Las imágenes de objetos inanimados se han encontrado en el arte desde la antigüedad . En los siglos posteriores, elementos de la naturaleza muerta existieron dentro de otros géneros de pinturas sobre temas mitológicos, religiosos e históricos. Sin embargo, sólo en la era post-renacentista, y sobre todo en la Holanda del siglo XVII, la naturaleza muerta comenzó a destacarse como un género aparte de las bellas artes [1] .
El bodegón holandés tenía una gran cantidad de variedades, entre las que se pueden distinguir un bodegón de flores, "científico", "cocina", así como las llamadas "mesas puestas". Los "desayunos" monocromáticos se convirtieron en un tipo típico de naturaleza muerta holandesa, que se caracteriza por el laconismo del contenido, la moderación del color y el papel unificador del entorno de luz y aire.
La mayoría de los pintores de bodegones pertenecen a los llamados " pequeños holandeses ". Pieter Claesz , Willem Claesz Heda , Willem Kalf , Abraham van Beijeren , Baltasar van der Ast , Willem van Aelst , Jan van Huysum y otros han trabajado en este género .
Los Países Bajos experimentaron un florecimiento económico y cultural sin precedentes en la primera mitad del siglo XVII. Eran el principal centro comercial del norte de Europa, los barcos holandeses navegaban constantemente entre los puertos holandeses y las colonias en Asia y África. Se logró un alto nivel en las ciencias sociales, mecánica, matemáticas, física y ciencias naturales. Gracias a todas estas circunstancias, los burgueses holandeses buscaron perpetuar su bienestar en el arte [2] .
Los artistas holandeses que respondieron a esta demanda se basaron en las tradiciones del Renacimiento holandés , en particular, en el trabajo de Robert Campin , Rogier van der Weyden , Jan Gossaert y otros, quienes comenzaron a utilizar ampliamente elementos de naturaleza muerta en pinturas sobre temas religiosos. En el siglo XVI , Bartholomeus Brein el Viejo , Dirk Bouts , Peter Aartsen , Joachim Beikelar , Bartholomeus van der Helst y otros comenzaron a crear pinturas en las que los motivos de la naturaleza muerta saltaban a la palestra y las escenas de la vida de Cristo se adentraban en las profundidades. [3] .
En el siglo XVII, las pinturas estaban destinadas, por regla general, a la decoración de interiores y tenían un formato de cámara. Sus tramas reflejaban la vida cotidiana de los burgueses holandeses, y los artistas registraron escrupulosamente el mundo objetivo que los rodeaba. Por primera vez, varios objetos tomaron su lugar en la imagen, no por el significado simbólico que se les atribuye, sino únicamente por su propia belleza y pintoresquismo [2] .
La naturaleza muerta como rama separada se destacó hacia 1600 [4] . El nuevo género se llamó " stilleven " (literalmente "vida tranquila") en Holanda, aunque este término comenzó a usarse solo a mediados del siglo XVII. Incluso los holandeses se referían a la imagen de la naturaleza, inmóvil en el momento de la imagen. Por lo tanto, junto con flores, frutas, alimentos, platos, calaveras, peces muertos y animales muertos, en los bodegones holandeses del siglo XVII se pueden ver imágenes de insectos, lagartijas e incluso pájaros y animales [5] .
En su desarrollo, la naturaleza muerta holandesa pasó por una serie de etapas, cada una de las cuales tenía sus propios detalles. En una etapa temprana, predominaron los bodegones de flores, lo que refleja la fascinación holandesa por la floricultura. Los pintores de la siguiente generación ( Klas , Kheda , etc.) pasaron a modestos "desayunos" con objetos de metal y vidrio agrupados sobre un mantel blanco. Estos bodegones se distinguen por la concisión y la sencillez; todos los componentes están diseñados en una sola escala de grises. Los llamados bodegones de "pez" y "cocina" reflejaban los gustos modestos y puritanos de las capas democráticas de la primera mitad del siglo [6] .
Más tarde, con el fortalecimiento de la burguesía y su paulatina aristocratización, también cambian los requisitos para el arte. Hacia 1650-60, en la obra de Willem Kalf y Abraham van Beyeren , la naturaleza muerta pierde su carácter modesto y simple, volviéndose más lujosa y magnífica y sorprendente en la riqueza del color. Sus componentes constantes son frutas exóticas, copas elegantes y joyas valiosas, bañadas en una luz cálida y suave [7] . En las naturalezas muertas de "caza" de Jan-Baptiste Veniks y Melchior de Hondekuter , también hay un aumento notable en la decoración y el deseo de efectos externos.
El tema y el desarrollo de la naturaleza muerta estuvo influenciado no solo por el tiempo, sino también por las características locales de una ciudad en particular. Así, por ejemplo, en el rápido desarrollo de Haarlem , con sus fuertes asociaciones de ciudadanos, se desarrolló un tipo de naturaleza muerta tonal, y en el centro de la vida económica y cultural de Holanda, Ámsterdam , surgieron los lujosos "postres" de Kalf y Streck. . En La Haya , el centro de la industria marina, trabajaron los creadores del bodegón "pez" Pieter de Putter y Abraham van Beijeren, y en la ciudad universitaria de Leiden , el bodegón "filosófico" con la imagen de una calavera y un reloj de arena, que recuerda la fragilidad de la existencia terrenal, era popular [8] [7] .
Una característica de la pintura holandesa del siglo XVII fue la especialización extremadamente estrecha de los artistas. Dentro de los principales géneros que dominaron la pintura de este período -el paisaje, la naturaleza muerta y el género cotidiano- hubo numerosos subgéneros. Esto se debió a la alta competencia en el mercado de la pintura: cuanto más había un área en la que se especializaba tal o cual pintor, más habilidad podía alcanzar en ella [9] .
Una división estricta de las naturalezas muertas en subgéneros es difícil, ya que a menudo se combinan varios motivos en una imagen. No obstante, es costumbre destacar varias de las variedades más comunes de este género.
La naturaleza muerta floral ( en holandés bloemsstilleven ) fue una de las primeras en destacarse como subgénero independiente. Como otros géneros de esa época, reflejaba los rasgos reales de la vida de los holandeses del siglo XVII, en particular, su pasión por la floricultura y la jardinería. En bodegones florales, los artistas representaron tulipanes , rosas , gladiolos , jacintos , claveles , lirios , lirios , lirios del valle , nomeolvides , violetas , margaritas , nigella , romero , anémonas , caléndula , levkoy , malva y otros . flores [10] .
Al elegir flores para bodegones, los criterios principales fueron su belleza y rareza. Como regla general, las flores se extrajeron de la naturaleza, ya que se valoraba la precisión y confiabilidad de la imagen). Al mismo tiempo, las flores que florecen en diferentes momentos se pueden representar en una naturaleza muerta, por lo que a veces el dibujo de un ramo se retrasa durante meses. Sin embargo, un trabajo tan largo valió la pena: los bodegones de flores eran muy valorados e incluso podían usarse como un regalo costoso a nivel estatal [11] .
