Artes visuales de estados unidos

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Las bellas artes en los Estados Unidos  son  bellas artes hechas en los Estados Unidos o por artistas estadounidenses .

Antes del comienzo de la colonización, las artes visuales de los indios americanos florecieron en los Estados Unidos. A principios de la era colonial, las artes visuales en la costa este estaban guiadas por el trabajo de artistas europeos; un ejemplo es el trabajo de  John White (1540-1593). A finales del siglo XVIII y principios del XIX, los artistas pintaron principalmente retratos y paisajes, a imitación  de la pintura inglesa . A fines del siglo XVIII, dos artistas estadounidenses, Benjamin West y John Singleton Copley , se convirtieron en exitosos artistas europeos. Los artistas estadounidenses que continuaron trabajando en los EE. UU. también fueron maestros pintores, pero poco conocidos en Europa. A principios del siglo XIX se empezaron a crear en Estados Unidos instituciones educativas para la formación de artistas. En 1820,  la escuela del río Hudson se estableció aquí , dominando  la pintura de paisajes románticos  . A partir de 1850 floreció en el país el  arte académico  de estilo europeo ; los estadounidenses ricos adquirieron pinturas de artistas europeos, los maestros europeos participaron en exposiciones en Nueva York, como la Exposición del Arsenal  (1913). Después de la Segunda Guerra Mundial , el centro del arte mundial se trasladó a Nueva York desde París; en Estados Unidos surgió el movimiento de arte moderno y posmoderno . Hoy en día, las artes visuales en los Estados Unidos abarcan una gran variedad de estilos artísticos.

Los artistas de Rusia hicieron una contribución significativa a las artes visuales de los Estados Unidos. Entre ellos estaban el fundador del "surrealismo abstracto" Arshile Gorky, seguidor del expresionismo abstracto Mark Rothko, David Burliuk, Nikolai Feshin, Sergei Sudeikin, Sergei Gollerbach y otros [1] .

Orígenes

Uno de los primeros artistas en visitar la América británica fue John White (1540-1606). El resultado de su trabajo fueron  acuarelas que representan  la vida de los indios americanos en la costa este (guardadas en el  Museo Británico ). White viajó a Estados Unidos como artista y cartógrafo del personal de una expedición organizada. En los primeros años de la época colonial, la mayoría de los artistas eran oficiales, su formación incluía pintar paisajes. Los retratistas a menudo eran autodidactas. Uno de los primeros fue el escocés John Smeibert (1688-1751), quien llegó a la América británica en 1728 como colega teólogo George Berkeley en el proyecto fallido de este último de fundar una universidad en las Bermudas, pero se instaló en Boston . Algún tiempo antes, alrededor de 1726, se mudó allí el grabador y mezzotintista Peter Pelem , que se convirtió en un amigo cercano de Smeibert. En los territorios españoles, las artes visuales eran en su mayoría de contenido religioso, siendo el estilo principal el barroco . 

Retrato angloholandés del siglo XVII

Uno de los centros de la cultura colonial del modelo británico fue el territorio de la llamada Nueva Inglaterra en la región de la cordillera de Catskill y el río Hudson . Casi el único género permitido en ese momento era el retrato, con un fondo oscuro, colores relativamente brillantes y falta de perspectiva. El género de retrato provinciano y restringido que existía en ese momento correspondía a los gustos de la gente rica, era un indicador de lujo y riqueza. El género del retrato colonial era de origen anglo-holandés y no tenía nada que ver con el arte barroco de Europa o cerca de ellos México (la antigua colonia de la Nueva España) [2] . De aquella época se conservan varias muestras de retratos de un maestro anónimo de la segunda mitad del siglo XVII, retratos de mujeres y niños de familias acomodadas.

Los emigrantes de los Países Bajos se establecieron en New Holland y la ciudad de New Amsterdam (ahora Nueva York). En sus casas había tanto retratos como imágenes de naturalezas muertas y paisajes de las provincias de Holanda [3] .

Siglo XVIII

Después de la declaración de independencia en 1776, que marcó el comienzo oficial de la identidad nacional estadounidense, la nueva nación necesitaba representar su historia en las artes visuales. La mayoría de las primeras pinturas estadounidenses (desde finales del siglo XVIII hasta principios del siglo XIX) tenían temas históricos, incluidos los retratos. Al igual que en la América colonial, muchos de los artistas que se especializaron en retratos fueron autodidactas. Un lugar especial entre ellos lo ocupan Joseph Badger, John Brewster  y William Jennis. Los artistas locales siguieron los estilos del arte británico con los que estaban familiarizados a través de los grabados y pinturas de inmigrantes como John Smybert (1688-1751) y John Wollaston (1742-75). [cuatro]

Robert Feke (1707-1752), un pintor sin experiencia del período colonial, logró la sofisticación en el estilo mientras estudiaba con Smybert (John Smybert). El pintor Charles Willson Peel recibió su educación artística estudiando copias de las obras de Smeibert, ejemplos de pintura europea y retratos de figuras de la Revolución Americana . Su hermano menor, James Peel, y sus cuatro hijos, Raphael, Rembrandt , Rubens y Titian, también fueron artistas. El artista  Gilbert Stuart , que pintó retratos de funcionarios, [5]   se hizo famoso después de que su obra se imprimiera en sellos postales estadounidenses del siglo XIX y principios del XX [6] .

John Singleton Copley pintó  retratos simbólicos  de comerciantes adinerados, incluido un retrato de Paul (c. 1768-70). La versión original de su pintura más famosa, Watson y el tiburón (1778), se encuentra en la colección de la Galería Nacional de Arte [7] , y hay otras versiones de la pintura en el Museo de Bellas Artes de Boston y el Instituto de Detroit. del Arte . Benjamin West  pintó retratos y pinturas históricas sobre  temas de guerra franceses e indios . El artista West trabajó en Londres, donde enseñó a muchos artistas estadounidenses, incluidos Washington Alston , Ralph Earle, James Earle, [8] Samuel Morse , Charles Wilson Peale, Rembrandt Peale, Gilbert Stuart, John Trumbull, Mather Brown, Edward Savage y Thomas Sully [ 9] . John Trumbull (Trumbull ) dibujó episodios de la Guerra Revolucionaria Americana . Los paisajes  fueron pintados como un fondo pintoresco para retratos.

Obras de los primeros artistas americanos

Siglo XIX

En América, en 1820, se estableció la primera escuela de pintura , la Escuela del río Hudson . Thomas Cole se situó en sus orígenes  , también incluyó a Albert Bierstad , Frederic Edwin Church , Thomas Doughty y una serie de otros artistas. 

La pintura de los artistas de la Escuela del Río Hudson se caracterizó por la franqueza y la sencillez de visión. Ella inspiró a artistas como John Kensett y Luminists ;  George Inness y artistas del estilo tonalista (que incluían a Albert Pinkham Ryder , Blakelock Ralph y otros), Winslow Homer (1836-1910), quien representó la América rural, el mar, las montañas, la gente que vive a su lado.

El paisajista escolar   Robert S. Duncanson fue uno de los primeros pintores afroamericanos serios. John James Audubon , un  ornotólogo pintor de aves, fue uno de los artistas naturalistas serios de Estados Unidos. Su obra principal fue un conjunto de grabados en color llamado Los pájaros de América (1827-1839). Es una de las mejores obras ornitológicas. 

Las imágenes del Gran Oeste que enfatizan las vastas extensiones del territorio, la cultura de las personas que viven en él, se han convertido en un género artístico independiente. El artista George Catlin representó Occidente y su gente con la máxima autenticidad. El artista George Caleb Bingham, más tarde Frederick Remington , Charles M. Russell , el fotógrafo Edward S. Curtis y otros registraron la herencia estadounidense a través de las artes visuales.

La pintura de historia era un género menos popular en el arte estadounidense del siglo XIX, pero Washington cruza el Delaware , del alemán Emanuel Leutze , es una de las pinturas estadounidenses más famosas. Las imágenes históricas y militares de William Trego (William BT Trego) se publicaron después de su muerte [10] .

Los artistas Thomas Sully y George Healy son conocidos por sus numerosos retratos de personajes importantes de su tiempo . El artista Thomas Eakins (1844-1916) dedicó su obra a representar a los habitantes urbanos de clase media . En sus pinturas y fotografías ocupa un gran lugar la imagen de un cuerpo desnudo y semidesnudo (a menudo masculino). Hizo muchas imágenes de atletas, incluidos remeros y luchadores. De gran interés para Eakins fue la transmisión de los movimientos del cuerpo humano. [11] . Uno de sus alumnos fue Henry Ossawa Tanner , el primer artista afroamericano en lograr el reconocimiento internacional.

