El retorno de Ulises

" El retorno de Ulises " ( italiano :  Il ritorno d'Ulisse in patria , SV 325) es una ópera en cinco actos con un prólogo (en una edición posterior - tres actos) de Claudio Monteverdi con libreto de Giacomo Badoaro. Se representó por primera vez en el Teatro Santi Giovanni e Paolo de Venecia durante la temporada de carnaval de 1639-1640. La trama está tomada de la segunda parte de la Odisea de Homero . Después de su largo viaje a casa después de la guerra de Troya , Ulises , rey de Ítacafinalmente regresa a su isla, donde descubre que tres pretendientes han tomado el poder y buscan el amor de su fiel esposa, Penélope . Con la ayuda de los dioses, hijo de Telémaco y fiel amigo de Eumeo, Ulises vence a los pretendientes y recupera su poder sobre Ítaca.

The Return... es la primera de tres óperas que Monteverdi escribió para el próspero teatro de ópera veneciano durante los últimos cinco años de su vida. Después de las primeras representaciones exitosas en Venecia, la ópera se representó en Bolonia y regresó a Venecia nuevamente durante la temporada de carnaval de 1640-1641. En el futuro, a excepción de una probable representación en la corte imperial de Viena a finales del siglo XVII, no se escenificó hasta principios del siglo XX.

En los tiempos modernos, la música de la ópera se hizo conocida después del descubrimiento en el siglo XIX de un manuscrito inacabado de la partitura , que tiene muchas desviaciones de la versión superviviente del libreto. Después de que se publicó la partitura en 1922, se cuestionó su autenticidad y, durante los siguientes 30 años, las producciones de The Return ... fueron una ocurrencia rara en el escenario de la ópera. En la década de 1950, la ópera fue reconocida como obra de Monteverdi. Después de actuaciones en Viena y Glyndebourne a principios de la década de 1970, The Return ganó popularidad, se representó en teatros de ópera de todo el mundo y se grabó muchas veces.

Junto con otras obras venecianas de Monteverdi, The Return es considerada una de las primeras óperas modernas. Su música, que revela la influencia de una época pasada, revela al mismo tiempo el desarrollo de Monteverdi como compositora de ópera, utilizando tanto formas nuevas: arioso , dúo y conjunto , como el recitativo de estilo antiguo . De nuevo, como en su primera ópera, Orfeo , Monteverdi aborda el mundo interior de una persona, revelando sus sentimientos y emociones a través de la música.

Historial de creación

Monteverdi fue compositor de la corte del duque Vincenzo Gonzaga en Mantua , momento en el que creó sus primeras óperas: Orfeo y Ariadna (1606-1608) [1] . Después de una pelea con el sucesor de Vincenzo, el duque Francesco , Monteverdi se mudó a Venecia en 1613 y se convirtió en maestro di cappella de la Basílica de San Marco , cargo que ocupó por el resto de su vida . Junto a la constante composición de madrigales y música sacra, Monteverdi siguió trabajando en obras para el panorama musical. Escribió varios ballets, y para el Carnaval de Venecia de 1624-1625 - " La batalla de Tancredo y Clorinda ", que combinó las características del ballet, la ópera y el oratorio [3] [4] .

En 1637, con la apertura del Teatro San Cassiano , comenzó la era de la ópera en Venecia. Con el apoyo de la familia Throne de patricios venecianos , San Cassiano se convirtió en el primer teatro del mundo especialmente creado para representaciones operísticas [5] . La primera representación que se interpretó en él fue "Andrómeda" de Francesco Manelli y Benedetto Ferrari (6 de marzo de 1637). Fue recibida con gran entusiasmo, al igual que la siguiente obra de los mismos autores, La Maga fulminata, puesta en escena al año siguiente. Pronto, se abrieron tres teatros de ópera más en Venecia, ya que las familias gobernantes de la República buscaban demostrar su riqueza y estatus apoyando la nueva moda musical [5] . En un principio, Monteverdi se mantuvo al margen del boom de la ópera, quizás por su edad (ya rondaba los 70) o por su posición. Sin embargo, un contemporáneo desconocido, comentando el silencio de Monteverdi, expresó la opinión de que el maestro aún podría escribir una ópera para Venecia: "Si Dios quiere, una de estas noches él también subirá al escenario" [6] . El primer estreno veneciano de Monteverdi tuvo lugar durante la temporada de carnaval de 1639-1640, cuando su Ariadna fue restaurada en el teatro de San Moise [7] [8] .