Los pioneros del género incluyen al artista flamenco Jan Brueghel el Viejo (1568-1625). La naturaleza muerta floral más antigua que se conserva de Brueghel data de 1606/07 y fue encargada por Albrecht VII [12] . Se sabe que para escribir sus obras, Jan Bruegel vino especialmente desde Amberes al Jardín Botánico de Bruselas , para poder examinar y esbozar varias flores. Hizo bocetos preliminares en acuarela y tinta, representando flores desde diferentes ángulos y bajo diferentes luces [13] .
Entre los primeros artistas holandeses del siglo XVII que pintaron jarrones con flores se encuentra Jacob (Jacques) de Gijn el Joven (1565-1629). Su obra se caracteriza por un formato vertical alargado de pinturas, una disposición de flores en varios niveles con alternancia de plantas grandes y pequeñas, así como el uso de técnicas que se volverán muy populares entre los artistas de este género: incrustar un ramo de flores en un nicho que representa pequeños animales junto a un jarrón [14] .
La aparición de insectos, animales y pájaros, conchas en bodegones florales como detalles auxiliares es un reflejo de la tradición de utilizar los significados ocultos de los objetos representados que tienen un significado simbólico. Varios símbolos aparecen en los bodegones de todos los géneros.
Los seguidores de Jacob de Gein el Joven fueron Jan Baptist van Fornenburg (1585-1649) y Jacob Wauters Vosmar (1584-1641).
Fornenburg pintó ramos de tulipanes, narcisos, rosas, physalis , mientras que en sus pinturas hay motivos de " vanidad de vanidades " y la clásica " blende " [15] .
Un rasgo característico de las pinturas de Vosmar es también el motivo de "vanidad de vanidades" en forma de rosa caída. Además, a menudo representaba varios insectos en bodegones: moscas, mariposas, libélulas y abejas.
El fundador de toda una dinastía de maestros de la naturaleza muerta con flores y frutas fue Ambrosius Bosschaert el Viejo (1573-1621). La dinastía incluía tres hijos (Johannes, Abraham y Ambrosius), dos cuñados (Johannes y Baltasar van der Asty) y un yerno (Jeronymus Swerts).
Las obras de Ambrosius Bosschaert el Viejo están cerca de las obras de Jan Brueghel el Viejo en términos de minuciosidad naturalista. Se sabe que Bosshart también realizó bocetos por encargo de plantas exóticas de la naturaleza [16] . Pintó principalmente pequeños bodegones con un ramo en un jarrón (porcelana o vidrio) colocado en un nicho o en el alféizar de una ventana. Tal disposición del jarrón enfatizó la oposición de la vida silvestre, visible desde la ventana, y las flores arrancadas del jardín colocadas en un jarrón. Como séquito en sus pinturas, además de pequeños animales, hay conchas.
Entre los hijos de Bosschaert, el talento del artista se manifestó más claramente en Johannes Bosschaert (1610/11 - después de 1629). Las características distintivas de su trabajo son la disposición de los objetos a lo largo de la diagonal de la imagen y la coloración mate metálica.
Ambrosius Bosschaert el Joven (1609-1645) pintó naturalezas muertas con un simbolismo oculto; en obras posteriores utilizó las técnicas de modelado en blanco y negro de los caravagistas de Utrecht .
Abraham Bosschaert (1612/1613 - 1643) copió las técnicas de sus hermanos.
Los hermanos de la esposa de Ambrosius Bosschaert, Johannes y Balthasar van der Asta, continuaron las tradiciones de Bosschaert.
La obra de Johannes van der Ast ha sido poco estudiada; actualmente sólo se le atribuye un cuadro [17] .
De gran importancia para el desarrollo de la naturaleza muerta fue el trabajo del mayor de los hermanos, Balthasar van der Ast (1593/1594 - 1657), quien dejó una rica herencia creativa: más de 125 pinturas. Le gustaba representar una canasta de flores o un plato de frutas sobre la mesa, y en primer plano a lo largo del borde de la mesa colocó conchas, frutas y mariposas. El artista se sintió especialmente atraído por objetos inusuales: conchas extrañas, flores y frutas exóticas, insectos brillantes, pájaros loros. También era característico en él aportar trama y movimiento a la naturaleza muerta [18] .
Roelant Saverey (1576-1639), también conocido como destacado paisajista, pertenece a la escuela de Ambrosius Bosschaert el Viejo . Sus naturalezas muertas están construidas sobre el principio de un ramo de flores ubicado en un nicho. Agregó motivos de “vanidad de vanidades” a las pinturas, como un séquito, un escarabajo sepulturero, una mosca de estiércol, una mariposa de cabeza muerta y otros insectos, así como también se utilizaron lagartos.
El trabajo de Ambrosius Bosschaert influyó en artistas como Anthony Claes I (1592-1636), su tocayo Anthony Claes II (1606/1608 - 1652) y el yerno de Ambrosius Bosschaert el Viejo - Hieronymus Swerts .
En la obra de Hans Bollongier (alrededor de 1600 - después de 1670), se utilizaron ampliamente las técnicas del caravagismo de Utrecht. Con la ayuda del claroscuro, el artista destacó las flores sobre el fondo del crepúsculo.
Se observó un mayor desarrollo de la naturaleza muerta de flores en el trabajo de los maestros de Middelburg : Christoffel van den Berghe (circa 1590 - después de 1642), quien representó elementos de la "vanidad de vanidades" en naturalezas muertas de flores: una botella de vino, un caja de rapé, pipa de fumar, naipes y una calavera; y Johannes Goodart , quien usó ampliamente insectos y pájaros como séquito [19] .
La escuela de maestros de la naturaleza muerta de flores de Dordrecht incluye a Bartholomeus Abrahams Asstein (1607 (?) - 1667 o posterior), Abraham van Calrath (1642-1722), padre del famoso pintor de paisajes y animales Albert Cuyp , Jacob Gerrits Kuyp (1594- 1651/1652). Su obra se caracteriza por el uso generalizado del claroscuro [20] .
Junto con el bodegón de flores en Holanda del siglo XVII, se está desarrollando y ganando cada vez más popularidad otro tipo de bodegón: la imagen de las mesas puestas (a su vez, subdivididas en los llamados "banquetes" ( holandés. banketjes ) y "desayunos" ( holandés. ontbijtjes )) [21 ] [22] . La cuna y centro de este tipo de naturaleza muerta fue Haarlem . El requisito previo para su creación fue la distribución generalizada de retratos de miembros de gremios de tiro durante un banquete allá por el siglo XVI. Gradualmente, la imagen de la mesa puesta se convirtió en un género independiente [23] .
El conjunto de objetos que forman un bodegón incluía originalmente productos tradicionales de los holandeses: queso, jamón, bollos, fruta, cerveza. Sin embargo, más adelante en los bodegones comenzaron a aparecer cada vez más los platos típicos de las ocasiones solemnes o de las mesas de los pueblerinos adinerados: caza, vino, empanadas (la más popular era la de moras ) [24] . Además del tradicional arenque, aparecieron langostas, camarones y ostras. Entre otras delicias que a los artistas holandeses les gustaba representar estaban las uvas, las aceitunas y las alcachofas [22] .