La técnica blenda fue utilizada en la pintura de bodegones por Raphael Peel (uno de los hermanos pintores de la familia Peel), William Michael Harnett (1848-1892) y John F. Peto.

El escultor estadounidense más exitoso de su tiempo fue Hiram Powers . Dejó Estados Unidos cuando tenía poco más de treinta años para pasar el resto de su vida en Europa. Allí se dedicó a modelar esculturas de mujeres desnudas ( Grechersk esclava , Eva seducida ) [12] . Algunos de los artistas interesantes que se consideran estadounidenses han pasado la mayor parte de su vida en Europa, en particular: Mary Cassatt , James McNeil Whistler y John Singer Sargent . Todos fueron influenciados por el impresionismo francés . Theodore Robinson viajó a Francia en 1887, se hizo amigo de Monet y se convirtió en uno de los primeros artistas estadounidenses en dominar la nueva técnica pictórica. En las últimas décadas del siglo XIX, el estilo popular del impresionismo americano estuvo presente en la obra de los artistas Childe Hassam y Frank W. Benson [13] .

Género doméstico

El género cotidiano en la pintura estadounidense se ha desarrollado desde la primera mitad del siglo XIX. Esto fue facilitado por la tipografía con descripciones de eventos y el trabajo de un partidario del género cotidiano, el artista William Sydney Mount [14] . El artista William Sydney Mount es considerado el fundador del género en la pintura estadounidense.

Posteriormente, el género cotidiano se enriqueció temáticamente y se alejó de la imagen del ocio idílico de los provincianos con las cartas, el trabajo sin prisas, el baile y el noviazgo. En los Estados Unidos, comenzó una revolución industrial activa y una rápida urbanización.

Los artistas comenzaron a registrar la vida de los habitantes de las grandes ciudades y su torpe entretenimiento. El género cotidiano se ve privado de escenas idílicas ( Walter Guy , "Mercy", 1889) y presenta un sermón de un misionero de moda ( George Bellows , "Sermon", 1915), luego el aburrimiento en un parque público (Everett Shinn, "Green Park en Londres", 1908), luego las tonterías de las peleas de boxeo (George Bellows. "Lucha por una apuesta en Sharkey", 1917) o una feroz pelea de borrachos: visitantes del bar (Anton Otto Fischer, 1882-1962, "Bar Lucha", 1912) [15] [16] .

La ausencia de ideas significativas en el arte promueve escenas cotidianas en el arte monumental (artista Kindred Makler, "Post Operations", 1937, artista Marion Greenwood, pintura mural "Descarga de verduras y frutas", Viktor Mikhailovich Arnautov , "Procesamiento de algodón").

Artistas de la escuela del río Hudson

Una parte integral del romanticismo temprano en los Estados Unidos fue el "nativismo", cuyo contenido era una comprensión artística y filosófica del país, su naturaleza, sus instituciones sociales.

Los personajes principales de la literatura estadounidense del siglo XIX fueron viajeros, cazadores, honestos y no tan aventureros, conquistadores de lo salvaje, viajar al oeste, montar a caballo, navegar en botes (disparando constantemente a todo lo sospechoso) [17] .

La actitud depredadora hacia la naturaleza coincidió extrañamente con la observación atenta de la misma, inherente a la cultura inglesa con su culto a la privacidad y los parques paisajísticos. El futuro fundador de la Hudson River School, Thomas Cole , llegó a EE. UU. cuando era un muchacho de diecisiete años (sus padres emigraron de Gran Bretaña en 1818 y se establecieron en la ciudad de Steubenville, Ohio). El joven comenzó a estudiar la técnica artística del retratista ambulante Stein. Su actitud hacia la vida silvestre de la región se distinguió por la pasión e incluso la adoración. Vio en ella la grandeza y la sabiduría de Dios Creador. Los retratos no eran muy interesantes para Cole y pasó a representar paisajes. En 1825 llegó al valle del río Hudson, West Point y Catskill, donde creó las primeras pinturas de la naturaleza local. El 22 de noviembre de 1825 aparecieron los primeros ensayos sobre sus obras en el New York Evening Post.

Posteriormente, surgió toda una corriente en la pintura local, denominada la “Escuela del río Hudson”. Los artistas de esta escuela se centraron en representar vistas de las orillas del Hudson, los estados de Nueva York y Pensilvania, todo en Nueva Inglaterra y el este de América del Norte.

Thomas Cole murió en 1848. Fue reemplazada por la segunda ola de artistas de la Escuela del Río Hudson, la geografía de los paisajes se expandió notablemente. La nueva generación de artistas incluía a estudiantes de Cole, entre ellos, Asher Brown Durand , Frederick Edwin Church , Sanford Robinson Gifford, John Frederick Kensett. Las obras de la nueva generación de artistas a menudo se describen como pertenecientes al luminismo actual (a través de la atención a los efectos de iluminación natural). Durante un tiempo, los paisajes comenzaron a ser corrientes en la pintura del país.

Una rama de la Escuela del Río Hudson fue el Luminismo , que enfatizó la exhibición de efectos de iluminación. El luminismo, junto con el impresionismo, se centra en la percepción de la luz por parte del artista. Sin embargo, los dos estilos son marcadamente diferentes. El luminismo se caracteriza por la atención al detalle y el ocultamiento de la pincelada, mientras que el impresionismo se caracteriza por la falta de detalle y el énfasis en las pinceladas. El luminismo precedió al impresionismo, y los artistas que trabajaron en el estilo luminista no fueron influenciados por el impresionismo [18] .

El término neoluminismo ha sido propuesto para un movimiento moderno en la pintura estadounidense que se adhiere al movimiento artístico del luminismo [19] [20] .

Los principales pintores luministas estadounidenses fueron: Robert Salmon (1775 - alrededor de 1845); Fitz Henry Lane (1804 - 1865); Jorge Caleb Bingham (1811 - 1879); Juan Federico Kensett (1816 - 1872); James Augusto Saidam (1819 - 1865); Cabeza de Martin Johnson (1819 - 1904); Sanford Robinson Gifford (1823 - 1880); Jasper Francis Cropsey (1823 - 1900); Iglesia de Federico Edwin (1826 - 1900); David Johnson (1827 - 1908); Elbert Bierstadt (1830 - 1902); Edmund Darch Lewis (1835 - 1910); Alfred Thompson Bricher (1837 - 1908) [21] .

Pintura de caballete del siglo XIX

En 1803, el emperador Napoleón Bonaparte , que necesitaba urgentemente dinero para librar guerras en Europa, insistió en vender Luisiana al gobierno de los Estados Unidos. La adquisición territorial duplicó el territorio del país. La independencia de la nueva república despertó el entusiasmo de los vecinos y en la pintura se reflejó en la difusión del clasicismo y el academicismo. El clasicismo fue apoyado oficialmente por el gobierno del país y se generalizó en la construcción de edificios para la construcción de instituciones oficiales (en arquitectura). En la pintura de los Estados Unidos, el clasicismo se reflejó poco, aunque varios maestros que estudiaron en Europa trabajaron activamente en esta dirección (Benjamin West, John Vanderlin). El estadounidense John Vanderlin eligió en lugar de la ciudad tradicional para enseñar a los estadounidenses la ciudad de Londres - París , donde se formó durante cinco años en el taller de Jacques-Louis David , razón por la cual el estilo del clasicismo tardío está presente en sus retratos y obras. sobre temas mitológicos ("Marius sobre las ruinas de la derrotada Cartago", "Ariana desnuda en Naskosi").

El desarrollo de nuevos territorios en el valle del río Mississippi y el sometimiento de las tribus locales provocó una ola de interés por la historia del país entre científicos, viajeros y artistas. Esto contribuyó a que la pintura de paisaje ocupara su lugar en la vida artística de los Estados Unidos del siglo XIX y diera lugar a escuelas de arte como la Hudson River School (desde 1820) y el tonalismo a partir de la década de 1880. El auge de la economía local contribuyó a la abolición de la dependencia económica del Reino Unido. En los Estados Unidos, la impresión de libros se desarrolla rápidamente, aparecen una serie de periódicos que estimulan el trabajo de reporteros, periodistas e ilustradores.

Un ejemplo de las bellas artes estadounidenses fue la pintura del artista D. Gast "American Progress". La imagen muestra una imagen alegórica del desarrollo de los pioneros de los territorios occidentales del país. La pintura fue encargada por George Crofatt, editor de guías de viaje estadounidenses, en 1872 y ha sido reproducida en numerosas ocasiones en la prensa. El oeste se representa en la pintura como un lugar oscuro y salvaje en comparación con el lado este de la pintura. Los pueblos indígenas que viven en Occidente con su modo de vida se dispersan [22] .

