita durante estos años es Kiki de Montparnasse [K 4] ; su retrato como una mujer desnuda enmarcada por un velo Ruyi , exhibido en el Salon d'Automne en 1922, trajo a Fujita un gran éxito y demostró su sutil sentido del color [35] [36] . Llegó a ser miembro del jurado del Salón de Otoño y uno de los artistas parisinos más famosos [37] .

En 1923, Fujita y Fernanda se separaron: cada uno tenía un nuevo pasatiempo. La pasión de Fujita era la joven belga Lucie Badoud (en francés Lucie Badoud ), a quien llamaba "Yuki" - en japonés "nieve" [38] . Posteriormente, Fujita la pintó repetidamente en varias imágenes, y la pintura "Yuki - la Diosa de la Nieve" causó sensación en el Salón de Otoño de 1924 [39] [40] . Sin embargo, las relaciones con Yuki no distrajeron al artista del trabajo duro (según sus propias palabras, en ese momento trabajaba 14, a veces 18, horas al día) [41] . Habiendo dominado a la perfección la técnica de la pintura, Fujita comenzó a pintar cuadros de gran formato, y en 1925 también se volcó al arte del grabado [42] .

La fama del artista creció, incluso fuera de Francia. Grandes filántropos, industriales y banqueros encargaron retratos, paisajes y paneles decorativos para el interior [42] . En 1925, Fujita se convirtió en Caballero de la Legión de Honor y recibió la Orden belga de Leopoldo I [37] [43] . En 1929 se casó con Yuki y viajaron juntos a Japón. La pareja visitó Kumamoto, la ciudad de la infancia de Fujita, Kioto , Tokio. Sin embargo, ya en 1931, Fujita se vería obligado a separarse de Yuki, quien se enamoró del poeta Robert Desnos , con quien el propio Fujita mantuvo amistad durante mucho tiempo [44] .

Años de deambular

En octubre de 1931, Fujita emprendió un gran viaje, acompañado por su modelo y exbailarina, Madeleine Lequeux (en francés: Madeleine Lequeux ). Entre los países que visitó se encuentran Estados Unidos, América Central y América Latina, China e Indochina [37] . A lo largo del viaje, que duró dos años, Fujita escribió notas de viaje [45] . Además, todo este tiempo pintó repetidamente a Madeleine. Las exposiciones de Fujita se realizaron en las grandes ciudades ( Buenos Aires , Rosario , Córdoba ), invariablemente con gran éxito [46] .

En noviembre de 1933, Fujita y Madeleine fueron a Tokio, donde Tsuguharu conoció a su anciano padre, que tenía 80 años [47] . El artista decidió quedarse en Japón, donde fue recibido con honor como un compatriota famoso. Sus exposiciones se organizaron en Tokio y Kioto; también pintó, por encargo, frescos de gran formato y retratos de compatriotas. El 29 de junio de 1936, su vida se vio ensombrecida por un trágico acontecimiento: a los 27 años, Madeleine murió de una sobredosis de cocaína, lo que supuso un gran susto para Fujita [48] . Sin embargo, incluso antes de eso, en 1933, conoció a una joven japonesa, Kimiyo, 25 años más joven que el propio Fujita, y se interesó por ella. En diciembre de 1936, Kimiyo se convirtió en la quinta (y última) esposa del artista [49] .

En 1936, en una cena en su honor, Fujita se autoproclamó inmodestamente el primer artista de su tiempo. Un rico coleccionista de Akita , Hirano, lo desafió a crear "la pintura más grande del mundo " . Fujita aceptó el desafío; la imagen concebida fue, en primer lugar, para asombrar con su tamaño y velocidad de ejecución. Eligió las estaciones en Akita como tema. Fujita comenzó a trabajar sin bocetos preliminares, lo que habría ralentizado demasiado el trabajo, pero por diversas razones las cosas no salieron bien. Hirano apeló a su honor e incluso sugirió que Fujita cometiera un suicidio ritual debido a una palabra entrecortada [51] . Al final, Fujita completó el trabajo después de dedicarle 174 horas; un lienzo grandioso que mide 3,65 por 20,5 m se encuentra ahora en el museo de arte de la ciudad de Akita [52] .

En 1937 comenzó la Guerra Sino-Japonesa , y en 1938 el Ministerio de Marina encargó a Fujita a China como artista de guerra [53] . Sin embargo, Fujita añoraba París, y en la primavera de 1939, junto con Kimiyo, regresaron brevemente y se instalaron de nuevo en Montmartre. Pero ya en mayo del año siguiente, debido a la inestable situación política, la pareja regresó a Japón [54] .

Durante la Segunda Guerra Mundial, Fujita se convirtió en un artista marcial al servicio del gobierno japonés [55] . Durante cinco años, hizo lo que consideraba su deber para con Japón, acompañando al ejército y la armada japoneses, realizando numerosos bocetos y dibujando carteles de guerra. En total, durante este tiempo creó al menos 150 óleos y unas 50 acuarelas [56] . Aparentemente, el arte de la guerra se convirtió en una fuente de inspiración genuina para Fujita [57] . Posteriormente, esto provocará las críticas de una serie de compatriotas que creían que no debería haber puesto su talento al servicio del militarismo japonés [36] . Por lo tanto, la asociación de artistas japoneses acusó muy duramente a Fujita del hecho de que su arte jugó un papel muy importante en la propaganda de guerra [58] .