También comenzaron a usarse platos costosos hechos de plata y porcelana china, jarras y tazzes . Los vidrios fueron de particular interés para los artistas: römer , berkemeier , vidrio de paso, vidrio de flauta, vidrio veneciano, vidrio akeley . Los más exquisitos eran las copas - " nautilus ", hechas de la concha del molusco del mismo nombre [25] .
Los atributos frecuentes de las naturalezas muertas eran un salero y un cuchillo de mesa. Un limón medio pelado se usaba a menudo como punto colorido.
Una de las primeras naturalezas muertas que muestran una mesa holandesa es The Laid Table del artista de Haarlem Nicholas Gillis (alrededor de 1580 - después de 1632). En sus pinturas utilizaba un punto de vista elevado, lo que le permitía mirar toda la mesa.
Los bodegones de Floris Gerrits van Schoten (circa 1590 - después de 1655) se caracterizan por la complejidad, la abundancia de elementos para servir y los detalles. Sin embargo, gracias a una composición hábilmente construida y un hábil uso del claroscuro, sus naturalezas muertas no dan la impresión de estar sobrecargadas. En varios casos, el artista utilizó la técnica de alejar el acento del grupo de bodegones del centro geométrico del cuadro [26] .
Una figura significativa en este tipo de bodegones fue Floris van Dyck (1575-1651), también de Haarlem. De su pincel se conservan cuatro bodegones, que son las típicas "mesas servidas". El centro de las pinturas de van Dyck era una pirámide de quesos, el fondo se disolvía en una neblina [27] .
La pintora flamenca Clara Peters (1594-1657) se especializó en este tipo de bodegones. En ese momento, ella era la única mujer que trabajaba en el género de la naturaleza muerta [28] . Clara Peters creó una gran cantidad de obras, que se distinguen por la minuciosa ejecución. A menudo representaba platos gourmet caros, langostas y ostras. En algunas de sus naturalezas muertas utilizó un punto de vista rebajado, casi al nivel de la mesa.
Hans van Essen (1587/1589 - después de 1648), que nació en Amberes y luego vivió en Amsterdam , también creó composiciones en el género de "mesas puestas" .
Roelof Coots (1592/1593 - 1655) de Haarlem utilizó el método de la negligencia deliberada: el plato o el cuchillo de sus cuadros colgaba a la mitad del borde de la mesa. Fue uno de los primeros en crear lienzos que representaban no una mesa puesta, sino una mesa con huellas de un desayuno, introduciendo motivos de “vanidad de vanidades” en las pinturas: relojes, libros, uvas caídas.
Bodegón tonalUn tipo especial de naturaleza muerta, la llamada naturaleza muerta tonal o monocromática, se desarrolló en Haarlem en 1620-30. A la cabeza de la nueva dirección estaban los artistas Pieter Claesz y Willem Claesz Heda. En su obra, la naturaleza muerta evolucionó de lujosos "banquetes" a modestos "desayunos", de la solemnidad festiva y el orden estricto a la intimidad y el "desorden" pintoresco [29] .
En ese momento, los paisajistas holandeses ya habían desarrollado la dirección tonal: sus obras se distinguían por sutiles gradaciones y transiciones de tono, y los objetos parecían disolverse en una neblina marrón grisácea [30] . Sus logros fueron utilizados por los autores de bodegones: los pintores crearon pinturas en colores apagados, utilizando principalmente tonos de gris y marrón. Se le da un papel importante a la luz: juega sobre la superficie de recipientes de vidrio y metal y une objetos agrupados en diferentes planos [31] . Podemos suponer que fueron los "desayunos" monocromáticos los que se convirtieron en el primer tipo verdaderamente original de naturaleza muerta holandesa [30] .
Las primeras naturalezas muertas de Pieter Claesz (1597/1598 - 1661) fueron escritas en la tradición de las "mesas puestas" (aunque ya se notan en ellas cierta asimetría y negligencia deliberada). Luego pasó a los bodegones " vanidad de vanidades ". Uno de los elementos principales de estos bodegones era una pipa: en Holanda en ese momento era aficionado a fumar en largas pipas de arcilla, y la moda de hacerlo se reflejó tanto en la literatura como en las bellas artes [32] . Poco a poco, sin embargo, el tema de los "desayunos" se convirtió en el tema principal de la obra de Klas. Fue en los “desayunos” que el artista desarrolló su propio estilo, que se caracteriza por un pequeño conjunto de objetos representados, coloreados en un único tono gris plateado con sutiles gradaciones de claroscuro y resplandores de luz sobre metal o cristalería [31] . Klas coloca objetos en diferentes planos y enfatiza en todos los sentidos la tridimensionalidad del espacio representado. En varios casos, utilizó un formato de lienzo vertical con un conjunto dominante de un römer o un vaso alto.
Willem Klaes Heda (1594-1680/1682) desarrolló un estilo similar a Klas , pero en sus obras el comienzo tonal es más pronunciado: las composiciones de Heda están prácticamente desprovistas de colores locales brillantes [33] . En sus naturalezas muertas, la mesa y los elementos de servicio están diseñados en tonos gris oliva, que a menudo contrastan con la blancura del mantel; acentos de color separados son limón, jamón o corteza de pastel.
Kheda construye la composición de sus "desayunos" con una habilidad excepcional, colocando objetos paralelos al plano del lienzo o en diagonal [34] . Después de la década de 1630, utilizó cada vez más el formato vertical de sus pinturas. El comienzo generalizador, como el de Klas, es la luz jugando en la superficie de los objetos.
Muchos objetos representados en las naturalezas muertas de Kheda personifican la "vanidad de las vanidades": vasos rotos, tazzes volcados , conchas de ostras vacías. La comida ha terminado, y esto debe ser visto como una alusión a la fragilidad de todo lo terrenal [35] .
El tipo de "desayuno" monocromático creado por Claes y Heda se generalizó en Holanda en las décadas de 1630 y 1640.
Uno de los seguidores de Claes fue Franchuis Elaut , también haarlemiano (1596-1641). Fue muy popular durante su vida, pero pocas de sus pinturas han sobrevivido hasta el día de hoy.
Kheda tuvo muchos estudiantes y seguidores, entre ellos su hijo Gerrit Willems Kheda (1620-1702). Su obra se caracteriza por un formato vertical con el predominio de un objeto ubicado en el centro, y el uso del claroscuro, que resalta con fuerza los atributos de una naturaleza muerta sobre el fondo del crepúsculo de la sala.
Otro alumno de Heda fue Marten Bullema , apodado "El Mudo" ( De Stomme ). Construyó también sus naturalezas muertas en torno a un eje central, para luego pasar a una composición y representación más libres de desayunos ya terminados [36] .