El romanticismo en la pintura de los Estados Unidos tuvo un carácter específicamente nacional y tuvo su origen en las obras académicas y románticas de Alemania. Así, toda una colonia de artistas de los Estados Unidos estudió y trabajó en Düsseldorf ( William Holbrook Byrd , Emmanuel Leutze , George Caleb Bingham). William Beard trabajó con temas raros incluso en Europa, se hizo famoso por sus imágenes-cuentos con animales que representaban diversas situaciones humanas frente a la audiencia ("Monos alcohólicos", "Monos científicos", "Los osos mataron al cazador").

Los cambios en la vida artística del país fueron la base de instituciones educativas como la Academia de Bellas Artes de Pensilvania en Filadelfia (1805), la Academia Nacional de Diseño en Nueva York (1826).

Tras la muerte del artista Thomas Cole, el liderazgo de la Academia Nacional de Diseño pasó a Asher Brown Duran. En sus Cartas sobre la pintura de paisajes, sentó las bases teóricas de la pintura de paisajes estadounidense.

Artistas de Trash Can School

A finales de los siglos XIX y XX, las principales ciudades de los Estados Unidos experimentaron un gran crecimiento. La población de Nueva York aumentó de un millón y medio en 1890 [23] a unos tres y medio en 1900 [24] . Los periódicos de la ciudad de esa época se esforzaron por transmitir las noticias de la manera más natural posible. Las cámaras de esa época aún no se podían utilizar para filmaciones operativas de incidentes. Por lo tanto, los periódicos contrataron artistas que dibujaron ilustraciones para notas. En su mayor parte, representaban el lado feo de la vida de la ciudad. De 1896 a 1904, junto con Robert Henry, los artistas se trasladaron a Nueva York [25] . Allí se les unieron los artistas Glenn Colman , Jerome Myers y George Bellows . Los principales objetos de los bocetos de estudio eran las calles con sus representantes típicos: niños de la calle , prostitutas , atletas de la calle, boxeadores e inmigrantes [26] .

La escuela, con el inesperado nombre de " Escuela Trash Can ", no era una comunidad ideal, no emitía manifiestos demostrativos ni plataformas teóricas, no se veía a sí misma como la única comunidad artística y no estaba ligada por gustos comunes. Los artistas de la escuela diferían marcadamente en sus preferencias políticas: unos eran apolíticos, otros se interesaban por la política y trataban de interferir en ella.

Muchos de los artistas se comunicaron en la Academia de Bellas Artes de Filadelfia, donde trabajaba el conocido artista en los Estados Unidos, Thomas Anschutz, representante del realismo. Otros trabajaban como ilustradores para periódicos de la ciudad de Filadelfia. Ni el origen ni la educación de los participantes en la dirección contribuyeron a atraerlos al estilo académico con sus fórmulas de composición pasadas de moda y tramas antiguas.

La esencia de las búsquedas y tramas de la escuela estaba prácticamente formada por Robert Henry, quien anunciaba la creación del "arte como periodismo (o incluso reportaje), quería ver en las imágenes los colores reales de la suciedad de la calle, los colores del estiércol de caballo o hielo en charcos en Broadway". Atrajo a jóvenes estudiantes y amigos a esta plataforma y creyó que la vida y las actividades de los pobres, el proletariado y la clase media valían la pena reproducir en la pintura y no ofenderían la integridad y la nobleza de los gustos de sus contemporáneos.

La gloria de la Escuela de las papeleras duró poco. En 1913, se llevó a cabo su Exposición del Arsenal (Henry estuvo entre los organizadores). Ella revolucionó las artes visuales en los Estados Unidos, poniendo el modernismo en primer plano . El término "escuela de botes de basura" apareció tres años después.

Mosaico

Indios en la pintura estadounidense

La imagen de los indios locales se ha convertido en un tema específico de la pintura estadounidense. Los emigrantes y residentes de las colonias estudiaron la vida de los indios y tomaron mucho de ellos en los primeros años de la emigración. Las primeras imágenes de los indios estaban presentes en las pinturas del siglo XVIII (Gustav Gasselio. "Indian Delaware", 1735, Benjamin West, "Retrato del coronel Guy Johnson con un indio", 1776)

Durante décadas, el tema indio no se desarrolló en la pintura. La falta de interés por ella se explica porque los lugareños eran muy diferentes a los pobladores, no conocían la rueda, el ganado de tiro y los caballos, tenían herramientas primitivas. Los pastores nómadas aún no han cambiado a una forma de vida sedentaria. El artista George Catlin, viajero y escritor, dio las primeras imágenes científicas y descripciones etnográficas de los indios: audaces, envueltos en mantas, con el pelo sin cortar hasta el suelo, con lanzas y arcos en las manos. El choque de dos civilizaciones no favoreció a los lugareños, aunque tomaron prestado algo de los colonos, posteriormente se movieron a caballo y dominaron las armas modernas. Pero los indios fueron tratados un poco mejor que los esclavos americanos. La entrada de los indios en una nueva civilización para ellos se prolongó durante siglos. Hubo muchas páginas trágicas en su historia. Los colonos vieron a los indios como una amenaza y un obstáculo para el desarrollo de las tierras occidentales.

Entre los que desarrollaron el tema indio en la pintura se encontraban los artistas: John Wesley Jarvis (John Wesley Jarvis), Alfred Jacob Miller , en el siglo XX, los artistas Frederick Remington , Nikolai Feshin ("Taos Leader" 1927-33) [27] .

Tonalismo

La dirección del tonalismo tuvo rasgos peculiares en la pintura de USA . Cronológicamente, coincidió con las actividades de la escuela de Barbizon y el florecimiento del simbolismo francés y abarcó el período de 1880 a 1910. En la pintura de los Estados Unidos, el tonalismo se reflejó en las imágenes de paisajes rurales y urbanos. Coexistió con el impresionismo estadounidense, pero posteriormente sucumbió a él.

Las generalizaciones de formas y colores tenues en las pinturas de los tonalistas, los efectos de iluminación y las imágenes de nieblas dieron pie a que los críticos de arte llamaran al tonalismo el antecesor del abstraccionismo del siglo XX. En el tonalismo, las formas de los objetos y personas representados son reconocibles. John Henry Twachtman ("Landscape in Holland"), Thomas Devin ("In the Garden"), Leon Dabo ("Hudson River at Dusk"), Henry Ward Ranger y otros trabajaron en este estilo [28] [29] .

Artistas emigrantes e invitados temporalmente a trabajar

El colorido cuadro de la vida artística de los Estados Unidos en el siglo XX se complementó con artistas emigrantes y artistas invitados temporalmente a trabajar en el país. La Gran Revolución Socialista de Octubre en Rusia en octubre de 1917, los años de hambre, la Guerra Civil y el deseo de ganar dinero llevaron a la salida de varios artistas y científicos del país: compositores, músicos, actores, escritores, científicos, ingenieros. , artistas. Nicholas Roerich visitó los EE . UU . y la venta de sus pinturas contribuyó a la opinión generalizada sobre las propiedades curativas de sus pinturas. Se inauguró el Museo N. Roerich en Nueva York. Somov Konstantin Andreevich visitó los Estados Unidos para vender las obras de los artistas rusos y así apoyarlos durante los años de la crisis financiera. Feshin Nikolai Ivanovich , un representante del postimpresionismo, Jan Henryk Rosen y el muralista Viktor Mikhailovich Arnautov llegaron a los Estados Unidos .

En el arte estadounidense del siglo XX, aunque con retraso, se desarrollaron géneros de bellas artes que no estaban aquí, pero que eran inherentes a la cultura artística mundial ( paisaje , naturaleza muerta , retrato, género cotidiano, género animal, etc.). La mayoría de los artistas del país recurrió a la gráfica y casi todos a la tecnología moderna (litografía, carpintería, técnica de impresión combinada). Los murales monumentales del período inicial no se hicieron para museos, sino para tareas públicas, explicando las reformas y agitando a favor de ellas. La realidad burguesa ha hecho sus propios ajustes. Varias galerías y museos abiertos en el país recopilaron toda la variedad de obras de arte, cualquier técnica y estilo burgués.

Los artistas mexicanos Diego Rivera , José Clemente Orozco fueron invitados a trabajar en los Estados Unidos , críticos con el estilo de vida americano, el sistema burgués. Aportaron a la pintura de Estados Unidos la esperanza de una vida mejor, el deseo de reforma y democratización, contribuyendo a la fama mundial del arte de México (Orozco, mural "American Civilization", Dartmouth College Library, "Prometheus", mural en Pamona College, EE. UU., 1930). Las obras monumentales de Diego Rivera provocaron restricciones de censura, y su fresco más peligroso fue cerrado a la audiencia por una cortina.