Esta fue una de las razones por las que Fujita decidió irse de Japón. Sin embargo, no pudo obtener una visa francesa: al parecer, Francia no quería dejar que el principal artista militar del país enemigo en la guerra reciente [59] . Recién en 1949, gracias a la intervención del general MacArthur , Fujita logró marcharse, pero no a Francia, sino a Estados Unidos, donde tenía conexiones y admiradores. En Nueva York, finalmente se sintió libre y capaz de volver a disfrutar de la vida. Fujita pintó extensamente y enseñó en la Escuela de Bellas Artes de Brooklyn [60] . Sin embargo, aquí también lo vieron principalmente como un ex artista militar. Un grupo de artistas de Nueva York se manifestó frente a la galería donde se llevó a cabo su exposición y firmó una petición anti-Fujita pidiendo que se le trate como un "artista fascista" y un arma de propaganda militar japonesa . Mientras tanto, Francia accedió a otorgarle una visa a Fujita, y el 27 de enero de 1950, él y Kimiyo abandonaron Nueva York [62] .

Regreso a Francia

A su llegada a París, Fujita dijo a los periodistas que había regresado para quedarse para siempre y ser enterrado en el cementerio de Montparnasse junto a Modigliani [62] [K 5] . Con mucho gusto conoció a viejos amigos: Salmon, Braque, Vlaminck, Deren. Fujita se enteró de las nuevas celebridades parisinas y de las nuevas tendencias en pintura, pero prefirió mantenerse alejado de ellas [64] . Dos meses después de su llegada, el artista preparó la primera exposición, que contó con 50 pinturas. Después de los años de la guerra, volvió a los viejos temas -mujeres, gatos, niños- en los que había ensoñación y melancolía. También realizó un gran viaje a Argel y España , donde sus exposiciones se celebraron con éxito indefectible [65] . A su regreso, entregó cuatro obras importantes como regalo al Museo Estatal de Arte Moderno , como muestra de gratitud a Francia que lo acogió [66] .

En la década de 1950, Fujita trabajó intensamente, creando pinturas, grabados, carteles e ilustraciones para ediciones de libros caros [66] . Tenía dos talleres contiguos en la Rue Campagne-Premier: en uno no solo trabajaba, sino que también vivía con Kimiyo; el otro estaba destinado únicamente a la creatividad y, además, contenía una variedad de artículos traídos por el artista de diferentes países o comprados en un mercadillo y a anticuarios: decenas de muñecas antiguas, jarrones de loza, jaulas de pájaros, tapices, piezas de muebles, etc. [67] En 1952 se celebró en París otra importante exposición de Fujita, con cuarenta óleos y diez acuarelas [68] . En 1953 se realizaron dos exposiciones personales del artista en España, en Barcelona y Bilbao . Diez mil personas asistieron a la inauguración de la exposición en Barcelona; fue ampliamente cubierto por la prensa. En el mismo lugar, en Barcelona, Fujita conoció a Salvador Dalí y realizó un dibujo en el que representaba a Dalí en una caricatura y él mismo junto a él. Dalí firmó bajo la imagen "Somos los más grandes dibujantes" [69] .

En 1954, Fujita se divorció de Lucy Badu (todos estos años su matrimonio no fue anulado oficialmente), y el 5 de octubre registró su matrimonio con Kimiyo en la alcaldía del distrito XIV [69] . En 1955, la pareja recibió la ciudadanía francesa [70] . Aunque Fujita rompió los lazos con su país natal, en Japón se organizaron repetidamente importantes exposiciones de su obra. En 1957 se convirtió en oficial de la Légion d'honneur ; en 1958 fue elegido miembro de la Real Academia de Bellas Artes de Bélgica [71] .

Fujita se centró repetidamente en su obra en temas relacionados con el cristianismo [72] . En 1959 trabaja en ilustraciones para el Apocalipsis [K 6] . El trabajo lo cautivó y, por supuesto, lo obligó a releer la Biblia. El 18 de junio de 1959 visitó la Catedral de Reims con su amigo Georges Prade, donde experimentó una especie de introspección religiosa y decidió hacerse católico (antes de eso, según él, no profesaba ninguna religión) [73] . Bajo la guía de un sacerdote, Fujita estudió las Sagradas Escrituras y trató de introducir a su esposa a la nueva fe. El 14 de octubre de 1959, Fujita y Kimiyo fueron bautizados en la Catedral de Reims, con una gran concurrencia de público y prensa. Los padrinos de Fujita fueron René Laloux, abogado y director de la Casa Mumm Champagne , y esposa de François Taittinger, director de la bodega Taittinger . Los padrinos de Kimiyo son Georges Prade y su esposa [74] . En el bautismo, Fujita adoptó el nombre de "Leonard François Rene": Leonard, en memoria de la impresión indeleble que le causó La última cena de Leonardo da Vinci ; Francois - en honor de San Francisco de Asís , reverenciado por él ; René - en honor al padrino. Kimiyo adoptó el nombre de "Marie-Ange-Claire" [74] .

