Arte de mexico

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El arte de México o arte mexicano ( español : Arte mexica , inglés arte mexicano ) es el arte de los pueblos indígenas de América Central que vivieron en los territorios que luego se unieron en el moderno estado de México , la cuna de dos importantes civilizaciones indígenas ( mayas y aztecas).

Los mayas y los aztecas eran los únicos pueblos de América del Norte con escritura, matemáticas y calendario avanzados. En la época precolombina, el arte, la escritura y la arquitectura tenían un carácter sincrético, sacro y pictográfico. La cultura y el arte de México sobrevivieron al trágico período de destrucción por parte de los invasores españoles en los siglos XVI y XVII y fueron parcialmente restaurados en los siglos XIX y XX, en contraste con el período colonial.

El arte de México se compone de varios tipos de artes plásticas , cine, música, artes escénicas que se desarrollaron en la zona geográfica ahora conocida como Estado de México . El desarrollo de estas artes se divide en la era de la Mesoamérica prehispánica , el período colonial, el período posterior a la Guerra de Independencia de México [1] .

Periodización

Se ha adoptado la siguiente periodización del arte mexicano:

América precolombina (1500 a. C. - principios del siglo XVI).
Época colonial (principios del siglo XVI - 1821)
El arte de los tiempos modernos (desde 1821 hasta la actualidad).

La periodización indicada es bastante aproximada debido a la constante reposición de materiales en el mundo de la ciencia. Las principales etapas del período precolombino se aceptan en parte a partir de hallazgos arqueológicos e intentos de descifrar la escritura de los pueblos mayas en el siglo XX.

Arte precolombino

El arte precolombino de México pertenece a la región conocida como Mesoamérica , que corresponde aproximadamente a lo que hoy es el centro de México y Centroamérica , [2] y se extiende desde los tres mil años a.C. mi. hasta 1500 d.C. mi.

Las formas de arte como el arte rupestre se remontan a períodos anteriores. El arte mexicano comienza con el arte mesoamericano de las culturas asentadas que construyeron los asentamientos.

A diferencia del arte occidental moderno, casi todo el arte mesoamericano se creó para satisfacer necesidades religiosas o políticas, no el arte por el arte. Tales necesidades en el arte dependen en gran medida de la naturaleza que rodea a las personas, la realidad política y la fe.

El arte de Mesoamérica ha llegado hasta nosotros en diversos medios. Estos son la cerámica, el papel, la madera y las estructuras arquitectónicas. La alfarería nace de la necesidad de preparar y almacenar alimentos, paulatinamente se fue adaptando con fines rituales y decorativos. Los productos cerámicos se decoraban con adornos y dibujos, se utilizaban diferentes métodos de cocción de los productos [3] .

Las primeras piezas de cerámica encontradas fueron pequeñas figurillas de cerámica que se hicieron en Tehuacán alrededor del año 1500 a. e., en Veracruz , en el valle de México, Guerrero , Oaxaca , Chiapas y en la costa del Pacífico de Guatemala. La cerámica se elaboraba en forma de figuras femeninas, lo que probablemente estaba asociado a ritos de fertilidad. Las mujeres de las figurillas tienen caderas voluminosas, a menudo cargando bebés o amamantando bebés. Los guerreros se representan a menudo en figurillas masculinas [4] . Al comienzo de la cultura olmeca, la mayoría de las figurillas de cerámica eran pequeñas [5] [6] .

Cultura olmeca

Ver también: Olmecas

Las principales muestras de la cultura olmeca se encontraron en los estados de Tabasco (La Venta) y Veracruz (Tres Zapotes, Cerro de Las Mesas, San Lorenzo Tenochtitlán). La cultura olmeca es considerada la más antigua entre las encontradas en la época precolombina. Los olmecas dominaron la escritura jeroglífica, las matemáticas y el calendario. La cultura olmeca también incluye la fecha escrita más antigua registrada que se encuentra en América: 21 a. mi.

Las esculturas de piedra más grandes de la época precolombina pertenecen a la cultura olmeca. Los olmecas esculpieron altares-monolitos, cuyo peso alcanzaba las 30 toneladas o más. Las ahora conocidas cabezas de piedra con majestuosos rostros indios también son logros de la cultura olmeca. La mayor de las cabezas tiene un diámetro de más de tres metros y pesa dieciocho toneladas. Los productos de cerámica, artículos para el hogar y objetos sagrados hechos de huesos, madera, jaspe, cuarzo, cristal de roca, jade dan testimonio de la gran habilidad e ingenio de los artesanos olmecas. La mayoría de los investigadores toman en cuenta la influencia de la cultura olmeca en los pueblos vecinos y consideran que la cultura olmeca es la progenitora de las culturas zapoteca, teotihuacana y maya [7] .

Cultura teotihuacana

La cultura teotihuacana se considera inusualmente avanzada entre la diversidad de culturas indígenas de la Meseta Central. Teotihuacan se asoció con la cultura de la ciudad de Cuicuilco, que fue destruida por una erupción volcánica [8] . La mayoría de los investigadores asocian el primer período del florecimiento de la cultura teotihuacana con la migración de los habitantes de Cuicuilco, quienes sobrevivieron y partieron hacia el valle de Teotihuacan. Este valle era lo suficientemente conveniente para establecer allí un nuevo asentamiento. Hay poca información sobre la cultura teotihuacana, los científicos la consideran una "civilización de las pirámides" [9] . El mismo nombre Teotihuacan se traduce como "el lugar donde las personas se convierten en dioses". Convencionalmente, la cultura teotihuacana también se divide en cuatro períodos. El surgimiento del politemismo en la región [9] está asociado a esta cultura , y el sistema social entonces se denomina teocracia.

El arte de Teotihuacan se desarrolló en dos direcciones opuestas. El primero se desarrolló en la dirección de la simplificación y la franca concisión; el segundo era demasiado complejo y opulento, con detalles empotrados y en relieve que daban un juego de claroscuro. El primer período no dejó estructuras arquitectónicas significativas, su arte fue esquematizado. Los ejemplos célebres de la arquitectura teotihuacana están asociados con el segundo período. El período posterior está asociado con el florecimiento de todas las variedades de arte. Entre las esculturas de la cultura teotihuacana destacan enormes figuras de piedra y máscaras funerarias con la boca abierta. La arquitectura se distinguió por su monumentalidad y acentuó la severidad de la silueta. Las fachadas de los edificios se cubrieron con mosaicos de colores hechos de piedras naturales, que suavizaron la apariencia austera de las estructuras sagradas. La capital, la ciudad de Teotihuacan, conservó durante mucho tiempo el estatus de lugar sagrado. La influencia cultural de la cultura teotihuacana está confirmada por hallazgos arqueológicos en Sinaloa, Guerrero, Sonora, Michoacán, en la costa del Golfo de México en Pánuco, Oaxaca y en la actual Guatemala.

pintura mural
"La Gran Diosa de Teotihuacan" (pintura mural)
Mascarilla
Escultura-monolito

cultura tolteca

Ver también: toltecas

En el campo de la cultura, los toltecas siguieron las tradiciones de Teotihuacan y Xochicalco . Su cultura fue influyente en la formación de los aztecas .

Los monumentos arquitectónicos y esculturas sobrevivientes de los toltecas se caracterizan por su monumentalidad y grandiosidad severa. Entonces, la pirámide escalonada en Tula de Allende estaba decorada con relieves (guerreros, águilas, jaguares), y el techo del templo en la parte superior estaba sostenido por cuatro colosales figuras de guerreros de piedra maciza de 4,6 metros de altura. En el arte de los toltecas, los temas militares eran los principales; también hay figuras de un dios reclinado con un cuenco para sacrificios [10] .

Cultura de los totonacas

Véase también: Totonaki

Restos arqueológicos de esta cultura se encuentran en la parte central del actual estado de Veracruz . Formalmente, se atribuye a las culturas costeras que se desarrollaron en los siglos VII-XII d.C. mi. La cultura de los totonacas estuvo influenciada por las culturas olmeca, teotihuacana y maya. Una idea de la arquitectura de los totonacas la dan los restos arruinados de la pirámide de Los Nichos en El Tajina. Entre los logros de la escultura totonaca se encuentran los llamados Yugos y Palmas (nombres españoles). Estos artículos eran importantes para el juego de pelota sagrado. El juego tenía un carácter ritual y simbolizaba la rotación mágica de la tierra y el sol en su lucha contra las tinieblas, la pelota de goma personificaba al sol.

Las "Palmas" de piedra tenían una forma similar a las hojas de palma, pero con una imagen de perfil de personas o dioses. Se pueden ver desde ambos lados. A partir de piedra volcánica negra y ónix, los artesanos totonacas fabricaban vasijas en forma de frutas tropicales o animales. En el contexto de imágenes duras y bastante crueles de dioses indios, las "máscaras sonrientes" de los totonacas y las figuras alegres de los dioses de la música, la danza, las flores y la poesía son inusuales. El dios zapoteco Xochipilli (que también fue reconocido por los totonacas) es un ejemplo de alegría y contento en el contexto de otros dioses indios estrictos [7] .

El tema central de la cultura artística veracruzana fue el sacrificio humano, en particular, después del juego de pelota. Un elemento característico del arte son los rizos en espiral que se encuentran en la arquitectura monumental y en objetos pequeños, como cerámica y tallas de hueso.

Hasta la fecha, los arqueólogos han descubierto miles de figurillas de cerámica y fragmentos de cerámica de esta cultura. La mayoría de ellos se encuentran en sitios arqueológicos como Remohadas , Los Cerros, Dicha Tuerta y Tenenespan . Las figurillas fueron hechas a mano al estilo Remohadas y decoradas con adornos aplicados.

Cultura azteca

Ver también: aztecas

La historia de los aztecas, como la historia de su arte, se interpreta como una alternancia de altibajos. Los aztecas originalmente se llamaron a sí mismos "Meshiki" en honor al líder tribal Meshitla, y luego fueron llamados "tenochki". El nombre "Azteca" proviene del nombre de Aztlán, una isla en medio de un gran lago, que el pueblo consideraba su hogar ancestral.

