| Yefim Chestnyakov | |
| Ciudad de la Mancomunidad . 1914 (?) | |
| Lienzo, óleo. 198 × 335 [1] cm | |
| Museo Estatal de Historia, Arquitectura y Arte-Reserva , Kostroma | |
| ( inv. KP-21 [2] ) |
La Ciudad del Bienestar es una pintura del artista ruso y soviético Efim Chestnyakov (seudónimo Evfimy Vasilyevich Samuilov). El lienzo es su pintura más grande conocida, que ha llegado hasta nuestros días en fragmentos separados y fue recreada gracias a los esfuerzos de los restauradores V. M. Tanaev y S. S. Golushkin [3] . Diversos investigadores de la obra de Chestnyakov fechan el lienzo en un amplio marco cronológico entre finales del siglo XIX y mediados del XX . Después de la muerte del artista, los habitantes de su pueblo natal de Shablovo desmantelaron todo lo que quedaba en ese momento en la casa del artista. Fragmentos de la pintura llegaron a diferentes personas, pero sobrevivieron y posteriormente fueron transferidos por los propietarios a los empleados de la Reserva-Museo Estatal de Arte de Kostroma [4] [5] . Actualmente, la "Ciudad del Bienestar" es parte de su colección y se exhibe en el Museo Romanov de la ciudad de Kostroma en la exposición permanente "Mi olvidado, querido ... (sobre el trabajo de Efim Vasilyevich Chestnyakov)". El tema principal de este lienzo multifacético, según el director del Museo-Reserva de Kostroma, Viktor Ignatiev, es "la unidad de todos los seres vivos en la tierra para el bien común" [6] . La "Ciudad de la Commonwealth" es estimada por los críticos de arte como una de las obras más significativas del artista [7] .
Los investigadores compararon el lienzo con "una grandiosa actuación coral en la que las acciones, posturas y posiciones más comunes adquieren un significado casi ritual ". En ausencia de una trama llena de acontecimientos, la imagen no solo se puede ver, sino también contar, lo que hizo el mismo Yefim Chestnyakov, "fantaseando de una manera nueva cada vez" [8] . Según el candidato de estudios culturales Igor Shavarinsky, "el dominante de su jerarquía de valores [del artista] era la idea del Bienestar Universal: la creación de un paraíso hecho por el hombre en la tierra inspirado por el amor al prójimo" [9] .
Efim Chestnyakov no firmó ni fechó sus obras [10] [11] . El futuro investigador de la creatividad y biógrafo de Chestnyakov , I. A. Serov , que visitó al artista en su casa después de la Gran Guerra Patria , vio un cuadro en la pared del taller. Observó que los colores entonces eran frescos y mucho más brillantes que en la actualidad [12]
El momento exacto de la pintura no está documentado [5] . El catálogo de una exposición de pinturas y dibujos de Yefim Chestnyakov en Riga en 1983 indica cuidadosamente que las obras del artista, incluida La ciudad del bienestar, probablemente fueron escritas en las décadas de 1910 y 1930 [11] . En general, se acepta que a fines de la década de 1930, Chestnyakov dejó de pintar y se centró en la literatura y el trabajo con niños [13] [14] . El candidato de estudios culturales Igor Shavarinskiy atribuyó el nacimiento del concepto de "Ciudad de la prosperidad general" al cambio de los siglos XIX y XX, cuando el artista vivía en San Petersburgo (diciembre de 1899 - primavera de 1903). Aquí estudió en el museo de escultura de la Academia de las Artes , estudió durante dos años en la escuela de dibujo de la princesa M. K. Tenisheva de San Petersburgo , fue influenciado por la cultura de la Edad de Plata , su sincretismo y simbolismo inherentes . Mayo de 1904 - otoño de 1905 es la segunda estancia de Chestnyakov en la capital. Solo se ha conservado información sobre él de que el artista participó en la manifestación y estaba bajo vigilancia policial [15] [16] . El ensayista y escritor Vasily Golovanov atribuyó los "motivos mitológicos" y las "imágenes-símbolos" característicos de la pintura a 1905-1913, cuando el artista vivía en el pueblo de Shablovo después de salir de San Petersburgo y antes de su último tercer viaje a la capital [ 14] (en 1913-1914, Chestnyakov estudió en el taller académico de Dmitry Kardovsky , experimentó serias dificultades financieras [17] , logró alcanzar un éxito relativo; por ejemplo, logró publicar un libro de cuentos de hadas con sus propias ilustraciones [18 ] ). El Doctor en Historia del Arte Yuri Tyurin consideró que la fecha de creación de la pintura era 1914 [19] .