La pintura monumental de José Clemente Orozco tuvo un carácter francamente experimental [30] . No se detuvo en la tradición de pintar al fresco edificios antiguos o el uso audaz de colores. Así, los frescos de la Biblioteca Ortiz (1940) de la ciudad de Hikilpan fueron realizados únicamente en blanco y negro. El maestro representó las tramas de la serie "México en la Revolución". En el mismo 1940, continuó experimentando con frescos y creó un fresco móvil "Avión bombardero en un pico", privando al fresco de su fijación en la pared. Esto equiparó el mural con un cartel político. Fue creado para el Museo de Arte Moderno de Nueva York y se convirtió en la respuesta del artista al estallido de la guerra por parte de la Alemania nazi. Por el contrario, el arte abstracto-seguro del mexicano Rufino Tamayo no encontró aquí respuesta.

Extranjeros por origen o educación trabajaron en el país durante décadas: Feshin Nikolai Ivanovich (1881-1955), Viktor Mikhailovich Arnautov (1896-1979), Sitnikov Vasily Yakovlevich (1915-1987), Sorin Savely Abramovich (1878-1953), Suloaga ( 1870- 1945), Anton Refregier (1905-1979), Jan Henryk Rosen (1891-1972), Dobuzhinsky (1875-1857), Diego Rivera, José Clemente Orozco, Mark Rothko (Markus Rotkovich de Letonia), John D. Graham ( Ivan Dombrovsky de Ucrania), Marc Klionsky, Pavel Chelishchev (1898-1957), David Burliuk (1882-1967), Leon Gaspard (1882-1964), Joaquín Sorolla y Bastide (1863-1923), Ramon Casas (1866-1932) , Salvador Dalí , Luis Lozovik, Viktor Nizovtsev, Rufina Tamayo.

Impresionismo en la pintura en los Estados Unidos

En el siglo XIX comenzaron cambios importantes en la cultura de los Estados Unidos: por un lado, se estudiaron cuidadosamente los movimientos artísticos y los hallazgos de artistas británicos y especialmente franceses, por otro lado, la formación activa de grandes bibliotecas y colecciones de museos. empezó. Los ricos estadounidenses compraron pinturas en Gran Bretaña, así como todas las pinturas de moda de artistas franceses, persiguiendo obras prestigiosas en los salones parisinos. Marshals comenzó a llegar a los Estados Unidos, vendiendo pinturas de artistas parisinos que luego se convirtieron en las luminarias del arte europeo: Camille Corot , Claude Monet y otros. Pinturas de representantes de la escuela de Barbizon Francois Millet, Edouard Manet , los principales representantes del impresionismo francés desde Claude Monet, Camille Pissarro hasta Pierre-Auguste Renoir se instalan en los salones de los Estados Unidos. Todo esto alimenta el impresionismo estadounidense. A finales del siglo XIX, el realismo académico y el impresionismo local tendrían éxito económico en el país. Representantes del impresionismo americano decorativo fueron Robert Leavis Reid (1862-1929) y Richard Miller [31] [32] . Las obras de los artistas impresionistas decorativos estadounidenses tienden a representar mujeres en poses lánguidas al aire libre o escenas interiores con figuras iluminadas por la luz natural de las ventanas.

El impresionismo del tipo francés se reflejó completamente en el trabajo de la estadounidense Mary Cassatt. Económicamente independiente, vivió y trabajó durante años en París, donde conoció al hijo del banquero, Edgar Degas. Este último le dio consejos en pintura y la invitó a participar en exposiciones de los impresionistas. Mary Cassatt participó en cuatro de ellos. El pintor Theodore Robinson visitó París y se hizo amigo de Claude Monet. Se le considera el primer impresionista estadounidense. Esta tendencia en el arte se demostró en 1880 en las ciudades de Boston y Nueva York.

Un artista autorizado a finales del siglo XIX. era Whistler, capaz de generalizaciones y búsquedas en varios esquemas de color. Un análisis cuidadoso de su obra y técnica artística demuestra que tenía un estilo de escritura original que no coincidía con los principios del impresionismo. El artista Sargent ocupó su lugar en el arte de Europa Occidental y Estados Unidos. Trabajó mucho y fructíferamente como retratista de gente rica, así se ganaba la vida. Más audaz, impresionista y creativo, se mostró en numerosos bocetos y acuarelas.

La etapa inicial de interés por el impresionismo finalizó en Estados Unidos en 1913 tras una exposición de arte contemporáneo en Nueva York. Las escuelas provinciales separadas continuaron trabajando en el estilo del impresionismo hasta 1920, cuando se desvaneció y dio paso al abstraccionismo apoyado oficialmente.

Una nueva fase del impresionismo estadounidense comenzó en la década de 1950 con varias exposiciones de impresionistas franceses y estadounidenses organizadas por varios museos importantes de los Estados Unidos. En ese momento, los impresionistas de Francia se convirtieron en las luminarias del arte europeo y sus obras cruzaron fronteras de millones de dólares en las subastas de arte. Los principales compradores en estas subastas de venta son los millonarios de Japón y Estados Unidos. Las colecciones de los museos en los Estados Unidos se reponen con casi todos los representantes de los movimientos artísticos, lo que fue facilitado por las leyes estatales sobre privilegios preferenciales para los donantes de valiosas obras de arte (los patrocinadores de los donantes en los Estados Unidos recibieron el derecho de no pagar impuestos sobre la cantidad gastada sobre una obra de arte, por significativa que sea).

El estilo del impresionismo también fue apoyado por mujeres artistas en los Estados Unidos. En el siglo XX, estos son Lilian Westcott Hale (1880-1963), Gretchen Rogers (Gretchen Woodman Rogers 1881-1967), Elizabeth Paxton (Elizabeth Okie Paxton 1877-1971), Catherine Lane [33] . Trabajaron en Boston, sus pinturas no suelen tener trama, incluyen retratos, escenas cotidianas, paisajes.

Pintura religiosa en colecciones estadounidenses

El protestantismo y sus diversas tendencias en los Estados Unidos no cultivó el desarrollo de la pintura religiosa. Las excepciones fueron las pocas comunidades católicas y los colonos franceses. Los artistas estadounidenses que trabajaban en París recurrieron a temas religiosos en la pintura , manteniéndose formalmente dentro de los límites de la religión católica. Pero eran solitarios.

Varios museos de arte en los Estados Unidos comenzaron a comprar pinturas basadas en temas bíblicos en el siglo XX y se vendieron en numerosas subastas.

Paisajes

La observación cercana de la naturaleza circundante ya era inherente a los artistas de la Escuela del Río Hudson. Sin embargo, miraban la naturaleza a través de los cristales de las actitudes románticas, mostrándola idílicamente a la manera de los paisajes clásicos de los siglos XVII y XVIII, o dejándose llevar por los efectos de la luz y la perspectiva.

Muchos paisajes e imágenes de la conquista de la naturaleza salvaje por el hombre a principios del siglo XX fueron creados por los maestros de la escuela "Trash Basket". La técnica de pintura temperamental y desordenada enfatizó el drama de las situaciones y lo incompleto de la victoria de las personas sobre la naturaleza.

Una mirada desprovista de actitudes románticas hacia la naturaleza tuvo el artista Winslow Homer (1836-1910). La falta de educación artística profesional lo llevó a estudiar con los artistas Frederic Rondeli y Thomas Gray Cummings y educarse a sí mismo. Su intención de ir a estudiar y estudiar en Europa Occidental no se concretó debido a dificultades económicas. Esto, sin embargo, salvó al artista de teorizar en exceso. Se convirtió en un maestro original, que vio su grandeza en la naturaleza circundante de los Estados Unidos.

La época de la Sociedad Estadounidense de Winslow sobrevivió a la revolución industrial y la transición a la urbanización. El círculo de profesiones difíciles y peligrosas para una persona ha aumentado. Winslow Homer sintió profundamente estos cambios y los convirtió en el tema de su propio trabajo, incluida la pintura de paisajes. Se crearon varias pinturas y acuarelas del artista al borde de los géneros. Se trata tanto de paisajes como de escenas cotidianas (“Alarma de niebla”, “Pesca en el lago”, “Adirondack. Un ciervo nada en el lago”, “Antiguos habitantes”). Sus acuarelas representan paisajes tranquilos, casi idílicos, y su apelación a los eventos trágicos en acuarelas fue inesperada.