En 1961, Fujita y Kimiyo decidieron instalarse en el campo y compraron una casa en Villiers-les-Bacles , 30 km al suroeste de París [75] . La pareja vivía recluida y asistía regularmente a una antigua iglesia cerca de su casa [70] .

En 1964, Fujita decidió construir una capilla en Reims para conmemorar su conversión en esa ciudad. De hecho, el día del bautismo nació en él el sueño de pintar la iglesia con su propia mano [76] . Fue apoyado por René Laloux: se hizo cargo de los gastos y cedió a Fujita un solar junto a los sótanos de la casa Mumm. El mismo Fujita hizo un modelo de la futura capilla; quería que fuera modesto, románico y encajara en el paisaje de Reims. Luego estudió la técnica del fresco , preparó bocetos y pintó él mismo todo el interior de la iglesia con escenas de la vida de Cristo, la Santísima Virgen y visiones del Apocalipsis [77] . Las vidrieras realizadas por el maestro de Reims representan la Creación del mundo, la Caída y el Arca de Noé. El 1 de octubre de 1966, el obispo de Reims consagró solemnemente la capilla [78] .

En diciembre de 1966, la salud del artista comenzó a deteriorarse. Un examen realizado en París reveló cáncer. Tras la operación hubo una mejoría a corto plazo, pero ya en marzo, Fujita volvió a empeorar y fue hospitalizado de nuevo, esta vez en Zúrich . En octubre, le pidió a un amigo cercano que escribiera sus últimos pensamientos: recuerdos de los horrores de la guerra, pedidos de pinturas y funerales (Fujita quería ser enterrado en su capilla o cerca de ella) [79] .

Tsuguharu Fujita murió el 29 de enero de 1968, a la edad de 81 años. Sus últimas palabras fueron: "Señor mío, concédeme la muerte" [80] . Según la voluntad del propio artista, su funeral se celebró en París, en la iglesia de Notre-Dame-des-Champs en Montparnasse. En su último viaje, el artista fue despedido por numerosos amigos, quienes luego se reunieron para una comida conmemorativa en el café " Kupol " [80] . Luego, el cuerpo fue transportado a Reims y, después de una solemne ceremonia de despedida en la Catedral de Reims, fue enterrado en el Cementerio del Norte, mientras esperaba que se preparara el lugar del entierro en la capilla. Sin embargo, unos años más tarde, Kimiyo ordenó que los restos de su marido fueran trasladados al cementerio de la iglesia de Villiers-le-Bacle [80] . Recién en 2003 las cenizas de Fujita se volverán a enterrar en la capilla [81] ; en 2009, Kimiyo también será enterrado aquí [82] .

Creatividad

El arte de Fujita combinó las tradiciones de la pintura japonesa, los logros del arte europeo y la búsqueda de artistas franceses del siglo XX [83] . Estuvo cerca de la llamada " escuela de París ", pero no perteneció oficialmente a ningún movimiento artístico y desarrolló un estilo propio, fácilmente reconocible, combinando en su obra la estricta linealidad del grabado japonés con las tradiciones del realismo europeo [84] . Sus obras se distinguen por la perfección de la técnica pictórica, el virtuosismo del dibujo (con un papel secundario del color), la atmósfera de sofisticación y sofisticación [83] . Al mismo tiempo, varios críticos notan una cierta monotonía de las tramas, característica de las obras del artista, y la reproducción múltiple de técnicas una vez encontradas [63] [85] .

Fujita tenía un talento multifacético: además de la pintura, trabajaba en el campo de la gráfica, la fotografía, la cerámica, el teatro, el cine y el diseño de moda [83] [86] . Durante su vida, su obra fue un gran éxito; los precios de sus cuadros eran comparables a los precios de los cuadros de Picasso [87] . En los años de la posguerra, sin embargo, la reputación de "criminal de guerra" debido a la colaboración de Fujita con las autoridades militares japonesas hizo que el interés por su arte decayera [88] . Olvidado durante varias décadas, el legado de Fujita recupera popularidad entre los entendidos a finales del siglo XX y principios del XXI: por ejemplo, en 1990, el cuadro "La niña en el parque" (en francés Jeune fille dans le parc , 1957) se vendió por 6.050.000 dólares [89]. ] ; en 2007, la pintura "Dos novias (Yuki y Mado)" (en francés: Les deux amies (Yuki et Mado) ) se vendió en Sotheby 's por 204.000 libras esterlinas [90] .

Primeros trabajos y años de estudio

Fujita comenzó a dibujar muy temprano, inspirándose principalmente en la naturaleza que lo rodeaba. Trató de dibujar todo lo que vio: flores, pastos, árboles, pájaros, peces, insectos, primero con un dedo en la arena y luego con un pincel y tinta en hojas de papel de arroz [6] . Más tarde, a la edad de seis años, comienza a sentirse atraído por temas militares, ya que su padre, un general, le cuenta mucho sobre la guerra chino-japonesa en curso . Entre sus dibujos de esa época se encuentran caballos, figuras de personas en movimiento y escenas de batallas [91] . Hacia 1898, su primera pintura al óleo , que representa una gallina con huevos , data de [92] .