Svetlana Katkova, investigadora sénior del departamento de almacenamiento del Museo-Reserva de Kostroma, sugirió que, dadas las imágenes de templos que distinguió en el lienzo, destruidos y adaptados para prisión o colonia penal (Katkova vio prisión, por ejemplo, en un edificio con dosel, como en una torre de vigilancia, a través de una pequeña ventana a la que se asoma la gente, la salida solo es posible a través de una tubería [5] ), un espantapájaros con " escobas susurrantes " en sus manos, gente de azul, luego, el plano final del cuadro debe fecharse en una época posterior al segundo arresto de la hermana del artista, Alexandra , es decir, 1948 [ 12] . A favor de la datación tardía, en su opinión, también está la escasez de color, que puede deberse a las pinturas baratas que el artista se vio obligado a utilizar. Como solvente, supuestamente usó queroseno , lo que posteriormente provocó un oscurecimiento de los colores. Serias dificultades financieras surgieron de Chestnyakov en 1937, cuando su hermana Alexandra fue arrestada por primera vez. Chestnyakov, según Katkova, pintó el cuadro después de la finalización real de la fase activa de la campaña contra la iglesia: los templos en el lienzo ya estaban complementados con dependencias y adaptados para realizar nuevas funciones cotidianas [5] . Los argumentos a favor de crear una imagen después de la Gran Guerra Patriótica también son, en su opinión, la ausencia casi total de hombres adultos y jóvenes entre sus personajes y el tema característico de la pintura soviética de las décadas de 1930 y 1950: vacaciones colectivas y misa. procesiones con regalos de la naturaleza [ 12 ] .
Se desconoce el nombre del autor de la pintura "Ciudad de la Commonwealth" [4] . Hay una versión que podría ser "El Futuro, o la Ciudad de la Commonwealth" [20] . Según I. A. Serov, que conocía bien a Chestnyakov, el propio artista usó el nombre "El mundo del sol y la felicidad" en relación con el lienzo [21] . Los empleados del Museo-Reserva de Kostroma intentaron en vano encontrar el nombre de la pintura en las notas del artista y en las fuentes de archivo. El nombre de "Ciudad del Bienestar General", que ya se ha establecido en la historia del arte, fue dado a la pintura por Vladimir Makarov , un empleado del Museo-Reserva de Kostroma [4] . Svetlana Katkova señaló que en los últimos años de su vida, Chestnyakov trabajó en un lienzo sin terminar llamado "Pasado - Presente - Futuro", que no pudo identificarse con ninguna de las obras sobrevivientes del artista. En su opinión, las tres gradas horizontales que se pueden ver en la pintura "Ciudad de la Commonwealth" permiten correlacionar este nombre con ella [1] .
La periodista Larisa Golushkina, autora de numerosos artículos sobre la biografía y el trabajo de Chestnyakov, creía que la "Ciudad del Bienestar", como muchas otras pinturas del artista, está asociada con la trinidad de su trabajo: primero escribió un cuento de hadas, luego lo ilustró (o pintó un lienzo sobre su tema) y luego realizó una actuación basada en su trama [22] . Según Igor Shavarinsky, la pintura bien podría haber sido utilizada como telón de fondo para una obra de teatro basada en la obra literaria del artista, basada en el cuento de hadas "Shablov's Tarantass" [23] o "El cuento del pueblo alado" [24] . Shavarinskii sugirió que la pintura durante la vida de Chestnyakov se encontraba en un " granero " [25] . El propio artista dio este nombre a su vivienda, en la que empezó a vivir en la década de 1930 tras el destierro de una y la muerte de otra de sus hermanas [13] ; sus otros nombres son “cabaña”, “universal collegium” [18] y “Colegio de ciencias y artes”: el artista pretendía enseñar a sus compañeros aldeanos pintura, escultura, música, arquitectura, ingeniería mecánica, ciencias ocultas , lingüística, astronomía, teoría de teatro y cine [ 26] . La casa estaba formada por dos antiguas cabañas de troncos: una casa de baños y un granero [27] . El lienzo estaba en el primer piso, donde el artista mostraba representaciones teatrales para los vecinos del pueblo [25] . Los niños participaron en las actuaciones. Aquí se esculpían máscaras de arcilla y se cosían disfraces. Las propias actuaciones Chestnyakov llama "festivales" [10] .
Después de la muerte del artista en 1961, su sobrina Galina Smirnova solicitó al departamento regional de cultura una propuesta para transferir pinturas, esculturas y manuscritos al museo para su almacenamiento, pero fue rechazada. Se creía que las obras de Yefim Chestnyakov eran cuadros primitivos, sin interés para la historia del arte , permanecieron en su casa vacía en Shablovo. Los niños del pueblo comenzaron a llevarse pinturas y esculturas, y luego sus padres [28] . Algunos vecinos del pueblo reverenciaban a Efim Chestnyakov como un santo y vidente , creían que sus cosas podían traer la curación de la enfermedad [29] .
En el verano de 1968, los empleados del Museo-Reserva de Kostroma, el curador jefe Vladimir Makarov, la investigadora principal Vera Lebedeva y el artista-restaurador Gennady Korf, realizaron una expedición de investigación a los distritos de Makarievsky , Manturovsky y Kologrivsky de Kostroma . región _ Su objetivo era buscar objetos de arte popular, obras de arte ruso antiguo, obras de artesanos aficionados. Un compañero de viaje que subió accidentalmente al autobús del museo informó que después de la muerte de un artista local, quedaron pinturas y esculturas de arcilla en el pueblo de Shablovo [30] . Los críticos de arte se sorprendieron por el alto nivel de obras encontradas [30] . El creador del museo del artista y su biógrafo Ruslan Obukhov escribieron que Vladimir Makarov entró en una de las casas para pedir agua. Al cruzar el umbral, tropezó. La mirada de Makarov se posó en la alfombra , sobre la cual, bajo una capa de suciedad, distinguió una pintura al óleo. Resultó ser el primero de los fragmentos del cuadro "Ciudad de la Commonwealth". Ya teniendo todos los fragmentos de la pintura en sus manos y esparciéndolos en el prado entre otras pinturas, los investigadores no tenían idea de que estos cinco fragmentos constituían una sola composición. Posteriormente, fue Makarov quien sugirió que algunos de los lienzos formaban parte de una gran obra del artista [31] .