La verdadera tragedia está presente en su acuarela "Tornado Killer". El mar embravecido se calmó. Pero un evento terrible ya ha sucedido. Las olas arrojaron a la costa los restos de un barco pesquero y el cadáver de un pescador negro. Todo es simple e intimidante. El artista siente vivamente la desgracia ajena y advierte con esta obra de los peligros existentes.

George Bellows desarrolló diferentes temas en los paisajes, desde la idílica "Blue Snow" hasta el casi feo paisaje industrial ("Pennsylvania. Pit").

El ataque a la naturaleza salvaje de los Estados Unidos fue tan poderoso y destructivo que comenzó a llamar la atención incluso de una sociedad indiferente. El desarrollo de las tierras occidentales estuvo acompañado de agresiones a los indios, tiroteos, borracheras y destrucción de aves y animales salvajes. En solo un invierno de 1877, 100.000 bisontes fueron asesinados. Las compañías ferroviarias estadounidenses contrataron tiradores profesionales para exterminar bisontes y suministrar carne gratis. A principios de la década de 1890, el bisonte, como especie salvaje en la naturaleza, casi había desaparecido. Solo quedan unos pocos en zoológicos y granjas privadas. El gobierno solo a principios del siglo XX desarrolló un proyecto para proteger a estos animales y comenzó a comprar bisontes a propietarios privados. Los bisontes fueron colocados en parques nacionales. El testigo de estos hechos fue el artista Bellows, quien vio la grandeza de la naturaleza del norte, parcialmente destruida por los estadounidenses ("Northern River", "Dockers of the Big City", "Snow Removal from the City"). También dibuja paisajes. de Nueva York, que rápidamente se convirtió en una metrópoli sin naturaleza.

Todas las mejores cualidades de la pintura y la acuarela de Winslow Homer [34] también son inherentes a la pintura de paisaje del artista, laureado con el Premio Internacional Lenin "Por el fortalecimiento de la paz entre los pueblos", Rockwell Kent . Aunque no estudió con Winslow, que murió en 1910, sino con Robert Henry, Kenneth Miller (1876-1952) y Abbot Thayer (1849-1921). Rockwell Kent en su juventud superó la rigidez de sus propias líneas (obtenidas en la clase de arquitectura y en el salón) y su propia inseguridad artística. El impulso para la pintura de paisajes de Kent fue el consejo de Robert Henry de trabajar en la isla de Monhegan. Kent trabajó en la isla como obrero y como artista cuando los huracanes le impidieron salir al mar o cazar. Posteriormente, el artista amplió sus propias rutas, que incluyeron Alaska, Groenlandia, Terranova, el extremo norte del continente americano y su frío extremo sur - Tierra del Fuego [35] .

Posteriormente, el artista se interesó por la simbología del paisaje y pasó de las obras al aire libre a las creadas en el estudio. Al mismo tiempo, ganó en intensidad y uso de colores brillantes ("Puesta de sol en Monhegani", 1908, Moscú, "Puesta de sol. Pueblo de pescadores", Museo Nacional de Arte Bogdan y Varvara Khanenko, 1910, Kyiv).

El opuesto absoluto de la mayoría de los artistas estadounidenses fue Wyeth (1917-2009). Su obra llegó en un momento en que las tendencias vanguardistas dominaban la pintura de los Estados Unidos, lo que provocó la soledad del artista, que no era aficionado a las formas abstractas y vanguardistas. Hizo varios intentos cautelosos de trabajar en formas surrealistas. Nacido en provincias, vivió allí toda su vida y se hizo artista en las provincias americanas. Nada presagiaba una brillante popularidad en el artista debido a su inclinación por los colores apagados y apagados. Toda la ventaja del arte de Wyeth residía en el campo de las tramas y el psicologismo, y no en el campo del colorismo espectacular.

La mayoría de las pinturas de Andrew Wyeth son paisajes o composiciones relacionadas con paisajes: "Campos de invierno", "Viento del mar", "Distancia distante", "Venta de propiedad de granjero en quiebra". Varias de estas obras elevaron la pintura de paisajes estadounidense al nivel de los mejores logros del arte estadounidense y mundial del siglo XX. Su cuadro "Christina's World" se ha convertido en una especie de seña de identidad de la pintura en Estados Unidos.

Pintura mural

No hubo una necesidad desarrollada de pintura monumental (murales) en algún momento en los Estados Unidos, como país protestante. Esto fue facilitado por la prohibición de la creación de retablos en las iglesias protestantes.

La situación cambió en el siglo XIX con la llegada a Estados Unidos de emigrantes de países católicos (Italia, España, Portugal, México), donde el estilo ecléctico estaba muy extendido y los artistas no rehuían la pintura mural. El país comenzó a crear frescos decorativos en edificios públicos y casas particulares de personas adineradas (murales en bibliotecas privadas). La necesidad de la pintura monumental fue satisfecha con la obra de los artistas: Ernest Peixoto (1929-1935), Anton Refregier, los mexicanos Diego Rivera y José Clemente Orozco . Entre ellos, un artista puramente estadounidense, Newell Converse Wyeth (1882-1945) [36] .

En 1895 se fundó la Sociedad Nacional de Muralistas (NSMP), cuyo propósito era crear murales en las estructuras arquitectónicas de los Estados Unidos, murales, mosaicos, esculturas, etc. La Sociedad Nacional de Muralistas organizaba exposiciones y concursos.

Los clientes de las obras de pintura monumental fueron la oficina de correos estadounidense, las sinagogas, los grandes hospitales y varias universidades estadounidenses. Los temas de los murales fueron variados (trabajo misionero de las sociedades religiosas, paisajes, género cotidiano, hechos históricos). No hubo restricciones en el estilo de trabajo. Se crearon obras al estilo del primitivismo , expresionismo, abstraccionismo, etc. Al mismo tiempo, hubo restricciones de censura sobre el tema de las obras. Los temas políticamente delicados y comunistas fueron prohibidos, restringidos o destruidos.

Se limitaron las obras monumentales de dirección satírica y erótica. El destino de los murales del pintor realista Paul Cadmus (1904-1999) fue indicativo. En 1935, el Programa Federal de Empleo de la WPA para reducir el desempleo encargó a Cadmus murales sobre el tema "Aspectos de la vida suburbana", con la esperanza de obtener obras simples y decorativas. Cadmus visitó los balnearios estadounidenses, las canchas de polo y el parque, donde no vio nada simple y decorativo. Completó grandes bocetos de "Isle of Horses" (un lugar de vacaciones para los neoyorquinos), "Main Street", "Regatta", "Golf", donde creó una serie de imágenes satíricas de jóvenes, ricos y no tan estadounidenses durante su ocio. Las pinturas causaron indignación y los estadounidenses adinerados prometieron al artista una demanda por "representación vergonzosa del ocio de los vacacionistas". Se compraron pinturas divertidas y satíricas del artista para colecciones privadas.

Cadmus completó un mural monumental, La hija del jefe indio Pocahontas salva la vida del inglés John Smith (1939) en un edificio en Richmond, Virginia. El tema del fresco era noble e histórico. Pocahontas fue considerada la personificación del apego de los indios locales a los emigrantes coloniales ingleses. Sin embargo, los líderes del programa de empleo WPA encontraron elementos eróticos en la pintura y ordenaron que se pintaran de nuevo.

Tanto artistas locales como extranjeros trabajaron en la pintura monumental. Entre ellos se encuentran artistas femeninas de los Estados Unidos (Edna Hirshman, Marion Greenwood, Elizabeth Durin, Georgia O'Keeffe, Edith Hamlin y otras).

El artista afroamericano Aaron Douglas (1899-1979) [37] ocupó un lugar especial en los murales de este período . En su trabajo, repelió no las instalaciones del arte griego antiguo, el renacimiento europeo y la perspectiva italiana, sino la herencia artística del Antiguo Egipto e incluso las máscaras de Costa de Marfil. Trabajó en el estilo de silueta coloreada y generalizaciones de tipos, en las que los africanos son reconocidos como los precursores de los afroamericanos. Los lineamientos ideológicos fueron el deseo de autoidentificación de los afroamericanos, el deseo de demostrar a la sociedad la opinión de que ser negro es normal e incluso hermoso. El trabajo de Aaron Douglas en el campo de los murales tuvo lugar en el contexto de la resistencia de la mayoría blanca. Murales de A. Douglas - "Hariett Tubman"; mural en Bennett College, 1930; "Historia caucásica"; ciclo de frescos en la Universidad de Fisk, 1930; "Danza Mágica" (Danza Mágica); murales en el Hotel Sherman, Chicago, 1930-31; "Escenas de la vida negra"; frescos en Schomburg, Centro de Investigación de la Cultura Negra, 1934 y otros.