Después de Ariadna, se escenificaron una tras otra tres óperas completamente nuevas de Monteverdi, de las cuales El regreso... fue la primera [9] . La segunda, "La boda de Eneas y Lavinia", se interpretó durante el carnaval de 1640-1641. La música de Monteverdi se ha perdido, pero una copia del libreto, de autoría desconocida, ha sobrevivido hasta el día de hoy. La última de las tres fue la " Coronación de Popea ", creada para el carnaval de 1642-1643, que se estrenó poco antes de la muerte del compositor en 1643 [7] [10] .

Libreto

Giacomo Badoaro , un prolífico poeta que escribió en dialecto veneciano , fue miembro de la Accademia degli Incogniti , un grupo de intelectuales de pensamiento libre interesados ​​en promover el teatro musical en Venecia. Badoaro mismo tenía un interés financiero en el Teatro Novissimo [11] . El libreto "Returns..." fue su primer trabajo para el teatro de la ópera. Más tarde, en 1644, escribió Ulises, libreto para Francesco Scarlatti [11] . El texto de “Return…” se dividió originalmente en cinco actos, pero luego se transformó en tres actos. El libreto es una adaptación bastante cercana a la Odisea de Homero (libros 13-23), con algunos personajes añadidos o cambiados. Badoaro pudo haber sido influenciado por la obra Penélope de Giambattista della Porta de 1591 . El libreto fue escrito con el propósito expreso de involucrar a Monteverdi en el mundo de la ópera veneciana y aparentemente capturó la imaginación del ancianocompositor . cuestiones[ 14]

La investigadora de Monteverdi, Ellen Rosan, enumera 12 versiones del libreto que aparecieron después de la primera representación de la ópera [15] . La mayoría son copias del siglo XVIII, posiblemente de la misma procedencia; algunos de estos son versiones literarias no asociadas con ninguna representación teatral. En todos menos uno de los 12 libretos, se nombra a Badoaro como autor. Solo en dos aparece el nombre de Monteverdi como creador de la música; por lo general, en las ediciones del libreto, rara vez se mencionan los nombres de los compositores. Los textos de todos los libretos difieren de la copia superviviente de la partitura de Monteverdi, en la que hay tres actos en lugar de cinco, un prólogo diferente, un final diferente y muchas escenas y pasajes se omiten o se reorganizan [15] [16] . En algunas versiones del libreto, el Teatro San Cassiano se da como el lugar de la primera representación de la ópera , aunque actualmente se cree que el estreno tuvo lugar en el Teatro San Giovanni e Paolo [17] .

Música

No se sabe cuando Monteverdi recibió el libreto de Badoaro, pero al parecer fue antes de 1639, ya que la ópera fue escrita para el carnaval de 1639-1640. De acuerdo con la tradición de la ópera veneciana, la partitura fue escrita para un pequeño grupo de unos cinco intérpretes de cuerdas y bajo continuo . Los mecenas venecianos que apoyaban los teatros de ópera exigían producciones exitosas con un presupuesto mínimo [7] . Como era costumbre en la época, la composición exacta de la orquesta no se indica en la partitura, que existe en una única copia manuscrita que fue descubierta en la Biblioteca Nacional de Viena en el siglo XIX [18] [19] .