Cuando la "Ciudad de la prosperidad general" apareció ante los investigadores, la imagen se cortó en cinco partes [4] [16] [32] (Vasily Golovanov escribió erróneamente que eran siete [33] ). Se desconocen la fecha y las circunstancias de este evento (el candidato de estudios culturales Igor Shavarinsky planteó la hipótesis de que este trabajo en la mente de los vecinos del pueblo estaba dotado de un "cierto halo ", ellos "pensaron su significado", ya que "después de la muerte del artista, parte de la gente experimenta una transformación de la recepción de la interpretación en una especie de concretización en relación con su herencia” [16] , y D. V. Gromov y A. D. Sokolova escribieron en texto simple que “la 'Ciudad del Bienestar' fue desgarrado en pedazos- amuletos ” por los vecinos del pueblo [34] .
Katkova notó que las secciones del lienzo se hicieron a lo largo del fondo y no caían sobre las figuras. Sólo el propio artista podría hacer eso. Ella sugirió que, dado que él llevaba pinturas a sus "festivales", podría haber sido más fácil transportar un lienzo tan grande en partes. Si la imagen no estaba destinada a los festivales, de esta manera el lienzo se ocultaba de una "atención excesiva" y una interpretación peligrosa para el autor [5] .
El lienzo terminó en manos del personal del museo en buen estado, no hubo pérdidas ni en los bordes de los cortes. Los restauradores tuvieron que unir las piezas y duplicarlas para que las costuras fueran invisibles [35] . Los restauradores moscovitas V. Tanaev y S. Golushkin destacaron estos cinco fragmentos de los lienzos mal conservados que componían el legado del artista, sugiriendo que eran los que el autor combinó en una sola composición. La pintura se convirtió en la primera obra restaurada de Efim Chestnyakov [4] .
La técnica de la pintura es pintura al óleo sobre lienzo . El tamaño del lienzo es de 198 x 335 cm [1] [36] (o, según otras fuentes, 195 x 330 cm [37] ). La pintura está incluida en la colección del Museo-Reserva Estatal de Historia, Arquitectura y Arte de Kostroma (número de stock - KP-21). Ha sido presentada en exposiciones varias veces. En particular, el lienzo se menciona en el catálogo de la exposición de 1977 en Moscú en la sección "Pintura" [38] . Actualmente, se exhibe en el Museo Romanov en la exposición permanente "Mi olvidado, querido ... (creatividad de Efim Vasilyevich Chestnyakov)" [2] .
Una pintura de Efim Chestnyakov "Fairytale Motif" (óleo sobre lienzo, Kostroma Museum-Reserve, Inv. No. 63 , restaurador M. Furdik , 148 x 149 cm [39] o 148,6 x 151,7 [40] ), que Igor Shavarinsky consideró como "un elemento de un díptico sobre el tema de la ciudad de la Prosperidad General" y encontró una similitud significativa con el panorama general [40] . Entre las obras del artista presentadas en las exposiciones de 1977 en Moscú y 1983 en Riga, se menciona un boceto para el cuadro "Ciudad del Bienestar", realizado en acuarela sobre papel (boceto para el cuadro "Ciudad del Bienestar", tamaño 26 x 42 cm, reserva-museo de Kostroma, KP-2602) [39] [41] . Según Shavarinsky, el artista estaba buscando la solución de composición adecuada para la imagen: un ángel con zapatos de bast está representado cerca de un grupo de niños, abuelos [42] . El fragmento correspondiente del lienzo repite casi por completo la acuarela. Solo faltan algunos personajes, que el artista abandonó en la imagen: no hay un oso enorme y una niña gorda [43] . Otro dibujo-boceto, ubicado en el álbum del artista (pasa como "Boceto para el cuadro "Ciudad de la Prosperidad General"", álbum, pliego, Kostroma Museum-Reserve, sin Inv. No. [44] ) y próximo al lado izquierdo del primer plano de la imagen (dos escaleras contiguas, un anciano con una escoba, un caballero con sombrero de copa y bastón, una pareja casada con trajes blancos…) se presentó en el libro “Efim Chestnyakov. Nuevos descubrimientos de los restauradores soviéticos” [45] . Según Katkova, la acuarela y el dibujo del paisaje no son bocetos completos para el lienzo "Ciudad de Bienestar General", pero su idea se desarrolló posteriormente a partir de ellos, y sus personajes ocuparon un lugar importante en la composición del cuadro grande. Señaló que en la acuarela y el dibujo no hay templos ni "regalos-ofrendas", que juegan un papel importante en la versión final del cuadro [46] .
