En su sentido más amplio , la teoría del arte pretende iluminar ciertos aspectos del proyecto de definición del arte, o teorizar sobre la estructura de nuestra comprensión del "arte" sin recurrir a las definiciones clásicas, es decir, aquellas formuladas en términos de condiciones "necesarias y suficientes".
Las teorías de la reacción estética o las teorías funcionales del arte son, en muchos sentidos, las teorías del arte más intuitivas. Su base es el término " estética ", que se refiere a un tipo de experiencia fenoménica, y las definiciones estéticas definen las obras de arte como artefactos hechos para producir una experiencia estética. La naturaleza puede ser bella y puede producir una experiencia estética, pero la naturaleza no tiene la función de tal producción. Para tal función es necesaria la intención y, por tanto, el artista como medio.
Por regla general, Monroe Beardsley se asocia con las definiciones estéticas del arte . Según Beardsley, algo es arte sólo si es "o una organización de condiciones encaminadas a la capacidad de proporcionar una experiencia con una marcada calidad estética, o (en este sentido) una organización perteneciente a una clase o tipo de organizaciones que, como una regla, destinada a tener tal capacidad" ( Aesthetic View: Selected Essays, 1982, 299 ). Los artistas organizan las "condiciones" a través de la pintura/lienzo, y los bailarines organizan las "condiciones" a través del cuerpo. Según la primera parte de la definición de Beardsley, el arte tiene una función estética, pero no todas las obras de arte logran producir una experiencia estética. La segunda parte nos permite reconocer como obras de arte aquellas obras que tenían como objetivo poseer tal propiedad, pero no lo consiguieron (mal arte).
Un contraejemplo ejemplar en cuanto a las definiciones estéticas del arte es la Fuente de Marcel Duchamp . Tales obras se denominan contraejemplos porque son obras de arte que no se centran en la función estética. Beardsley responde a esto diciendo que no son arte o que son "comentarios sobre el arte" (1983): "Clasificarlos [La fuente y similares] como obras de arte sería clasificar un montón de cosas estúpidas y a veces oscuras". artículos de revistas y artículos de periódicos como obras de arte” (p. 25). Esta respuesta fue vista por muchos como insuficiente. Esto es, o una anticipación de la fundación, o se basa en una distinción arbitraria entre obras de arte y comentarios sobre ellas. Muchos teóricos del arte de hoy consideran que las definiciones estéticas del arte no son lo suficientemente amplias, principalmente debido a las obras de arte de estilo Duchamp.
La teoría formalista del arte dice que solo debemos prestar atención a las propiedades formales del arte: "forma" y no "contenido". Estas propiedades formales pueden incluir, en relación con las artes visuales, el color, la forma, el contorno. Para las artes musicales el ritmo y la armonía. Los formalistas no niegan que las obras de arte puedan tener contenido, imagen o narrativa, sino que no creen que esas cosas sean importantes para nuestra apreciación o comprensión del arte.
La teoría institucional del arte dice que un objeto puede ser (convertirse) en arte en el contexto de una institución conocida como el " mundo del arte ".
Hablando de lo que, por ejemplo, hace que los readymades de Marcel Duchamp sean arte , o por qué una pila de cajas de cartón Brillo en un supermercado no son arte, mientras que las famosas cajas Brillo de Andy Warhol sí lo son, el crítico de arte y filósofo Arthur Danto escribió en su ensayo de 1964 sobre el año "Mundo del Arte":
Considerar cualquier cosa como arte requiere algo que el ojo no puede ver: una atmósfera de teoría artística, conocimiento de la historia del arte: el mundo del arte. [una]
Según Robert J. Janal, el ensayo de Danto, en el que introduce el término mundo del arte, esboza la primera teoría institucional del arte.
Las versiones de la teoría institucional fueron articuladas más explícitamente por George Dickey en su artículo "Defining Art" ( Quarterly Philosophical Journal , 1969) y sus libros " Estética: una introducción " (1971) y " Arte y estética: un análisis institucional " (1974). . Una versión temprana de la teoría institucional de Dickey puede expresarse mediante la siguiente definición de una obra de arte de Estética: Introducción :
Una obra de arte en el sentido de la clasificación es: 1) un artefacto 2) algo a lo que una persona o personas que actúan en nombre de una determinada institución social (el mundo del arte) ha otorgado el estatus de candidato a evaluación. [2]
Dickey reformuló su teoría en varios libros y artículos. Otros filósofos del arte han criticado sus definiciones, acusándolas de ser circulares. [3]
Las teorías históricas del arte sostienen que para que algo se convierta en arte, debe estar relacionado con las obras de arte existentes. La expansión correcta de "arte" en el tiempo t (presente) incluye todas las obras en el tiempo t-1 y, además, todas las obras creadas desde el tiempo transcurrido. Para que estas obras adicionales sean arte, deben ser similares o estar relacionadas con las obras de arte previamente instaladas. Tal definición lleva a la pregunta de dónde proviene este estado heredado. Por eso, las definiciones históricas del arte deben incluir también una parte referida al primer arte: algo es arte si tiene una relación histórica con obras anteriores o con el primer arte.
