El cine independiente en los Estados Unidos tiene una larga historia. Estas películas se producen en gran parte o en su totalidad fuera del sistema de estudio de cine convencional y son distribuidas por compañías independientes. Las películas independientes también pueden ser producidas y/o distribuidas por subsidiarias de los principales estudios cinematográficos. Por lo general, pero no siempre, los presupuestos de las películas independientes son mucho más bajos que los presupuestos de las principales películas de estudio. Por regla general, la distribución de películas independientes se caracteriza por un estreno limitado , pero al mismo tiempo puede tener campañas de marketing serias y un estreno amplio.
La Motion Picture Patents Company (MPPC , más conocida como Edison Trust ) fue fundada en 1908 . El Edison Trust se creó como un acuerdo entre estudios competidores que tenían el monopolio de la producción y distribución de películas . Incluía a todas las principales compañías cinematográficas de la época ( Edison , Biograph, Vitagraph , Essanay , Selig, Lubin, Kalem, American Star, American Pathé ), el distribuidor líder (George Kleine) y el mayor proveedor de películas sin exponer Eastman Kodak . Varios cineastas se negaron a unirse a la empresa o se les negó el crédito y se les etiquetó como "independientes".
Durante la formación de MPPC, Thomas Edison poseía la mayoría de las patentes clave de tecnología cinematográfica . George Eastman , que apoyó al fideicomiso cinematográfico, también tenía un monopolio, produciendo más del 90% del stock de películas no expuestas del mundo. El MPPC exigió el cumplimiento estricto de sus patentes, emitiendo constantemente mandatos judiciales contra los cineastas independientes. Como resultado, algunos directores trasladaron su filmación a Hollywood , California, donde la distancia de la base principal de Edison en Nueva Jersey hizo que ya no fueran accesibles para el MPPC y sus patentes.
El Edison Trust pronto se cerró por dos decisiones de la Corte Suprema de EE . UU .: la primera en 1912, que anuló la patente sobre películas cinematográficas no expuestas, y la segunda en 1915, que anuló todas las patentes MPPC. Aunque estas decisiones lograron legalizar las películas independientes y corregir la prohibición de facto de las pequeñas producciones cinematográficas, los cineastas independientes que huyeron al sur de California ya habían sentado las bases del cine clásico en Hollywood .
A principios de 1910, el director D. W. Griffith fue enviado por Biograph Company a la costa oeste con su compañía de actuación, que estaba formada por los actores Sweet Blanche , Lillian Gish , Mary Pickford , Lionel Barrymore y otros. Comenzaron a filmar en un terreno baldío al lado de Georgia Street en el centro de Los Ángeles . Durante este tiempo, la compañía decidió explorar nuevos territorios conduciendo unos cuantos kilómetros al norte hacia Hollywood . El pequeño pueblo era amigable con el equipo de filmación. Griffith creó aquí la primera película jamás realizada en Hollywood, In Old California , un melodrama sobre la California del siglo XIX cuando pertenecía a México. The Biograph Company permaneció allí durante un mes y logró hacer varias películas antes de regresar a Nueva York.
Durante la época de Edison Trust a principios del siglo XX, muchos inmigrantes judíos encontraron trabajo en la industria cinematográfica estadounidense. Bajo Edison Trust, pudieron hacer carrera en un negocio completamente nuevo. En pocos años, hombres ambiciosos como Samuel Goldwyn (MGM), Harry Cohn (Columbia Pictures), Carl Laemmle (Universal Pictures), Adolph Zukor (Paramount Pictures), Louis Mayer y los hermanos Warner (Harry, Albert, Sam y Jack ) pasó a la parte de fabricación del negocio. Tras los rumores del éxito de Biograph Company en Hollywood, en 1913 muchos aspirantes a cineastas huyeron al oeste para evitar las tarifas establecidas por Edison Trust. Pronto se convirtieron en directores de un nuevo tipo de empresa: los estudios de cine .
Al crear un nuevo sistema de producción, distribución y distribución que era independiente de Edison Trust en Nueva York, estos estudios abrieron nuevos caminos para el cine en los Estados Unidos . El Monopoly de Hollywood reemplazó al de Edison Trust. Bajo este nuevo sistema, se creó una jerarquía que dejaba poco espacio para los recién llegados. En la cima se encontraban cinco grandes estudios: 20th Century Fox , Metro-Goldwyn-Mayer , Paramount Pictures , RKO Pictures y Warner Bros. Debajo de ellos estaban Columbia Pictures , United Artists y Universal Studios . Un poco más tarde, apareció el término "Poverty Row", que se usa para referirse a cualquier otro estudio de cine más pequeño que haya logrado luchar por su lugar en el negocio del cine. A pesar de los estudios más pequeños de Poverty Row, que pueden describirse como existentes "independientemente" de cualquier estudio importante, utilizaron el mismo tipo de sistemas comerciales integrados vertical y horizontalmente que los grandes actores del mercado. Sin embargo, es probable que este sistema de estudios de cine y restricciones se desintegre, permitiendo que los estudios de cine independientes llenen el mercado con sus productos Poverty Row, lo que conducirá a la desaparición de Poverty Row como fenómeno de Hollywood. Si bien las películas producidas por Poverty Row solo crecieron en popularidad, eventualmente se volvieron más accesibles que las películas de las principales productoras y productores independientes que ya no necesitaban depender de la capacidad de los estudios para empaquetarlas y distribuirlas.