La Ciudad del Bienestar es un enorme lienzo con una gran cantidad de personajes (Viktor Ignatiev contó 120 personas [47] , y cada una tiene su propia personalidad y realiza su propia acción [48] ). Entre los personajes hay niños, adultos, ancianos, niños y niñas. Todos están ocupados con sus propios asuntos: el anciano barre la calle, la anciana tira crema agria, el niño toca la pipa , una niña toca la pandereta y la otra baila, la gente descansa en el balcón del palacio y mira. lo que está pasando en la plaza [3] . Lev Dyakov escribió que era imposible crear una descripción de esta “gran pintura al fresco ”, ya que carece de las “ coordenadas ” habituales de un lienzo ordinario. Esto, en su opinión, es "Otro Mundo" [49] .
Victor Ignatiev y Yevgeny Trofimov argumentaron que, si bien la composición caótica parece al espectador a primera vista de la imagen , su construcción en realidad obedece a un cierto orden lógico (en otro libro, Ignatiev escribió que la falta de un plan de planificación urbana unificado se debe a la gradualidad de aquellas mejoras que se dan en la ciudad [50] ). Delante de la audiencia no es solo una ciudad con sus edificios típicos y no solo un pueblo real, como se ve en las regiones del norte de Rusia, donde vivió el artista y que conocía bien [Nota 1] . Esta ciudad-pueblo recuerda a Shablovo de un cuento de hadas compuesto por Chestnyakov [3] . Acogedoras iglesias de pueblo, cabañas y cámaras de piedra de la ciudad coexisten pacíficamente aquí. Dyakov notó que el artista trató de "encajar" en el espacio de la imagen todos los valores espirituales de las personas, sin dividirlo en campesinos y habitantes de la ciudad [51] . El artista construye toda la composición de la imagen con fuerza, como si fuera un esquema ya conocido y bien pensado. Según los investigadores, parece que el trabajo de Yefim Chestnyakov es similar al trabajo de un tejedor en un tapiz . Lo comienza desde abajo, pero inicialmente imagina dónde estará cada elemento del lienzo [3] .
Según Viktor Ignatiev, la composición de esta pintura de Chestnyakov es fundamentalmente diferente a la de sus pinturas anteriores. Se distingue por su versatilidad, "el ritmo complejo de la arquitectura colorista ". La primera mirada del espectador se dirige a la procesión de niños y niñas representada en el lado izquierdo de la composición. Este flujo de personas pasa por un anciano sentado con un cucharón en sus manos y una anciana que bate crema agria , y finalmente se dirige hacia el palacio de piedra blanca. En la plaza del teatro, el movimiento forma un patrón complejo, según el investigador, obedeciendo a un cierto ritmo musical (esto es enfatizado por el artista, representando a un niño tocando una flauta y una niña tocando una pandereta ). Luego esta multitud sube, moviéndose hacia un arco estrecho , y después de eso, al palacio, donde los ciudadanos observan la procesión en el balcón [47] . Igor Shavarinsky, investigador de la obra del artista, destacó dos grandes partes del lienzo, en las que, a su juicio, se divide la pintura según los objetos -símbolos de trabajo y diversión en manos de los residentes- la izquierda, “donde domina el trabajo y sus abundantes frutos”, y el derecho, “con el descanso y la fiesta” [52] .
Svetlana Katkova evalúa la composición de la pintura de una manera diferente. Ella afirma que, horizontalmente, la ciudad representada en la imagen se divide en tres partes. El primer nivel se profundiza, el segundo se eleva por encima de él, como sobre un acantilado, mientras que el tercero se oculta detrás de un muro de piedra. Todos los niveles están conectados por una "amplia escalera en tres tramos" [53] . El artista, en su opinión, también dividió el cuadro verticalmente: a la derecha colocó una casa señorial con columnas y una terraza . Los personajes de esta parte del cuadro van vestidos con ropa urbana. A la izquierda predominan las construcciones rurales y los personajes van vestidos con ropa de pueblo. Según Katkova, aquí dominan las tradiciones prepetrinas ( camisas , onuchi , armenios , vestidos de verano , todos ellos de su propia confección con telas caseras , largas barbas) [54] . En la frontera de los dos mundos hay una flor en una maceta y un joven de traje azul (en el que el investigador adivina el uniforme de un oficial de la NKVD de la posguerra) con cuello blanco y sombrero, como así como un “arco negro”. En la composición de la imagen, Katkova vio una clara oposición de estos dos mundos: chozas de troncos y casas de piedra, reuniones del pueblo ("conversaciones") y una representación teatral en la ciudad, oscureciendo el primer plano, donde se encuentra una familia de aldeanos desunida. , y destacando una familia amable de gente del pueblo paseando con luz [55] .