Jan Jans den Eyl (1595/1596 - 1640) también apoyó las tradiciones de Heda . En su obra de madurez, se limitaba a representar 4 o 5 objetos, la mayoría de las veces con un indispensable gaznate, y prefería un formato vertical. Den Eil influyó en la obra de su cuñado , Jan Jans Treck (1605/1606-1652), quien también utilizó tonos gris oliva y un pequeño conjunto de objetos dominado por un cristal de paso.
Aún más simples son las composiciones de Jan Jans van de Velde (1619/1620 - después de 1663), quien fue influenciado por las naturalezas muertas de Pieter Claesz y a menudo representaba largas pipas humeantes. Sus bodegones crean una atmósfera de naturalidad, intimidad y cotidianidad.
Las obras de Paulus van den Bos (alrededor de 1615 - después de 1655) se distinguen por su compacidad, la máxima simplicidad de composición y escaso colorido.
Philips Angel (1616 - después de 1683), Francis Geisbrechts y Joseph de Bray (? - 1664) crearon un tipo especial de "desayuno" - campesino: representaban queso, arenque, verduras y, en lugar de vasos, tazas de madera [37] .
El llamado "bodegón de cocina" se generalizó tanto en Holanda como en Flandes. Las pinturas de este género representan una variedad de utensilios de cocina y productos destinados a preparar la cena. Se conservó en parte (siguiendo a los artistas del siglo XVI Peter Aartsen y Joachim Beikelar ) la tradición de representar a la dueña de la casa, la cocinera o los sirvientes, pero cada vez más a menudo pasaron a un segundo plano. En primer plano estaban los utensilios de cocina y la carne, el pescado y muchas verduras traídas a la cocina: calabaza, nabo, colinabo, col, zanahoria, guisantes, frijoles, cebollas y pepinos. Las personas más ricas tenían coliflor, melones, alcachofas y espárragos en sus mesas . En el desarrollo del género participaron principalmente maestros de Róterdam , así como el haarlemiano Floris van Schoten (quien puede considerarse el fundador de este tipo de naturaleza muerta) y el maestro de Middelburg François Reykhals [39] . Además, el bodegón de cocina era popular entre los artistas de Delft [40] .
Floris Gerrits van Schoten es mejor conocido por sus "mesas puestas", pero también pintó escenas de cocina. Algunos de ellos se acercan a la pintura de género; otros son bodegones "puros" [41] .
Nativo de Delft, Pieter Cornelis van Rijk (1568-1628) pintó siguiendo la tradición del siglo XVI, a veces con escenas bíblicas de fondo. Tras un viaje a Italia, la influencia de la pintura italiana se hace notar en sus cuadros [42] .
Cornelis Jacobs Delff (1571-1643), alumno de van Rijk, combinó naturaleza muerta y motivos de género. Usó un punto de vista elevado y le gustaba colocar los utensilios de cocina en primer plano.
Las obras de pintores de género que pintaron escenas de la vida cotidiana de los holandeses a menudo se acercan a la naturaleza muerta de la cocina. Así, el pintor de género y retratista Gottfried Schalken (1643-1706) representó una escena de amor en su cuadro "Muestra de vino", pero el séquito era una despensa con barriles de vino y suministros.
Cornelis Pieters Bega (1631/1632 - 1664) también pintó principalmente escenas de género. Posee el cuadro “En la cocina”, peculiar en el sentido de que el artista introduce motivos mitológicos en la naturaleza muerta, representando a un sátiro que vino a visitar a los campesinos [43] .
Un grupo de maestros del género doméstico, los hermanos Cornelis y Herman Saftlevens (1607/1608 - 1681 y 1609-1685), Pieter de Blot (1601-1658), Hendrik Martens Sorg (1611-1670) y Eckbert van der Pool ( 1621-1664) combinaron bodegones de "cocina" con motivos de género, pero los elementos domésticos dominaron en sus pinturas, y las figuras humanas jugaron un papel secundario.
Cerca de las obras de los pintores de género de Rotterdam se encuentran las naturalezas muertas del famoso maestro de los "desayunos campesinos" Philips Angel .
En contraste con los artistas que representaron la cocina de un burgués rico con su limpieza y orden, Francois Reykhals (después de 1600-1647) pintó cocinas de campesinos pobres, escribiendo cuidadosamente los muebles. En su obra posterior, Reykhals recurrió al género de la naturaleza muerta "lujosa" [44] .
Se dedicaron más de 60 obras al tema de la naturaleza muerta de la cocina y otro conocido maestro de las naturalezas muertas "lujosas": Willem Kalf .
La Haya se convirtió en el lugar de nacimiento de una naturaleza muerta con peces . La proximidad de Scheveningen predispuso a los artistas no sólo a pintar marines , sino también a crear un tipo especial de bodegones: pinturas que representan peces y animales marinos [45] . Otro centro del bodegón de "peces" fue Utrecht , a pesar de la lejanía de esta ciudad de la costa del mar [46] .
Los fundadores de este tipo de bodegones fueron Pieter de Putter, Pieter van Scheyenborg y Pieter van Noort.
Pieter de Putter (1600-1659) se especializó casi exclusivamente en bodegones de pescado. Tal autocontrol fue un movimiento audaz por parte del artista; al parecer, confiaba en que su trabajo tendría éxito con los holandeses, una nación de marineros y pescadores [47] .
En sus obras, de Putter, por regla general, siguió el mismo patrón: eligió un punto de vista alto, desde el cual se ve claramente una mesa con peces arrojados sobre ella, que a veces agrega detalles adicionales a la naturaleza muerta: una red de pesca, una cesta, un cuchillo de cocina o una sartén. Sus obras se distinguen por un patrón rígido y un color tacaño [48] .
El principal representante de esta tendencia en la pintura fue el estudiante de De Putter, Abraham van Beyeren (1620/1621 - 1690), quien trabajó en muchos otros géneros de naturaleza muerta y también pintó marinas. Representó peces en diferentes situaciones: acostados en una pila en la orilla, colocados sobre una mesa, colgados de anzuelos [49] . las naturalezas muertas de van Beieren se distinguen por su realismo; no es difícil identificar las especies de peces representadas por él. Especialmente común es la imagen de una carpa suspendida por su aleta, posiblemente teniendo algún significado simbólico [50] .
Van Beieren fue un colorista excepcional: la paleta gris plateada, en la que se sostienen las escamas de los peces, se acentuó con puntos de colores brillantes individuales, y el resplandor de la luz le dio a la imagen una vivacidad y expresividad especiales.
Quizás el alumno de van Beieren fue Isaac van Duynen (1628-1677/1681), quien también desarrolló los dos temas principales de la naturaleza muerta con peces: "pez en la orilla" y "pez en la mesa".
Pieter van Scheienborg (? - después de 1657) pintó peces sobre un fondo gris o tostado; posee pinturas pareadas que representan peces de mar y de río [48] .
Las pinturas de Pieter van Noort (¿alrededor de 1600 -?), que transmitían de forma colorida el brillo de las escamas de los peces, tenían un color especial .