Al ingresar a la Escuela Secundaria de Bellas Artes de Tokio en 1905, Fujita se vio obligado a adherirse a los cánones de la pintura tradicional japonesa y los temas establecidos por los maestros. A primera vista, sus obras de este período no difieren mucho de las obras de sus compañeros de estudios, sin embargo, muestran una mayor destreza, un mejor dominio de la línea y una interpretación más original de la forma [10] . El joven artista se esforzó por seguir las pautas artísticas elegidas: el tema de su interés era el arte de Europa, principalmente Francia, aunque sabía muy poco sobre este arte. Después de completar un curso obligatorio de pintura japonesa de seis meses, Fujita continuó sus estudios en el departamento de pintura occidental , es decir, pintura al óleo, que se hizo ampliamente conocida en Japón solo después de la restauración Meiji y todavía se percibía como una innovación en esos años . [93] . Entre sus maestros estuvo Seiki Kuroda , quien regresó de sus estudios en Francia , y cuyo estilo estuvo influenciado por el academicismo y el impresionismo . Sin embargo, Fujita no buscó adoptar su estilo y el maestro no estaba satisfecho con los experimentos artísticos del estudiante. Su principal trabajo de tesis, Autorretrato (1910), pintado en colores oscuros, inusual para la pintura impresionista, Kuroda demostró a la clase como un ejemplo de cómo no escribir. Como resultado, Fujita se graduó decimosexto entre treinta estudiantes [94] .

Primer periodo parisino

Literalmente el día de su llegada a París, Fujita, junto con el artista Manuel Ortiz de Zárate, acudió al estudio de Pablo Picasso [14] [K 7] . Allí vio sus pinturas del "período azul", una serie de pinturas cubistas , instrumentos musicales disecados (con el propósito de representarlos posteriormente), máscaras negras y estatuas [96] . Todo esto causó una gran impresión en el artista japonés; le parecía que se encontraba en el corazón mismo de la vanguardia . También había tres cuadros de Henri Rousseau en el estudio de Picasso , que despertaron la admiración de Fujita: no imaginaba que tanto coraje y tanto desprecio por las convenciones y los cánones del arte fueran posibles en la pintura [15] . Este momento se convirtió en un punto de inflexión para él:

Yo, que hasta ahora ni siquiera conocía nombres como Cezanne o Van Gogh, de repente abrí los ojos y miré en una dirección completamente diferente. He descubierto que hasta ahora toda mi educación artística se ha limitado a los estilos de una o dos personas. Me di cuenta de que las pinturas son creaciones libres que pueden tomar una variedad de formas. Y me di cuenta que necesito seguir adelante, alcanzar la libertad interior y decir una palabra nueva, expresando mis propias ideas. Ese día, simplemente tiré mis materiales de arte al suelo, sabiendo que tenía que empezar todo de nuevo desde el principio [94] .

En noviembre de 1913, Fujita visitó el Salon d'Automne , donde vio una gran cantidad de obras contemporáneas; pasó el invierno de 1914 escudriñando las exposiciones del Louvre [97] . En el período parisino temprano, su trabajo fue influenciado, además de Henri Rousseau y Picasso, por artistas como Soutine , Modigliani , Matisse , Gris [98] . Pintó paisajes melancólicos que combinaban el primitivismo de Rousseau con el minimalismo oriental . Durante algún tiempo, Fujita se dejó llevar por los experimentos en el espíritu del cubismo, pero esta pasión no duró mucho [99] . Sus obras de este período casi no llegan a nosotros, ya que el artista destruyó posteriormente la mayor parte de sus primeras obras [20] . Poco a poco, encontró la dirección en la que se desarrollaría su arte:

Durante mis primeros tres años en París, visité el Louvre todos los días. Una y otra vez fui a mirar a los "primitivos" [K 8] , en las salas griegas y asirias, porque vi en ellos una síntesis artística de Occidente y Oriente, lo que quería realizar en mi propio trabajo [18 ] .

En la década de 1920, la primera gran fama del artista la trajeron las pinturas del género desnudo , que combinaban un atractivo casi de salón con una elegancia hipertrofiada [98] . Desarrolló una técnica especial para ellos, que hizo posible transmitir la textura suave del papel japonés por medio de la pintura al óleo. En esta superficie perfectamente plana, que recuerda al marfil, Fujita fue capaz de dibujar las líneas más finas [100] . Otro rasgo característico de estas obras es su minimalismo colorista, casi monocromático [101] . Un cambio gradual hacia tonos cada vez más claros en la paleta de Fujita comenzó a principios de la década de 1920; pronto decide priorizar el blanco (injustamente, en su opinión, descuidado por la mayoría de los artistas), demostrando su riqueza y belleza [102] . Fujita cubrió el lienzo con un fondo blanco lechoso especial y mantuvo en secreto la composición de la pintura [103] . Además, combinó pinturas al óleo con tinta japonesa, o su hábil imitación, y estaba orgulloso de haber logrado combinar dos técnicas incompatibles [104] [101] .