El estudio de la partitura revela muchas de las características del compositor de Monteverdi, derivadas de muchos años de experiencia en la composición de obras vocales y obras destinadas a la escena. Según Rosan, la presencia de discrepancias significativas entre la partitura y el libreto no pone en duda la autoría de Monteverdi, sino que, por el contrario, la confirma, ya que el compositor era muy conocido por adaptar los textos con los que trabajaba [20 ] . Ringer lo expresa aún más fuertemente, diciendo que "Monteverdi cambió audazmente la escritura de Badoaro en un marco cohesivo y eminentemente efectivo para el drama musical". Ringer señala que Badoaro afirmó que ya no podía reconocer [el libreto] como su propio trabajo . Los contemporáneos trazaron un paralelo entre Ulises y Monteverdi; así como el héroe homérico regresaba a casa después de una larga ausencia, Monteverdi, 30 años después de sus primeras óperas, regresaba nuevamente al teatro musical [22] .

Problema de autoría

Antes y después de la publicación de la partitura de la ópera en 1922, los estudiosos expresaron dudas sobre la atribución de la ópera de Monteverdi, las fluctuaciones en la definición de autoría continuaron hasta 1950. Así, el musicólogo italiano Giacomo Benvenuti , después de una producción de 1942 en Milán , sugirió que la ópera simplemente no era lo suficientemente buena para ser obra de Monteverdi . Aparte de las diferencias estilísticas entre The Return y la otra ópera tardía superviviente de Monteverdi, The Coronation of Popea, el principal punto de duda era la discrepancia entre el contenido del libreto y la partitura de The Return . Sin embargo, la mayor parte de las cuestiones relativas a la atribución se resolvieron gracias al descubrimiento en la época moderna de fuentes documentales, que confirman que Monteverdi escribió la ópera. Esta es una carta del libretista desconocido de "Las bodas de Eneas y Lavinia", en la que se comentan las instrucciones de Monteverdi para la partitura de "El regreso..." [20] ; El prólogo de Badoaro en la edición del libreto "Returns ...", donde él, dirigiéndose al compositor, señaló: "Declaro resueltamente que mi Ulises está más en deuda contigo de lo que el Ulises real nunca estuvo en deuda con la siempre misericordiosa Minerva" [ 24] ; La carta de Badoaro, que escribió en 1644 a Michelangelo Torcigliani (en italiano  Michelangelo Torcigliani ), con las palabras: "El regreso de Ulises a su patria" está decorada con la música de Claudio Monteverdi, hombre de gran fama y trascendencia perdurable" [24 ] ; y, finalmente, el folleto Le Glorie della Musica (1640), en el que se nombra a Badoaro-Monteverdi como los creadores de la ópera. Según el clavecinista y director de orquesta Sergio Vartolo , estos hechos apuntan a Monteverdi como el principal compositor de la ópera "sin lugar a dudas" [25] . A pesar de que algunas partes de la partitura podrían haber sido escritas por otros compositores, no hay duda de que la ópera es esencialmente una obra de Monteverdi y se ha conservado en una forma cercana a su concepto original [26] .

Funciones

La partitura está escrita para treinta roles, incluidos pequeños coros de celestiales, sirenas y feacs , sin embargo, estas partes pueden ser cantadas por el poder de catorce cantantes (tres sopranos , dos mezzosopranos , un alto , seis tenores y dos bajos ). Esto se acerca al número tradicional de cantantes empleados en la ópera veneciana. La parte de Eumeto en la mitad del segundo acto cambia de tenor a la parte de castrato -sopranista, la razón de esto, quizás, es el hecho de que el manuscrito sobreviviente podría combinar varias partituras originales. Para las producciones modernas, la última parte del papel de Eumeto suele transponerse y la parte entera la canta un tenor [27] .

Sinopsis

La acción se desarrolla en la isla de Ítaca, diez años después de la guerra de Troya. Se utiliza la traducción del libreto al inglés de Geoffrey Dunn para la edición de la ópera de Raymond Leppard (1971), así como la interpretación de Hugo Ward-Perkins para la grabación en el sello Brilliant Classics (2006) bajo la dirección de Sergio Vartolo [29] .

Prólogo

El Espíritu de la Debilidad Humana (L'Umana fragilatà) es ridiculizado por los dioses del Tiempo (Tempo), Fortuna (Fortuna) y Cupido (Amore). El hombre, afirman, depende de su capricho: "De los cambios del Tiempo, de la caricia de la Fortuna, de Cupido y sus flechas... No hay piedad para ti" (Il Tempo ch'affretta, Fortuna ch'alletta, Amor che saetta... Pietate non ha!). Representan a una persona como "débil, miserable y confundida" (Fragile, misero, torbido quest'uom sarà).

