La abstracción pospictórica o abstracción cromática o pintura de borde afilado es una corriente del arte moderno que se originó en América en la década de 1950 [1] . El término fue acuñado por el crítico Clement Greenberg para referirse al movimiento presentado en una exposición de 1964 que curó en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (entonces el Centro de Arte Walker y la Galería de Arte de Ontario ).
La abstracción pospictórica se basa en el expresionismo abstracto , el fauvismo y el posimpresionismo . Las características principales: bordes claros, trazo libre, armonía (o contraste) de formas simples, monumentalidad, almacén contemplativo-melancólico de la pintura, ascetismo. La abstracción pospictórica también es descendiente de la abstracción geométrica, redondeándola y suavizándola [1] .
En 1964, el crítico de arte estadounidense Clement Greenberg utilizó por primera vez el término "abstracción pospictórica". Caracterizó una nueva dirección en la pintura abstracta como una abstracción helada libre de asociaciones y tareas compositivas. La nueva dirección surgió como resultado de la búsqueda de los artistas estadounidenses de una alternativa a la pintura de acción . En 1952, Ed Reinhard finaliza su declaración con una larga lista de lo que, en su opinión, no debería ser inherente a la pintura: "... nada de ilusión óptica, ... ilusionismo e imágenes, nada de asociatividad, deformación, nada de visiones surrealistas, Goteo y ornamentación frenética". El monocromo era para él la solución más lógica al problema [2] .
En la década de 1960, la pintura abstracta estadounidense encontró su camino de desarrollo. Clement Greenberg en la teoría del modernismo caracteriza la pintura de este tipo con las palabras llanura (plano), forma (forma), pigmento (color). En la variedad de búsquedas, varias direcciones principales conducían. El monocromo se transformó en las estructuras de celosía de las pinturas de Agnes Martin, y un poco antes en las pinturas abstractas "no fotográficas y no reproducibles" de Ed Reinhard, que son una serie de rectángulos pintados con sutiles tonos de negro. En la forma especial de los lienzos de Frank Stella (el lema de Stella es "lo que veo es lo que veo") y en las superficies perfiladas de las obras de Ellsworth Kelly , también llamadas hard edge (bordes duros), la pintura se acerca a la plasticidad y poco a poco se convierte en un objeto [ 3] .
El artista Frank Stella crea la pintura La emperatriz de la India en 1965 , que ahora se conserva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York . Utilizando una técnica similar a la utilizada por Jasper Johns en su obra de arte de la bandera, crea una serie de pinturas con rayas negras. En el lienzo "Emperatriz de la India" , las tiras de la imagen del mismo grosor que las tiras de la camilla forman cuatro triángulos conectados por planos. El lienzo se corta de acuerdo con la figura emergente. La simetría y regularidad de la forma no parece deliberada, gracias a las diferencias en el color de cada triángulo.
La artista canadiense Agnes Martin desarrolló su propio estilo en 1963, que será característico de todos sus trabajos posteriores. Creó el lienzo "Árbol". En el suelo de tiza no completamente seco, el artista dibuja un enrejado con un lápiz, luego todo se cubre con una fina capa de pintura al óleo , sobre la cual se encuentra el acrílico . El gran formato de sus cuadros (casi siempre de unos 2x2 metros) enfatiza la pausada exactitud y precisión de su trabajo. La monotonía rígida de la celosía da lugar a una variedad de impresiones visuales. Cerca de la obra, se notan las características del proceso, y cuando se mira desde lejos, la red de líneas desaparece, pero la superficie monocromática parece vibrar [2] .