En 1922, la pintura "Desnudo reclinado con un toile de Jouy" (en francés: Nu couché à la toile de Jouy ) se convirtió en una verdadera sensación, su composición recordaba a la Olimpia de Manet y las odaliscas de Tiziano e Ingres [105] . Una mujer (para quien, según el propio Fujita, Kiki de Montparnasse sirvió de modelo) yace sobre sábanas arrugadas en un nicho debajo del dosel; su mirada se dirige directamente al espectador. El fondo es en tonos sepia (Fujita transmite los colores tradicionales del tuali de Ruyi); la blancura nacarada de la piel de la mujer contrasta con manchas individuales de negro, y los contornos de su cuerpo se perfilan con una fina línea negra [105] . El único toque de color son los labios rosa pálido de la mujer. El lambrequín y las cortinas laterales representan escenas estilizadas como pinturas del siglo XVIII que representan a Venus , Marte y Vulcano , lo que se correlaciona con la naturaleza de “tocador” de la trama principal [105] .

Otro cuadro igualmente conocido en el género del desnudo es “Yuki, diosa de la nieve” ( Youki en francés , déesse de la neige , 1924): aquí se representa a la compañera del artista tendida en la cima de una montaña nevada, y un lobo se sienta a sus pies [ 39] . V. V. Mayakovsky , que estaba en París en ese momento, en su ensayo “Salón de otoño”, señaló que uno de los desnudos de Fujita causó un gran revuelo (“solo en un lugar había una verdadera aglomeración, una verdadera multitud”) e irónicamente escribió: “Una dama en expansión. Las manos están detrás de la cabeza. Desnudo. Las axilas de la dama están abiertas de par en par. Pelos de las axilas. Llaman la atención. El cabello está hecho con una conciencia increíble. No un trazo general, sino cada uno por separado. Directamente al menos entréguelos a Tsentroshchetina al recibirlos. No se desperdiciará ni uno solo, unos pocos" [106] .

Junto a las mujeres, Fujita a menudo representaba gatos , que luego se convertirían en un tema independiente de su pintura [107] . Buscó transmitir la gracia de los gatos, sus poses favoritas, la textura de su pelaje y sus rasgos de carácter. Los gatos (que en realidad viven con Fujita) están presentes en muchos de los autorretratos del artista [108] . Además de los gatos, Fujita a menudo representaba perros y otros animales: conservó su amor infantil por el mundo natural hasta su madurez. El género animalista tuvo éxito, y en 1928 André Salmon escribió sobre el artista: "Pintando animales, Fujita logró un triunfo: los animales lo ayudaron a conquistar el corazón de la gente" [109] . En 1930, se publicó en Nueva York The Book of Cats (en francés: Livre des chats ) , que contiene 20 ilustraciones de Fujita para los poemas en prosa de Michael Joseph [110] [K 9] .

Las pinturas de Fujita también suelen presentar niños (especialmente niñas con forma de muñeca), a veces junto con animales y pájaros. Sin embargo, los hijos de Fujita, especialmente en sus obras posteriores, carecen del encanto tradicional; se ven extraños, casi aterradores [112] .

Durante su primer período "parisino", Fujita pintó una gran cantidad de retratos , incluidos los de encargo. Si en un principio introdujo en ellos una cierta estilización, bajo la influencia tanto del arte occidental percibido y comprendido por él, como de las tradiciones artísticas de su país natal, poco a poco las alusiones a la antigüedad y a la pintura japonesa dieron paso a un realismo más explícito [113] . Un lugar igualmente importante en el legado creativo de Fujita lo ocupan los autorretratos . A partir de mediados de la década de 1920 los pinta anualmente, y el número de autorretratos pintados por él en toda su vida supera el centenar, lo que indica el constante interés del artista por su propia imagen y su paulatina evolución [113] . En los autorretratos, Fujita aparece a menudo como un dandi , con las mismas gafas redondas, flequillo largo y bigote [83] . También se representó a sí mismo en un estudio, rodeado de su propio trabajo y las herramientas del artista. Por regla general, su apariencia está llena de armonía, leve melancolía y paz interior; la única excepción fue un autorretrato de 1943 pintado durante la Guerra del Pacífico [113] .

En 1924, Fujita actuó como escenógrafo, colaborando con el mecenas de arte sueco Rolf de Mare en su " Ballet sueco ". En el vestuario y la escenografía que creó para el ballet "El Torneo Extraño" (en francés: Le tournoi singulier ), el estilo del modernismo europeo se combinó con elementos del arte tradicional japonés [114] .

En 1929, Fujita exhibió cinco pinturas monumentales en la galería Jeux-de-Paume, incluidos dos dípticos de 3x3 metros [115] . Volviendo nuevamente a su género favorito, el desnudo, en estas obras demostró tanto un dominio orgánico de las técnicas del arte japonés como su interés por la antigüedad europea y el Renacimiento italiano (los músculos en relieve de las figuras representadas se asemejan a las pinturas de Miguel Ángel ). El propio artista escribió sobre ellos: “Puse toda mi alma y todo mi trabajo en estos cuatro grandes lienzos” [115] .