Acto 1

En el palacio de Ítaca, Penélope lamenta la larga ausencia de Ulises: “esperado, no vuelve, y pasan los años”, su niñera, Eriklea, se solidariza con su dolor. Tan pronto como Penélope se va, su doncella Melanto entabla una conversación con Eurímaco, el sirviente de Penélope, quien corteja agresivamente a Melanto. Ambos cantan apasionadamente sobre su amor mutuo (“eres mi dulce vida”). El astuto Eurimaco se alió con los contendientes por la mano de Penélope, quien se instaló en el palacio, Melanto está listo para ayudarlo.

Ulises está durmiendo en la orilla de Ítaca, transportado allí por los feos que violaron la prohibición de los dioses Júpiter y Neptuno (este último condenó a Ulises a un vagabundeo eterno, como castigo por haber cegado a su hijo, el cíclope Polifemo ) . Los dioses se vengan de los hechos convirtiéndolos a ellos y a su barco en piedra. Ulises se despierta y maldice a los feacianos que lo abandonaron. Por la diosa Minerva , que aparece bajo la forma de un pastorcillo, Ulises se entera de que se encuentra en Ítaca. Minerva le cuenta a Ulises que los pretendientes asediaban a Penélope. Ella le ordena que recupere su tierra natal y su poder con su ayuda. Minerva convierte a Ulises en un anciano para que pueda colarse en su palacio sin ser reconocido. Ulises busca al fiel Eumeto, Minerva - Telémaco, hijo de Ulises, que ayudará a su padre a recuperar el poder en Ítaca.

Palacio de Ulises. Melanto le asegura a Penélope que Ulises ha muerto y en vano le ruega que elija a uno de los pretendientes. Iro, que comparte mesa con los pretendientes, se burla de Eumeo, que es expulsado del palacio. Este último teme que Ulises no regrese y restablezca el orden. Ulises aparece disfrazado de anciano y predice el regreso de su amo a Eumeo. Eumeo, al no reconocer a Ulises, le da cobijo.

Acto 2

Minerva y Telémaco llegan a Ítaca en un carro. En la arboleda es recibido con alegría por Eumet y Ullis, todavía disfrazado de anciano. Eumet informa a Penélope sobre el regreso de Telémaco y también que, según los rumores, Ulises está en algún lugar cercano. Los pretendientes Antinous, Pisander y Amphinos la alaban y le piden que sea misericordiosa con ellos. Sin embargo, Penélope los ahuyenta. Ulises es golpeado por una flecha de fuego del cielo, quemando su disfraz, su verdadero rostro revelado a su hijo. Ambos están celebrando un reencuentro. Después de que Ulises envía a Telémaco al palacio, prometiendo estar allí pronto. En el palacio, Melanto se queja con Eurímaco de que Penélope todavía se niega a elegir pretendiente. Poco después, Penélope se encuentra con los tres pretendientes, Antinous, Pisander, Anfinoma, y ​​los rechaza a todos, a pesar de sus mejores esfuerzos para cantar y bailar. Después de que los pretendientes se van, Eumetus informa a Penélope de la llegada de Telémaco a Ítaca, pero ella tiene dudas. Eumet escucha hablar a los pretendientes, por lo que está claro que planean matar a Telémaco. Sin embargo, cuando el águila vuela sobre sus cabezas, lo toman como un mal augurio y se niegan a eliminar a Telémaco. Sin embargo, redoblaron sus esfuerzos para conquistar el corazón de Penélope, seduciéndola esta vez con oro. Al regresar a la arboleda, Minerva le dice a Ulises que lo ayudará a destruir a los pretendientes. Habiendo asumido nuevamente la forma de un mendigo, Ulises llega al palacio. Aquí recibe un desafío a pelear de parte de Iro, quien amenaza con arrancarse todo el cabello de la barba. Ulises derrota a Iro. Penélope anuncia que se convertirá en la esposa del que ensarta el arco de Ulises . Ninguno de los tres pretendientes puede hacer frente a la tarea. Ulises, para sorpresa de todos, tira de la cuerda, pero rechaza la recompensa. Luego, condenando a los pretendientes y pidiendo la ayuda de los dioses, mata a los tres aspirantes.