La siguiente tabla enumera las categorías que se utilizan comúnmente para caracterizar el sistema de Hollywood:
| Los Cinco Grandes Líderes | Los tres primeros pequeños | Poverty Row (las cuatro principales empresas) |
|---|---|---|
| Metro Goldwyn Mayer | Artistas Unidos | Gran nacional |
| Imágenes Paramount | Fotos de Colombia | Fotos de República |
| 20th Century Fox | estudios Universales | Monograma Fotos |
| Warner Bros. | Producers Releasing Corporation (también conocida como PRC) | |
| Fotos de RKO |
Los sistemas de estudio rápidamente se volvieron tan poderosos que algunos cineastas volvieron a luchar por la independencia. El 5 de febrero de 1919 , cuatro de las principales figuras del cine mudo estadounidense ( Mary Pickford , Charles Chaplin, Douglas Fairbanks y D. W. Griffith) formaron United Artists (UA), el primer estudio independiente de América. Cada uno poseía el 20% de las acciones, y el 20% restante era propiedad del abogado William Gibbs McAdoo. Fairbanks, Chaplin, Pickford y la estrella de vaqueros William S. Hart tuvieron la idea de tal empresa un año antes, cuando estaban de gira por los EE. UU. vendiendo bonos para ayudar en la Primera Guerra Mundial con sus esfuerzos . Como veteranos de Hollywood, las cuatro estrellas de la película hablaron de iniciar una empresa para aumentar su propio control sobre su propio trabajo. Fueron impulsados a la acción por los productores y distribuidores de Hollywood, que estaban tomando medidas para reforzar el control sobre los salarios y las licencias creativas de sus estrellas. Con la incorporación de Griffith, comenzó la planificación, pero Hart los dejó antes de que todo estuviera finalizado. “Cuando se enteró de su esquema”, dijo Richard A. Rowland, director de Metro Pictures , “comentó: “Los prisioneros se están apoderando del manicomio”.
Los cuatro socios, siguiendo el consejo de McAdoo (exsecretario del Tesoro y yerno del entonces presidente Woodrow Wilson ), formaron su empresa de distribución con Hiram Abrams como primer director general. Los términos iniciales requerían que Pickford, Fairbanks, Griffith y Chaplin produjeran de forma independiente cinco películas al año, pero cuando la compañía comenzó a operar en 1920-1921, los largometrajes se estaban volviendo más caros y refinados, y el tiempo de ejecución era de unos noventa minutos. (u ocho tambores con película). Se creía que nadie, independientemente de su popularidad, podía participar en cinco largometrajes de calidad al año. En 1924, Griffith había abandonado la empresa y se enfrentaba a una crisis: o bien dedicaba todos los recursos a mantener un costoso sistema de distribución, o fracasaba. El veterano productor Joseph Schenck fue contratado como presidente de la empresa. No solo produjo películas durante diez años, sino que también se comprometió a protagonizar películas con su esposa, Norma Talmadge, la hermana de su esposa, Constance Talmadge, y el hermano de su esposa, Buster Keaton . Se firmaron contratos con varios fabricantes independientes, especialmente Samuel Goldwyn, Alexander Korda y Howard Hughes. Shenk también formó una sociedad con Pickford y Chaplin para comprar y construir teatros llamados United Artists.
Sin embargo, incluso con la expansión, United Artists experimentó problemas. El advenimiento del cine sonoro acabó con las carreras de Pickford y Fairbanks. Chaplin ya era bastante rico y trabajaba solo ocasionalmente. En 1933, Schenk y Darryl Zanuck fundaron una nueva compañía, Twentieth Century Pictures , que pronto rodó cuatro películas al año (casi la mitad de la producción de United Artists), y cuando a Schenk se le negó la propiedad parcial de United Artists en 1935, la dejó. , organizando la fusión de 20th Century Pictures" y "Fox Film Corporation", que resultó en la formación de la compañía cinematográfica " 20th Century Fox ". Shenk fue reemplazado como presidente de United Artists por el ex gerente de ventas Alexander Lichtman, quien renunció después de solo unos meses en el cargo. En varios momentos, productores independientes como Goldwyn, Korda, Walt Disney , Walter Wanger y Selznick distribuyeron películas a través de United Artists, pero para 1940 la dinámica del negocio había cambiado y estos socios se fueron: Goldwyn y Disney a RKO , Wagner a Universal Pictures . y Selznick está retirado. La televisión también tuvo un impacto, desplazando a los cines, por lo que a finales de 1940 United Artists prácticamente dejó de existir como productora y distribuidora de películas.