En la década de 1930, Fujita mostró inesperadamente interés por el surrealismo y creó una serie de obras atípicas para él con colores brillantes, casi llamativos [116] . Quizás esto sucedió bajo la influencia de la rivalidad con el surrealista Desnos , a quien su amada Yuki dejó Fujita. En estas obras, Fujita utilizó una serie de clichés surrealistas: imágenes grotescas, visiones fantásticas, símbolos velados de la muerte. La más famosa de las pinturas de este estilo es El domador y el león ( en francés La dompteuse et le lion , 1930) [117] . Una mujer desnuda con medias negras y zapatos verdes (Yuki posó por última vez para esta foto) se encuentra con la mano sobre la melena de un enorme león; una mano humana yace cerca, señalando con el dedo a una mujer. Imágenes fantásticas y oníricas también aparecieron más tarde en las obras de Fujita, en particular, en obras como El sueño ( Le rêve francés , 1947), donde una mujer dormida desnuda está rodeada por una extraña danza circular de animales y pájaros vestidos con ropas humanas [118]. ] .

America latina. Período chino-japonés

Un viaje a América Latina (1931-1933) trajo nuevos temas a la obra de Fujita: observando la vida cotidiana de los campesinos bolivianos, peruanos y mexicanos, realizó numerosos bocetos, fijando los rasgos de su apariencia, vestimenta y vida [119] . Aquí conoció la pintura monumental de Diego Rivera [115] . Después de regresar a Japón y establecerse en Tokio , Fujita creó su propia obra en este género, habiendo recibido el encargo de pintar un café brasileño en uno de los edificios del barrio de Ginza [120] . (El artista hizo su primera experiencia con la pintura mural en 1916 en Londres, y posteriormente practicó este género dos veces en París [121] .) Al año siguiente, completó dos frescos más, uno para el café Colomban en el mismo barrio, el otro para la tienda Sogo en Osaka . Posteriormente, el artista recibió otras órdenes del mismo tipo, y en 1934 se convirtió en asesor de la "Asociación de Artistas Murales Japoneses" [122] [48] . Durante este período, también escribió un artículo titulado "La teoría de la pintura mural moderna" en el que lamentaba que se prestara tan poca atención a este género en Japón [121] .

Fujita realizó regularmente exposiciones individuales en diferentes ciudades, y la Galería Nichido firmó un contrato de cuatro años con él para exposiciones anuales [123] . Después del período "colorido" latinoamericano, volvió a la monocromía en blanco y negro, que sólo se animaba en algunos lugares con trazos de tonos más vivos [122] . En 1937, a raíz de una apuesta con el coleccionista de arte Hirano Seikichi, Fujita se comprometió a crear "el cuadro más grande del mundo" [124] . Para hacer esto, fue necesario coser un solo lienzo gigante de 20,5 × 3,65 m de lienzos pequeños (el trabajo fue realizado manualmente por un maestro local) y tomar un gran granero para almacenar arroz como taller, en el que este lienzo podría ser colocado [49] ), Fujita trabajaba diez horas al día en una grandiosa obra dedicada al tema de las cuatro estaciones en Akita . Contrapuso la dinámica de escenas festivas, travesuras de niños, bailarines y músicos con las figuras estáticas de los vecinos del lugar. La pintura está dominada por los colores rojo, blanco y dorado, y el paisaje representado está coronado por un cielo azul brillante [124] . El artista tardó 174 horas en completar toda la obra; a veces no salía del granero durante tres días y tres noches. Para crear el marco de la pintura terminada, se utilizó la madera más antigua y duradera, que se encontró en el aserradero de Hirano, asombrado por la gran habilidad de Fujita [125] . Actualmente, la obra, denominada “Festivales de las Cuatro Estaciones en Akita”, se conserva en el Museo de Arte de esta ciudad [126] .

A partir de 1938, Fujita trabajó como artista marcial al servicio del gobierno japonés, lo que posteriormente dañó mucho su reputación. Desempeñó sus funciones por sentido del deber, pero también con auténtico entusiasmo, que expresó, en particular, en una entrevista con un periodista de Fukuoka : “La Primera Guerra Mundial en Europa se convirtió en una inspiración para la magnífica pintura de batalla; debemos esforzarnos por crear obras aún mejores” [127] . Su estilo artístico sufrió un cambio radical durante este tiempo; se convirtió en un artista documental, representando escenas de batalla tanto de fotografías como de la vida. En 1941, su pintura "Pearl Harbor, 8 de diciembre de 1941" circuló por miles como propaganda . La obra más famosa del período de guerra fue la composición a gran escala El último día de Singapur (1942); En 1943, Fujita recibió el Premio de Cultura Asahi por su obra en general y por esta pintura en particular [129] . Sin embargo, incluso durante los años de la guerra, Fujita siguió pintando (a veces en secreto) desnudos y paisajes en pequeño formato [129] .

Segundo período parisino

Al llegar a París en 1950, Fujita ya dos meses después preparó la primera exposición de 50 obras en la misma galería de Paul Petrides (en francés: Paul Petridès ), donde había expuesto repetidamente antes [130] . Después de los años de la guerra, volvió a la antigua gama de temas -retratos de niños, imágenes de maternidad, gatos, paisajes (a excepción de los desnudos)-, alejándose de todas las escuelas de arte y tendencias de los años 50 [63] [64] . Su tema favorito en ese momento eran las representaciones de niñas pensativas y de ojos grandes, a menudo con pañuelos en la cabeza y lazos alrededor del cuello [130] [63] . Estas niñas recuerdan a las antiguas muñecas de cera o porcelana, colección que Fujita guardaba en su taller. La crítica de arte y especialista en Fujita, Sylvie Buisson, sugiere que sus poses pueden haber sido influenciadas por la estética del teatro kabuki , con el que el artista estaba íntimamente familiarizado. Así, la actuación de los actores de kabuki se caracteriza por la fijación de ciertos gestos condicionales, “congelándose” durante la transición de un movimiento a otro. Con estos gestos "congelados", Buisson compara la inmovilidad de las imágenes de la infancia de Fujita [131] .