Acto 3

Habiendo perdido el apoyo de los pretendientes, Iro, después de un monólogo lúgubre, se suicida. Eurímaco es asesinado por pretendientes, Melanto, que ha perdido a su amante, advierte a Penélope contra un nuevo peligro en la persona de un asesino desconocido. Sin embargo, Penélope es indiferente: continúa llorando a Ulises. Eumet y Telémaco le revelan la verdad: Ulises se esconde bajo los harapos del mendigo, pero Penélope no les cree. La acción se traslada al cielo: Juno, a petición de Minerva, convence a Júpiter y Neptuno para que devuelvan a Ulises sus derechos.

Castillo. Erikleia identifica a Ulises por la cicatriz en la espalda, pero decide no contarle a nadie sobre su descubrimiento todavía. Más tarde, cuando le cuenta a Penélope sobre la cicatriz, todavía no cree que su esposo esté vivo. Solo cuando Ulises describe su lecho conyugal, hablando de lo que solo él y Penélope pueden saber, su esposa lo reconoce.

Historial de producción

Primeras producciones

"El regreso de Ulises" fue representada por primera vez durante el Carnaval de Venecia de 1639-1640 por la compañía de teatro Manelli y Ferrari. Se desconoce la fecha exacta del estreno de "Return...". Según Carter, en la primera temporada, la ópera se representó al menos diez veces, luego la compañía Manelli la representó en Bolonia , en el Teatro Castrovilani, y luego volvió a Venecia nuevamente, ya para la temporada de carnaval de 1640-1641. A juzgar por las notas de la partitura superviviente, es probable que las primeras representaciones en Venecia fueran en cinco actos, y la forma de tres actos ya se presentó en Bolonia o en la segunda temporada en Venecia. La sugerencia del musicólogo italiano Nino Pirrotta de que la actuación de Bolonia fue el estreno de la ópera no está respaldada por investigaciones posteriores. La restauración de una representación de ópera en Venecia solo una temporada después del estreno fue un fenómeno muy inusual, casi único en el siglo XVII, y atestigua el éxito de la obra de Monteverdi: Ringer la llama "una de las óperas más exitosas del siglo". " Carter ofrece su propia razón del atractivo de esta obra para el público: "Hay suficiente sexo, sangre y elementos sobrenaturales en la ópera para satisfacer el gusto veneciano más refinado".

En un momento se creía que el estreno de "El Regreso..." tuvo lugar en el Teatro de San Cassiano, pero en la actualidad todos los investigadores coinciden en que lo más probable es que en las temporadas 1639-40 y 1640-41 la ópera se representó en el teatro de San Giovanni e-San Paolo . Esta opinión está respaldada por un estudio de los horarios de representación de otras óperas venecianas y por el hecho de que la compañía Manelli cortó su conexión con el teatro San Cassiano antes de la temporada 1639-40. El Teatro San Giovanni e San Paolo, propiedad de la familia Grimani , también acogerá los estrenos de La coronación de Popea y Las bodas de Eneas y Lavinia de Monteverdi . En términos de escenografía, The Return es, según Carter, una ópera bastante simple que requiere solo tres escenarios principales: un palacio, una playa y una arboleda, que eran más o menos estándar para la ópera veneciana temprana. Sin embargo, la actuación en sí misma requirió algunos efectos especiales impresionantes: en el curso de la acción, el barco feaciano se convierte en piedra, el carro aéreo transporta a Minerva, la flecha de fuego transforma a Ulises.