El "Imperio de los Aztecas", como llamaron los conquistadores españoles a su estado, nunca existió. Un imperio es un conglomerado de tierras extranjeras y pueblos extraños en cultura e idioma, unidos por un cierto período de tiempo por la coerción militar y la agresión, bajo la presidencia del pueblo amo, el pueblo conquistador. Los aztecas no crearon un imperio, aunque lucharon constantemente, pero no para capturar tierras y tribus extranjeras, sino para capturar nuevas personas para los sacrificios y gravar a los habitantes de los nuevos asentamientos. Los aztecas nunca tuvieron prisa por asimilar a los pueblos capturados, quienes tenían una especie de autonomía, sus propios dioses y su propia lengua. En el asentamiento capturado, los aztecas dejaron una guarnición militar para observar y recaudar impuestos cada seis meses, para reprimir levantamientos y disturbios.

La cerámica de los aztecas explica bastante bien la evolución de los estilos desde el período del nomadismo hasta el período de la vida sedentaria en el Valle de México. Hay cuatro períodos en esta evolución:

Kuluakan: figuras zoomorfas realistas con motivos florales;
Tenayuke - cerámica con motivos geométricos;
Meandro: cerámica con cintas paralelas, creada con herramientas torpes;
Texcoco es una cerámica con bandas paralelas, pero elaborada con cuidado y minuciosidad.

La escultura de los aztecas reflejaba completamente el mundo mágico de su religión. Los maestros escultores transfirieron poder mágico y valientes actos heroicos a estas imágenes. Las figuras conservan las formas de los monolitos en los que se esculpieron los dioses o están sobresaturadas con signos en relieve que recuerdan a los europeos las composiciones surrealistas. Cada escultura era un conglomerado de detalles realistas y una serie de imágenes simbólicas.

La arquitectura azteca era grande, de apariencia maciza. Los principales materiales de construcción fueron piedra volcánica tesontle, ladrillo en bruto, madera y mortero de piedra caliza. Las paredes de las estructuras se cubrieron con yeso y se pintaron de rojo o blanco. Las cubiertas de los laterales de los patios eran planas e inclinadas hacia el exterior. Los palacios tenían muros arquitectónicos almenados. Aquí se conocían columnas, cornisas, frisos decorativos, varios escalones con barandillas. No había puertas de madera, familiares para los españoles, sino que usaban cortinas. Se han conservado pocas estructuras arquitectónicas de los aztecas. Todos ellos fueron destruidos por los españoles, parcialmente desmantelados para materiales de construcción y cubiertos con capas de tierra y escombros. Se construyeron catedrales, monasterios e iglesias católicas sobre las ruinas de las antiguas pirámides aztecas. En las ruinas se ubican la majestuosa pirámide excavada de Cholula [11] , el Templo Mayor (en la Ciudad de México), Tescutzingo, Teopansolco, Tenayuca, Teposteco en el estado de Morelos, Calistlahuaca, Malinalco, etc. [12] . Al crear líneas subterráneas de metro en la Ciudad de México, se encontraron varios cimientos de antiguos templos y esculturas monolíticas rotas, incluida una piedra que representa a la diosa de la Luna.

Dibujos del Codex Magliabecca [13] . doctorando
Muerte de un líder
Fiesta del Tititl , en la que "los indios honraban la memoria de los muertos"
Sacrificio
Página del Códice Mendoza

La literatura azteca resultó accidentalmente ser una excepción en el trágico destino de los monumentos escritos indios destruidos. A los científicos no les queda prácticamente nada de la literatura de los mayas y otros pueblos, los textos fueron quemados por los españoles. Todo lo demás, escondido por los indios de los invasores de España y dejado desatendido, fue destruido por la naturaleza tropical y los insectos. Los aztecas crearon su propia literatura y aprovecharon sus logros. Los científicos conocen varios textos aztecas de canciones e himnos que sobrevivieron milagrosamente hasta el siglo XX [14] . Se han conservado los códices aztecas ( código Borgia , código Boturini , código Borbón, código Veitia, etc.), que son libros pictográficos escritos a mano. La mayoría de los códices actualmente conocidos fueron creados después del inicio de la conquista.

De los libros escritos a mano aztecas, puede obtener diversa información sobre la cultura y la historia, el sistema político y de gobierno, la estructura de la sociedad, los ritos religiosos y la mitología, las ideas astronómicas y cosmológicas, la vida económica y cotidiana, el sistema de calendario, etc. Esto hace que los libros una fuente invaluable para arqueólogos, etnógrafos y lingüistas. Durante la época colonial, incluso las peticiones de la población indígena a las autoridades y al rey de España a menudo se redactaban en escritura pictográfica en la tradición antigua.

Una ocupación digna del guerrero azteca en tiempos de paz era la poesía. Un pequeño número de obras poéticas recopiladas durante la época de la Conquista han sobrevivido hasta nuestros días. Se conocen los nombres de algunos autores, por ejemplo, Nezahualcóyotl (ast. Nezahualcóyotl) y Cuacuatzin (ast. Cuacuatzin). Miguel León-Portilla fue traductor del náhuatl.

El tema más común entre los textos en verso que sobreviven es "¿es la vida una realidad o un sueño?" y la oportunidad de encontrar al Creador. La mayor colección de poemas la reunió Juan Bautista de Pomar. Esta colección fue traducida al español por el maestro León-Portilla.

Los aztecas amaban el drama. Pero la versión azteca de esta forma de arte difícilmente puede llamarse teatro. Sus géneros incluyeron actuaciones con música y actuaciones acrobáticas.

arquitectura maya

Véase también: Maya

Los ejemplos de la arquitectura maya incluyen:

Los lugares para las ceremonias religiosas solían construirse con piedra caliza de hasta 4 metros de altura. La mayoría de ellos estaban decorados en los lados con imágenes en relieve de figuras. Algunos estudiosos creen que aquí se exhibieron las cabezas cortadas de los enemigos derrotados, así como la cabeza del equipo que perdió el juego de pelota.
Los palacios, por regla general, eran grandes edificios con rica decoración y estaban ubicados más cerca del centro de la ciudad. La mayoría de las veces, los palacios eran de una sola planta con patio, decoración y decoración según el estado del propietario de la casa. Los conjuntos arquitectónicos generalmente consistían en una estructura principal en forma de pirámide escalonada, que siempre se ubicaba en la parte occidental de la plataforma o plaza. Existe la teoría de que estos complejos eran en realidad observatorios, ya que las observaciones del sol en las pirámides siempre han sido sorprendentemente precisas durante los solsticios de invierno y verano.
Las pirámides y los templos eran a menudo las estructuras más importantes ubicadas en el punto más alto de la ciudad. Su ubicación (más cercana al cielo) se explica por las funciones religiosas que desempeñaban. Estudios recientes indican que algunas pirámides se utilizaron como lugares de enterramiento, pero nunca tuvieron tumbas. Algunos templos estaban en la cima de las pirámides y eran edificios grandiosos. A menudo, en la parte superior de los templos, se instalaron imágenes escultóricas de líderes, que se podían observar incluso desde una gran distancia sobre la vegetación de la selva. En una de las cuevas descubiertas recientemente, los arqueólogos encontraron un camino pavimentado de 90 metros de largo, que termina en una columna que se encuentra en la orilla de un embalse.
observatorios. Los mayas tenían un conocimiento bastante profundo de la astronomía. Muchas de sus estructuras estaban de acuerdo con la ubicación de los cuerpos celestes que conocían.
Los juegos de pelota fueron una parte integral de la civilización maya. Este juego se difundió no solo entre los mayas, sino también en toda Mesoamérica. Los parques infantiles se encuentran en casi todas partes donde vivían los mayas. Algunas de estas estructuras tienen escaleras en ambos lados hacia plataformas ceremoniales o pequeñas pirámides. Había sacrificios religiosos al final de los juegos.

Cerámica maya antigua

Botella de cerámica, maya, siglos VI-VIII. ANUNCIO
Plato maya, Museo de Historia del Cacao, Brujas, Bélgica
Olla doble con tapas y figuras. Altura 30 cm, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York
Gran figura de un joven cacique, (Maya, Veracruz), Instituto de Arte de Chicago , EE.UU.
Vasija con tapa, Maya, Clásico Temprano entre 400 y 500 a.C. ANUNCIO Museo de Arte Kembal, Texas

Máscaras indígenas

Máscara del líder Pakal (copia, original en la capital), encontrada en Palenque, Museo del Jade Mesoamericano
Máscara zapoteca de Monte Albán, copia. Museo del Jade Mesoamericano
Máscara de jade de Teotihuacán. Museo del jade mesoamericano. San Cristóbal de Las Casas, Estado de Chiapas, México
Máscara de Tikal. Museo del jade mesoamericano. San Cristóbal de Las Casas, Estado de Chiapas, México
Productos de jade olmeca, copias. Museo del jade mesoamericano. San Cristóbal de Las Casas, Estado de Chiapas, México

El destino de los sitios arqueológicos precolombinos

Durante mucho tiempo, el destino de los sitios arqueológicos de la época precolombina fue trágico o incierto. Así, el aventurero explorador de las ciudades mayas de Yucatán, John Lloyd Stephens (1805-1852), trajo a Nueva York una gran colección de artefactos mayas (jarrones de excavaciones en Tikal y Huuetenango, esculturas de piedra, piezas de terracota de Santa Cruz del Quiché, vigas de madera tallada de los templos de Uxmal y Kabakh). Junto al panorama del artista Frederick Catherwood , los tesoros artísticos de los indios fueron mostrados al pueblo de Nueva York en un pabellón de madera. Pero el pabellón se quemó, las llamas destruyeron todas las exhibiciones.