Durante la crisis económica, la mayoría de los muralistas estadounidenses permanecieron desempleados. Como parte del programa estatal de empleo de la WPA, los muralistas fueron empleados por orden del gobierno para crear obras monumentales en espacios públicos.

Los murales creados bajo el Programa de Empleo de la WPA no están sujetos a derechos de autor según la ley de EE. UU.

Precisionismo

Ver también: Precisión

Hubo una corriente estilística efímera en la pintura de los Estados Unidos entre las dos guerras mundiales de 1914-1918 y 1939-1945, como el precisionismo.

Los representantes de esta corriente estilística no tenían una justificación teórica ni una plataforma ideológica propia. Pero su trabajo tenía sus propias características especiales: geometría enfatizada, claridad gráfica de formas, ignorando la atmósfera, una notable "esterilidad" de imágenes ubicadas en un espacio sin aire y artificial, la ausencia de personas. El precisionismo americano tenía rasgos que lo acercaban al cubismo y al futurismo, pero lo separaban del estilo Art Deco [39] .

El término de crítica de arte “precisionismo” surgió a fines de la década de 1920. Los partidarios de la dirección crearon paisajes industriales y urbanos. Sus pinturas muestran máquinas y estructuras industriales. El progreso tecnológico en formas amenazantes ha cambiado los paisajes de los Estados Unidos, expulsando a las personas y la naturaleza de ellos. Por lo tanto, la melancolía, la soledad y la depresión dominan en las pinturas de los representantes del precisionismo, incluso cuando en ellas hay personas presentes ( Edward Hopper , Charles Schiller).

Los representantes del precisionismo no entraron en contacto con los artistas realistas estadounidenses que trabajaron en el mismo período, incluidos Rockwell Kent, Louis Lozowick, Jan Matulka, Ralston Crawford. Los representantes precionistas incluyen a Edward Hopper, Charles Schiller, Georgia O'Keeffe, Charles Demuth, Stuart Davis.

Vanguardia y arte abstracto

El vanguardismo tuvo tendencias destructivas en los EE. UU. debido al deseo de los maestros de esta tendencia de afirmar su autoridad haciendo a un lado la autoridad de sus predecesores. Al mismo tiempo, los nuevos descubrimientos e instrucciones no siempre llevaron a la pintura y los gráficos al éxito creativo.

En 1913, se llevó a cabo el Armory Show en Nueva York. Ella presentó a veinticinco artistas estadounidenses a la audiencia de la metrópolis que trajeron las tendencias vanguardistas del arte de Europa occidental ( cubismo , expresionismo , dadaísmo , abstracción ) al arte local. El Armory Show de 1.600 cuadros también se exhibió en las ciudades de Boston y Chicago, donde provocó un escándalo. Los escándalos acompañaron a más exposiciones de artistas de vanguardia, que se percibieron como un signo de valentía y publicidad exitosa [40] . Sin embargo, se produjo un punto de inflexión en la mente de galeristas y coleccionistas. En ese momento se inicia en el país la formación de colecciones de arte contemporáneo.

El fortalecimiento de la posición del arte vanguardista y abstracto en la pintura estadounidense también fue facilitado por nuevas oleadas de artistas burgueses: emigrantes de Europa que abandonaron el continente, engullidos por la guerra con la Alemania nazi. Los artistas de vanguardia también llegaron al país. El cubismo y las obras de Marcel Duchamp tuvieron una gran influencia en los gustos artísticos del país. El dadaísmo fue presentado al público estadounidense en 1915. La "Dama desnuda bajando las escaleras" de M. Duchamp pintada en este estilo provocó un escándalo. Un grupo de artistas se reunió en torno a Duchamp, entre los que se encontraban Man Ray, Francis Picabia, Alfred Stieglitz. Juntos fundaron la revista 291.

El estilo del cubismo fue compartido por varios artistas estadounidenses, entre los que se encontraban Stuart Davis (1894-1964), Marsten Hartley (1877-1943), Max Weber (1881-1961) [40] [41] .

Posteriormente, el público se cansó del abstraccionismo, apoyado por gente adinerada y teóricos del arte preocupados por el prestigio del arte de los Estados Unidos. La reacción al cansancio del abstraccionismo (y su rechazo a las formas reconocibles y la sin trama) será el pop art, la restauración del tonalismo (neotonalismo), la versión americana del impresionismo y el realismo, especialmente en murales y paisajes, en la vida artística. de los Estados Unidos.

Expresionismo abstracto

El expresionismo abstracto se originó en Nueva York en la década de 1940 y es un movimiento artístico estadounidense específico. El término expresionismo abstracto fue aplicado por primera vez al arte estadounidense por el crítico de arte Robert Coates. En Estados Unidos, este término fue utilizado en 1929 por el historiador de arte estadounidense Alfred Barr para describir la obra de Wassily Kandinsky .

La primera fase del movimiento fue el surrealismo abstracto ( abstract surrealism ) con su énfasis en lo espontáneo, automático o subconsciente, que apareció en la década de 1940 bajo la influencia de las ideas de André Breton . Los artistas estadounidenses Hans Hoffmann , Arshile Gorky , Adolf Gottlieb y otros se adhirieron al movimiento, que cobró impulso en la década de 1950. En ese momento, el movimiento estaba liderado por Jackson Pollock , Mark Rothko y Willem de Kooning . Una forma de expresionismo abstracto fue el tachismo . El expresionismo abstracto y el tashismo coinciden en ideología y método creativo, pero difiere la composición de los artistas que se autodenominan tashistas o expresionistas abstractos.

En la década de 1950, de Kooning avanzó por el camino de la primitivización en su trabajo, desarrollando "abstracciones figurativas".

La razón del surgimiento del expresionismo abstracto fue que el movimiento macarthista que surgió en los Estados Unidos después de la Segunda Guerra Mundial estuvo acompañado de una exacerbación de los sentimientos anticomunistas y la represión política contra las personas "antiamericanas", también fue una época de censura artística, pero si el tema era completamente abstracto, entonces se consideraba apolítico y no había reclamos contra él desde el lado del movimiento [42] .

El expresionismo abstracto se caracteriza por cierta incompletud, aleatoriedad y ligereza, que se han cultivado desde 1940. Gradualmente, el énfasis en el trabajo de los artistas de esta dirección se desplazó al acto de crear una imagen, en la que estaba presente la gesticulación, formas de trabajar con el material: verter pintura, frotar o golpear el lienzo.

A D. Pollock se le ocurrió la idea de extender un lienzo en el piso y correr sobre él, habiendo vertido previamente pintura líquida especialmente comprada para esto sobre el lienzo. Tales "bailes" del artista se convirtieron en actuaciones , que fueron filmadas en una película. El diálogo con los espectadores-cómplices jugó un papel importante en esta actuación. El trabajo de Jackson Pollock en las pinturas fue discutido constantemente por los críticos. Harold Rosenberg escribió sobre la transformación de la pintura en la obra de Pollock en un drama existencial en el que "lo que debería haber estado en el lienzo no era un cuadro, sino un evento" [43] .

Las obras de artistas de esta corriente se exhiben en galerías de arte de Nueva York: Charles Egan Gallery [44] , Sidney Janis Gallery [45] , Betty Parsons Gallery [46] , Koots Gallery [47] , Tibor de Galería Nagy, Galería Leo Castelli y otras.

Museos y galerías

A la vuelta de los siglos 19 y 20, se realizó el valor artístico de la pintura en los Estados Unidos. En este contexto, comenzaron a crearse colecciones de pinturas en museos y galerías de arte en el país. Museos como el Museo Metropolitano de Arte , Museo de Bellas Artes de Boston , Galería Nacional ( Washington ), Museo de Arte de Filadelfia , Museo de Arte del Condado de Los Ángeles, Museo de Arte de Cleveland , Instituto de Arte de Chicago , Museo de Arte de St. Louis , Arte Se han establecido museos en el país Wadsworth Atheneum (1842), etc.

Uno de los museos de arte estadounidense apareció en Nueva York por accidente. La millonaria Gertrude Vanderbilt , casada con Whitney (1875-1942), también escultora, acumuló una gran colección de obras de jóvenes y aún no reconocidos maestros estadounidenses de la pintura. Para mostrar y promover a los maestros de vanguardia, creó el complejo de exposiciones Whitney Studio Club. Cuando el número de obras adquiridas aumentó significativamente, la Sra. Vanderbilt Whitney ofreció su colección al Museo Metropolitano de Arte . Para protegerse contra la presencia de muestras de bajo valor en él, el Metropolitano rechazó el regalo. Luego, Whitney Vanderbilt fundó su propio Museo Whitney de Arte Estadounidense independiente . A finales del siglo XX, el museo tenía más de 19 000 pinturas, esculturas, dibujos, gráficos, fotografías, películas, videos y más de 2900 artistas de los Estados Unidos [48] . Entre ellos se encuentran las obras de los artistas George Bellows “The Ice Floats”, Edward Hopper “The Hills. Isla Monhegan”, Ernest Lawson “Río en invierno”, Thomas Hart Benton “Casa en paisajes cubistas”, etc.