Después del renacimiento veneciano de 1640-41, no hay registro de más representaciones de El regreso en Venecia ni en ningún otro lugar antes del descubrimiento de una partitura manuscrita para la ópera en el siglo XIX. El descubrimiento de este manuscrito en la Biblioteca Imperial de Viena sugiere que la ópera se representó allí, o al menos se concibió, tal vez para ser representada ante la corte imperial. El erudito de Monteverdi, Alan Curtis , fecha el manuscrito de Viena en 1675, durante el reinado del emperador Leopoldo I , quien fue un destacado mecenas de las artes, y de la ópera en particular. Según Ambros, que copió la partitura de "El Retorno...", formaba parte del manuscrito Selva morale et spirituali ("Evagaciones morales y espirituales") en encuadernación general, adornada con el escudo de armas del emperador [ 30] .

Producciones contemporáneas

La partitura del Manuscrito de Viena fue publicada por Robert Haas en 1922 [31] . Pronto siguió la primera representación moderna de la ópera, revisada por Vincent d'Indy en París el 16 de mayo de 1925 . Durante el siguiente medio siglo, la ópera se representó solo ocasionalmente. La BBC presentó The Return a los oyentes británicos en una transmisión de radio el 16 de enero de 1928, nuevamente utilizando la edición de d'Andy [32] . El compositor italiano Luigi Dallapiccola preparó su propia edición, que se representó en Florencia en 1942, mientras que la versión de Ernst Krenek se mostró en Wuppertal en 1959 [32] [33] . La primera producción británica fue un concierto de la ópera en St Pancras Town Hall en Londres el 16 de marzo de 1965 con la Orquesta de Cámara Inglesa dirigida por Frederick Marshall [34] [35] .

La ópera obtuvo una exposición más amplia a principios de la década de 1970 con producciones en Viena (1971) y Glyndebourne (1972) [32] . La producción de Viena fue puesta en escena según una nueva versión preparada por Nikolaus Harnoncourt , quien posteriormente representó la obra de Monteverdi en muchas ciudades europeas en colaboración con el director de ópera francés Jean-Pierre Ponnelle. Una representación de la ópera dirigida por Ponnelle en Edimburgo en 1978 recibió prensa negativa; [36] El crítico Stanley Sadie elogió la actuación de los artistas, pero criticó la producción misma por ser "frívola y francamente grosera" [37] . En enero de 1974, The Return fue interpretada por primera vez en los Estados Unidos por la Opera Society of Washington en el Kennedy Center, revisada por Harnoncourt (director Alexander Gibson) [38] [39] . La ópera fue puesta en escena en el Lincoln Center de la ciudad de Nueva York por la Ópera de la ciudad de Nueva York y desde entonces se ha exhibido en todo Estados Unidos [40] . En 2006, la producción de la Ópera Nacional de Gales de El regreso de... de David Alden de Ian McNeil en la Ópera Nacional de Gales se resolvió con un espíritu radicalmente moderno: el escenario se decoró con letreros de neón y gatos disecados, Neptuno apareció frente a la audiencia en aletas y traje de neopreno, Minerva apareció en la imagen de Amelia Earhart , y Júpiter, a instancias de los directores, se convirtió en un estafador menor. Esta interpretación recibió la aprobación de la crítica musical Anna Picard: "Los dioses siempre han sido fantasías modernas, mientras que la esposa abandonada y el héroe humillado son temas eternos" [41] .

El compositor alemán Hans Werner Henze creó una versión en dos actos de la ópera de Monteverdi, que se presentó en el Festival de Salzburgo el 11 de agosto de 1985 con críticas mixtas de la crítica [42] . Desde entonces, las producciones en dos actos se han vuelto cada vez más comunes [43] . El artista y animador sudafricano William Kentridge diseñó una versión animada de la ópera con personajes de marionetas, utilizando aproximadamente la mitad de la partitura de Monteverdi. Esta versión se mostró en Johannesburgo en 1998 y desde entonces ha realizado giras por todo el mundo, incluida una actuación en el Lincoln Center de Nueva York en 2004 y en el Festival de Edimburgo en 2009 [44] [45] .