En primer lugar, Jerrold Levinson (1979) se refiere a esta dirección. Para Levinson, “una obra de arte es una cosa hecha para ser considerada como una obra de arte: para ser considerada de cualquier forma en que las obras de arte anteriores hayan sido correctamente evaluadas” (1979, p. 234). Levinson aclara además que por "hecho para" quiere decir "crear, apropiarse o comprender con el fin de" (1979, p. 236). Algunas de las formas de considerar (actualmente) son: consideración de atención plena, consideración contemplativa, consideración con especial atención a la apariencia, consideración con “apertura emocional” (1979, p. 237). Si un objeto no está destinado a ser visto de ninguna de las formas establecidas, entonces no es arte.
Algunos teóricos del arte han sugerido que se debe abandonar el intento de definir el arte y han propuesto en su lugar una teoría anti-esencialista del arte . En The Role of Theory in Aesthetics (1956), Morris Witz dice que nunca se establecerán las condiciones suficientes necesarias individual y colectivamente para el concepto de "arte" porque es un "concepto abierto". Witz describe los conceptos abiertos como aquellos para los cuales "las condiciones de aplicación son corregibles y corregibles". En el caso de los momentos límite en el arte y los contraejemplos prima facie, los conceptos abiertos "requieren alguna decisión de nuestra parte para extender el concepto para abarcar esto, o abandonar el concepto e introducir uno nuevo para tratar con este nuevo caso y su nueva propiedad". La cuestión de si un nuevo artefacto es arte o no "no es un problema de hecho, sino más bien una decisión, donde el veredicto depende de si ampliamos o no el conjunto de condiciones para la aplicación del concepto". Para Witz, "la naturaleza muy vasta y aventurera del arte, sus cambios siempre presentes y sus nuevas obras" hacen que sea imposible capturarlo mediante la definición clásica (como una entidad inamovible y sin ambigüedades).
Si bien el antiesencialismo no fue derrotado formalmente, fue impugnado y la controversia sobre las teorías antiesencialistas fue posteriormente anulada por las definiciones esencialistas, que parecían ser las mejores. Hablando después de Witz, Beris Goth revivió el antiesencialismo en la filosofía con su obra Art as a Cluster Concept (2000). Los conceptos de grupo consisten en criterios que contribuyen al estado del arte, pero que no son necesarios individualmente para el estado del arte. Hay una excepción: las obras de arte son creadas por actores y, por lo tanto, ser un artefacto es necesario para ser una obra de arte. Goth (2005) propone un conjunto de diez criterios que contribuyen al estatus de arte:
“(i) la posesión de propiedades estéticas positivas (uso aquí el concepto de propiedades estéticas positivas en un sentido estricto, incluyendo la belleza y sus subespecies);
(ii) expresión de emoción;(iii) dificultad de comprensión;(iv) complejidad formal y conectividad;(v) poseer la propiedad de expresar significados complejos;(vi) demostrar un punto de vista individual;(vii) el ejercicio de la imaginación creadora;(viii) un artefacto o acción que sea producto de un alto grado de habilidad;(ix) pertenecer a una forma de arte establecida; yLa satisfacción de los diez criterios sería suficiente para art, así como cualquier subconjunto formado por nueve criterios (esto es consecuencia del hecho de que ninguna de las diez propiedades es necesaria). Por ejemplo, considere dos de los criterios de Goth: "poseer mérito estético" y "expresar emoción" (200, p. 28). Ninguno de estos criterios es necesario para el estatus de arte, pero ambos son parte de los subconjuntos de estos diez criterios que son suficientes para el estatus de arte. La definición de Goth también permite una gran cantidad de subconjuntos suficientes para el estatus de arte, con menos de nueve criterios, lo que lleva a una teoría del arte altamente pluralista.