Katkova señaló que no hay un personaje principal en la película, aquí, “como en la corriente de la vida, hay diferentes grupos de personas al mismo tiempo, conectados u opuestos entre sí”. El lienzo está lleno de personajes, edificios, por eso el cielo es casi invisible [1] . En su opinión, los personajes principales de la imagen son los templos. Esto se desprende del análisis de la composición de la imagen. Las varillas se sitúan en la intersección de dos diagonales del lienzo [5] . Durante la Gran Guerra Patria , según las memorias de sus compatriotas, el artista rezaba en secreto e incluso celebraba servicios religiosos con viudas en el bosque. En sus pinturas anteriores no hay imágenes de iglesias, sino los templos sobre ellos con cruces y campanarios , en contraste con la "Ciudad de la Commonwealth" [5] . El edificio con columnas es el más brillante de la imagen, su ático es “el único horizontal rígido y extendido que corta el montón de una arquitectura industrial bastante monótona y dirige la mirada hacia el centro” [5] . Este edificio en sí incluye una serie de columnas dispersas, en la cerca de la terraza hay un adorno floral de estuco . Una absurda ventana invertida con una persiana insertada en la pared , como prestada de una choza de pueblo [56] , parece una ruda intervención en la fachada Imperio del edificio de Katkova .
Victor Ignatiev creía que el esquema de color del lienzo corresponde al tema principal de la obra ("la unidad de todos los que viven en la tierra para el bien común" [6] ). Marrón cálido - el color ocre puede simbolizar el pan, las distancias azul turquesa - "el futuro, lejano, eterno y pacificador" [6] . El candidato de estudios culturales Igor Shavarinsky escribió en su disertación que "el elemento dramático de las pinturas de Chestnyakov radica en el color brillante (la energía del color se transforma en dinámica activa de la acción que se desarrolla, crea una atmósfera de diálogo) y la solución compositiva" [57] .
La historiadora local e historiadora del arte de Kostroma, Svetlana Katkova, que se dedica al trabajo del artista, en su estudio de la pintura trató de aprovechar su combinación de colores. Expresó sorpresa por el hecho de que el artista utilizara colores tan tétricos para expresar una idea “brillante” (se complementan con la “inhibición” y la “desunión” de los personajes) y por ello expresó dudas sobre las analogías que los investigadores tenían viene realizando desde hace años entre el cuadro “Ciudad de la Commonwealth” y las utopías literarias de Chestnyakov , sus fantasías escultóricas realizadas en arcilla sobre el tema de la ciudad de Kordon [58] .
Viktor Ignatiev y Yevgeny Trofimov argumentaron que la pintura "reconoce bien" la experiencia literaria del artista: la obra "Shablovsky tarantass" (Shavarinsky incluso escribe: "Desde el curso de la narración, el lector aprende la prehistoria de la construcción de la ciudad de General Bienestar, representado en el cuadro del mismo nombre” [59] ) [ 60] [61] . La trama de la tarantass Shablovsky es bastante simple: los habitantes del pueblo de Shablovo se reunieron y construyeron una gran tarantass, engancharon todos sus caballos y se dirigieron a Kologriv . Habiendo comprado bienes, regresaron al pueblo. A los campesinos les gustó el trabajo conjunto y decidieron construir juntos un muro alrededor de Shablov. Como resultado, resultó una casa inusualmente grande, dentro de la cual hay cabañas y jardines crecen ... Organizaron un gran horno común y comenzaron a hornear pasteles y pasteles juntos ... [62] [61] .
Lev Dyakov argumentó que las pinturas de Yefim Chestnyakov están impregnadas de los ritmos de la música y la poesía. Encontró analogías con la pintura en el ciclo de poemas de Chestnyakov "Marko the Beschastny" [Nota 2] , donde hay una "palabra" cercana al estado de ánimo de la "Ciudad de la Commonwealth" [49] :
“Luego, en un círculo de personas bien
"Marko the Beschastny" (conservado solo en fragmentos) es una novela poética utópica, que es una continuación del cuento de hadas "Shablovsky tarantass". El texto combina la prosa con la poesía . El protagonista Marko Beschastny (un profeta sin propiedad privada y sin "una percepción fraccionada del mundo en nombre de la libertad sintética" [65] ) construye un pueblo del futuro, donde aparecen casas de ladrillo en lugar de chozas de troncos; adornado con estatuas, ya no parece un pueblo, sino un pequeño pueblo [66] . En las conversaciones de Marco con "extraños" ( opositores escépticos del héroe [67] ), Chestnyakov describió con gran detalle el sueño de crear una ciudad de la Commonwealth. Describe un "maravilloso techo transparente", un teatro, un horno inusual y enormes sartenes, cascadas y presas artificiales, un enorme invernadero, aviones, "una casa común a lo largo de todo el pueblo" con habitaciones y pasajes maravillosos [64 ] . Algunos detalles del lienzo, desde el punto de vista de Shavarinsky, solo se pueden entender leyendo "Marco". En el medio de la imagen, por ejemplo, hay una cabaña de madera. En el texto "Marco", los personajes, deseando "preservar nuestro ser en nuestra cultura, para no perturbar el camino de la antigüedad con nuevas ideas", preservan la antigua choza de la "abuela" de Varvara [68] . A la derecha de la iglesia de la imagen está la entrada a la cueva. Según Marco en el poema, esta es la entrada a la mazmorra, formada debido a la extracción de arcilla para ladrillos para la construcción de la ciudad [24] . Shavarinsky encontró motivos de la "Ciudad del Bienestar General" también en "El cuento del pueblo alado" escrito por Chestnyakov. Ella describe el futuro de la misma ciudad, ya famosa en todo el mundo: allí no hay trabajo duro, "solo todos juegan allí como niños - [hay] teatros y otros lugares de alegría común" [69] [24] .