Características musicales de la ópera

Según el musicólogo Denis Arnold , aunque las últimas óperas de Monteverdi conservan elementos de los intermezzo y las formas pastoriles del Renacimiento anterior , pueden considerarse con razón las primeras óperas modernas [46] . Sin embargo, en la década de 1960, David Johnson consideró necesario advertir a los posibles oyentes de The Return que si esperaban escuchar una ópera como la de Verdi, Puccini o Mozart, se sentirían decepcionados: “Tienes que obedecer a un tempo mucho más lento, mucho más lento”. concepción más casta de la melodía, a un estilo vocal que en la primera o segunda audición parece simplemente un recitado seco, y sólo en repetidas audiciones comienza a adquirir extraordinaria elocuencia” [47] . Unos años más tarde, Jeremy Noble, en una reseña de Gramophone , escribió que The Return... fue la menos conocida y menos interpretada de las óperas de Monteverdi, "francamente, porque su música no está tan consistentemente llena de carácter e imaginación como la de Orfeo". o La coronación de Popea.”” [48] . Arnold llamó a esta obra de Monteverdi "el patito feo" [49] . Los críticos más recientes son más positivos en su evaluación de la ópera; para Mark Ringer, The Return es "la más tierna y conmovedora de las óperas de Monteverdi" [50] , mientras que, según Ellen Rosand, la capacidad del compositor para retratar a personas reales a través de la música encuentra su máxima expresión aquí, y unos años más tarde en " La coronación de Popea".

La música de The Return revela inequívocamente la influencia de las primeras obras del compositor. El lamento de Penélope, que abre el Acto I, recuerda tanto a Redentemi il mio ben de Orfeo como al lamento de Ariadna. La música marcial que acompaña el tema de las batallas y la matanza de pretendientes alude a la “ Batalla de Tancredo y Clorinda ”. Para las partes vocales se utilizan parcialmente las técnicas que el compositor desarrolló en su obra Scherzi musicale de 1632. Al mismo tiempo, en "El Retorno...", además de las partes vocales, que es típica de Monteverdi, el desarrollo de las relaciones entre los personajes se transmite a través de la música en el transcurso de la acción [49 ] . Penélope y Ulises, con "recitación musical y verbal honesta" (definición de Ringer), se anteponen a pretendientes cuyos estilos son "exagerados y ornamentales" [50] . Iro, quizás "el primer gran personaje cómico de la ópera", comienza su monólogo en el tercer acto con un gemido quejumbroso que se extiende durante ocho compases de música .