Albert Cuyp (1620-1691), más conocido como paisajista, puede contarse entre los maestros de la naturaleza muerta con peces .
Los maestros de Utrecht Willem Ormea (1611-1673) y su alumno Jacob Gillig (alrededor de 1630-1701) eran aficionados a los bodegones de "peces". Willem Ormea a menudo representaba peces contra el fondo del mar (trabajó en colaboración con el paisajista Adam Willaerts, quien pintó el mar). Las pinturas de Gillig son más tradicionales; contienen principalmente pescado de agua dulce, recién capturado o ya sacrificado [51] .
Un lugar importante en la pintura holandesa fue ocupado por una naturaleza muerta filosófica y moralista, que recibió el nombre latino " vanitas " ("vanidad de vanidades" - una alusión al Eclesiastés ). Bodegones de este tipo aparecieron por primera vez en la pintura flamenca del siglo XVII, y luego se generalizaron en Holanda, Italia y España [52] . Los precursores del género son los llamados memento mori , imágenes alegóricas conocidas desde la Edad Media y destinadas a recordar la fragilidad y fugacidad de todo lo terrenal. Así, al principio en las lápidas y más tarde en el reverso de los retratos hechos a medida, era costumbre representar un cráneo humano [53] [54] .
Un típico bodegón de vanitas representaba objetos que de una forma u otra estaban asociados con la fragilidad de la vida humana: una calavera, una vela apagada, relojes, libros, instrumentos musicales, flores marchitas, frutas podridas, platos volcados o rotos, naipes y huesos, pipas humeantes, pompas de jabón, etc. A veces el artista incluía en la obra algún dicho latino sobre el tema “vanidad de vanidades” ( Vanitas vanitatum , Memento mori , Sic transit gloria mundi , etc.). Por regla general, los bodegones se diseñaron en colores oscuros, con predominio de los colores marrón grisáceo. Los objetos representados generalmente estaban dispuestos de manera enfáticamente descuidada y caótica: se suponía que esto demostraba un desdén por su valor material y también simbolizaba la futilidad de los actos humanos [22] [55] .
Leiden se convirtió en el centro para el desarrollo de la naturaleza muerta “científica” (uno de los nombres del género) : una ciudad universitaria, un centro de impresión y un bastión del calvinismo. Según B. R. Vipper , “en los fundamentos ideológicos de esta tendencia, las ideas medievales sobre la fragilidad de todo lo terrenal, las tendencias moralizantes del calvinismo y el ideal humanista de una persona sabia que lucha por la verdad y la belleza estaban particularmente entrelazadas” [56] .
El primer bodegón del siglo XVII que nos ha llegado, perteneciente al género de "vanidad de vanidades", fue pintado por Jacob de Gein el Joven en 1603. Representa una calavera colocada en un nicho de pared, sobre el cual flota una pompa de jabón, que refleja parte del interior del estudio del artista. En la parte superior de la hornacina se lee la inscripción en latín "HUMANA VANA" ("el alboroto humano es vano"); la calavera es un símbolo tradicional de la muerte, y la pompa de jabón es un recordatorio de lo efímera que es toda vida [57] .
El desarrollo de la naturaleza muerta “vanidad de vanidades” estuvo muy influenciado por la actividad del pintor de Leiden David Bailly (1584-1657) y los maestros agrupados a su alrededor. David Bailly posee el famoso "Naturaleza muerta con autorretrato y símbolos de vanidad de vanidades". En esta imagen, en un espacio relativamente reducido, se concentran muchos objetos: atributos del género: libros, una vela, una moneda, un espejo, una pipa, flores arrancadas y marchitas, un reloj de arena, etc. La calavera sobre la mesa, la estatuilla de Cristo sufriente y las pompas de jabón hablan con elocuencia de la fugacidad de la vida [58] .
El alumno de Bailly fue Peter Simons Potter (1597-1652), padre del famoso pintor de animales Paulus Potter . En sus bodegones utilizó el mismo conjunto de objetos que Bailly: una calavera, libros, una vela apagada, una pipa, una paleta, notas e instrumentos musicales. Una innovación fue la imagen de una pluma con un tintero, un globo terráqueo y una bolsa, cosas que simbolizaban el vano deseo de fama y viajes [59] .
Los alumnos de Bailly fueron también sus sobrinos Harmen Stenwijk (1612 - después de 1655) y Peter Stenwijk , originario de Delft. Poco se sabe sobre ambos artistas, y sus obras supervivientes son muy pocas. Sin embargo, se supone que Harmen Stenwijk fue uno de los líderes de la escuela de pintores de Leiden [60] . Su obra se distingue por un color más cálido que el de Bailly; además, en el conjunto estándar de objetos representados, introduce otro símbolo de "vanidad de vanidades": sombras que corren [59] .
Incluso el destacado maestro de las naturalezas muertas "lujosas", Jan Davidsz de Heem , estuvo bajo la influencia de Bailly , quien, habiéndose mudado a Leiden desde Utrecht, pintó varias pinturas en el género "vanidad de vanidades". De Heem combinó varios tipos de bodegones: vanitas , florales y tonales [61] [62] .
De Heem y, después de él, muchos otros autores de "vanitas" asignaron un papel importante al contraste de luces y sombras, simbolizando la lucha entre la vida y la muerte. Así, en el cuadro Vanidad de vanidades de Abraham van der Schor, los atributos tradicionales del género —huesos, calaveras y rosas arrancadas— están pintados en colores claros y colocados sobre un fondo oscuro. El claroscuro también juega un papel importante en las obras de Jacques de Clauve (1620 - después de 1679), donde la brillante luz del sol contrasta con sombríos cráneos y crucifijos; y en las naturalezas muertas de Adrian van der Spelled (1630-1673), en quien también crea la ilusión del volumen [63] .
En la segunda mitad del siglo XVII, la interpretación de la trama sufrió algunos cambios: de un sombrío recordatorio del final inevitable de la naturaleza muerta, “vanidad de vanidades” se convirtió en una especie de pintura misteriosa, que requiere que el espectador conozca el simbolismo utilizado en ellos. Cada vez más, aparece en ellos el motivo de la vanidad de la gloria terrenal, la búsqueda de la ciencia y el arte [64] .
Varias pinturas de este género fueron creadas por la estudiante de Jan Davidsz de Heem , Maria van Oosterwijk (1630-1693), quien pintó principalmente bodegones de flores. Por ello, en sus pinturas del tipo “vanidad de vanidades”, las flores ocupan un lugar destacado junto a la calavera, el globo terráqueo, los libros, la flauta, los billetes y las monedas. Los bodegones van acompañados de citas como “Un hombre nacido de mujer es efímero y lleno de dolores” ( Libro de Job ) [65] .
Tales máximas moralistas fueron utilizadas en sus obras por muchos maestros que trabajaron en el género vanitas: por ejemplo, el famoso paisajista Jan van der Heyden (1637-1712) y el artista de Leiden Abraham Susenir (circa 1620 - después de 1667) incluido en el naturaleza muerta una Biblia abierta en la página deseada.