Igor Shavarinsky en su tesis doctoral comparó textos literarios, la pintura "Ciudad del Bienestar" y la escultura de Efim Chestnyakov. Durante mucho tiempo, el artista creó esculturas de arcilla de pequeño tamaño - "arcilla", que representan a la "población" de la Ciudad de Bienestar General, donde cada uno de ellos "ocupaba su propio lugar", "estaba en armonía consigo mismo y era feliz". haciendo lo suyo” [70] . En fotografías antiguas tomadas por el propio artista, se distinguen alrededor de 10 edificios de arcilla, con la ayuda de los cuales Chestnyakov intentó representar una ciudad-pueblo. En una fotografía, el anciano de "arcilla" come papilla de una olla como en la imagen "Ciudad de la Commonwealth". El otro muestra la iglesia y la "entrada a la mazmorra". La iglesia y la mazmorra también se describen en el poema de Chestnyakov "Marko the Beschastny" y se representan en la pintura "Ciudad del Bienestar General" [71] . Uno de los vecinos del pueblo del artista recordó: “Arriba, en la casa del artista, bajo un dosel de tela de unos seis metros, se colocaron figurillas de barro de la Ciudad del Bienestar. Allí daba actuaciones a los niños y comentaba a quién llamar qué” [72] .
Los autores del diccionario "Arte amateur en Rusia del siglo XX" percibieron la pintura de Efim Chestnyakov como "una encarnación pintoresca de una utopía campesina con matices populistas - socialistas [Nota 3] ". En su opinión, la imagen es cercana a la "tarantass de Shablovsky" [7] , ya que en ella se encarnaba el mismo ideal social. El diccionario afirma que la trama de la "Ciudad de la Commonwealth" se organiza como una acción ritual . Representado en el lienzo, desde el punto de vista de los autores del diccionario, no es una ciudad, sino un pueblo grande, pero rodeado de murallas. Los campesinos están representados en sus actividades diarias o descansando, pero el lienzo está impregnado de " seriedad ritual " [7] .
Desde el punto de vista de Shavarinsky, todas las figuras en el lienzo expresan la idea general: el logro de la prosperidad universal mediante esfuerzos conjuntos: los hombres y mujeres jóvenes llevan enormes pasteles, pretzels , uvas, los platos también se apilan en grandes cantidades en bancos y tejados (el artista representa casas en tres versiones: en sección, exterior, interior [52] ). No se venden, sino que simplemente se entregan a los niños. Una actuación festiva tiene lugar en la plaza cerca del palacio [6] . Shevarinsky calculó que el palacio de piedra blanca (que él consideraba el palacio de las artes) ocupa una sexta parte del cuadro. Junto a él, una niña cuelga un cartel sobre una próxima actuación en una columna [42] .
Desde debajo del arco (Shavarinsky enfatizó que no hay puertas en ambos arcos que bloqueen la entrada a la ciudad [25] ) toda una multitud entra a raudales a la ciudad. En una monografía dedicada al trabajo del artista, Ignatiev y Trofimov notaron que en el movimiento mismo de esta corriente de personas y las figuras de personajes individuales, no se siente ni expresión ni dinámica. Todo se hace de forma lenta, progresiva, rigurosa y continua [3] [47] .
Viktor Ignatiev y Yevgeny Trofimov se hicieron la pregunta: ¿el artista representó unas vacaciones o un episodio de la vida cotidiana? La respuesta, en su opinión, está relacionada con el análisis de la imagen: todo está en abundancia en la imagen, los pasteles, el pan, las bayas y las frutas se presentan en grandes cantidades. La gente es tranquila y pacífica. En las figuras se sienten posturas y movimientos estáticos. El espectador está convencido de que ya no se trata de unas vacaciones, sino de una vida normal y familiar. Antes, cuando de repente aparecía la abundancia (y generalmente se asociaba en la mente de las personas con una festividad), la gente expresaba alegría con violencia. Los investigadores concluyeron que el artista representa una vida familiar "normal". Así, en su opinión, siempre lo será. Chestnyakov, según Ignatiev y Trofimov, representó un modelo de un mundo nuevo, una vida nueva, en el que el pasado, el presente y el futuro están conectados, y la vida cotidiana no difiere de unas vacaciones [60] [3] [74] .
T. P. Sukhareva expresó un punto de vista ligeramente diferente. En su opinión, la artista buscó expresar la idea de prosperidad general a través de la construcción de una "cultura campesina universal" en el cuadro "Ciudad del Bienestar General" y en el cuento "Shablovsky Tarantass". Al mismo tiempo, "la monotonía de la vida cotidiana se convierte en una fiesta". El artista, desde el punto de vista de Sukhareva, muestra que "ellos logran el bienestar material 'no a instancias de una pica ', sino a través de un trabajo razonablemente minucioso". Signos de una utopía fabulosa en Chestnyakov: comodidad absoluta, empleo general, respeto mutuo, ausencia de resentimiento [75] . Señaló que las fantasías de Chestnyakov podrían alimentarse de observaciones reales: en el pueblo de Ekimtsevo en 1892, se construyó un complejo único de una escuela agrícola a expensas del industrial ruso, figura pública y científico F.V. .