Sin embargo, la destrucción de las joyas de oro y plata traídas a Europa Occidental desde América comenzó mucho antes. Así, la mayor parte de los productos de oro recibidos por los españoles-conquistadores de Moctezuma (que los propios españoles estimaron en 600.000 pesos ) se vertieron en lingotes estándar. Entre los españoles había personas que consideraban indeseable destruirlo todo, porque las cosas son demasiado hermosas. Los obsequios diplomáticos de oro y plata recibidos por los españoles al comienzo de su aventura en Veracruz fueron llevados a España como obsequio al emperador Carlos V. El barco transportó las joyas al sur de los Países Bajos. Carlos V, que gastó mucho dinero en los salarios de los soldados para sofocar los levantamientos en su propio imperio, ordenó que todo el oro y la plata se fundieran en dinero. Un verdadero río de oro y plata americano fluyó por el imperio español, pero estos flujos arruinaron la economía del país y provocaron un aumento significativo de los precios, y luego debilitaron a España. El oro y la plata recibidos se gastaron en bienes suntuarios y no se invirtieron ni en la producción ni en el desarrollo de la industria española. El país se desaceleró en su desarrollo durante casi 300 años, mientras que Rusia, Holanda, Suecia, Francia, Gran Bretaña, que se convirtieron en los principales en la política europea, se desmoronaron industrialmente [15] .

Durante años, los hallazgos de sitios arqueológicos mexicanos fueron robados o asentados en colecciones privadas y públicas en Estados Unidos y Canadá, en las ciudades de Europa Occidental. Muchos artefactos mexicanos se asentaron en el Museo Británico ( Londres ), la Universidad de Leiden ( Países Bajos ), Amberes ( Bélgica ) y otros El comercio internacional de hallazgos arqueológicos traspasó fronteras políticas y océanos e incluso llegó a Australia.

Durante años, bandas criminales de arqueólogos negros, equipados con helicópteros, realizaron incursiones depredadoras en las ciudades indias destruidas, donde bajorrelieves y estelas de piedra fueron cortados en pedazos con cinceles especiales y sierras eléctricas para facilitar su transporte y venta.

Más afortunados fueron los artefactos arqueológicos, cuyo peso y tamaño interfirieron con su transporte, y los artefactos encontrados y transferidos a los museos estatales (cabezas de piedra gigantes de los olmecas, la Piedra del Sol, un disco con un diámetro de 3,5 metros y un peso de 24,5 toneladas, escenas de sus victorias, de 2,5 metros de diámetro, la "Madre de los Dioses" Coatlicue, la Piedra de Coyolxauqui, las diosas de la luna, etc.).

Fragmento de relieve de jade con trama. Museo Británico, Londres
Busto de piedra del dios Quetzalcóatl, Londres, Museo Británico
Estela B en Copán
"Madre de los Dioses" Coatlicue, Museo Nacional de Antropología, Ciudad de México
Piedra de Coyolxauca, Diosa de la Luna

Época colonial

La trágica historia del choque de dos civilizaciones (hispano-católica y maya) se reflejó tanto en la destrucción de los recursos humanos de mayas y aztecas, como en la destrucción selectiva de objetos de arte de estos pueblos. Según estimaciones incompletas, los conquistadores españoles durante la conquista (una guerra de conquista en América) exterminaron a unos 70 millones de indios.

La política católica de la Contrarreforma , extendida tanto en Europa como en la entonces América, impulsó a los católicos españoles a destruir casi por completo las fuentes literarias de los capturados y exterminar al pueblo. Por eso los descendientes tienen tan pocas fuentes documentales en papel.

Después de batallas a gran escala en América, los guerreros españoles, en su mayoría analfabetos, exterminaron masivamente los códigos indios. Los sacerdotes católicos españoles convencieron a los soldados de la demonología y herejes de los libros. Los guerreros recibieron permiso para la destrucción incontrolada de todos los libros mayas o aztecas. Así, se ha conservado información sobre la importante destrucción de códices aztecas durante la destrucción de la ciudad de Tenochtitlan en 1521. Lo mismo sucedió con los manuscritos mayas .

barroco mexicano

Ver también: barroco mexicano

En el arte de México, ningún sistema artístico (academismo, realismo, clasicismo, abstraccionismo , surrealismo ) apareció en formas acabadas [16] . Esto también se aplica al barroco y, sobre todo, a la arquitectura barroca.

La formación del estilo barroco en Italia comenzó a mediados del siglo XVI. En el arte de México en el siglo XVI hubo una mezcla de estilos, introducida artificialmente por los conquistadores, que consistía en variantes provinciales del renacimiento español, manierismo y ejemplos posteriores de la Edad Media española. Esta mezcla se convirtió en la fuente de formación de la versión local del barroco. Los ejemplos clásicos de la arquitectura barroca, conocidos por las construcciones de las misiones jesuíticas en Brasil y los modelos italianos, no arraigaron en México, aunque los jesuitas, principales portadores del estilo sacro barroco, también llegaron aquí en esa época. El barroco mexicano pasó gradualmente a la construcción de variantes originales de cornisas, columnas y lujosos ornamentos. Los llamados "estipites" - versiones cónicas de columnas y pilastras, colocadas con una parte estrecha hacia abajo [17] - son muy utilizadas aquí . La arquitectura mexicana tomó el camino de las decoraciones en los interiores, que se desbordaron en las principales fachadas occidentales de los edificios sagrados, lo que se denominó "ultrabarroco". Entre los majestuosos templos de la época colonial en el estilo barroco local: catedrales en los estados de Oaxaca, Chihuahua, Morelia, Sazatecas La enorme catedral de la Ciudad de México fue construida y decorada durante varias décadas, lo que la convirtió en la encarnación de varias etapas de estilo de arquitectura local.

Ejemplos famosos del barroco local incluyen la iglesia de Santo Domingo, la iglesia de Regina y el Sagrerio Metropolitano en la Ciudad de México, la capilla del Rosario del templo de Santo Domingo en Puebla , construida en 1690 [17] . Los altares dorados se convirtieron en un vívido ejemplo del barroco local, entre los cuales hay una verdadera obra maestra: un altar dorado del antiguo monasterio jesuita en la ciudad de Tepotzotlán . El nicho arquitectónico con la escultura de la Virgen en el monasterio de Tepozotlán no tenía análogos ni en el arte de España ni en el arte local. La escultura, el género del retrato provinciano, la talla en madera, la yesería, el vestuario de la élite criolla, etc., también fueron arrastrados a la vorágine del barroco local. Los elementos de la cosmografía de los nativos americanos y los detalles conocidos de la era precolombina se abrieron paso en la ornamentación de los edificios sagrados católicos. Es difícil nombrar otro país del continente americano donde el estilo barroco se hubiera extendido tanto y hubiera dado ejemplos similares de esplendor y soluciones originales.

Iglesia y Convento de Santiago de Querétaro, Ciudad de México
Iglesia barroca de San Francisco, Ciudad de México. fachada principal
Catedral de Aguascalientes, Ciudad de México
Santísima Trinidad en la fachada de la Iglesia de la Santísima, Ciudad de México
Catedral de Oaxaca, fachada oeste, Ciudad de México
Decoración dorada. Iglesia y Convento de Santiago de Querétaro, Ciudad de México
Catedral de San Luis de Potosí, Ciudad de México
Misión de Landa de Matamoros

Retablos barrocos en las iglesias católicas de México

Los altares de las iglesias católicas de México se hacían con tallado en madera seguido de dorado.

Capilla de la Palabra Perfecta, altar.
Iglesia de San Bartolo (junto a la pirámide de Tenauca).
Talla de madera en la Catedral de Chihuahua
Iglesia de Santo Domingo, altar.

Pintura barroca de México

La pintura barroca en México no tuvo las mismas condiciones favorables para su desarrollo que la arquitectura mexicana. Por lo tanto, sus logros son modestos, se desarrolló al estilo de la pintura española, por lo que rápidamente perdió la frescura de las decisiones y se provincianizó en gran medida. Al igual que en España, en México se generalizó la pintura religiosa para el diseño de las iglesias católicas, y entre los géneros profanos se generalizó el retrato. Ocasionalmente se traían a México pinturas originales de Francisco de Zurbarán o Murillo . A los artistas locales se les presentaron principalmente copias de pinturas de los talleres de artistas de la tercera fila. Sin embargo, el nivel general de la pintura en México era algo más alto en comparación con el provincianismo de otros centros de arte latinoamericanos. Aquí suelen destacarse los artistas criollos, entre los que en el siglo XVII se encontraban Alonso Lope de Herrera (1579-1648) y Baltasar Echave Ibia (1632-1682), versado en anatomía, maestro del paisaje.

Evangelista Lucas. Iglesia de San Bartolomé Apóstol, Celaya, Guanajuato
"Navidad". Iglesia de la Virgen del Carmen, Celaya, Guanajuato.
"Virgen María de la Inmaculada Concepción", anónimo del siglo XVIII.
Pintura mural del siglo XVIII en la iglesia de Atotonilko
Pintura religiosa. Santuario de Atotonilco
Capucha. Josep Antonio de Ayala. "Virgen de Loreto y la noble familia del Valle"
Capucha. Miguel Cabrera. "Manuel José Rubio y Salines", Arzobispo de México
Capucha. Cristóbal de Villalpando. "Desposorios de San José y la Virgen María"
Capucha. Cristóbal de Villalpando. "Anunciación"

En el siglo XVII, la pintura religiosa mexicana sintió la influencia de la pintura española (las obras de Zurbarán y Murillo), la pintura de Flandes (aquí se trajeron reproducciones de grabados del taller de Peter Paul Rubens). En la segunda mitad del siglo XVII destaca por su destreza el artista Cristóbal de Villalpando (1645-1714). Fue él quien encargó grandes cuadros para decorar la catedral de la Ciudad de México, donde se nota la influencia del barroco flamenco y las composiciones extasiadas del español Valdés Leal (1622-1690).

La pintura de retratos de la época del barroco mexicano se generalizó en México. Sin embargo, es difícil evaluarlo según los estándares europeos del género del retrato. Estas eran representaciones de personas ingenuas, planas, semiprofesionales y muy coloridas. En los países de Europa occidental así se pintaba en el siglo XV. El bajo profesionalismo y la falta de habilidad de los artesanos compensaron la reproducción exacta de trajes extraños, joyas inusuales y peinados con flores tropicales vivas en mujeres ricas con ropa sin forma. Pomposos caballeros españoles y criollos, niños, sus descendientes, nobles damas de familias adineradas en extrañas vestimentas transmiten al público el sabor local y la singularidad de la cultura colonial que se ha desarrollado en los territorios arrebatados a los indígenas.