En 1941 , Mary Pickford , Charles Chaplin , Walt Disney , Orson Welles , Samuel Goldwyn , David Selznick , Alexander Korda y Walter Wanger, muchas de las mismas personas que eran miembros de United Artists , fundaron la Sociedad de Productores de Cine Independientes, SIMPP para corto _ Posteriormente, William Cogney, Saul Lesser y Hal Roach también se convirtieron en miembros. La sociedad estaba dirigida a luchar por la preservación de los derechos de los cineastas independientes, que estaban abrumadoramente controlados por el sistema de estudios. De hecho, la sociedad SIMPP logró romper el monopolio de los siete estudios más grandes de Hollywood, que controlaban la producción, distribución y exhibición de películas.
En 1942 , SIMPP presentó una demanda antimonopolio contra United Detroit Theatres de Paramount. La denuncia acusaba a Paramount de conspirar para ocupar salas de cine en Detroit. Fue la primera demanda antimonopolio presentada contra las principales compañías cinematográficas.
En 1948 , la Corte Suprema de los Estados Unidos ordenó a los estudios cinematográficos de Hollywood que vendieran cadenas de cines y eliminaran las prácticas anticompetitivas. Esto terminó efectivamente con el sistema de estudios de la edad de oro de Hollywood .
Para 1958 , SIMPP había cumplido su misión y cerró las oficinas.
Gracias a los esfuerzos de SIMPP y con el advenimiento de las cámaras portátiles de bajo costo durante la Segunda Guerra Mundial , cualquier persona en Estados Unidos interesada en hacer películas pudo escribir y producir películas directamente sin la ayuda de un estudio de cine importante . Estas circunstancias pronto revelaron, gracias a los críticos, una serie de obras destacadas, incluidas Shadows of Noon de Maya Deren de 1943, Fireworks de Kenneth Anger en 1947 y The Little Fugitive de Morris Engel, Ruth Orkin y Ray Abrashkin en 1953 . . Cineastas: como Ken Jacobs, sin educación especial, comenzaron a experimentar con nuevas formas de filmar.
The Little Runaway se convirtió en la primera película independiente nominada al Oscar al Mejor Guión Original. También recibió el León de Plata en Venecia . Tanto las películas de Engel como las de Unger recibieron elogios internacionales de New Wave , y Fireworks recibió elogios e invitaciones para estudiar en Europa con Jean Cocteau y François Truffaut , quien citó a El pequeño fugitivo como una gran inspiración para su obra principal, " Cuatrocientos golpes ". ". Un nuevo paradigma de cine de bajo presupuesto progresó en la década de 1950, obteniendo un reconocimiento internacional generalizado para películas como Apu Trilogy (1955-1959) de Satyajit Rai , aclamada por la crítica.
A diferencia de las películas del sistema de estudios roto, estas nuevas películas de bajo presupuesto podían permitirse correr riesgos y explorar nuevos horizontes artísticos fuera de los moldes clásicos de Hollywood. Maya Deren pronto se unió a una multitud de cineastas de vanguardia de ideas afines de Nueva York que estaban interesados en hacer películas como obras de arte, no como un medio de entretenimiento. Basándose en la creencia común de que el "cine oficial" es "falto de aliento" y se ha vuelto "inmoral, estéticamente obsoleto, temáticamente superficial, temperamentalmente aburrido", [9] esta nueva generación de cineastas independientes forma la Sociedad de Directores de Fotografía, Artistas Prometedores y Organizaciones sin fines de lucro, que utilizarán para distribuir sus películas a través de un archivo centralizado. Fundada en 1962 por Jonas Mekas , Stan Brakhage , Shirley Clark , Gregory J. Markopoulos y otros, la Sociedad sirvió como la salida principal para muchas luminarias cinematográficas creativas en la década de 1960, incluidos Jack Smith y Andy Warhol . Cuando Ken Unger regresó a Estados Unidos, hizo su debut con muchas obras importantes. Mekas y Brakhage continuaron con Anthology Film Archives en 1970, que también resultó esencial para el desarrollo y la preservación de películas independientes hasta el día de hoy.
No todas las películas de bajo presupuesto existieron como empresas de arte no comerciales. Películas como Little Fugitive , que se realizan con presupuestos bajos (oa veces nulos), son muy populares entre los fanáticos de las películas que no son de estudio. El bajo presupuesto de la película promete un retorno potencialmente grande (en términos de interés) si la película tiene un estreno teatral exitoso. Durante este tiempo, el productor/director independiente Roger Corman se embarcó en un extenso cuerpo de trabajo que se convertiría en ejemplos legendarios de frugalidad y un calendario de filmación agotador. Hasta su supuesta "jubilación" como gerente en 1971 (continuó produciendo películas después), pudo producir hasta siete películas al año, a menudo por encima de los cronogramas de producción.