Fujita y Kimiyo pasaron julio y agosto de 1950 en Bretaña , en Finisterre , donde el artista pintó una serie de paisajes bretones en su típica paleta de luces. Casas bajas con fachadas encaladas, botes y mástiles bajo un cielo pálido contrastan con figuras oscuras individuales de pescadores y esposas de pescadores con tocados blancos [132] . En cuanto a los paisajes parisinos, en ellos el artista representó lugares significativos para sí mismo -la Catedral de Notre Dame , el Quai des Flowers , el Hotel Edgar Quinet en Montparnasse- como si no hubieran sido tocados por el paso del tiempo. Además, desde entonces, Fujita ha pasado de los formatos grandes principalmente a los pequeños [132] .

En enero de 1951, tras aceptar una invitación para realizar una exposición de su obra en Argel , Fujita viajó al norte de África, durante la cual realizó numerosos bocetos [65] . En noviembre del mismo año, Fujita realizó una gran exposición individual en Madrid, que fue un gran éxito de público [133] . El artista fue comisionado para muchos retratos; señaló que logró romper su propio récord de pedidos para todos los períodos anteriores. Además, en París, Paul Petrides, inspirado por el éxito de la exposición anterior de Fujita, se comprometió a organizar exposiciones individuales del artista cada dos años. Poco a poco, la gloria perdida de los años anteriores a la guerra volvió a Fujita [133] .

Desde mediados de la década de 1950, el artista pinta a menudo flores, especialmente rosas y lilas, dispuestas en ramos y colocadas en jarrones antiguos [134] . En los años 60, los motivos florales se diversificaron con margaritas, lirios del valle, flores silvestres; los ramos de flores suelen estar en manos de niñas, que siguen siendo uno de los temas constantes en el trabajo de Fujita. Suele repetir tramas similares una y otra vez, cambiando detalles: accesorios en los trajes de las niñas, sus poses, las flores que las rodean y los atributos de las diferentes estaciones [63] .

En su obra posterior, Fujita, que se convirtió al catolicismo, se centró principalmente en temas religiosos y bíblicos [72] . El interés por ellos no fue en modo alguno repentino y surgió en el futuro artista en su infancia, cuando examinaba las imágenes de santos en una iglesia católica de Tokio [135] . Posteriormente, en París, en el Louvre, estudió detenidamente la pintura religiosa de artistas italianos y flamencos; copió repetidamente esquemas compositivos y elementos individuales de pinturas de Rafael y Botticelli [136] . Los temas cristianos aparecieron en su propia obra ya en 1917 [72] y en 1919, cuarenta años antes de su bautismo, expuso 25 pinturas y dibujos sobre temas religiosos en la Cheron Gallery de París, incluidos cinco óleos: “El nacimiento de Jesús", "El Entierro", "La Virgen y el Niño", "Cristo" y "La Castidad" [135] . Durante estos años, también pintó imágenes de vírgenes y mujeres orando, utilizando ricos rojos y azules (que el propio artista comparó con la paleta de Fra Angelico ) y una técnica especial para crear un fondo dorado [29] .

En 1959, Fujita trabajó en tres ilustraciones en acuarela de gran formato para el Apocalipsis : Las siete trompetas, Los cuatro jinetes y La nueva Jerusalén [72] . Las complejas composiciones de múltiples figuras están repletas de detalles cuidadosamente escritos, incluidos los macabros. Es posible que las experiencias de Fujita, generadas por los horrores de la guerra y los bombardeos atómicos de Japón , encontraran respuesta en esta obra [115] .

En 1964, Fujita decidió construir en Reims , la ciudad donde fue bautizado, una capilla dedicada a la Virgen María (más tarde conocida como la Capilla Fujita ) [76] . Para pintar su interior por su cuenta, el artista dominó una nueva técnica de fresco . El grandioso trabajo de pintar las paredes con una superficie total de unos 110 m 2 tomó seis meses; El 1 de octubre de 1966 se consagró la capilla [115] . Su interior está dominado por los colores amarillo y azul; en algunos lugares se complementan con verde y rojo oscuro [137] [77] . Fujita introdujo elementos no canónicos en las tramas de la iconografía cristiana tradicional: por ejemplo, como una especie de homenaje a Reims como ciudad productora de vino, pintó un fresco en el pasillo izquierdo, en el que la Virgen y el Niño se sientan en un barril de vino y sostiene un racimo de uvas en la mano, mientras que en el reverso el plano distingue las siluetas de la Catedral de Reims y la Basílica de Saint-Remy [78] . También es inusual que los rostros de muchos personajes estén distorsionados con muecas [137] , y la composición de escenas bíblicas contiene imágenes grotescas y aterradoras de esqueletos, horcas, calaveras sonrientes, niños con ojos penetrantes y animales extraños [115] . Sin embargo, todo el conjunto de frescos, gracias a los tonos amarillos "soleados" y azules suaves, crea una sensación de paz y tranquilidad [137] [78] .