El estilo barroco tomó prestado del manierismo y mantuvo un anhelo por lo inusual, exótico, extraño y feo (retrato de un bebé nacido sin ambos brazos). Fue así como surgieron los retratos ecuestres, donde sólo se dibujaba con realismo el rostro y las manos del noble jinete, y el cuerpo y el propio caballo se presentaban con un patrón caligráfico de encaje transparente que no existía en la realidad (retrato del Duque de Gálvez a caballo, siglo XVIII, óleo sobre lienzo).

En general, la pintura barroca mexicana conservó un carácter conservador y aislado de la realidad mexicana, cuyos problemas no se reflejaron en ella. Entre los primeros religiosos recién llegados a México se encontraban doce frailes franciscanos. Fueron recibidos por el propio Cortés. El hecho de la llegada de los primeros doce monjes franciscanos quedó reflejado en los primeros murales. En el monasterio de Miguel Arcángel (Huejotzingo), este hecho real fue traducido a una versión esquemática, legendaria y no percibida como históricamente cercana. Otras representaciones del saludo de Cortés a los franciscanos recuerdan las débiles pinturas disfrazadas de la era académica, aunque los artistas se han esforzado por reproducir el evento.

El barroco conservador mexicano ha mantenido su posición en la cultura de México durante casi tres siglos. Solo en esto tiene comparación con el arte del Barroco de Italia, que también se prolongó durante casi tres siglos. Pero comparar los logros de la pintura barroca en Italia y México en cualquier género no está a favor de la pintura de México.

El final de la época del barroco mexicano recayó en los años difíciles de la formación del neoclasicismo local y la independencia de México. Frío, moderado, sin emociones en sus formas, condenado a la repetición, el estilo del clasicismo tardío rompió con la naturaleza exuberante y emocional del barroco. La élite criolla, que vinculó los cambios decisivos del Estado con el clasicismo y el europeísmo, así como con el ansiado progreso, reaccionó negativamente ante los monumentos barrocos que se asemejaban al pasado colonial español. Comenzaron a ser destruidos, porque el Estado no había formado una conciencia histórica y una idea del valor del pasado nacional. Esto llevó a la destrucción de altares barrocos, utensilios de capillas, una serie de edificios monásticos barrocos. La lucha ideológica se trasladó a monumentos barrocos concretos e indefensos, razón por la cual el arte de México fue despojado de su herencia colonial. Las guerras, los desastres naturales (erupciones volcánicas, inundaciones, la indiferencia de los analfabetos y desfavorecidos por los monumentos) y los extremos de la revolución mexicana en la primera mitad del siglo XX contribuyeron dramáticamente a la destrucción del patrimonio barroco nacional.

Arte del siglo XIX

A principios del siglo XIX, México obtuvo la independencia política. La independencia de España fue declarada el 15 de septiembre de 1821. Según la primera constitución, la República Federal de Centroamérica se creó en una estrecha franja entre los dos océanos, que también incluía a El Salvador , Guatemala , Costa Rica , Nicaragua , Guatemala y Honduras . Los artistas de la época de la lucha por la independencia de México mostraron en sus obras a los héroes de esta lucha. Este es un retrato del sacerdote católico romano, el héroe nacional que lideró el levantamiento del pueblo mexicano por la independencia, José María Morelos en uniforme militar, pintado por un artista desconocido.

Con la independencia se inició el período poscolonial en la historia de México. Sin embargo, la situación política en el país se ha deteriorado significativamente. En 1847 se produjo en el país el levantamiento maya-kiché contra el gobierno criollo oficial, al que se denominó Guerra de Castas (en realidad, una guerra civil). El levantamiento maya finalmente fue aplastado solo en 1901.

El país siguió desarrollándose principalmente como burgués, con una economía agraria-primaria. Oficialmente, el país fue declarado imperio con su propio emperador. El clasicismo tardío (neoclasicismo), el eclecticismo, el academicismo en sus variantes provinciales cayeron sobre este período en el arte oficial.

Neoclasicismo

El clasicismo tardío (o neoclasicismo) se ha difundido en México desde los últimos años de la época colonial. Su desarrollo recayó en los años de la lucha por la independencia nacional (1810-1821). Este fue el patetismo de la asimilación de las ideas de la Revolución Francesa, limitada por la moda, y la asimilación activa de la cultura de los países de Europa occidental. El neoclasicismo en México vino de la moda de todo lo europeo, que los mexicanos asimilaron cuidadosamente. Pero en Europa y en la propia Rusia, el neoclasicismo se estaba extinguiendo en ese momento y coexistía con el sentimentalismo, el romanticismo y el eclecticismo recién nacido. Por lo tanto, el neoclasicismo se desarrolló rápidamente en México y dio como resultado el academicismo. El neoclasicismo también tuvo apoyo como contraste con el estilo barroco, que en ese momento todavía les recordaba a los mexicanos el período colonial y no se percibía como un logro significativo de su propia historia. La iglesia de San José y la iglesia del Sagrado Corazón en Guanajuato, el altar de la capilla de la Virgen en Zacatecas fueron construidos en estilo neoclásico.

Iglesia de San José, Guanajuato
Iglesia del Sagrado Corazón, Guanajuato
Retablo neoclásico, Capilla de Nuestra Señora, Zacatecas

Junto con la difusión del género paisajístico, comenzó el desarrollo de una dirección libre del escolasticismo de la pintura religiosa de los siglos XVII-XVIII. Esta dirección nació en las regiones del sur, alejadas de la capital: Veracruz, Puebla, Guanajuato, Jalisco. El academicismo en el país degeneró gradualmente en arte de salón y eclecticismo. El arte mexicano de la segunda mitad del siglo XIX se desarrolló en el marco del arte burgués.

En la primera mitad del siglo XIX, apareció en México un estilo romántico de pintura, traído al país por artistas extranjeros interesados en la vida de un país independiente. Uno de ellos fue el pintor bávaro Johann Moritz Rugendas , quien vivió en el país desde 1831 hasta 1834. El artista pintó escenas con composición dinámica, colores brillantes de acuerdo con el estilo romántico. En México y otras zonas de América Latina buscó imágenes brillantes y sublimes. Sin embargo, la mayor parte de su trabajo, como bocetos para grandes lienzos, no se completó. Otro artista de esta corriente fue el inglés Daniel Egerton, quien pintó paisajes en la tradición romántica inglesa. Alemán de origen, Karl Nebel creó litografías de varios grupos sociales y étnicos de la población del país [18] .

Varios artistas locales de la época siguieron a la Escuela Romántica Europea de Arte en su búsqueda por mostrar las diferentes culturas de México. Estos artistas fueron llamados costumbristas, de la palabra costumbre (costumbres). El estilo de trabajo de estos artistas no era estrictamente romántico. La mayoría de estos artistas procedían de familias adineradas. La diferencia entre sus obras y las obras de los artistas europeos que trabajaban en el país era que para los extranjeros México era exótico, para los costumbristas el ambiente era la Patria.

Uno de estos artistas fue Agustín Arrieta de Puebla, quien aplicó técnicas realistas, representando imágenes de su ciudad natal con sus azulejos y cerámicas de colores brillantes. En sus pinturas se pueden ver escenas de la vida cotidiana de la gente del pueblo, mujeres trabajando en la cocina, comerciantes afromexicanos, etc.

Desde mediados del siglo XIX, los artistas de la Academia Latinoamericana comenzaron a alejarse del clasicismo estricto hacia el "realismo académico". Idealizadas y simplificadas en sus pinturas, las imágenes se vuelven más realistas, con énfasis en el detalle. Los artistas pintaron retratos de personas adineradas, escenas bíblicas y batallas, especialmente durante la lucha por la independencia.

Uno de los artistas más famosos de México a mediados del siglo XIX fue el pintor catalán Pelegrín Clave . Pelegrin Clave fue un representante de la escuela nazarena de pintura en España. Vivió y trabajó en México durante mucho tiempo. Aquí creó numerosos retratos, paisajes y lienzos históricos [19] . Los artistas realistas intentaron representar la cultura de los aztecas. Dichos artistas incluyeron a Félix Parra, quien describió las dificultades de los pueblos indígenas del país.

Pintura de la segunda mitad del siglo XIX - principios del XX

Desde la segunda mitad del siglo XIX, ha habido un florecimiento de la pintura histórica en México. Las principales fuerzas de los artistas durante este período estaban dirigidas a afirmar la continuidad de la cultura mexicana desde las grandes civilizaciones tanto del Viejo como del Nuevo Mundo. Esta idea la impregna el lienzo de H. Cordero "Colón ante los Reyes Católicos" (1850) [20] . Bajo la influencia de las ideas nacional-patrióticas, aparecieron obras del género religioso. Así, el artista J. Ramírez le da a uno de los personajes sentados del lienzo "En el Arca de Noé" un aspecto típicamente indio [21] , afirmando así la idea de la participación de América en la historia mundial.

Entre los paisajistas de esta época, el primer lugar lo ocupa el clásico del paisaje mexicano J. M. Velasco. El pináculo de la creatividad de H. Fernández fue "México" (1877) que representa el panorama del valle mexicano [22] .

Hasta las primeras décadas del siglo XX. La pintura mexicana está dominada por la estética académica idealizadora. Elementos de realismo están representados en las composiciones de género de los costumbristas (del español "costumbre" - costumbre), que trabajaron principalmente en las provincias y reflejaron su forma de vida. A principios del siglo XX, el academicismo mexicano había evolucionado en dirección al simbolismo y la modernidad. Se advierte en el trabajo que la búsqueda de un “gran estilo” en la pintura mexicana y los primeros intentos de muralismo del siglo XX se asociarán posteriormente a estas tendencias.