Al igual que con la vanguardia, las películas de Roger Corman aprovecharon el hecho de que, a diferencia del sistema de estudio, las películas independientes nunca estuvieron sujetas al Código Hays . El ejemplo de Corman (y otros como él) ayudó a crear un boom en las películas de serie B independientes en la década de 1960, cuyo principal objetivo era hacerse un hueco en un mercado juvenil con el que los grandes estudios habían perdido contacto. Estas películas, que prometían sexo , violencia desenfrenada, uso de drogas y desnudez, esperaban atraer al público a los cines independientes ofreciéndoles mostrarles lo que los grandes estudios no podían. Las películas de terror y ciencia ficción experimentaron un período de gran demanda durante este tiempo. Dado que estos eran pequeños productores, teatros y distribuidores continuaron tratando de socavar a los demás, las películas de clase B, en términos de costos de producción, pronto cayeron al nivel de las películas Z. La popularidad de estas imágenes pronto hizo que estas películas fueran ideales para las proyecciones de películas a medianoche.
En 1968, un joven director llamado George Romero sorprendió al público con Night of the Living Dead , un nuevo tipo de tensión y crueldad en las películas de terror independientes. Esta película se estrenó justo después de que se abandonara el Código Hayes, pero antes de la adopción del sistema de calificación de la MPAA. Como tal, fue la primera y última película de este tipo en tener un lanzamiento sin restricciones en el que los niños pequeños pudieron presenciar escenas sangrientas realistas. La película ayudó a establecer la atmósfera de terror independiente en las próximas décadas, con películas como " The Texas Chainsaw Massacre " (1974) y " Cannibal Hell " (1980) que traspasaron los límites del género.
Después de que se abandonara el Código Hayes, las películas de miedo y violentas comenzaron a ganar popularidad, por lo que Hollywood decidió calmar al público preocupado con el sistema de calificación de la MPAA, que pudo imponer restricciones en la venta de boletos para los jóvenes. A diferencia del Código Hayes, este sistema de calificación representaba una amenaza para las películas independientes en el sentido de que afectaba la cantidad de entradas que podían vender en los cines grindhouse . Este cambio amplió aún más la brecha entre el cine comercial y el no comercial.
Después de la televisión y el Caso Paramount, los principales estudios intentaron atraer a los espectadores con un espectáculo espectacular. Se han inventado trucos de pantalla, pantallas anchas y mejoras técnicas como CinemaScope , sonido estéreo , 3-D y otros para detener la disminución de la audiencia al brindarles a los espectadores más que su propia experiencia.
En la década de 1950 y principios de la de 1960, Hollywood estaba dominado por musicales, epopeyas históricas y otras películas similares. Demostraron ser comercialmente viables durante la mayor parte de la década de 1950. Sin embargo, a fines de la década de 1960, la participación de la audiencia estaba disminuyendo a un ritmo alarmante. Varios fracasos costosos, incluidos Cleopatra y Hello, Dolly! causó gran preocupación en el estudio. Mientras tanto, en 1951, los abogados convertidos en productores Arthur Krim y Robert Benjamin llegaron a un acuerdo con el resto de los accionistas de United Artists que les permitió intentar revivir la compañía y, si tenían éxito, comprarla después de cinco años. El intento resultó exitoso y en 1955 United Artists se convirtió en el primer estudio sin un estudio real. UA arrendó espacio en los estudios de Pickford/Fairbanks, pero no era dueño del estudio como tal. Debido a esto, muchas de sus películas serán inmediatamente "envueltas". Actuando principalmente como banqueros, ofrecieron dinero a productores independientes. De esta manera, UA no tiene los gastos generales, el mantenimiento o el costoso personal de producción por el que cobran otros estudios. UA se hizo pública en 1956 y, a diferencia de otros importantes estudios cinematográficos que habían decaído, UA floreció y forjó relaciones con los hermanos Mirisch, Billy Wilder, Joseph E. Levine y otros.
A mediados de la década de 1960, RKO se había derrumbado por completo y los otros cuatro de los Cinco Grandes admitieron que no sabían cómo llegar a una audiencia joven. Las películas extranjeras, especialmente el cine europeo y japonés , estaban en auge entre los jóvenes que estaban interesados en películas con cosas no convencionales y nuevas estructuras narrativas. Ellos, como las películas independientes estadounidenses, estaban cargados con un código de producción. En un intento por capturar a esta audiencia, los estudios contrataron a muchos cineastas jóvenes (muchos de ellos estudiantes de Roger Corman) y les permitieron hacer sus películas con una participación relativamente pequeña del estudio en el proceso.