Según las memorias de Georges Prada, la última obra de Fujita fue una doble imagen (de frente y de perfil) del rostro de Cristo, creada por él para René Laloux y el propio Prada [137] . El artista la completó en un hospital de Zúrich, tres semanas antes de su muerte [138] .

Legado y memoria

La viuda de Tsuguharu Fujita, Kimiyo Fujita, que murió en 2009, legó los derechos de la herencia de su marido a la organización benéfica católica Apprentis d'Auteuil [139] . Bajo sus auspicios, en 2011, se creó la Fundación Fujita (en francés: Fondation Foujita ), que posee todos los derechos sobre la obra del artista. La Fundación tiene un doble propósito: ayudar a los jóvenes necesitados y acercarlos al arte, así como promover la obra de Fujita [140] .

La casa del artista en Villiers-les-Bacles es ahora un museo. Esta pequeña casa del siglo XVIII [141] se ha conservado en su estado original después de la muerte de Fujita y fue reabierta al público después de su restauración en 2000 [142] . El mismo Fujita expresó el deseo correspondiente durante su vida, creyendo que visitar el estudio del artista ayuda a comprender mejor su obra [141] .

Una gran cantidad de pinturas de Fujita se encuentran en el Museo de Bellas Artes de Reims . En 2013, 663 obras del artista fueron donadas a la ciudad, convirtiendo la colección de Reims en la más grande del mundo [143] . Además de las pinturas, el museo recibió varios artículos y documentos relacionados con la vida de Fujita: un total de más de 2300 exhibiciones. La apertura de un nuevo edificio del museo estaba prevista para 2018, donde se dedicará una sala completa a las pinturas de Fujita [144] , pero la construcción del complejo del museo probablemente durará hasta 2023 [145] . Además, en Reims se puede visitar la capilla de Notre-Dame-de-la-Paix (Santísima Virgen María de la Paz) erigida y pintada por el artista [78] .

Las obras individuales de Fujita también se encuentran en museos de Francia, Japón, Estados Unidos y en colecciones privadas. En 2011, el Museo Paul de Bellas Artes , ubicado en Hakone , cerca de Tokio, recibió de un donante anónimo 37 pinturas de Fujita, cuya existencia se desconocía previamente [146] 147] . Desde 1987, se ha publicado el catálogo de fundamentos de Fujita (compilado por Sylvie Buisson); a 2019 se han publicado tres volúmenes y se está preparando un cuarto [148] .

En 2006, tuvo lugar en Tokio una gran retrospectiva de Fujita, programada para coincidir con el 120 aniversario del nacimiento del artista [88] . En 2015, el director japonés Kohei Oguri realizó el largometraje Fujita, que narra la vida del artista [149] . En 2018, en honor al cincuentenario de su muerte, se realizaron exposiciones dedicadas a él en varias ciudades de Francia y Japón [150] . La mayor exposición se llevó a cabo en el Museo Mayol de París : contó con más de cien obras de museos de diferentes países y colecciones privadas [151] . En el mismo año, se emitió en Francia un sello conmemorativo dedicado a Fujita [152] , y Google le dedicó uno de sus garabatos [153] .

En Rusia, las obras de Fujita se exhibieron en el Museo Pushkin im. A. S. Pushkin como parte de las exposiciones "Escuela de París" (2011-2012) y "Los años locos" de Montparnasse. Pintura y Gráfica de las Colecciones de Francia, Suiza y Rusia” (2015) [154] .

Comentarios

↑ También hay una ortografía del nombre "Leonard" y una ortografía incorrecta del nombre "Fujita".
↑ Según otras fuentes, a un pueblo cerca de Kumamoto [6] .
↑ Posteriormente, se llevarán a cabo varias exposiciones más de Fujita en esta galería [25] .
↑ En sus memorias, a las que Fujita escribió un prefacio, Kiki le dedicó un breve capítulo que finalizaba con la siguiente caracterización del artista: "Otro buen chico, sencillo y dulce" [34] .
↑ Aparentemente, durante veinte años, Fujita olvidó que su amigo Modigliani no estaba enterrado en el cementerio de Montparnasse, sino en el cementerio de Pere Lachaise , pero su comentario indica cuán importante sigue siendo Montparnasse para él [63] .
↑ Se trata de un proyecto grandioso del editor Joseph Faure: concibió una edición única con una tirada limitada -7 ejemplares- que debía pesar 110 kilogramos y para la que atrajo a siete artistas y siete escritores [72] .
↑ Otras fuentes precisan que, a pesar de las palabras del propio Fujita, en realidad visitó el estudio de Picasso solo después de seis meses de vivir en París [95] .
↑ "Primitivos" en ese momento se llamaban los artistas del proto -Renacimiento de Europa Occidental , en cuyas obras las tradiciones del arte bizantino de Europa del Este todavía eran fuertes.
↑ Posteriormente, esta edición, emitida en una tirada de 500 ejemplares, se convertirá en una rareza bibliográfica [36] ; en 2014, uno de los libros se venderá en una subasta por $77 500 [111] .

Notas

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