Los cambios que se dieron en el arte mexicano en los años 1900 - 1910. se encuentran en la obra de los artistas H. Ruelas y S. Herran. H. Ruelas desarrolla en su obra el tema de la "aristocracia espiritual". Este tema se presenta en una serie de sus retratos de contemporáneos. En la obra del artista S. Erran hay una interacción entre el indigenismo académico y el costumbrismo. En sus paneles monumentales "Trabajo" (1910) y "Nuestros dioses" (1916-1918). En el último cuadro, el artista, combinando las imágenes de Cristo y la diosa azteca de la muerte, transmite las peculiaridades de la actitud del mexicano [23] .

Arte contemporáneo

La situación política en México influyó en su arte. El período fronterizo para el país fue a fines del siglo XIX - principios del siglo XX. En 1876, el general Porfirio Díaz (1830-1915) decidió dar un golpe militar, derrotó al ejército del reelegido presidente Lerdo, capturó la Ciudad de México y tomó el poder del Estado en sus propias manos. En 1877, bajo la presión del Congreso, fue elegido presidente del país. En 1881, Porfirio Díaz perdió la presidencia por un período, pero en 1884 recuperó el poder, que ocupó por la fuerza durante veintisiete años hasta su derrota en 1911. A este período en México se le llamó pórfido. El general Díaz introdujo el lema "menos política, más gestión", pero en realidad siguió una política de administración militar. En el país reinaba una actitud intolerante hacia cualquier manifestación de independencia en la vida pública, individualismo o crítica a su régimen. La propaganda representó el poder absoluto del dictador como garantía de la estabilidad del país, la justicia de la estructura y el progreso. Bajo su mando, la economía mexicana tuvo posibilidades de un rápido desarrollo a través de la administración paramilitar y la explotación de mano de obra barata y recursos naturales. Comenzó la construcción acelerada de líneas ferroviarias y telegráficas, surgieron nuevas empresas y bancos en un país agrario en ese momento. México finalmente se convirtió en un estado económicamente rico, recibió préstamos extranjeros. Pero todas estas ventajas económicas sólo afectaban a los sectores privilegiados de la población, la burguesía urbana y los terratenientes. Los teóricos oficiales del dictador anunciaron que México sería gobernado por una élite criolla, mientras que mestizos e indios sólo podrían obedecer. El general Porfirio Díaz sin darse cuenta permitió que los partidos de oposición a las próximas elecciones, después de haber perdido por un tiempo, y luego nuevamente tomando el poder en sus propias manos, comenzaron las represiones en el país. El principal oponente político de Díaz fue Madero, hijo de un rico terrateniente. Madero, habiendo emigrado a los Estados Unidos, aprovechó el descontento que había en el país con la dictadura reinante y las represiones en curso, y el 20 de noviembre de 1910 suscitó una revuelta en el país. La dictadura se mantuvo en el poder hasta mayo de 1911. Díaz perdió el apoyo del gobierno y los militares y emigró en secreto del país [24] .

En noviembre de 1911, Madero fue elegido presidente. En México, la revolución democrático-burguesa ganó impulso. El ejército y el partido gobernante fueron reorganizados. El presidente Lázaro Cárdenas (1895-1970) aceleró significativamente la implementación de la reforma agraria y distribuyó más tierra a los campesinos que todos los presidentes predecesores juntos. Se reactivaron los sindicatos en las empresas. Se llevó a cabo la erradicación del analfabetismo, que es especialmente común entre los indios. Las reformas alcanzaron su apogeo en 1938, cuando el presidente Cárdenas nacionalizó las propiedades de las compañías petroleras estadounidenses y británicas en el país.

Indigenismo

Ver también: Indigenismo

El indigenismo en la pintura surge en la década de 1910. El indechinismo reflejó una nueva ola de interés en el pasado nacional (principalmente en el período precolombino). En México encontró un vivo reflejo en la obra de los muralistas mexicanos. Al indigenismo le siguieron los artistas Diego Rivera , Amado de la Cueva, Juan O'Gorman, Arturo Garcías Bustos y los artistas del “Taller de Gráfica Popular”.

En la música mexicana, el indigenismo se manifestó en la obra del compositor y director de orquesta Carlos Chávez : en los ballets "Fuego Nuevo" y "Cuatro Soles", la pieza orquestal "Hochipilli Maccuilhochitl" y "Sinfonía India". En esta dirección también trabajaron los compositores mexicanos Daniel Ayala Pérez, Candelario Huizar, Luis Sandy Meneses, Carlos Jiménez Mabarak .

En la literatura mexicana, los escritores indigenistas incluyen a Grigorio López y Fuentes y la poeta Rosario Castellanos .

Muralismo

Ver también: pintura mural mexicana

El término Muralismo se refiere a la pintura monumental mexicana. El movimiento del muralismo en la pintura se originó en la década de 1920. Esta tendencia floreció a mediados del siglo XX, pero aún hoy es popular en el país. Inicialmente, el muralismo en el arte monumental fue característico de México y los países de América del Sur, pero durante su apogeo fue tomado prestado por otros países, donde adquirió un matiz propio, propio de una cultura en particular.

Los muralistas más famosos fueron los artistas: Diego Rivera , José Clemente Orozco , David Alfaro Siqueiros , Rufino Tamayo , Jesús Guerrero Galván, Miguel Covarrubias . Los artistas Thomas Hart Benton, John Stuart Carrey y Grant Wood también celebraron el arte del muralismo, solo que ahora combinado con otras tendencias y tendencias en el arte, en particular, con el regionalismo norteamericano.

El muralismo surge en el apogeo de las ideas patrióticas en México. Después de la Revolución Mexicana (1910-1917), durante la cual se libró una guerra civil contra la dictadura, cuyo objetivo principal fue la lucha por la libertad. Estas ideas formaron la base para la formación del muralismo. Los muralistas creían que su arte no solo debía ser bello y placentero, sino también útil a la sociedad. El arte debe evocar un sentido de justicia en los corazones de la audiencia, criarlos para luchar. Los muralistas intentaron llegar al corazón de la audiencia, mostrar la escala de la tragedia de las personas, crearon pinturas enormes, lienzos monumentales [25] .

José Clemente Orozco , Miguel Hidalgo
José Clemente Orozco , trinchera, Colegio San Ildefon, Ciudad de México
Diego Rivera , Tenochtitlán , Ciudad de México
Diego Rivera , pintura en la entrada principal del Palacio Nacional
David Alfaro Siqueiros

El muralismo mexicano es muy similar al realismo socialista en la URSS . El realismo socialista también tomó forma después de la revolución, la idea principal de la pintura soviética fue la oposición de la gente común y el poder real. Sin embargo, hay una diferencia significativa entre estas direcciones. La pintura socialista era lo más realista posible, y la pintura mural mexicana era una mezcla de imágenes, símbolos, alegorías y cosas surrealistas. El muralismo fue un movimiento de vanguardia en la pintura basado en el arte de los indios nativos de América del Sur.

Gráficos

Las obras gráficas de la “Liga de Escritores y Artistas Revolucionarios” son interesantes no solo como páginas de la historia de la Revolución Mexicana de 1910-1917, sino también como ejemplos de la gráfica nacional, en especial el grabado monumental mexicano y la litografía similar a un cartel. . Los artistas de la liga crearon gráficos impresos a gran escala. Este producto rechazó los medios de reproducción intensivos en mano de obra de impresión, color. Los gráficos de la "Liga de Escritores y Artistas Revolucionarios" contienen temas políticos y representaciones de un levantamiento popular, la pobreza, los horrores de la guerra contra los pueblos de México, escenas de la vida partidista, fusilamientos, víctimas y esperanzas para el futuro.

Artes y oficios

La artesanía y el arte popular mexicano se desarrollaron a lo largo de cuatro mil años y transitaron un camino paralelo al del arte oficial. El camino paralelo del arte popular se ha acentuado especialmente en los últimos 500 años, cuando el arte criollo novohispano y el arte popular convivieron, cada uno recorriendo su propio camino. En artes decorativas y aplicadas, tendencias como el academicismo y el barroco no se desarrollaron. Impulsado por los hallazgos de artesanos indios en centros separados entre sí, el arte popular no ha perdido su funcionalidad en las cosas manufacturadas, manteniendo imágenes de fantasía y brillo tropical. Los maestros del arte popular utilizan como materia prima hojas de paja y juncia, madera, piedra, papel, cartón, plumas de ave, arcilla, cobre e incluso azúcar. Los sombreros sombrero trenzados (una especie de sustituto de las sombrillas del calor del sol) se han convertido en uno de los signos del arte popular nacional en el continente.

Bajo la influencia de la laca china, aparecieron en México lacas locales de formas simplificadas (platos, ataúdes). Estaban pintados de colores brillantes y coloridos y de ninguna manera se parecían a los patrones asiáticos.

La tradición milenaria de la cerámica india no se ha interrumpido hasta el día de hoy. Entre estos productos se encuentran platos, juguetes infantiles, candelabros, figuritas decorativas o pequeñas esculturas. La gama de formas y colorido va desde lo primitivo y simplificado hasta lo más complejo en siluetas y dibujos, pintados o lijados.

La metalurgia se desarrolló en Mesoamérica, especialmente con la plata, el oro y el cobre. Los artículos de cobre tenían incrustaciones de oro. Los españoles trajeron a México nuevas técnicas de procesamiento, como el trabajo de filigrana, en el que se utilizan finos hilos de metal para hacer joyas. Durante el período colonial, los pueblos indígenas tenían prohibido trabajar con metales preciosos. Actualmente, en México se han retomado las artesanías populares utilizando la metalurgia. La platería es una de las principales exportaciones de México. En el país todos los años en agosto en Santa Clara del Cobre se realizan las fiestas de los productos del cobre [26] .

Compra con sombrero
sombreros festivos
Ropa de carnaval, sombreros y máscaras.
Sillones de México
Tinas de cerámica de Puebla. Museo de Arte Popular, Ciudad de México.
Olla de metal con un pájaro. Museo de Arte Popular, Ciudad de México.
Jarra de cerámica 1713.
Cerámica del asentamiento de Mata Ortiz. Estado de Chihuahua, México
Alfarería con Mata Ortiz. Exposición FONART en la Ciudad de México, 2010.
Alfarería con Mata Ortiz. Exposición FONART en la Ciudad de México, 2010.