En 1967, Warner Brothers ofreció al aspirante a productor Warren Beatty el 40% de las ganancias de su película Bonnie and Clyde , en lugar de una tarifa mínima. La película recaudó más de $ 70 millones en todo el mundo en 1973. Este éxito inicial allanó el camino para que el estudio renunciara virtualmente al control total de la generación de la escuela de cine y comenzó lo que los medios denominaron el " Nuevo Hollywood ".
El 16 de mayo de 1969, Dennis Hopper , un joven actor estadounidense, hizo su debut como guionista y director con The Rogue . Junto con su productor, coactor y coguionista Peter Fonda, Hopper fue responsable de una de las primeras películas totalmente independientes de New Hollywood. "Easy Rider" debutó en Cannes y ganó el "First Film Award" ("Prix de la premiere oeuvre"), tras lo cual recibió dos nominaciones al Oscar, una al Mejor Guión Original y otra a Jack Nicholson como un abogado alcohólico de Estados Unidos . Unión de Libertades Civiles.
Siguiendo los pasos de Easy Rider, Midnight Cowboy de United Artists fue revivido poco más de una semana después. Se convirtió en la primera y única película con clasificación X en ganar el Premio de la Academia a la Mejor Película. Midnight Cowboy contó con cameos de muchas de las superestrellas de Andy Warhol, que ya se han convertido en símbolos del sentimiento anti-Hollywood entre la comunidad cinematográfica independiente de Nueva York.
En un mes, otro joven aprendiz de Corman, Francis Ford Coppola , hizo su debut en España en el Festival Internacional de Cine de Donostia-San Sebastián con The Rain People y una película que hizo con su propia compañía, American Zoetrope . Aunque el público estadounidense ignora en gran medida a Rain People, American Zoetrope se ha convertido en una fuerza poderosa en New Hollywood. A través de Zoetrope, Coppola firmó un acuerdo de distribución con el gigante de los estudios Warner Bros., que utilizó para estrenos amplios de sus películas, trabajando sin el control del estudio.
Esto proporcionó un modelo a seguir para los principales estudios de Hollywood y una oportunidad para atraer nuevos talentos de una nueva generación. En 1971, el cofundador de Zoetrope, George Lucas , hizo su debut con el largometraje Galaxy THX 1138, que fue estrenado por Zoetrope. Por lo tanto, Lucas se declaró como otro talento serio del Nuevo Hollywood. Al año siguiente, los líderes de la nueva revolución de Hollywood se habían hecho un nombre, y a Coppola le ofrecieron la epopeya de gángsters en tres partes de Paramount El padrino. Mientras tanto, Lucas recibió fondos para el estudio American Graffiti de Universal. A mediados de la década de 1970, los principales estudios de Hollywood continuaron explotando a estos nuevos directores, produciendo películas idiosincrásicas, sorprendentes y originales como Paper Moon , Dog Day Afternoon y Taxi Driver , todas las cuales obtuvieron un gran éxito comercial y elogios de la crítica. El éxito de los integrantes del nuevo Hollywood se tradujo en un aumento de las exigencias desorbitadas tanto de los estudios como del público.
A menudo parece que todos los miembros de la nueva generación de Hollywood eran directores independientes. Si bien todo lo mencionado anteriormente comenzó con reclamos de títulos significativos, casi todas sus películas principales han sido típicamente proyectos de estudio. La nueva generación de Hollywood pronto quedó firmemente establecida en la encarnación revivida del sistema de estudios que financiaba el desarrollo, la producción y la distribución de sus películas. Muy pocos de estos directores han sido financiados de forma independiente o autoproducidos, o han trabajado alguna vez con financiación de producción independiente. Es probable que películas independientes como Taxi Driver , Last Picture Show y otras fueran películas de estudio: los guiones fueron encargados y posteriormente pagados por los estudios, la producción y el financiamiento fueron de los estudios, y la comercialización y distribución de la película fue desarrollado y gestionado por los estudios. Aunque Coppola hizo esfuerzos considerables para contrarrestar la influencia del estudio, prefiriendo financiar su propia película Apocalypse Now de 1979 en lugar de comprometerse con los escépticos ejecutivos del estudio, él y los cineastas salvaron a los viejos estudios de la ruina financiera brindándoles una nueva fórmula para éxito.
De hecho, fue durante este período cuando la definición misma de cine independiente se volvió borrosa. Aunque Midnight Cowboy fue financiado por United Artists, la compañía era, por supuesto, un estudio. Además, Zoetrope era otro "estudio independiente" que trabajaba dentro del sistema para crear espacio para cineastas independientes que necesitaban financiación. George Lucas dejó Zoetrope en 1971 para formar su propio estudio independiente, Lucasfilm , que continuaría produciendo los éxitos de taquilla de Star Wars y la franquicia de Indiana Jones . De hecho, solo hay dos películas que pueden describirse como cine independiente sin concesiones: Easy Rider y They All Laughed Peter Bogdanovich. Peter Bogdanovich compró los derechos de su película al estudio en 1980 y pagó su distribución de su propio bolsillo, convencido de que la película era mucho mejor de lo que pensaba el estudio; terminó quebrándose por eso.