La teoría del arte también está influida por un giro filosófico en el pensamiento, no solo representado por la estética de Kant , sino ligado más estrechamente a la ontología y la metafísica dentro de las reflexiones de Heidegger sobre la esencia de la tecnología moderna y las consecuencias que tiene sobre todos los seres. , reducido a lo que él llama "reserva permanente". Y fue desde esta perspectiva que exploró el arte más allá de la historia, la teoría y la crítica de la producción artística, como lo presenta, por ejemplo, en su influyente obra El origen de la creación artística . [4] También influyó en el pensamiento arquitectónico en sus orígenes filosóficos. [5]
Zangwill [6] describe la teoría del arte de la producción estética como una teoría de "cómo se produce el arte" (p. 167) y como una teoría "basada en el artista". Zangwill distingue tres fases en la creación de una obra de arte: “Primero, la comprensión de que a través de la creación de algunas propiedades no estéticas, se realizarán propiedades estéticas; en segundo lugar, la intención de realizar propiedades estéticas en propiedades no estéticas según lo dispuesto en el entendimiento; y en tercer lugar, el acto más o menos exitoso de realizar propiedades estéticas en propiedades no estéticas según lo previsto en la comprensión y la intención”. (45) En la creación de una obra de arte, la comprensión juega un papel causal en la implementación de acciones suficientes para realizar las propiedades estéticas individuales. Zangwill no describe esta relación en detalle, sino que solo dice que las propiedades estéticas se crean "debido a" esta comprensión.
Las propiedades estéticas se realizan a través de propiedades no estéticas, que "incluyen propiedades físicas como la forma y el tamaño, y propiedades secundarias como los colores y los sonidos". (37) Zangwill dice que las propiedades estéticas fluyen de las propiedades no estéticas: es debido a las propiedades no estéticas individuales que una obra tiene ciertas propiedades estéticas (y no al revés).
Cómo definir mejor el término "arte" es un tema de debate constante; se han publicado muchos libros y artículos de revistas que discuten incluso sobre los fundamentos mismos de lo que entendemos por el término "arte". [7] Theodor Adorno afirmó en su Teoría estética de 1969 que "es evidente que nada sobre el arte es evidente". [8] Todos: artistas, filósofos, antropólogos, psicólogos y programadores utilizan el concepto de arte en sus respectivos campos y dan definiciones prácticas que varían considerablemente. Además, está claro que incluso el significado más básico del término "arte" ha cambiado varias veces a lo largo de los siglos y ha seguido evolucionando hasta bien entrado el siglo XX.
El significado principal reciente de la palabra "arte" es una forma abreviada de arte creativo o " bellas artes ". Aquí nos referimos a una habilidad que se utiliza para expresar la creatividad de un artista, para involucrar la sensibilidad estética del público o para lograr que el público considere cosas más "buenas". A menudo, si una habilidad se usa en un objeto funcional, la gente lo verá como un oficio , en lugar de un arte: una suposición que es muy cuestionada por muchos pensadores artesanales contemporáneos. De manera similar, si una habilidad se usa en publicidad o en producción, puede considerarse diseño en lugar de arte. Por otro lado, puede entenderse como una forma de arte que quizás pueda llamarse artes y oficios . Algunos pensadores, por ejemplo, han argumentado que la diferencia entre las bellas artes y las artes y oficios radica más en la función real del objeto que en una clara diferencia definitoria. [9] El arte no suele tener otra función que la de expresar o transmitir una idea.
Ya en 1912 era normal en Occidente suponer que todo el arte trata de la belleza y, por lo tanto, que cualquier cosa que no intente ser bella no puede considerarse arte. Los cubistas , dadaístas , Stravinsky y muchos movimientos artísticos posteriores lucharon contra la idea de que la belleza es fundamental para la definición del arte, con tal éxito que, según Danto , "la belleza desapareció no solo del arte avanzado de la década de 1960, sino también del Filosofía avanzada del arte." esta década". [8] Quizás conceptos como "expresión" (en las teorías de Croce ) o "contraambiente" (en la teoría de McLuhan ) puedan cumplir el papel anterior de belleza. Brian Massumi trajo de vuelta a la discusión "belleza" y "expresión". [10] Otro punto de vista, no menos importante para la filosofía del arte que el relativo a la "belleza", es el de lo "sublime", desarrollado en el siglo XX por el filósofo posmodernista Jean-Francois Lyotard . El siguiente enfoque, desarrollado por Henre Malraux en su obra "Voces del silencio", dice que el arte en su esencia es la respuesta a una pregunta metafísica ("'Arte', escribe, 'es anti-destino'"). Malraux argumenta que si bien el arte se ha orientado a veces hacia la belleza y lo sublime (predominantemente en el arte europeo posterior al Renacimiento), estas cualidades, como muestra la historia más amplia del arte, no son esenciales para él. [once]
Tal vez (como en la teoría de Kennick) ya no sea posible una definición de arte. Tal vez el arte debería ser pensado como un conjunto de conceptos relacionados a la manera de Wittgenstein (como en Witz o Beuys ). Otro enfoque sostiene que el "arte" es esencialmente una categoría sociológica, por lo que todo lo que las escuelas de arte, los museos y los artistas definan como arte es arte, independientemente de las definiciones formales. Esta "teoría institucional del arte" fue apoyada por George Dickey. La mayoría de la gente no consideraba la imagen de un urinario o caja Brillo comprados en una tienda como arte hasta que Marcel Duchamp y Andy Warhol (respectivamente) lo colocaron en un contexto artístico (es decir, una galería de arte), lo que aseguró que estos objetos estuvieran asociados con el asociaciones que definen el art.