Artes visuales del siglo XX

En el siglo XX, las artes visuales de México se encontraban en un desarrollo complejo. Convencionalmente, se puede dividir en el campo de los partidarios de las reformas democrático-burguesas y el campo de los partidarios del individualismo burgués. El arte de México se alejaba lentamente del aislamiento nacional y del academicismo. Descubrió una realidad compleja y trágica, temas cotidianos. La comprensión del acervo cultural de la época precolombina fue utilizada para la autoidentificación y para la visualización de los hechos de la realidad. Figuras culturales de México (artistas, arquitectos, escultores, escritores y cineastas) recurrieron a las fuentes populares de la cultura, utilizando creativamente las tradiciones nacionales y los logros de la cultura mundial.

En el campo de los partidarios de las reformas democrático-burguesas (muralistas, miembros del taller de gráfica popular), se destacó un círculo de artistas puramente burgueses, de mentalidad radical, con excelentes maneras y actitudes artísticas, extremadamente individualistas, apoyados por gobiernos burgueses. Entre ellos se encuentran Ángel Sarraga , Jesús Guerrero Galván, Frida Kahlo [27] , Carlos Mérida, Manuel Rodríguez Lozano, Rufino Tamayo y otros.El rango de su trabajo se ha expandido desde el realismo (a través de una serie de formas de transición) al abstraccionismo, un completo rechazo a la trama ya las tradiciones humanísticas. En el arte mexicano del siglo XX se desarrollaron todos los géneros de las bellas artes que no existían antes, inherentes a la cultura artística mundial ( paisaje , naturaleza muerta , retrato , género cotidiano, género animalista, etc.). La mayoría de los artistas del país recurrió a la gráfica y todas sus técnicas modernas (litografía, técnica de impresión combinada). Los murales monumentales del período inicial no se hicieron para los museos, sino para el público, para explicar los objetivos de las reformas y apoyarlas.

La realidad burguesa ha hecho sus propios ajustes al trabajo de los artistas. Se abrieron en el país una serie de galerías y museos, recogiendo en sus fondos toda la variedad de obras de arte, de cualquier técnica y de cualquier estilo.

Junto al personal nacional, un grupo de emigrantes de otros países se encuentra laborando exitosamente en el país. Entre ellos se encuentran Jean Charlot, Pablo O'Higgins, Marianna Yampolskaya, Wolfgang Paalen, Leonora Carrington, Alisa Raon, Remedios Varo [28] y otros.Al mismo tiempo, varios artistas mexicanos trabajan en el exterior, en Estados Unidos, Chile , Francia, promoviendo el arte de México.

A finales del siglo XX y más allá, como en muchos otros países, las bellas artes en México adquieren nuevas formas asociadas con la existencia de artistas callejeros que trabajan al estilo del arte callejero y representan pinturas populares en México en las paredes de edificios y aceras Esta zona es de naturaleza urbana. En el país se celebran festivales de arte callejero para pintar edificios [29] .

Cine

Ver también: Cinematografía de México

El cine nacional llegó a México desde Francia. El español Luis Buñuel trabajó en el país en 1940 . El cine del período inicial tenía un carácter documental y propagandístico, pues cubría los acontecimientos de la revolución y la guerra civil. Era la época del cine mudo. El primer cine sonoro en México se creó en 1931, su nombre es Desde Santa.

En los orígenes del cine mexicano estuvo Salvador Toscano Barragán . Se dejó llevar únicamente por el cine que nacía en el país y le dedicó su vida. Otros pioneros del cine incluyen a Enrique Rosas, los hermanos Alba y Manuel Becerril. La cinematografía en el país se desarrolló gradualmente, se dividió en géneros. El lugar principal en el cine lo ocuparon los melodramas, películas con mujeres fatales. Algunas de las películas explotaban los temas de la vida de los indios, mestizos o temas rurales. Los críticos tienden a llamar al período de 1940-1950 el período dorado del cine nacional. México tuvo una participación limitada en los acontecimientos de la Segunda Guerra Mundial. Entre las figuras del cine mexicano: el director de cine Emilio El Indio Fernández, el camarógrafo Gabriel Figueroa, los actores de cine Pedro Infante, Cantinflas, María Félix, Armendáriz Pedro Jorge Negrete. Las actrices Dolores del Río y María Félix ganaron popularidad en los papeles de mujeres fatales. El cine de México ahora ha alcanzado el nivel internacional y se ha hecho popular en el sur de los Estados Unidos, donde vive la población hispana, sus películas fueron presentadas en el Festival de Cine de Cannes .

Los gobiernos burgueses de México llamaron la atención sobre la industria cinematográfica. La producción cinematográfica en las décadas de 1930 y 1950 fue financiada con fondos públicos y privados. Incluso había un banco nacional de películas. La amplia participación de las estructuras gubernamentales en el financiamiento de la cinematografía mexicana también implicó la exigencia de lealtad política de los cineastas y la censura.

En el futuro, el nivel artístico de las películas en el país descendía constantemente. En la década de 1960, los westerns sin pretensiones y las comedias cotidianas se filmaban principalmente en el país. En 1970, Paul Leduc [30] entra en el cine , especializándose en películas sin diálogos. En sus películas, el énfasis se puso en los componentes pictóricos y musicales del lenguaje cinematográfico, a veces con el rechazo del texto. Entre sus obras: una película sobre el México rebelde (1971), la película biográfica "Frida" (1984), etc. La serie de televisión mexicana de 248 episodios, filmada en 1979, fue muy popular en Rusia - Los ricos también lloran . La serie se estrenó en la televisión central soviética en 1991.

En la década de 1990 se inició una "nueva ola" en el país y el amanecer del cine mexicano [31] .

Fotografía

La fotografía apareció en México como daguerrotipo apenas seis meses después de su descubrimiento y rápidamente se difundió por todo el país. El daguerrotipo se utilizó originalmente para crear retratos de personas adineradas (debido al alto costo), para fotografiar paisajes y ruinas prehispánicas [32] . Un tipo común de retrato fotográfico temprano fue el de niños recién fallecidos, llamados ángeles, que sobrevivió hasta la primera mitad del siglo XX. Esta costumbre proviene de la tradición católica de celebrar la admisión al cielo, pasando por alto el purgatorio de un niño muerto [33] . Los retratos formales fueron la forma más común de fotografía comercial hasta finales del siglo XIX.

Uno de los pioneros de la fotografía mexicana fue Agustín Víctor Casasola. Su carrera comenzó creando fotografías para publicaciones periódicas. La obra de Casasol antes de la Revolución Mexicana narraba la vida de la élite mexicana. El estallido de la guerra civil cambió la elección de Casasol. Se centró en hacer retratos de héroes de guerra (como Francisco Villa ) y representar escenas de batallas, fusilamientos, etc. Mostraba personas cuyos rostros reflejaban dolor, bondad, etc. Después de la guerra, en las décadas de 1920 y 1930, Casasola fotografió a gente corriente. migrantes en la Ciudad de México. El archivo de sus fotografías ascendía a cerca de medio millón de imágenes. Muchas de sus obras se conservan en un ex convento de San Francisco - Pachuca de Soto . El fotógrafo Guillermo Kahlo fotografió edificios, maquinarias y otros objetos del país.

Los fotógrafos Kahlo y Casasola son considerados los principales fotógrafos que reflejaron diferentes aspectos de la vida mexicana.

El fotógrafo Manuel Álvarez Bravo experimentó con la fotografía abstracta y desarrolló su propio estilo al capturar las costumbres y rituales mexicanos. Trabajó desde la década de 1920 hasta su muerte en la década de 1990. Sus métodos fotográficos convirtieron lo ordinario en fantástico. Desde finales de la década de 1930 hasta la década de 1970 su fotografía evolucionó junto con nuevas tecnologías como el uso del color. En la década de 1970, experimentó con desnudos femeninos [34] .

Galería

Porfirio Díaz de Piedra del Sol, fotógrafo desconocido
General Emiliano Zapata, líder del movimiento revolucionario en Morelos
Imagen icónica de Pancho Villa durante la Revolución Mexicana
Niño soldado durante la Revolución Mexicana

Conjunto en un campus de la Ciudad de México

Todos los logros y todas las carencias de la historia política, económica y artística de México en el siglo XX se reflejan en el conjunto construido en la segunda mitad del siglo XX en la Universidad Nacional Autónoma de México . Alrededor de un centenar de artistas de diferentes industrias, diferentes experiencias y formas artísticas participaron en la creación del concepto y diseño del edificio (entre los invitados estaban Diego Rivera , Juan O'Gorman, Chavez Morado, Siqueiros , Eppens, etc. [35 ] ) El equipo estaba encabezado por el arquitecto Caplos Lasso. El plan maestro de la construcción fue elaborado por E. del Moral. Los arquitectos incluyeron las características naturales de la zona en el conjunto arquitectónico de la universidad. El territorio del campus de setecientas treinta (730) hectáreas se dividió en cuatro zonas principales: educativa, residencial, deportiva con estadio, área de recreación y equipamientos públicos.

Todas las zonas fueron construidas en diferentes niveles, como si estuvieran ensartadas en la Carretera Panamericana que cruza la ciudad. Los constructores se ocuparon de la creación de céspedes y parques, que cubrían todo el territorio libre de urbanizaciones [36] .

En la construcción del complejo se utilizaron estructuras de hormigón armado, vidrio, acero. La arquitectura paisajista se complementó con revestimientos de piedra natural y enormes mosaicos. Pero la arquitectura moderna del campus y sus parques contrastan con los suburbios destartalados y llenos de barrios marginales de la cercana Ciudad de México. En junio de 2007, el campus principal de la universidad fue declarado Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO.

entrada de la biblioteca
Edificios del complejo de la Universidad Nacional
edificio de la biblioteca de la universidad
Vista del complejo universitario.

Música

La música entre los pueblos que vivían en México, ocupó un gran lugar en la vida pública. Se la asoció con rituales religiosos y ceremonias religiosas. La música era vista como parte del culto, estaba estrictamente regulada y controlada por una casta de sacerdotes-músicos.