Las pinturas de varios artistas de la segunda mitad del siglo XVII están cerca de otro tipo de naturaleza muerta: la llamada " blenda ", diseñada para crear la ilusión de volumen y realidad de lo representado. Las características del "engaño" están presentes en las obras de Petrus Schotanus (c. 1601-1675), Jurian van Streck (1632 -?), Vincent van der Winne (1629-1702), Matthias Vythos (1627-1703), Peter Ring (1615-1660) y Edward Collier (c. 1640 - después de 1706). Gracias a su composición hábilmente construida y al uso magistral del claroscuro, los objetos representados por ellos parecen extremadamente naturalistas [66] .
Desde la antigüedad, los artistas se han esforzado por lograr la reproducción ilusionista y más confiable de la naturaleza. Desde aproximadamente el siglo XV, las imágenes diseñadas para crear la ilusión de tridimensionalidad se han generalizado en el arte europeo. La mayoría de las veces, se representaban objetos típicos del mobiliario de la casa de un burgués adinerado (libros, artículos de escritura y artículos de tocador, varias baratijas, trofeos de caza) y el artista intentaba dibujarlos para que parecieran realmente estar parados en un estante o colgados. en una pared [67] . En el interior semioscuro de una casa holandesa, tales pinturas producían el efecto de la realidad.
En las décadas de 1650 y 1660, un género especial de bodegones "ilusionistas", los llamados " trucos " ( holandés. bedriegertje ), más tarde recibió el nombre de " trompe l'œil " en la literatura de historia del arte (de las palabras francesas " tromper ” - engañar y “ l 'œil " - ojo). Juegan con ventanas, marcos y cortinas inexistentes, así como con diversos objetos situados en un plano vertical y, por así decirlo, sujetos con cintas o alfileres [68] .
Uno de los primeros "trucos" holandeses, tapas pintadas para guardar cuadros, fue realizado por Gerard Dou (1613-1675). La ilusión era que una caja cerrada parecía estar abierta [66] .
Los maestros del "bodegón engañoso" fueron los alumnos de Rembrandt, Samuel van Hoogstraten (1627-1678) y Heyman Dullart (1636-1684). Algunas de las naturalezas muertas supervivientes de Hoogstraten muestran puertas de gabinetes con objetos sobre ellas. El artista con una habilidad excepcional transmite la textura de varios materiales: cuero, metal, madera. Muchos de los detalles más pequeños, cuidadosamente trazados, dan una autenticidad especial a lo representado.
El trabajo de Hogstraten realmente engañó a la gente: en la biografía del artista de Arnold Houbraken , se observa que el propio emperador Fernando III sucumbió al engaño . El mismo Houbraken escribe que en la casa del propio Hogstraten había “trucos” por todas partes, y los objetos pintados parecían reales [69] . Cómo fue engañado por la habilidad sobresaliente de Hogstraten, recuerda en sus memorias Samuel Peeps [70] .
A menudo, los autores de "fraudes" crearon bodegones con materiales de escritura: cartas sobre la mesa, sobres, navajas, lupas de lectura, etc. Cornelis Brize (1622 - después de 1670), Vallerand Vaillant (1623-1677) tienen obras similares y el maestro de las naturalezas muertas del tipo "vanidad de vanidades", Edward Collier [71] . Este último posee numerosos trucos en el espíritu de Hogstraten [72] .
Muchos maestros combinaron en sus obras dos tipos de naturaleza muerta: "ilusionista" y "de caza". Este tipo de "señuelo" representaba la caza batida y el equipo de caza. Los artistas buscaron no solo representar los animales y pájaros muertos de la manera más natural posible, sino también transmitir la textura y los colores del plumaje de las aves. Los fraudes sobre un tema de caza fueron creados por los hermanos Anthony Lemans (circa 1631-1673) y Johannes Lemans (circa 1633-1688), Jacob Biltius (1633-1681) y su hermano Cornelis Biltius , así como el autor de "campesino". desayunos Philips Angel y un retratista Christoffel Pearson (1631-1714) [73] .
Desde la década de 1650, un nuevo tipo de género de naturaleza muerta ha ido ganando popularidad: la naturaleza muerta "lujosa" ( holandés. pronkstilleven ). Los fundadores del género fueron los artistas flamencos Frans Snyders y Adrian van Utrecht [74] . Los temas y la estética de este tipo de bodegones reflejan los gustos de la burguesía de la segunda mitad del siglo XVII, su afán de riqueza, elegancia y lujo [75] . Cada vez con más frecuencia, en las pinturas aparecen platos de plata y dorados, porcelana china , loza de Delft , vidrio veneciano , manteles y alfombras orientales, frutas del sur, langostas y otros platos caros y exquisitos, y se reemplaza el color medio de los "desayunos" monocromáticos. por colorido y cálido [76] [76] [ 75] .
Uno de los fundadores del género fue el maestro de Utrecht , Jan Davidsz de Heem (1606-1684). Se probó a sí mismo en varios géneros: floral, científico, cocina, naturaleza muerta tonal. En 1636 el artista se trasladó a Amberes y cayó bajo la influencia de la pintura flamenca. A partir de ese momento, comenzó a crear lujosas naturalezas muertas, que se distinguen por su colorido y decoratividad [77] . Presentan una verdadera "fiesta de la abundancia": las mesas ricamente servidas están literalmente repletas de todo tipo de comida. Los bodegones de flores de De Heem también tenían una clara huella flamenca, distinguiéndose por una sinfonía barroca de colores [78] .
Jan Davidsz de Heem tuvo un taller con un gran número de estudiantes y asistentes. Además del hijo del maestro, Cornelis de Heem (1631-1695), que aprendió muchas de las técnicas pictóricas de su padre, sus alumnos directos fueron Peter de Ring, Nicholas van Gelder, Johannes Bormann, Martinus Nellius, Matthijs Naive, Jan Mortel, Simon Luttihuis , Patada de Cornelis. A su vez, Kik crió a estudiantes dotados: Elias van den Broek y Jacob van Valskapelle. Del taller de Jan Davidsz de Heem también procedían Maria van Oosterwijk, maestra de bodegones de vanidad de vanidades, y dos maestros del bodegón tardío de flores: Jacob Rotius (1644-1681/1682) y Abraham Mignon [79] .
Uno de los estudiantes más destacados de de Heem fue Pieter de Ring . Sus obras están dominadas por tonos brillantes y saturados; el juego de luces sobre varios objetos se transmite cuidadosamente. En lugar de una firma, de Ring solía utilizar la imagen de un anillo ( anillo significa anillo en holandés) [80] .
Simultáneamente con de Heem, François Reykhals recurrió al género de la naturaleza muerta lujosa . El color brillante de sus obras es tanto más sorprendente cuanto que fueron creadas durante el período de dominación de la pintura tonal. Así, en su obra, anticipó el desarrollo posterior de la naturaleza muerta holandesa [81] .