Notas

1. ↑ Carter, 2002 , pág. 1-2.
2. ↑ Neef, Sigrid (ed.) (2000). Opera: Composers, Works, Performers (edición en inglés). Colonia: Könemann. ISBN 3-8290-3571-3 . pags. 324
3. ↑ Carretero, Tim (2007). Macy, Laura (ed.), ed. Monteverdi, Claudio: Venecia Archivado el 1 de junio de 2013 en Wayback Machine . Música de Oxford en línea.
4. ↑ El investigador de Monteverdi, Tim Carter llama la atención sobre las dificultades de atribuir "La batalla..." a un género específico: no es un oratorio secular, ni una ópera, ni un ballet, pero combina sus características. "Algunos autores pueden decir que no lo es... Pero nadie puede decir lo que realmente es". (Carter, Tim (2002). Teatro Musical de Monteverdi. New Haven: Yale University Press. ISBN 0-300-09676-3 , págs. 172-73)
5. ↑ 12 Ringer , 2006 , pág. 130–131.
6. ↑ Rosand, Ellen (1991). Ópera en la Venecia del siglo XVII: la creación de un género. Berkeley: Prensa de la Universidad de California. ISBN 0-520-25426-0 . páginas. 15-16
7. ↑ 1 2 3 Ringer, 2006 , pág. 135–136.
8. ↑ El estatus de Monteverdi en ese momento se revela en la dedicatoria a la reedición del libreto de Ariadna, donde se le llama "el Apolo más famoso del siglo y el intelecto más alto de la humanidad" (ver Rosand, Ellen (1991). Ópera en Venecia del siglo XVII: la creación de un género, Berkeley: University of California Press, ISBN 0-520-25426-0 , p. 18)
9. ↑ Timbre, 2006 , pág. 137–138.
10. ↑ Carter, 2002 , pág. 305.
11. ↑ 12 Walker , Thomas. Macy, Laura (ed.), ed. Badoaro, Giacomo. Música de Oxford en línea. Consultado el 7 de febrero de 2010.
12. ↑ 12 Ringer , 2006 , pág. 140–141.
13. ↑ Rosand, Ellen (2007). "Ritorno d'Ulisse en patria". En Macy, Laura (ed.). Música de Oxford en línea
14. ↑ Timbre, 2006 , pág. 145.
15. ↑ 12 Rosand , 2007 , pág. 52–56.
16. ↑ Rosand, 1991 , pág. 53.
17. ↑ Rosand, 2007 , pág. 57–58.
18. ↑ Ringer atribuye su descubrimiento al compositor e historiador austriaco August Wilhelm Ambros (1881). Sin embargo, si Ambros estuvo realmente involucrado en el descubrimiento del manuscrito, debe haber ocurrido antes, ya que murió en 1876.
19. ↑ Timbre, 2006 , pág. 140-141.
20. ↑ 12 Rosand , Ellen (2007). "Ritorno d'Ulisse en patria". En Macy, Laura (ed.). Música de Oxford en línea
21. ↑ Ringer, 2006 , págs. 137–38.
22. ↑ Timbre, 2006 , pág. 142.
23. ↑ 1 2 "Monteverdi: Il ritorno d'Ulisse in patria - completo". El gramófono. Haymarket. Septiembre de 1971. pág. 100. Consultado el 18 de febrero de 2010.
24. ↑ 1 2 Rosand & Vartolo, 2005 , p. 24
25. ↑ Rosand & Vartolo, 2005 , p. veinte.
26. ↑ Chew, Geoffrey (2007). Monteverdi, Claudio: Obras de los años venecianos. En Macy, Laura (ed.). Música de Oxford en línea. Consultado el 21 de febrero de 2010.
27. ↑ Carter, 2002 , pág. 101–103.
28. ↑ 1 2 Rosand y Vartolo, p. una
29. ↑ Rosand, Ellen y Vartolo, Sergio (2005). Prefacio a la grabación: Il ritorno d'Ulisse in patria: el drama en cinco actos de Monteverdi (CD). Leeuwarden (Países Bajos): Brilliant Classics 93104.
30. ↑ Rollán, 1986 , pág. 104.
31. ↑ Carter, 2002 , pág. 237.
32. ↑ 1 2 3 4 Kennedy, 2006 , pág. 732.
33. ↑ Rosand, Ellen (2007). "Ritorno d'Ulisse en patria". En Macy, Laura (ed.). Música de Oxford en línea.
34. ↑ "Programas de conciertos: colección de Cyril Eland" Archivado el 23 de octubre de 2017 en Wayback Machine . Consejo de Investigación en Artes y Humanidades. Consultado el 12 de febrero de 2010.
35. ↑ Warrack & West, 1992 , pág. 603.
36. ↑ Forbes, Elizabeth (5 de enero de 2007). "Werner Hollweg (obituario)" Archivado el 27 de mayo de 2022 en Wayback Machine . El independiente. Londres. Consultado el 10 de febrero de 2007.
37. ↑ Sadie, Stanley (4 de septiembre de 1978). "Il ritorno d'Ulisse in patria: Reseña". Los tiempos. Londres. pags. 9.
38. ↑ Harold C. Schonberg (20 de enero de 1974). "Ópera: El Ulises de Claudio Monteverdi Viajes a América con gran estilo" . Los New York Times.
39. ↑ "Boletín de servicios de Central Opera, primavera de 1973" Archivado el 13 de julio de 2007 en Wayback Machine (PDF). Servicios Centrales de Ópera.
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Enlaces

• IL RITORNO D'ULISSE EN PATRIA  (Francés) . Le magazine de l'opera barroca. Recuperado: 20 de mayo de 2014.
• IL RITORNO DIULISSE EN PATRIA. Drama por música. Testi de Giacomo Badoaro, música de Claudio Monteverdi

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