Ya en la antigüedad, los aztecas y mayas contaban con un sistema de educación musical profesional. Los jóvenes de una familia noble estudiaban ciencias y música en las escuelas (calmecac). Existían escuelas especiales de música (cuicacalli). Allí, los jóvenes aprendieron a cantar, bailar y tocar instrumentos musicales. Los aztecas tenían muchas variedades de instrumentos musicales. Creían que algunos instrumentos eran de origen divino. Los tambores teponaztli y uehuetl eran venerados por ellos como verdaderos dioses vivientes en la tierra [37] .

Durante el período colonial, se prestó mucha atención a la música de iglesia. Las catedrales se convirtieron en los principales centros de la vida musical durante este período. A fines del siglo XVIII, la música teatral secular había recibido un gran desarrollo.

En el siglo XVIII en la Ciudad de México, las tonadillas de las comedias musicales españolas se presentaban en el Teatro Coliseo, fueron suplantadas por las óperas italianas en el siglo XIX. En 1824 se estableció en el país la Sociedad Filarmónica y en 1866 se inauguró un conservatorio a su cargo, que se transformó en 1877 en el Conservatorio Nacional. La música de ópera y piano de salón se desarrolló en la obra del compositor del siglo XIX. La primera ópera mexicana fue Catalina Guise de Zenobio Paniagua Vázquez (1821-1882). Fue creado en 1859. El compositor Melecio Morales (1838-1908) escribió las óperas Romeo y Julieta (1863), Ildegonda (1866), Gino Corsini (1877), Cleopatra (1891). Aniceto Ortega del Villar (1823-1875). También creó la primera ópera mexicana "Guatimotzin" (1871) sobre el tema de la historia nacional. Las óperas se crearon según los cánones del arte italiano. En sus obras para piano, los compositores también se centraron en la música europea. Sin embargo, el compositor Aniceto Ortega utilizó melodías folklóricas en Valse Jarabe para piano, y el sabor mexicano estuvo presente en su ópera Guatimotzin.

Los conductores de la corriente nacional en la música mexicana fueron José Rolón Alcaraz (1877 o 1878-1945) ("Fiesta de Enanitos", "Tres Danzas Indias"), Candellario Huizar García de la Cadena (Huizar García de la Cadena, 1883-1970 ) y Manuel María Ponce Cuéllar (1882-1948). En su trabajo recurrieron a las leyendas, la historia del país y utilizaron el folclore.

La música mexicana moderna ha absorbido las tradiciones musicales de los pueblos indígenas del país y la cultura española, se distingue por una variedad de géneros musicales y estilos de interpretación que son característicos de las diferentes regiones del país. En las regiones del noreste de México, hay música tradicional de huapango, en las regiones del norte - norteno, en el noroeste del país - tambora, en Yucatán - harana.

El repertorio de canciones de los mexicanos es diverso, desde canciones laudatorias (alabados), cantos de iglesia, serenatas. A menudo interpretado con acompañamiento de guitarra. Son populares en el país las canciones en forma de balada, las canciones tradicionales mexicanas "Bésame Mucho", escrita en 1940 por la mexicana Consuelo Velázquez Torres, y "Cucaracha". Estas canciones ahora son conocidas en todo el mundo. Son populares en el país los conjuntos de mariachis que interpretan canciones de diferentes estilos y utilizan instrumentos musicales: guitarra, violín, trompeta, viola.

Populares en México son los bailes jarabe tapatío, que se basan en la idea del cortejo y el coqueteo, y el harocho soñado.

La música mexicana sigue desarrollando tradiciones junto con estilos musicales modernos: rock, pop, jazz, música electrónica y otros. Los músicos mexicanos suelen tocar melodías populares mexicanas.

Los representantes populares de la música mexicana incluyen: Alejandro Fernández, Thalía, Luis Miguel, Paulina Rubio, Carlos Santana, Lila Downes, el grupo Café Takuba. Se conoce al conjunto de mariachis - "Vargas de Tecatitlán". La música de club florece en todas las ciudades del país [38] .

Los mexicanos pueden obtener educación musical académica en el Conservatorio Nacional en la Ciudad de México. El conservatorio fue fundado en 1866 siguiendo el modelo de los conservatorios de París y Madrid. Desde 1949, se encuentra en un edificio diseñado por el arquitecto Mario Pani . El Teatro de la Ópera de la Ciudad de México se encuentra en el Palacio de Bellas Artes , construido con mármol de Carrara y lujosamente decorado en estilos Beaux Arts y Art Deco.

Museos

Los objetos de arte mexicano se conservan en muchos museos alrededor del mundo, incluido el Museo Estatal del Hermitage en San Petersburgo, etc. El primer museo de arte en América fue la Academia de San Carlos . Actualmente en México se pueden ver obras de arte en el Palacio Nacional en la Ciudad de México, el Instituto de las Culturas Cabañas en Guadalajara, el Museo de la artista Frida Kahlo en la Ciudad de México, etc.

El Museo Mexicano José Guadalupe Posada está dedicado al famoso grabador, ilustrador y dibujante mexicano José Guadalupe Posada. El artista es conocido por sus ilustraciones de contenido satírico, político y cotidiano.

En la región de Coyoacán de la Ciudad de México , el primer Museo Nacional de Acuarelas del mundo. Alfredo Guati Rojo . El museo fue fundado en 1964 por el artista mexicano Alfredo Guati Rojo .

El Museo de Arte Soumaya en la Ciudad de México fue fundado en 1994. Se mudó a un nuevo edificio de seis pisos en 2011. El edificio fue construido a expensas del multimillonario Carlos Slim para exhibir su colección de arte personal, que incluye más de 66,000 exhibiciones. El costo de todas las exhibiciones es de aproximadamente 700 millones de dólares. La construcción del museo le costó a Slim unos 34 millones de dólares. El museo lleva el nombre de la esposa de Slim, que murió en 1999 [39] .

El Museo Soumaya exhibe pinturas de artistas mexicanos y europeos. Entre ellos se encuentran pinturas de los impresionistas franceses Camille Pissarro , Claude Monet, Edgar Degas y Pierre-Auguste Renoir. El museo también alberga una de las colecciones de esculturas de Rodin más grandes del mundo , con 380 piezas.

El Museo Nacional de Antropología , ubicado en el Parque Chapultepec (Ciudad de México), presenta una colección única de piezas arqueológicas y antropológicas de la época precolombina halladas en México. El museo contiene exhibiciones de fama mundial: la Piedra del Sol, llamada calendario azteca, enormes cabezas de piedra olmeca encontradas en las selvas de Tabasco y Veracruz, tesoros de la civilización maya de Chichén Itzá y Palenque, etc. El Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca en la ciudad de Oaxaca tiene una gran colección de obras de arte de América Latina [40] .

Ficción

Ver también: Literatura de México

Antes de la conquista de México por los españoles, sus pueblos crearon obras literarias que han llegado hasta nosotros principalmente en registros posteriores. Estos incluyen: los textos sagrados del "Chilam-Balam" de los mayas de Yucatán, la poesía de los aztecas. De los poetas aztecas se conoce a Nezahualcóyotl, autor de obras con lírica filosófica [41] . Los códices aztecas eran libros pictográficos escritos a mano creados por los aztecas.

La literatura precolonial de los pueblos indígenas de México también circuló en gran medida en el folclore oral. Los misioneros españoles en el centro de México en un momento se dedicaron a la preservación de las obras orales de los pueblos de México, escribiéndolas en papel en latín. Así se conservaron las obras líricas del gobernante de Nezahualcóyotl (1402-1472) de Texcoco, a quien se le otorgó el título de rey poético.

La literatura precolombina en México estuvo dominada por los siguientes géneros:

Poesía épica que narra la vida de personajes famosos;
Poesía lírica de significado religioso, militar o filosófico;
Poesía dramática con elementos de música y danza (fiesta de Tezcatlipoca) [42] ;
Prosa histórica y genealogías.

Las primeras obras literarias aquí fueron las crónicas de la conquista de Hernán Cortés (1485–1547), Bernal Díaz del Castillo (c. 1492–1582), Bernardino de Sahagún (1550–1590), Toribio Motolinia (1495–1569) y otros.

La primera gran obra de ficción mexicana fue el poema "México Magnífico" ( español : Grandeza Mexicana ) de Bernardo de Balbuena (1568-1627).

En el siglo XVII, la literatura mexicana estuvo dominada por el estilo barroco. Los principales autores de obras de este estilo fueron: Carlos Sigüenza y Góngora (1645-1700), Juana Inés de la Cruz (1648-1695) y Juan Ruiz de Alarcón (1580-1639) [43] .

Después de la independencia de México en 1821, dos tendencias dominaron la poesía mexicana. Los clasicistas José Joaquín Pesado, Manuel Carpio, José María Roa Barsena se guiaron por el pasado histórico y estético de México. Los romanticos fernando calderon, ignacio rodriguez galvan prefirieron la libre expresion de uno mismo, la transmision de principios nacionales en las obras. La prosa mexicana del siglo XIX estuvo dominada por el costumbrismo y la prosa histórica. La primera incluyó a Illario Frías y Soto, Manuel Paino, María Florencio del Castillo, Juan Díaz Covarrubias, Luis Gonzaga Inclán, José Tomás de Cuéllar, entre otros.La primera novela histórica de América Latina, Chitotencal (1821), fue escrita por un anónimo autor mexicano.

En la literatura mexicana moderna se destacan escritores: Carlos Fuentes (n. 1928) - autor de las novelas La muerte de Artemio Cruz (La muerte de Artemio Cruz, 1962), Cambio de piel (Cambio de piel, 1967), Terra Nostra (Terra Nostra, 1975), "Cristóbal el Nonato" (Cristóbal Nonato, 1987), y Fernando del Paso (n. 1935), autor de las novelas "José Trigo" (José Trigo, 1966), "Palinur Mexicano" (Palinuro de México, 1975) y Noticias del Imperio (Noticias del imperio, 1987).