Los procedimentalistas a menudo afirman que el proceso mediante el cual se crea o se ve una obra de arte la convierte en arte, no en una característica intrínseca del objeto o en cómo las instituciones del mundo del arte la percibirán una vez que se haya presentado al público en general. Si un poeta escribe unas pocas líneas con la intención de escribir un poema, el mismo procedimiento por el cual está escrito lo convierte en un poema. Mientras que si un periodista escribe el mismo conjunto de palabras con la intención de escribir una sinopsis para un artículo más largo en el futuro, no será un poema. León Tolstoi, por su parte, afirma en su obra ¿Qué es el arte? (1897) que lo que determina el arte es cómo es percibido por el público, y no la intención de su creador. Los funcionalistas, como Monroe Beardsley, afirman que si algo es arte o no depende de la función que desempeñe en un contexto particular; el mismo vaso griego puede cumplir una función no artística en un contexto (llevar vino) y una función artística en otro (ayuda a apreciar la belleza de la figura humana).
Los intentos marxistas de definir el arte se centran en su lugar en el modo de producción, como en el ensayo de Walter Benjamin El autor como productor [12] , y/o su papel político en la lucha de clases. [13] Retomando algunos de los conceptos del filósofo marxista Louis Althusser , Gary Tedman define el arte en términos de la reproducción social de las relaciones de producción a nivel estético. [catorce]
Se han fijado muchos objetivos para el arte, y los esteticistas a menudo afirman que un objetivo u otro es de alguna manera más importante. Clement Greenberg, por ejemplo, argumentó en 1960 que cada remedio estético debe luchar por lo que lo hace único entre los remedios posibles y luego purificarse de todo lo demás que no sea una expresión de su propia singularidad como forma. [15] El dadaísta Tristan Tzara , en cambio, en 1918 vio la función del arte en la destrucción de un orden social insano. “Debemos vengar y limpiar. Afirmar la pureza del individuo tras el estado de locura, la completa locura agresiva del mundo, entregado en manos de bandidos. [16] Las metas formales, las metas creativas, la autoexpresión, las metas políticas, las metas espirituales, las metas filosóficas y aún más las metas perceptivas y estéticas han sido representaciones populares de lo que debería ser el arte.
Tolstoi definió el arte de la siguiente manera: “El arte es una actividad humana, que consiste en que una persona transmite conscientemente a los demás los sentimientos que experimenta a través de signos externos conocidos, y otras personas se contagian de estos sentimientos y los experimentan”. Sin embargo, esta definición es sólo el punto de partida de su teoría del valor del arte. En cierto sentido, el valor del arte para Tolstoi reside en el valor de la experiencia. Sin embargo, a veces la experiencia no es valiosa. En el capítulo 15 de la obra "¿Qué es el arte?" Tolstoy dice que algunos sentimientos son buenos, pero otros son malos, por lo que el arte solo es valioso cuando produce experiencias de buenos sentimientos. Por ejemplo, Tolstoy afirma que la simpatía por los miembros corruptos de la clase dominante empeora la sociedad en lugar de mejorarla. En el capítulo 16, argumenta que el mejor arte es el "arte universal" que expresa un sentimiento simple, accesible y positivo. [17]
El debate sobre el valor del arte, utilizado en La guía del autoestopista galáctico , comienza con la pregunta de cuál sería la respuesta de la humanidad si alguna fuerza externa, que representa la destrucción inminente de la Tierra, le preguntara a la humanidad cuál es su valor. Continúa diciendo que la única justificación que la humanidad podría dar a su existencia continua sería cosas que ha hecho en el pasado y que seguirá haciendo, como una obra de Shakespeare, una pintura de Rembrandt o un concierto de Bach. La sugerencia es que estas son las cosas valiosas que definen a la humanidad. [18] Sea lo que sea que se piense de esta afirmación (y parece subestimar el valor de muchos otros logros que la humanidad ha podido alcanzar tanto individual como colectivamente), es cierto que el arte parece tener una habilidad especial para seguir viviendo más allá el momento de su nacimiento, en muchos casos siglos y milenios. Esta capacidad del arte de continuar viviendo a través del tiempo (exactamente qué es y cómo funciona) ha sido ampliamente descuidada por la estética contemporánea. [19]