En retrospectiva, Tiburón (1975) de Steven Spielberg y Star Wars (1977) de George Lucas marcaron el principio del fin de New Hollywood. Con sus éxitos de taquilla sin precedentes, estas películas se han convertido en el ímpetu de los éxitos de taquilla de Hollywood, brindando a los estudios un nuevo modelo sobre cómo ganar dinero en este espacio comercial cambiante. El énfasis en espacios comerciales de alto concepto con una mayor concentración de mercancías (como juguetes), derivados como bandas sonoras y el uso de secuelas (que se volvieron más demandados después de El padrino 2 de Coppola ) mostraron a los estudios cómo hacer dinero en el nuevo entorno. .
Al darse cuenta de cuánto dinero se podría ganar potencialmente con las películas, las grandes corporaciones comenzaron a comprar los estudios cinematográficos restantes de Hollywood, salvándolos del olvido que cayó sobre RKO en la década de 1950. Como resultado, incluso RKO revivió. La mentalidad corporativa de estas empresas ha obligado al negocio del cine a exprimir lentamente el jugo de cineastas jóvenes y únicos, trabajando con los más flexibles y comercialmente exitosos. Al igual que los primeros cineastas independientes que huyeron de Edison Trust para formar el viejo Hollywood, los jóvenes graduados de la escuela de cine que huyeron de los estudios para explorar la filmación en locaciones, los estilos y estructuras neorrealistas terminaron reemplazando a los tiranos que buscaban expulsar de una base más estable y generalizada. .autoridades
Desde la década de 1970, el cine estadounidense ha retratado el sexo y la violencia de manera bastante realista. Los cineastas que querían llegar a las audiencias masivas del antiguo Hollywood aprendieron rápidamente a estilizar estos temas para hacer que sus películas fueran atractivas y tentadoras en lugar de repulsivas u obscenas. Sin embargo, al mismo tiempo, los estudiantes liberales estadounidenses de la Nueva Ola estaban desarrollando nuevas habilidades que luego usarían para apoderarse de Hollywood; muchos de sus compañeros de clase comenzaron a desarrollarse en una dirección diferente. Influenciados por directores de casas de arte extranjeros (como Ingmar Bergman y Federico Fellini ) que explotaron escenas impactantes en sus películas (incluidos Joseph P. Mawra, Michael Findlay y Henri Pachard ) y aquellos que caminaron por el borde ( Kenneth Anger , etc.), muchos cineastas jóvenes comenzaron a experimentar con violaciones no por la taquilla, sino por el acto artístico. Directores como John Waters y David Lynch se hicieron un nombre a principios de la década de 1970 con las imágenes extrañas y, a menudo, inquietantes que caracterizaron sus películas.
Cuando la primera película de Lynch , Eraserhead , en 1977, llamó la atención del productor Mel Brooks , Lynch pronto pudo pasar a hacer The Elephant Man para Paramount por $5 millones. La película fue un gran éxito comercial y recibió ocho nominaciones a los Premios de la Academia, incluyendo Mejor Director y Mejor Guión Adaptado. La película también demostró ser comercialmente viable. Al ver a Lynch como un nuevo empleado en el estudio, George Lucas , fanático de Eraserhead , le ofreció a Lynch la oportunidad de dirigir su próxima Guerra de las Galaxias. Episodio VI: El retorno del Jedi ". Sin embargo, Lynch vio lo que les sucedió a Lucas y sus compañeros de armas después de un intento fallido de acabar con el sistema de estudio. Rechazó la oportunidad, afirmando que preferiría trabajar en sus propios proyectos.
En cambio, Lynch eligió trabajar en una adaptación de la novela de fantasía Dune de Frank Herbert para De Laurentiis Entertainment Group, con la condición de que la compañía lanzara el segundo proyecto de Lynch, sobre el cual el director tendría control creativo total. Aunque Dino De Laurentiis esperaba que la próxima Guerra de las Galaxias fuera un nuevo proyecto, Lynch's Dune (1984) fracasó en la taquilla con $45 millones, recaudando solo $27,4 millones a nivel nacional. El productor estaba furioso porque ahora se vería obligado a dejar que Lynch hiciera cualquier película que quisiera. Le ofreció a Lynch solo $6 millones, creyendo que así podría deshacerse del director. Sin embargo, Blue Velvet fue un éxito rotundo. Posteriormente, Lynch volvió a sus raíces independientes y no ha trabajado con otros estudios importantes durante más de una década.
Otros actores clave en este movimiento fueron Kembra Pfahler, Casandra Stark, Beth B, Tommy Turner, Richard Kern y Lydia Lunch . Reuniéndose en torno a instituciones como la Society of Cinematographers y Anthology Film Archives, esta nueva generación de cineastas independientes se comprometió a crear un nuevo Hollywood, declarando que "todas las escuelas de cine volarán por los aires y todas las películas aburridas nunca se volverán a hacer".