La escritura ensayística en la literatura del país en el siglo XX estuvo comprometida en la búsqueda de la identidad mexicana. En este género. ). El escritor Octavio Paz fue galardonado con el Premio Nobel de Literatura en 1990 "por sus impresionantes y completas obras, marcadas por la inteligencia sensorial y la integridad humanística" [44] .

Arte de la danza

Bailes folclóricos

La danza folclórica mexicana moderna es una mezcla de elementos de la herencia indígena (cultura azteca y maya), africana y europea. En la época precolombina, las danzas se acompañaban de cantos, se realizaban durante las fiestas religiosas y en las danzas participaban cientos de bailarines. La técnica de la danza requería un entrenamiento especial. Más tarde, aparecieron bailes de pantomima de trama sobre temas de mitología, historia y vida cotidiana. Posteriormente, se les introdujo texto. Con el tiempo, se desarrolló un nuevo género de danza: una obra de teatro (Rabinal-Achi se conservó en el idioma maya). La herencia dancística de la época prehispánica está presente en las agrupaciones folklóricas indígenas de las regiones de México (danza pantomima “Gente Voladora”).

Para atraer feligreses a las iglesias en el siglo XVI, la Iglesia Católica organizaba sermones dramatizados en lengua nahua , que antes del español era un medio de comunicación intertribal, bailes folclóricos y diálogos cómicos.

Durante el período colonial, la danza se desarrolló bajo la influencia de la cultura dancística española. Junto con las danzas españolas de fandango, sandunga, zapateado, se desarrollaron formas de danza del folclore criollo en los siglos XVII-XVIII: son, wapango, jarabe. Estas formas combinaron la danza con el canto y la música instrumental. A fines del siglo XVIII, la danza apareció en el escenario. En ellos, un gran lugar lo ocuparon las representaciones vocales, musicales y de danza hispano-portuguesas: tonadilla y folia. En el siglo XIX se extendió en México la influencia de las danzas italianas y francesas, que prevaleció hasta el siglo XX. El vals y la habanera, de ritmo cercano al tango, ganaron popularidad. Después de la revolución de 1910-1917, las formas de danza traídas a México por los españoles perdieron su significado [45] .

La danza moderna se originó en la década de 1930 bajo la influencia de la danza moderna americana [46] . En los bailes, los mexicanos usan una variedad de disfraces, espejos, maxi. Las máscaras se utilizan para enfatizar el carácter metafórico o religioso de la danza, con el fin de ocultar la identidad del bailarín en los carnavales. El bailarín enmascarado puede tomarse libertades, que luego serán discutidas por la audiencia. El bailarín enmascarado puede expresar protesta social (el granjero enmascarado con uniforme de policía enfatiza la protesta contra los policías corruptos).

En la actualidad, se ha establecido en México una fundación para el desarrollo de la danza folklórica (encabezada por Lavalle), que estudia grupos folclóricos en diferentes partes del país. Los festivales de danza mexicana se llevan a cabo regularmente en el país.

Danzas rituales

Antes de la llegada de los españoles, las danzas de los indígenas de México eran principalmente rituales, de carácter religioso [47] . Los aztecas tenían dos tipos de baile, uno para la gente común, el baile a menudo se asociaba con el ciclo agrícola del trabajo, el otro baile estaba destinado a la élite [48] . Hasta 3-4 mil personas participaron en los bailes. Los trajes para bailarines se hicieron teniendo en cuenta el propósito del baile. Usaron imágenes de águilas, leopardos, monos, perros, cazadores, guerreros. Para la decoración se utilizaban flores artificiales y naturales, plumas, piedras preciosas, artículos de oro y plata [49] .

Tras la conquista del territorio mexicano, los españoles se esforzaron por destruir las danzas locales, considerándolas "demasiado paganas". Sin embargo, no lograron destruir las formas populares de baile, especialmente en el campo y las zonas remotas de la Nueva España. Los predicadores intentaron adaptar las danzas locales a la cultura cristiana, dándoles un nuevo significado [50] .

El arte de la danza se desarrolló en los años 1520-1750 principalmente entre los pueblos indígenas de clase baja, mestizos y descendientes de afroamericanos. Comenzaron a realizar bailes por motivos religiosos, en honor a la Virgen María y santos católicos.

ballet

En 1786, el coreógrafo Jerónimo Marani hizo un intento fallido de crear un ballet profesional. Sin embargo, a pesar de los esfuerzos de los entusiastas, el ballet y la danza teatral no tuvieron éxito en México, ya que la danza no era considerada un arte digno en la sociedad mexicana. Andrés Pautret tuvo su escuela de danza en la Ciudad de México en 1825-1840. En el ballet La vana precaución, puesto en escena por él en 1827, bailó la bailarina mexicana María de Jesús Moctezuma. En 1919, la bailarina rusa Anna Pavlova visitó México con su compañía .

Las hermanas Campobello intentaron crear un ballet mexicano en 1932. Abrieron una escuela de danza clásica y organizaron una compañía del Ballet de la Ciudad de México. Los cimientos del ballet mexicano se establecieron a fines de la década de 1930 por los coreógrafos estadounidenses, representantes de la danza moderna A. Sokolova y M. Valdin. En 1940, A. Sokolova creó la compañía Blue Dove; incluyó a G. Bravo, X. Lavalier, A. Mérida, R. Gutierrez, G. Case y otros. En 1940, Valdin organizó una escuela y una compañía.

En 1947, el compositor C. Chávez inauguró en el país la Academia de Danza Mexicana, el Ballet de Bellas Artes y surgió el Ballet Nacional.

El desarrollo del ballet nacional fue impulsado por la música de ballet escrita por los compositores S. Revueltas y C. Chávez. Los temas de los ballets con música de C. Chávez "Los cuatro elementos" (1926), "Hija de la Cólquida" (1946), Revueltas - "Renacuajo viajero" (1936) fueron una descripción de la vida popular y la historia de México. El mismo tema estuvo presente en los ballets de D. Ayala Pérez - "Un hombre del pueblo maya" (1940), L. Sandi - "Bonampak" (1948) y J. P. Moncayo - "Zapata" (1953). ,

En 1952 se crea el Ballet Folclórico bajo la dirección de A. Hernández. La compañía realizó danzas folclóricas, las actuaciones de ballet incluyen folclore nacional.

En la década del 50-70 del siglo XX funcionaron en el país: el Ballet de Concierto de México (1952. director S. Unger), el Ballet Nacional de México (fundado en 1958, coreógrafo G. Arriaga), el Taller Coreográfico de la Universidad Nacional Autónoma de México (1970, director .Contreras). Actualmente, la compañía de ballet más popular del país es el Ballet Folklórico de México, el cual fue fundado por la bailarina Amalia Hernández en 1952. Su nieto, Salvador López, es ahora el director de la compañía. La compañía da alrededor de 250 actuaciones al año. La compañía interpreta bailes folclóricos (Tapatio Jarabe, Concheros, etc.) en la adaptación de López, bailes "nuevos" (Adelitas) dedicados a la Revolución Mexicana [51] .

Teatro

Según testigos presenciales de los primeros años de la colonización española, el teatro indígena de la era precolombina estaba en sus inicios. Los orígenes del teatro indio fueron la danza, gradualmente complementada con elementos de acción dramática [52] [53] . Con el desarrollo de las representaciones teatrales, se determinaron dos direcciones principales: algunas representaciones eran de carácter solemne, serio, con tramas divinas o heroicas; otros eran farsas peculiares de contenido lúdico y cómico con un tema más "terrenal".

El arte teatral se desarrolló entre los pueblos maya-kiche y nahua del México antiguo. Hasta ahora, la descripción del monumento del antiguo drama indio "Rabinal Achi" ha bajado. A mediados del siglo XIX, el abad francés Charles Etienne Brasseur vio esta actuación, transmitida por los indios mayas de sus antiguos ancestros de forma oral. Brasseur escribió el texto de su actuación en quiché y lo tradujo al francés. La obra "Rabinal Achi" fue un drama histórico de la vida de los indios con música y danza. En la obra se emplearon hasta cien actores.

Con el inicio de la colonización, los misioneros españoles realizaron representaciones basadas en relatos bíblicos con el objetivo de convertir a la población indígena al cristianismo. Los indios participaban en ellos como ejecutantes. Los atributos del teatro de la época precolombina se utilizaron como accesorios: flores frescas, plumas brillantes. El teatro profesional moderno en México se viene desarrollando desde las décadas de 1940-1960. Anteriormente, este tipo de arte se apoyaba en carpas móviles con comparsas de artistas itinerantes. A mediados del siglo XX aparecieron en el país reconocidos dramaturgos, quienes desarrollaron nuevos principios de habilidad teatral.

El primer teatro, la Casa de la Comedia, se inauguró en la Ciudad de México en 1597. Representaba obras de teatro de carácter religioso y profano. Los principales dramaturgos mexicanos del siglo XVI fueron Juan Pérez Ramírez (1545-?) y Fernán Gonzales de Eslava (circa 1535-c.-1600). Ramírez fue el autor de la primera obra escrita en el Nuevo Mundo, la comedia Compromiso espiritual del pastor Pedro con la iglesia mexicana (1574). En el siglo XVII, el teatro religioso tuvo un papel protagónico, pero poco a poco fue tomando forma el teatro profano. El apogeo del teatro mexicano del siglo XVII se asocia, más, con la obra del dramaturgo español de origen mexicano Juan Ruiz de Alarcón-y-Mendoza (1581-1639) y la poetisa mexicana Juana Ine de la Cruz (Juana Ines de la Cruz, 1648 o 1651-1695). Juan Ruiz de Alarcón perteneció a las culturas de España y México [54] .

Actualmente, los teatros más grandes de México se encuentran en la capital. Hay teatros de ópera y teatro, el teatro de marionetas Guignol. La arquitectura neoclásica atrae a los espectadores al Teatro Degollado, ubicado en el centro de Guadalajara. En el escenario del teatro actúan grupos de danzas folclóricas mexicanas, se dan representaciones de ópera [55] . En 2005 se inauguró el Teatro Diana en Guadalajara con 2345 butacas [56] .

Véase también

Literatura

arte de mexico

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diccionarios y enciclopedias

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En catálogos bibliográficos
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