Las figuras representadas en la imagen, según el crítico de arte y divulgador del arte Lev Dyakov, tienen el significado de símbolos . Coincide con él otro investigador de la obra del artista, Viktor Ignatiev, quien señala que cada acción del personaje, cada acontecimiento y fenómeno que ocurre, está dotado de un significado simbólico [74] . Un campesino barbudo con una escoba y un joven vestido de urbano con un cepillo (Katkova vio en él a un aldeano que volvía del trabajo en la ciudad, y por lo tanto vestido de urbano [54] ) hacen el mismo trabajo, pero cada uno en lo suyo. De alguna manera, su trabajo simboliza la "purificación espiritual de la vida". La imagen muestra a muchos niños con caras felices y juguetes en sus manos. “Un adulto debe ser como un niño para entrar en el Reino de los Cielos ”, escribió el mismo Efim Chestnyakov, partiendo del texto del Nuevo Testamento [51] [Nota 4] .
Shavarinsky también creía que muchos detalles de la pintura del artista se podían "leer" simbólicamente (por ejemplo, el número de pasos: cuatro indica los puntos cardinales, doce es el número, según la creencia popular, de la plenitud de la vida y la armonía). En este cuadro, a diferencia de los otros lienzos del artista, no hay " personajes mitificados ", sino una enorme paloma blanca (símbolo de paz y buen presagio) revoloteando sobre el arco en el ángulo superior izquierdo del cuadro [25] . Svetlana Katkova reconoció la presencia del simbolismo, pero señaló que en las pequeñas cosas de la vida cotidiana el artista no se desvía de la verdad de la vida. Los habitantes de Shablov, cuando fabricaban una escoba, cortaban dos o tres abedules delgados o ramas largas y los ataban. Es una escoba como la que se muestra en la imagen. Un niño pequeño se lame el dedo, "dándose un festín con algo de un canal o hueco de madera " . El abuelo "bebe kvas o cerveza de un cucharón , la abuela convierte la crema agria en mantequilla en una olla". La niña come, “sosteniéndola con ambas manos, temerosa de dejar caer al menos una miga” [54] . Una casa de madera de dos pisos con un amplio balcón, como en los edificios urbanos, se asemeja a la arquitectura señorial. Los personajes están vestidos con trajes festivos brillantes, los niños parados en el balcón usan sombreros de moda en su cabello suelto, algunas familias en plena fuerza caminan por la calle [1] .
El crítico literario soviético y ruso Valentin Kurbatov describió la imagen como "un enorme lienzo oscuro habitado por cientos de personajes, una arquitectura sin precedentes, como si hubiera sido traducido al lenguaje del pueblo justo de las sábanas del loco Piranesi ". Vio en la imagen "una colección jubilosa de milagros", "una abundancia de corazón simple, que afectó solo el tamaño de los pasteles", "espíritus malignos alegres", "viejos vestidos con prudente desestacionalidad, incluso en verano, incluso en invierno”, “movimiento [que] no va dirigido a ninguna parte, sino como congelado ante la palabra de un director invisible para una fotografía memorable. El investigador concluyó: “nos detenemos asombrados ante el pensamiento humano tan ramificado. Chestnyakov comenzó y terminó su mundo en Shablov. Aquí estaba la cuna, y aquí estaba para él el cenit de la cultura . Estaba convencido de que descifrando todos los papeles del artista se podía saber el nombre de cada uno de los 120 ancianos, jóvenes y bebés [78] . Al mismo tiempo, la "Ciudad de la Commonwealth" "escondió en su composición la confusión del artista frente al plan incierto del soñador" [67] .
Galina Neganova, en su tesis doctoral, insistió en que el principio argumental de organizar la imagen artística del mundo presentada por Chestnyakov se remonta a la cultura arcaica y transmite una percepción cíclica del tiempo , que no tiene longitud ni dirección. . La “Ciudad de la Commonwealth”, en su opinión, representa la realidad del inconsciente colectivo y reproduce el arquetipo de la ciudad, aunque volcada a la conciencia y asociada al futuro. Neganova argumentó que en el mundo artístico de Efim Chestnyakov, la belleza está asociada con la festividad y se correlaciona con la realización de rituales festivos. Durante la fiesta, el ritual involucra a todos sus participantes en la esfera sagrada . El espacio-tiempo de la festividad en la pintura del artista y en sus obras literarias está asociado a la " edad de oro ", donde reina la armonía y se eliminan las contradicciones [79] .
La ilustradora y periodista Zinaida Kurbatova sugirió que la Ciudad representada en la imagen es el Universo , cubierta con una cúpula de cristal , a través de la cual pasan los rayos del sol. A la izquierda, donde se representan chicas rusas detrás de ruedas giratorias , según Kurbatova, se encuentra Rusia, a la derecha, los edificios son de naturaleza europea occidental y oriental [80] . Viktor Ignatiev y Yevgeny Trofimov notaron que los edificios de piedra colocados en la parte superior de la imagen a la derecha e izquierda parecen entrar en el lienzo desde el exterior. El espectador tiene la impresión de que la imagen representa solo una parte del gran mundo que se encuentra fuera de ella (el mismo principio fue utilizado por el artista en la pintura " Procesión festiva con una canción. Kolyada " [6] ). Los atuendos de las chicas representadas en el lienzo son muy diferentes: ucranianas , bielorrusas , otras nacionalidades [3] [74] . A la izquierda hay un edificio de tipo oriental, en el que Katkova adivinó un mausoleo [81] .