Desde la década de 1990, las películas independientes han visto el auge y el éxito no solo en los festivales de cine sino también en la taquilla, y con Bruce Willis , John Travolta y Tim Robbins , las películas independientes también se han vuelto populares entre los estudios de Hollywood. Teenage Mutant Ninja Turtles de New Line Cinema recaudó más de 100 millones de dólares en Estados Unidos en 1990, lo que la convierte en la película independiente más taquillera de la historia . Miramax Films tuvo éxitos como " Sexo, mentiras y videos ", " Mi pie izquierdo " y " Clerks ", lo que ubica a Miramax y New Line Cinema entre las grandes empresas que adquieren estudios independientes exitosos. Disney compró Miramax por $ 60 millones en 1993. Turner Broadcasting compró New Line Cinema, Fine Line Features y Castle Rock Entertainment en un acuerdo de $ 1 mil millones en 1994 . La adquisición resultó ser un buen movimiento para Turner Broadcasting. Cuando New Line lanzó The Mask and Dumb and Dumber en 1994 , Castle Rock lanzó The Shawshank Redemption y Miramax lanzó Pulp Fiction .
La adquisición de pequeños estudios por parte de las empresas de Hollywood estuvo ligada a los planes de ingresar al campo de la industria del cine independiente y al mismo tiempo establecer sus propios estudios independientes. Los siguientes son los estudios independientes propiedad del conglomerado de Hollywood:
A principios de la década de 2000, Hollywood producía tres categorías diferentes de películas y producía tres clases diferentes de largometrajes a través de tres tipos diferentes de productores.
1) Grandes éxitos de taquilla de presupuesto.
Los productos de alta calidad (éxitos de taquilla de gran presupuesto con estrellas y automóviles caros) fueron producidos por seis importantes compañías cinematográficas. Los presupuestos de filmación para los principales estudios fueron de aproximadamente $ 100 millones, con aproximadamente un tercio del gasto del estudio en marketing debido al gran lanzamiento.2) Largometrajes de bajo presupuesto realizados por cineastas independientes.
Otra clase de películas de Hollywood incluye largometrajes producidos por cineastas independientes. Los presupuestos para estas películas independientes promediaron $40 millones a principios de la década de 2000, más $10 millones a $15 millones en costos de marketing.3) Películas de género y especiales realizadas por verdaderos estudios y productores independientes.
Esta categoría consiste en películas de género producidas por distribuidores independientes para solo unas pocas docenas o quizás unos cientos de estrenos en algunos mercados urbanos. Estas películas generalmente cuestan menos de $10 millones, pero a menudo menos de $5 millones, con poco presupuesto de marketing.Con la gran cantidad de equipos de cine digital de bajo costo disponibles a nivel del consumidor, los cineastas independientes ya no dependen de los grandes estudios y sus equipos para hacer una película. Al reducir el costo de la tecnología, miles de pequeñas productoras pueden obtener los recursos que necesitan para hacer películas de entretenimiento. La posproducción también se ha simplificado con software de edición no lineal disponible para computadoras domésticas .
Actualmente, los principales estudios de Hollywood son los llamados cinco "Estudios de la Edad de Oro". Su producción todavía se caracteriza por historias familiares y casting y filmación conservadores. Compañías como Lucasfilm continúan existiendo, cofinanciando sus producciones y asociándose con los seis grandes estudios para la distribución. De hecho, la cofinanciación se ha convertido en una tendencia creciente en el Hollywood actual. Más de dos tercios de las películas estrenadas por Warner Bros. en 2000 se financiaron como empresas conjuntas (frente al 10% en 1987).
En un intento de sacar provecho del auge de las películas independientes, los seis grandes estudios de hoy han creado una serie de subsidiarias independientes para crear películas menos comerciales pero más manejables en naturaleza y contenido que atraigan la creciente atención del mercado de autor. Estas empresas incluyen MGM, UA (bajo MGM), New Line Cinema, HBO Films, Castle Rock Entertainment , Disneynature, DreamWorks , Sony Pictures Classics, Fox Searchlight Pictures , Miramax Films , Warner Independent Pictures, Picturehouse, Paramount Classics/ Paramount Vantage , Go Fish Pictures (bajo DreamWorks), Focus Features , Screen Gems, TriStar Pictures , Destination Films, Fox Faith, Fox Atomic , Gener8Xion Entertainment, Hollywood Pictures , Rogue Pictures , Five & Two Pictures, New Name Pictures, Sherwood Pictures.