En la antigua casa del artista ruso Nikolai Feshin en Taos, Nuevo México, se estableció el Museo de Arte de Taos en 1994 [49] . El museo se basó en las obras de Feshin y artistas de la colonia de arte de Taos [50] . En Nueva York, se ha creado y funciona un museo del artista ruso Nikolai Konstantinovich Roerich [51] . El museo exhibe pinturas del artista que representan tierras salvajes desde el Monte Hira en Arabia hasta el Everest en el Tíbet, desde el Sinaí hasta los bosques de Siberia.

Renacimiento de Harlem

El Renacimiento de Harlem o el Nuevo Movimiento Negro fue un movimiento cultural dirigido por escritores y artistas afroamericanos durante el apogeo de la cultura afroamericana en las décadas de 1920 y 1930 . El símbolo del movimiento fue obra del artista Aaron Douglas y el fotógrafo James Vanderzee. Los artistas asociados con el Renacimiento de Harlem incluyen a Romar Bearden, Jacob Lawrence, Charles Alston, Palmer Hayden y otros.

El desarrollo de este movimiento llevó al reconocimiento de la gran influencia de la cultura afroamericana en la cultura estadounidense. Estados Unidos se estaba despojando gradualmente de las nociones de los negros que se habían implantado en la cultura estadounidense durante décadas. Una nueva imagen de un afroamericano ha surgido en el país: un miembro educado, altamente culto e igualitario de la sociedad. El movimiento eligió como centro el barrio neoyorquino de Harlem . Allí, durante muchos años, el Teatro Apollo fue el único teatro de Nueva York donde los negros podían encontrar trabajo .

Artistas americanos del Imperio Ruso

Los artistas rusos han tenido un impacto significativo en las artes visuales de los Estados Unidos, especialmente en el siglo XX. Algunos de los artistas vivieron y trabajaron en los EE.UU. [53] . Los nombres de los artistas que vivieron en los Estados Unidos son ampliamente conocidos. Estos incluyen: David Davidovich Burliuk , Mark Rothko , John Graham, Archil Gorki, Max Weber, Pavel Chelishchev, Nikolai Feshin y otros, terminaron en este país en su juventud, habiendo recibido una educación allí o llegaron ya siendo maestros reconocidos.

Huyendo de la opresión ante los acontecimientos revolucionarios en Rusia, los futuros artistas famosos, los hermanos Sawyer, Louis Lozovik, Ben Shahn , Mark Rothko, Peter Blum, partieron hacia los Estados Unidos.

Nacido en la ciudad de Dvinsk , Gobernación de Vitebsk, Mark Rothko (1903-1970) fue un pensador famoso, un artista estadounidense influyente de la segunda mitad del siglo XX y una figura importante en el expresionismo abstracto de la posguerra. En sus escritos, describió la similitud de los principios del dibujo infantil y el trabajo de los artistas contemporáneos. Creía que el artista modernista, como un niño o una persona en desarrollo, debería expresar en su trabajo un sentido interior de la forma sin conectar la mente. Al mismo tiempo, en su opinión, el objeto y la forma pierden su carga semántica. Siguiendo sus ideas, utilizó campos de color en acuarelas y paisajes urbanos, tratando deliberadamente de imitar los dibujos de los niños [54] . Rothko es uno de los artistas más caros. La pintura de Rothko "Orange, Red, Yellow" en 2012 en 2012 estableció un récord por el costo entre las obras de arte de posguerra más caras vendidas en una subasta (86,9 millones de dólares) [55] .

Se considera que el pináculo del trabajo de Rothko es un ciclo de 14 pinturas para la capilla de la iglesia ecuménica en Houston , Texas [56] .

David Davidovich Burliuk emigró de Rusia a Japón en 1920, pintó allí unos 300 cuadros japoneses, ganó dinero y se instaló en los Estados Unidos en 1922. Mostró actividad allí en círculos prosoviéticos, participó en exposiciones de arte [57] .

Uno de los fundadores del "surrealismo abstracto" era un nativo del Transcaucasus ruso Vosdanig Manug Adoyan, seudónimo - Arshile Gorki (1904-1948). Habiendo emigrado en 1920 a su padre en los Estados Unidos, cambió su nombre a Arshile Gorky, en honor al escritor Maxim Gorky. En Estados Unidos, estudió en la Escuela de Arte de Rhode Island en Providence, la New School for Design de Boston . Fue influenciado por los impresionistas, y más tarde por los postimpresionistas.

Las obras famosas del artista incluyen: "Retrato del artista y su madre" (1926-1936), "Paisaje a la manera de Cezanne" (1927), "Autorretrato" (1937), "Organización" (1933-1936) ), "Composición" (1936 −1939), El principal teórico y creador del expresionismo abstracto, John Graham, no es otro que el ucraniano Ivan Dombrovsky. En el arte estadounidense de las décadas de 1930 y 1950, John Graham se convirtió en una figura verdaderamente legendaria. Fue un maestro que cambió los estereotipos del arte estadounidense, un expresivo artista abstracto, un mitólogo. Se puede obtener una pequeña idea de la manera de Graham al considerar su obra "Sin título (Pink Acrobat)", 1927. Entre las bromas pesadas y grotescas, un ciclo dedicado a los soldados del ejército ruso, creado por Graham durante el Gran Patriótico. Se destaca Guerra ("Soldado descansando", 1942). Dibujando valientes soldados zaristas, el artista expresó su solidaridad con los soldados soviéticos que lucharon, con su patria, un jardín en Sochi ”(1943) y otros.

El principal teórico y creador del expresionismo abstracto, John Graham, es un artista modernista estadounidense de origen ruso, Ivan Gratianovich Dombrovsky (1886-1961). En el arte estadounidense de las décadas de 1930 y 1950, fue una figura legendaria que cambió los estereotipos del arte estadounidense, un expresivo artista abstracto. Posee la obra "Pink Acrobat" (1927), "Resting Soldier" (1942), etc. En 1942, en la McMillan Gallery de Nueva York, John Graham organiza una exposición colectiva con la participación de obras de los artistas europeos Picasso , Modigliani , Matisse y Braque y estadounidenses (o trabajando en los EE. UU.) - Lee Krasner , Willem de Kooning , Jackson Pollock [58] .

El trabajo de Graham influyó en el arte de los maestros de la pintura: Arshile Gorky , Willem de Kooning, Mark Rothko , Jackson Pollock, Lee Krasner, David Smith .

Nativo de Lituania, Ben Shan (1898-1969) se convirtió en el artista más grande de los Estados Unidos, un representante del realismo crítico. Su padre participó en el movimiento revolucionario en Rusia, en 1902 fue exiliado a Siberia. En 1906, la familia B. Shan partió hacia Nueva York. En 1931-1932, el maestro creó una serie de 25 pinturas "Pasión por Sacco y Vanzetti". En esta serie de pinturas, la condena y ejecución de dos obreros anarquistas se presenta como una monstruosa repetición de la Pasión de Cristo en la sociedad burguesa. La obra hizo famoso a B. Shang en el mundo del arte [59] .

No todos los artistas emigrantes rusos pudieron adaptarse a la vida en los Estados Unidos. Algunos de ellos, en lugar de comenzar a pintar a los indios y la naturaleza de América, continuaron pintando cuadros sobre temas rusos. Los estadounidenses llamaron al artista Boris Grigoriev (1886-1939), autor de la pintura "El fin de la cosecha (Rostros de Rusia)", (1923) un pintoresco narrador del terror ruso; el artista Sergei Sudeikin (1882-1946) continuó pintando cuadros de fiestas y festividades rusas (Maslenitsa, la segunda mitad de la década de 1920).

Antes de mudarse a los Estados Unidos, el fundador del surrealismo místico Pavel Chelishchev (1898-1957) y Boris Margot [60] ganaron fama . Sin embargo, el público estadounidense de las décadas de 1930 y 1940 no entendió el complejo lenguaje metafísico de Chelishchev, y allí la fama le llegó después de su muerte. Chelishchev es el autor de la pintura "Fenómenos" (1936-1938), obras anatómicas ("Imagen anatómica", 1946, "Paisaje interno", 1947). Boris Margot, alumno de Pavel Filonov, llegó a Estados Unidos con experiencia en el expresionismo abstracto. En este estilo, la mayor parte de su trabajo se realizó allí ("The Matrix of the Unborn World", 1939).