No hay ciertos signos de tiempo en la imagen (tanto la hora del día como la estación del año), no hay una fuente de luz, el brillo proviene de todas partes y, contrariamente a las leyes de la física, no da sombra. Un fragmento de la imagen difiere marcadamente a este respecto. En la esquina inferior izquierda, Chestnyakov representó una cabaña en sección. Hay jóvenes en ella a la luz de una antorcha encendida , el azul de la noche se adivina fuera de la ventana. Según Ignatiev, se trata de un “pasado vivo” que forma parte del presente (otro elemento de este “pasado vivo” son, desde su punto de vista, viejas chozas apretujadas entre edificios de piedra) [47] . La crítica de arte Svetlana Katkova creía que en el primer plano de la imagen todas las tramas están conectadas con el pasado: una cabaña iluminada por una antorcha, reuniones con ruedas giratorias ... [12] .
El artista utilizó los principios del arte popular en su pintura : el pasado coexiste con el presente, se permiten figuras de diferentes tamaños en la imagen de un plano y una trama (el artista aplicó el segundo principio en la pintura “Entrada a la ciudad de Commonwealth” - el anciano y la anciana son más pequeños allí que los que están al lado de un niño y una niña). Las categorías mismas de espacio y tiempo se perciben en el lienzo como algo unificado [47] . "La Ciudad del Bienestar General", según Ignatiev, no es una imagen de género , sino una imagen de cuento de hadas: la acción se desarrolla fuera del tiempo, se viola la escala de las figuras, la trama es folclórica . El investigador explica esto por principios de la cultura popular tales como la naturaleza cíclica del tiempo y su eternidad [74] .
Desde el punto de vista de Svetlana Katkova, empleada del Museo-Reserva de Kostroma, el lienzo representa un sueño fantástico de felicidad universal que no se ha realizado en absoluto. Katkova sugirió que “los templos destruidos y desfigurados se convirtieron en prisiones, una terrible falla negra de la entrada debajo del arco, niños cerca de una extraña vivienda en forma de una olla volcada o un montón de heno, una gran casa de madera con dos pisos y idénticos hogazas de pan…”, que ella ve en el lienzo, remiten al presente real, que ya ha dado vida a la utopía [1] . Desde su punto de vista, en el cuadro, la artista “trazó indirectamente” “ despojos , hambrunas, detenciones, reclutamiento para obras”, la sangría del pueblo, que perdió la población más activa [43] . La imagen también refleja los problemas personales de Chestnyakov: preocupaciones por su hermana arrestada, sobrinos huérfanos, incomprensión de los demás y soledad [5] . Katkova sugirió que la Ciudad del Bienestar Común estaba, de hecho, ubicada fuera de los muros de la fortaleza, desde donde se enviaban dos procesiones solemnes. Uno de ellos lleva regalos materiales (bollos, tartas, un enorme pretzel …), el segundo está en un segundo plano, sus personajes no están tan personificados, y hacia él vuela una gran paloma blanca, que en el cristianismo es la personificación del Espíritu Santo [82] . Katkova cree que detrás del arco, según el artista, está el legendario Belovodye , lo que explica la admisibilidad de esta suposición por la relación cercana del artista con el joyero del pueblo de Krasnoe - on-Volga P. Ya .
Katkova encontró en la imagen ecos del fresco del Juicio Final , que suele ocupar el muro occidental de una iglesia ortodoxa , con un relleno continuo del espacio con personajes y formas arquitectónicas, una estructura escalonada y la oposición entre sí de diferentes grupos de personajes (justos y pecadores) [12] .
En 2003, el personal del departamento de cultura de Kologriv desarrolló una gira promocional de tres días "Del Reino de Berendey a la Ciudad del Bienestar". Bajo el Reino de Berendey, se quiso decir Kostroma, y bajo la Ciudad de Bienestar General, Kologriv. Los creadores del proyecto explicaron que Chestnyakov es percibido no solo como un gran artista, sino también como un " sagrado anciano venerado localmente " [27] . Una de las rutas turísticas llamada "Caminos de Efimov" incluye una visita al pueblo de Shablovo con la casa-museo de Chestnyakov y una cabaña etnográfica (se proporciona participación en programas interactivos ), la llave de Efimov , el agua en la que se venera como curativo, Monte Shabala , "álamos cantores", "Templo Verde" (un lugar de oración en el bosque fundado por Chestnyakov), el pueblo de Ileshevo , las iglesias Ilyinskaya y Nikolskaya de los siglos XVIII-XIX, la tumba de Chestnyakov [83] . Los empleados del Instituto de Etnología y Antropología de la Academia Rusa de Ciencias Dmitry Gromov y Anna Sokolova escribieron que la “naturaleza agresiva de la promoción” del legado de Chestnyakov provoca en algunos residentes de Kologriv “más rechazo que amor” [84] .
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