El deseo de brillantez también es característico de las lujosas naturalezas muertas de Abraham van Beieren . Su pintura adquiere una especial expresividad debido al hábil uso del contraste de colores cálidos y fríos y distintas tonalidades de un mismo color. La composición generalmente se construye alrededor de un solo centro, que es un recipiente con vino o el artículo de servicio más brillante: langosta. Prácticamente en todos los bodegones hay una imagen de un reloj de bolsillo, que, como en el género de "vanidad de vanidades", recuerda la fugacidad del tiempo [82] .
Uno de los pocos seguidores de van Beieren, Abraham Susenir , adoptó de su maestro los rasgos esenciales de su manera. Durante mucho tiempo, algunas de las naturalezas muertas de Susenir se atribuyeron a van Beieren.
Una gran cantidad de obras en el género de la naturaleza muerta "lujosa" fueron creadas por el alumno de Francois Reykhals, el destacado maestro de la naturaleza muerta Willem Kalf (1619-1693). En sus primeras obras, el artista utiliza a menudo una composición asimétrica y un simbolismo típico de la naturaleza muerta de vanitas: un candelabro con una vela sin quemar, un reloj de bolsillo, una copa volcada. Después de experimentar la influencia de Rembrandt durante un viaje a Amsterdam , Kalf comenzó a crear lienzos saturados de color y luz, combinando un colorido cálido con un uso magistral del claroscuro [81] . Las obras del período "Amsterdam", que sobre todo glorificaron el nombre de Kalf, se caracterizan por un formato vertical, la presencia de platos de porcelana china y un repertorio limitado de objetos representados, entre los que ciertamente se incluye una bandeja de plata. El grupo de bodegones incluye a menudo römers, akel-glasses, nautilus goblets, jarrones chinos y jarras representados con una autenticidad excepcional [83] .
El trabajo de Kalf reveló nuevas posibilidades para la encarnación del mundo objetivo y tuvo una influencia decisiva en el desarrollo posterior de la naturaleza muerta. Los seguidores de Kalf fueron Jurian van Streck, su hijo Hendrik van Streck (1659-?), Christian Jans Streep (1634-1673) y Barent van der Meer (1659-hasta 1702).
Jurian van Streck experimentó mucho con la luz y el color. Sus obras se distinguen por una rica gama cromática y una variedad de transiciones tonales [84] . Otro rasgo característico de las naturalezas muertas de van Streck es la sensación de presencia de una persona: parece como si acabara de levantarse de la mesa [85] .
Otro seguidor de Kalf, Peter Gerrits Rustraten (1627-1698) , pasó de acercar las naturalezas muertas "lujosas" a las "fraudulentas" . Además, en sus obras también hay rasgos de la naturaleza muerta “vanidad de vanidades”: las cosas preciosas en sus obras se convierten en símbolos claramente legibles de la vanidad de todo lo terrenal [86] .
En la segunda mitad del siglo XVII se generalizaron los bodegones con animales sacrificados, reflejo de la afición de los burgueses acaudalados por la caza. En Amsterdam, Haarlem y Delft, las naturalezas muertas de pequeño formato con detalles elaborados fueron especialmente populares, mientras que en Utrecht, los artistas pintaron principalmente grandes lienzos decorativos que representaban no solo los trofeos en sí, sino también el equipo de caza y, a veces, incluso incluían un fragmento de el paisaje [87] .
Al parecer, el comienzo de este tipo de naturalezas muertas lo puso Rembrandt , quien pintó los cuadros "Avetoro maltratado" (1639) y "Dos pavos reales muertos y una niña" (1639) [88] . Los bodegones de "caza" también fueron escritos por el alumno de Rembrandt, Ferdinand Bol , quien dibujó magistralmente el plumaje de las aves.
Entre los pioneros del género se encuentran Elias Vonk (c. 1605-1652) y su hijo Jan Vonk (c. 1631-1663), así como Matthaus Bloom [89] .
Jan Vonk fue uno de los primeros en recurrir al tema de la caza menor. Su técnica principal es la selección de elementos individuales de un grupo de bodegones con la ayuda de un ligero acento [90] .
Matthaus Bloom , por el contrario, fue el fundador de la naturaleza muerta monumental con trofeos de caza [91] . En el futuro, este género fue desarrollado por Jan Weniks.
El maestro reconocido de la naturaleza muerta de caza fue Willem van Aelst , también conocido como el maestro de las naturalezas muertas "florales" y "lujosas". Representó la caza batida sobre una mesa de mármol o suspendida en un nicho de piedra. La composición se complementa con atributos de caza: una escopeta, un arnés de caza, un morral o un cuerno [89] .
El famoso maestro paisajista Jan Baptist Veniks (1621-1660) abordó el tema de la naturaleza muerta de caza , quien representó corzos y cisnes muertos. Su hijo Jan Weniks (1640-1719) creó al menos un centenar de pinturas que representan liebres golpeadas contra el fondo de un nicho de piedra o el paisaje de un parque [92] . Además, pintó composiciones complejas de múltiples figuras, que representan un juego muerto no en el interior, sino en el contexto de la naturaleza. Su estilo se caracteriza por una representación extremadamente naturalista de la textura de la piel de los animales y el plumaje de las aves [93] .
Los alumnos de Jan Baptist Weenix también fueron su sobrino Melchior de Hondekuter (1636-1695) y Willem Frederick van Rooyen (1645/1654-1742).
Melchior de Hondekuter es conocido principalmente como el autor de los llamados "patios de pájaros" y "conciertos de pájaros", que representan no animales de caza, sino pájaros vivos. Sin embargo, también creó una serie de bodegones de caza, tanto pequeños como monumentales. Su característica distintiva es la yuxtaposición de la naturaleza animada e inanimada: los perros y gatos vivos se representan junto a los trofeos de caza [94] .
Dirk de Bry también fue un partidario de la naturaleza muerta de caza ceremonial, como Aalst y Royen . Representaba los trofeos de cetrería, que era un pasatiempo favorito de los aristócratas y burgueses ricos [95] .
Junto con los lienzos decorativos a gran escala de "trofeos de caza", también se utilizó ampliamente el bodegón de caza de "cámara". Cornelis Lelienberg (1626 - después de 1676), el alumno de Aalst Willem Gau Ferguson (circa 1633 - después de 1695), Hendrik de Fromenthue (1633/1634 - después de 1694) y Peter Harmens Verelst (1618-1678) crearon sus obras en este estilo , y también su hijo Simon Peters Verelst (1644-1721). Los bodegones de caza de "cámara" también fueron creados por pintores que trabajaron en otros géneros de bodegones: Abraham Mignon, Abraham van Beyeren, Jacob Biltius. El célebre paisajista Salomon van Ruisdael (1600/1603 - 1670), que escribió "Naturaleza muerta con juego de sables" (1661) y "Trofeos de caza" (1662), y el pintor de género, alumno de Adrian van Ostade, Cornelis Dusart (1660 -1704) rindió homenaje al bodegón de caza [96] .