El representante del impresionismo y el modernismo, Nikolai Ivanovich Feshin (1881-1955), emigró a Nueva York con su familia en 1923. La razón de esto se debió principalmente al éxito de ventas en los Estados Unidos de sus pinturas. Los personajes principales de Feshin en el exilio fueron retratos de indios y mexicanos, lo que le recordó al artista a los Mari. Su hija, Iya Feshina, incluso dijo que los indios eran muy similares a los tártaros (Feshin vivió en Kazan en 1910-1916). Durante la Segunda Guerra Mundial, Feshin trabajó para el ejército estadounidense, pintó retratos de los generales Cannon y Eaker. En los últimos años de su vida, Feshin pintó principalmente retratos de representantes de la comunidad empresarial y damas de la alta sociedad [61] .

Los artistas emigrados rusos trabajaron en los EE. UU. en una variedad de estilos y temas. De interés son escenas cotidianas en las pinturas de los hermanos Sawyer ("Bibliophile" de M. Sawyer, 1934, "Roommates" de R. Sawyer, 1934), pinturas industriales y cotidianas de Peter Blum (1906-1992) al estilo de surrealismo (“Patas de cerdo en vinagre”, 1927). La ciudad de los rascacielos y el paisaje industrial fueron representados por un nativo de la provincia de Kiev, el artista gráfico constructivista Louis Lozovik (Pittsburgh, 1922-1923) [62] [63] .

Los museos en los Estados Unidos almacenan obras de artistas rusos: Aivazovsky , Vasily Vereshchagin , Pavel Svinin (1787-1839). Pavel Svinin llegó a Filadelfia en 1811 para trabajar como secretario del Cónsul General de los Estados Unidos de América del Norte. Mientras viajaba por el país, creó varios álbumes de acuarela. Los fanáticos de Vereshchagin, que llegaron a los Estados Unidos después de la guerra ruso-japonesa, eran el presidente Theodore Roosevelt . A pedido del presidente Vereshchagin, represente la batalla en la colina de San Juan. El presidente compró el cuadro pintado al artista. A mediados del siglo XX, dos de sus pinturas del artista ruso Aivazovsky del Museo Corcoran, Jacqueline Kennedy utilizó la "diplomacia tranquila" para la acción. Durante la crisis del Caribe, organizó una exposición de dos pinturas de paisajes marinos en la Casa Blanca para enfatizar los sentimientos amistosos del pueblo estadounidense hacia los rusos.

Fotografía y cine

La fotografía en los Estados Unidos se remonta al siglo XVIII, con la creación en 1839 del daguerrotipo , un proceso fotográfico basado en la sensibilidad a la luz del yoduro de plata. En 1866 aparecieron las primeras fotografías en color. Con la creación de la fotografía, surgió una nueva forma de arte.

En el siglo XIX, los fotógrafos desarrollaron nuevas técnicas y técnicas fotográficas. Famosos fotógrafos estadounidenses fueron: Eduard Muibridge (1830-1904), Matthew Brady (1822-1896), Jacob Rees (1849-1914), Gertrude Casebier (1852-1934), Alfred Stieglitz (1864-1946), Edward S. Curtis ( 1868-1952).

Las fotografías nos dan una imagen precisa de cómo vivía la gente en el siglo XIX. El primer presidente estadounidense fotografiado fue John Adams . Habría sido fotografiado en 1843, 14 años después de dejar su presidencia.

A fines del siglo XX aparecieron las cámaras digitales a color, los mismos éxitos llegaron al video y al cine. El desarrollo de la industria cinematográfica estadounidense comenzó en 1892, después de que Thomas Edison diseñara el kinetoscopio. La primera sesión pública tuvo lugar en Nueva York en el Bayel and Koster Music Hall. La sesión incluyó varios pequeños números de humor y danza.

Desde la década de 1920, la industria cinematográfica estadounidense ha sido una de las más importantes del mundo en cuanto al número de películas estrenadas. Se ha establecido en el país la Academia de Cine Estadounidense, que ha estado otorgando premios Oscar desde 1929 .

En la década de 1920, surgió la institución de las "estrellas de cine" en el cine de Hollywood. Finalmente tomó forma en la década de 1930 y alcanzó su apogeo en las décadas de 1940 y 1950. La prensa siguió cada paso de los actores estelares, hablando de la vida y de sus excéntricas payasadas.

Las artes visuales en el siglo XX

A principios del siglo XXI, el arte contemporáneo en los Estados Unidos se desarrolla de acuerdo con las ideas del pluralismo cultural.

Hay áreas de pintura en el país: pintura de contorno duro , abstracción geométrica , apropiación , hiperrealismo , fotorrealismo , expresionismo , minimalismo , abstracción lírica , arte pop, arte OP, expresionismo abstracto, pintura de campo de color, pintura monocromática, neoexpresionismo , collage , ensamblaje , pintura digital , posmoderna , pintura Neo-Dada , pintura en lienzo figurado , pintura mural , pintura de paisaje , pintura de retrato , etc.

Los artistas abstractos utilizan diferentes materiales para sus obras. Entonces, Robert Rauschenberg (1925-2008) y Jasper Johns (1930-) utilizaron fotografías, papel de periódico y objetos desechados en sus composiciones. Los artistas Andy Warhol (1928-1987), Larry Rivers (1923-2002) y Roy Lichtenstein (1923-1997) utilizaron artículos para el hogar y botellas de Coca-Cola y otros.

A principios de la década de 1920, apareció el grafiti moderno en el país . Esta forma de arte callejero en los Estados Unidos se usó originalmente para etiquetar vagones mientras viajaban por todo el país. Poco a poco empezaron a aparecer grafitis en el metro, en las paredes de las casas. Las opciones de decoración de graffiti se han puesto de moda: lunares, cuadros, tramados, etc. El consumo de pintura en aerosol utilizada ha aumentado, ya que los escritores (de la palabra escritor) aumentaron el tamaño de su trabajo. Muchos grafiteros prefieren permanecer en el anonimato ya que a menudo registran su trabajo en áreas prohibidas [64] .

En 2017, una pintura sin título del artista neoexpresionista estadounidense Jean-Michel Basquiat (1960-1988) se compró en Sotheby's en Nueva York por $ 110,5 millones . La pintura se realizó con pinturas al óleo, acrílicas y en aerosol. Resultó ser la pintura más cara jamás vendida de artistas estadounidenses. Su comprador, el diseñador de moda japonés Yusaku Maezawa, considera que la obra con los contornos de una cabeza humana asimétrica, boca abierta y letras tachadas es una obra maestra [65] .

Durante mucho tiempo ha estado funcionando una organización en los Estados Unidos: la Federación Estadounidense de las Artes (AFA), que organiza exposiciones de arte en el país, presenta el arte estadounidense en todo el mundo, publica catálogos de exposiciones y desarrolla programas educativos. La organización fue fundada en 1909 con la aprobación de Theodore Roosevelt, famosos mecenas y artistas estadounidenses. A la fecha, AFA ha organizado alrededor de 3000 exposiciones, que han sido visitadas por más de 10 millones de personas en Estados Unidos, Canadá, América Latina, Europa, Asia y África [66] .

La Federación Estadounidense de las Artes estableció el Premio al Liderazgo Cultural anual, que reconoce a las personas que han hecho una contribución significativa a las artes y los museos en el país y el mundo. En varios momentos, los ganadores del premio fueron la artista Sara Ze (2012), la maestra de interpretación yugoslava Marina Abramović (2011), la directora del Museo de Arte de Filadelfia Anna D'Harnoncourt (2002) y otros [67] [68 ] .

Véase también

Notas

  1. ↑ SOBRE ARTISTAS RUSOS EN AMÉRICA . Fecha de acceso: 1 de junio de 2017. Archivado desde el original el 4 de marzo de 2016.
  2. ↑ Robert Hugues, Visiones americanas. The Epic History of Art in America, Nueva York, Alfred A. Knopf, 1997 ( ISBN 0679426272 ), p.32
  3. ↑ Collectif, L'Art des États-Unis , traduit de l'anglais par Christiane Thiollier, édition Citadelles et Mazenod, París, 1992, ISBN 2850880604 , p.135
  4. ↑ Galería Nacional de Arte Archivado el 12 de mayo de 2009 en Wayback Machine .
  5. ↑ Lugar de nacimiento y museo de Gilbert Stuart Archivado el 7 de octubre de 2008 en Wayback Machine .
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Literatura

artes visuales de estados unidos

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