La creciente popularidad y las posibilidades de las películas de bajo presupuesto en los últimos 15 años han llevado a un gran aumento en el número de cineastas y aspirantes a cineastas que han escrito guiones y sinopsis y que esperan recaudar varios millones de dólares para convertir su guión en un éxito. cine independiente como Reservoir Dogs , Little Miss Sunshine o Juno . Estos cineastas a menudo tienen trabajos diarios mientras presentan sus guiones de películas independientes a las productoras, agentes de talentos e inversores adinerados. Sus sueños son mucho más alcanzables de lo que eran antes de la revolución del cine independiente, porque ya no es necesario contar con el apoyo de los principales estudios para acceder a millones de dólares y hacer su película.
La producción cinematográfica independiente ha provocado una disminución de la demanda de cortometrajes y festivales de cortometrajes. Los largometrajes se presentan a menudo en festivales de cine como HANDMOVIE, Slamdance Film Festival, South By Southwest, Raindance Film Festival, ACE Film Festival o Cannes Film Festival . Es más probable que los principales estudios de cine se fijen en los ganadores de estos festivales.
Los siguientes estudios se consideran los más conocidos en la industria moderna de estudios independientes (se utilizan para la producción/rodaje de películas independientes y películas en idiomas extranjeros en Estados Unidos):
Además de estos estudios independientes de mayor perfil, existen miles de empresas más pequeñas que producen películas independientes cada año. Estas pequeñas empresas buscan estrenar sus películas en los cines de su estado y, habiendo encontrado financiamiento y recursos adicionales para distribución y publicidad , exhiben sus proyectos a nivel nacional. Es raro encontrar obras de arte de calidad en el mercado de videos, pero entre las numerosas películas había películas independientes ambiciosas que no lograron llegar a la distribución cinematográfica. Ahora existe una clara división entre las películas, que se venderán únicamente en DVD, y los vídeos de larga duración, cuyo principal canal de distribución es completamente electrónico.
En 1981, Robert Redford fundó el Sundance American Independent Film Institute , que acoge el Festival Internacional de Cine de Sundance desde enero de 1985.
Un tercio de todas las películas independientes estadounidenses se realizan en la ciudad de Nueva York .
trabajos famosos Pulp Fiction (1994, dirigida por K. Tarantino, Miramax ) [2]Con la llegada de las videocámaras de consumo en 1985 y, lo que es más importante, con la llegada del vídeo digital a principios de la década de 1990, se vino abajo la barrera de la tecnología de producción cinematográfica. El cine independiente se desarrolló en las décadas de 1990 y 2000 y fue impulsado por una serie de factores, incluido el desarrollo de cámaras de cine digital asequibles que rivalizaban con la película de 35 mm de alta calidad más un software de edición de computadora fácil de usar . Antes de que las alternativas digitales estuvieran disponibles, el costo de los equipos y suministros de filmación profesional era una barrera importante para los cineastas independientes que querían hacer sus propias películas (en 2002, el costo de la película de 35 mm aumentó en un 23 %, según el tipo). Las computadoras personales y la edición no lineal han reducido drásticamente los costos de posproducción , mientras que la tecnología como los DVD , los discos Blu-ray y los servicios de video en línea han simplificado la distribución . Incluso la tecnología 3-D ahora está disponible para cineastas independientes de bajo presupuesto.
Gracias a las nuevas tecnologías como Arri Alexa , RED Epic y una gran cantidad de nuevas cámaras SLR , los cineastas independientes pueden crear metraje que parece una película de 35 mm sin el alto costo. Estas cámaras también funcionan bien en condiciones de poca luz. En 2008, Canon lanzó la primera SLR digital, la Canon EOS 5D Mark II , que podía grabar videos de alta definición. Con la llegada de la 5D Mark II y las posteriores DSLR de grabación de video, los cineastas independientes pudieron grabar videos con una resolución de escaneo progresivo de 1920x1080 ( 1080p ) a 24 cuadros por segundo (esta velocidad de cuadro se considera el estándar del cine). Además, estas cámaras fijas permiten un mayor control sobre la profundidad de campo , una mayor capacidad con poca luz y una mayor variedad de lentes intercambiables, cosas que los cineastas independientes han estado esperando durante años.
Además de las nuevas cámaras digitales, los cineastas independientes se benefician del nuevo software de edición. En lugar de tener que usar estudios de posproducción para editar sus películas, los cineastas independientes ahora pueden usar una computadora personal y un software para editar sus películas de forma económica. Software de edición que incluye Avid Media Composer , Adobe Premiere Pro , Final Cut Pro , (Software de gradación de color) DaVinci Resolve y más. Estas nuevas tecnologías permiten a los cineastas independientes crear películas comparables a las películas de gran presupuesto.
El director Francis Ford Coppola ha sido durante mucho tiempo un defensor de las nuevas tecnologías, como la edición no lineal y las cámaras digitales. En 2007, dijo que "la fuga del cine del control de los financieros es algo maravilloso. No tienes que ir de la mano con los distribuidores y decir: 'Por favor, déjame hacer una película'".