Una variedad específica de bodegones son las pinturas que surgieron en la segunda mitad del siglo XVII, que representan a varios representantes de la fauna terrestre (serpientes, lagartijas, arañas, orugas, mariposas) en su entorno natural. Los fundadores del género fueron Otto Marseus van Skrik (1619/1620-1678) y Matthias Vythos (1627-1703) [97] .
Se sabe que Screek tenía en su finca un terrario con insectos, arañas, serpientes y otros animales, que representaba en sus pinturas. Le gustaba crear composiciones complejas con plantas y animales exóticos, introduciendo en ellas tintes filosóficos. Por ejemplo, en el cuadro de Dresde La serpiente en el nido de pájaro, las mariposas recogen el néctar de las flores, un zorzal atrapa mariposas y se las da de comer a su polluelo, y otro polluelo es tragado por una serpiente cazada por un armiño [98] .
Vythos prefirió representar plantas silvestres en el primer plano de las pinturas, entre las que abunda la vida. Sus obras capturan cuidadosamente el mundo misterioso, generalmente inaccesible al ojo humano [97] .
Willem van Aelst tiene varias obras dedicadas a la representación de plantas y animales. Su alumna Rachel Reusch comenzó su carrera creativa imitando a Skrik, pero luego desarrolló su propio estilo, que se caracteriza por la imagen de pequeñas criaturas vivientes contra el fondo de un paisaje dorado [99] .
Melchior de Hondekuter (1636-1695) se hizo famoso como artista que representó una amplia variedad de animales y aves. Sus "patios de pájaros" y "casas de fieras" no son naturalezas muertas en sentido estricto, pero para los holandeses del siglo XVII estaban en la misma categoría que las imágenes de flores o frutas [100] .
Los bodegones de animales también fueron creados por artistas como Willem Frederik van Rooyen, Christian Jans Streep, que trabajaba a la manera de Screak, y Abraham de Hoes.
En la segunda mitad del siglo XVII, los bodegones de flores y frutas volvieron a ponerse de moda. Se caracterizaron por el esplendor, la decoración y el color claro. Una gran influencia en la naturaleza muerta tardía fue la pintura del maestro de las naturalezas muertas "lujosas", Jan Davidsz de Heem [101] .
El artista de Delft, Willem van Aalst (1626/1627 - después de 1683), que abarcó los más diversos tipos de bodegones en su obra, creó bodegones de flores y frutas en la tradición de Balthasar van der Ast y su tío, el pintor Evert van der Aalst [102] . Van Aalst era un colorista sutil y dominaba la técnica de la pintura a la perfección. Desarrolló sus propios métodos de aplicar varias capas de pintura entre sí, gracias a las cuales logró una excepcional riqueza de color y una variedad de sus matices [103] . Otra innovación que van Aelst aportó a la naturaleza muerta floral fue la composición asimétrica del ramo [104] .
Van Aalst tuvo numerosos seguidores que, en su mayoría, se convirtieron en adeptos de la naturaleza muerta "íntima", siguiendo el camino de simplificar la composición y reducir el número de objetos representados. Abraham de Lust, Willem Frederick van Rooyen, Simon Peters Verelst, Hendrik de Fromenthue y Dirk de Bry trabajaron en este estilo .
De manera similar al enfoque de Aalst, los intentos de pasar a una nueva forma pictórica también son visibles en las obras de Justus van Huysum el Viejo (1659-1716). Se probó a sí mismo en una amplia variedad de géneros, desde el retrato hasta el paisaje, pero logró el mayor éxito en la representación de flores y frutas [106] .
Justus van Huysum introdujo a su hijo Jan van Huysum (1682-1749) en la pintura, en cuya obra la naturaleza muerta tardía alcanzó su máxima expresión. La popularidad de sus obras fue tan alta que su costo fue cientos de veces mayor que el costo de las pinturas de Rembrandt, Steen, Aalst y Cuyp [105] .
Jan van Huysum pintó dos tipos de bodegones de flores: ramos de flores escenificados sobre un fondo oscuro y ramos de "lujo" más decorativos destinados a decorar hogares adinerados. En ellos, él, al igual que Jan Davidsz de Heem, utiliza un fondo claro, que en ese momento supuso una innovación en la pintura de bodegones.
Las naturalezas muertas de Van Huysum se distinguen por su colorido, matices sutiles, combinación de colores principales y la mejor artesanía en el trabajo de los detalles. El artista revela hábilmente las características de cada flor y fruto, mostrándolos en varios aspectos [107] .
Junto con de Heem y van Huysum, el representante de la forma "ligera" de la naturaleza muerta de flores fue el artista alemán que trabajaba en Holanda Abraham Mignon . También pintó flores sobre un fondo oscuro, prefiriendo las rosas. Sus ramos son elegantes, coloridos y como si estuvieran en exhibición. El trabajo de Mignon se caracteriza por la decoración y la pincelada suave [107] . A veces añadía elementos de género a la naturaleza muerta: sus jarrones a veces se balanceaban y caían. Se utilizaron gatos, ardillas, pájaros, mariposas, hormigas y caracoles como detalles de entretenimiento [108] .
Un artista muy original fue Adrian Korte de Middelburg - "la pura voz solista del final de la sinfonía holandesa de naturaleza muerta" [109] . No siguió la tendencia general y no luchó por la vistosidad y la decoración. Korte pintó pequeñas naturalezas muertas, elegantes y concisas, construidas sobre el contraste de un fondo oscuro y un objeto claro [110] . El tema central de la composición podría ser un manojo de espárragos, una rodaja de limón, grosellas, artículos modestos y cotidianos. Sin embargo, inundados por la luz que cae de lo alto, parecen eternos e intemporales [111] .
En la pintura holandesa del siglo XVII, se sentaron las bases de un nuevo género, la naturaleza muerta, que en forma figurativa encarnaba la cosmovisión de una persona en su relación con el mundo objetivo y la naturaleza. Los artistas holandeses ampliaron significativamente la gama de temas que abarca el arte; la apelación directa a la realidad circundante se convirtió en el factor principal que influyó en el nuevo género en el espectador [112] . Sin embargo, la naturaleza muerta holandesa no solo capturaba la realidad: transmitía sutilmente la interconexión de las cosas y los fenómenos de la vida espiritual de una persona. Las pinturas entablaron un diálogo con los contemporáneos, informándoles de importantes verdades morales, recordándoles la fragilidad de todas las cosas y obligándolos a pensar sobre el sentido de la vida humana [75] .
En las décadas siguientes, la pintura holandesa declinó. Sin embargo, la estética de la naturaleza muerta holandesa tuvo una gran influencia en los artistas de otros países europeos, en particular, Alemania y Francia [7] . La habilidad técnica y la visión especial del mundo inherentes a los artistas holandeses de la llamada "Edad de Oro" se convirtieron en un modelo para muchas generaciones de pintores.