Buñuel, Luis

Luis Buñuel (Buñuel [~ 1] ) Portoles ( español :  Luis Buñuel Portolés , MFA  (español) [ˈlwiz βuˈɲwel] ; 22 de febrero de 1900  - 29 de julio de 1983 ) es un director de cine español y mexicano cuya carrera duró casi cinco décadas y está asociado con tres países: España, México y Francia .

Buñuel pasó su juventud en París y estuvo cerca del grupo literario surrealista , y tras su debut como director, el cortometraje mudo Perro andaluz (1929, junto a Salvador Dalí ), que se convirtió en un gran hito en la historia del cine, fue aceptado formalmente. como miembro del grupo. Dejando España durante la Guerra Civil , Buñuel vivió en Estados Unidos y a partir de 1946 se instaló en México. En la década de 1950 trabajó en géneros comerciales, pero en el mismo período dirigió el drama radical The Forgotten , que recibió elogios de la crítica y el premio a Mejor Director en el Festival de Cine de Cannes . Luego de un largo receso, el director pudo regresar a su tierra natal para dirigir la película Viridiana . La película causó escándalo por su orientación antirreligiosa y fue prohibida en España, pero le valió al director la Palma de Oro en Cannes (1961). Desde mediados de la década de 1960, Buñuel hizo películas principalmente en Francia. Su obra posterior fue galardonada con los premios cinematográficos más prestigiosos, entre ellos el León de Oro ( La belleza de día , 1967) y el Óscar a la mejor película de habla no inglesa (El discreto encanto de la burguesía , 1973).

Buñuel es considerado uno de los fundadores y el representante más importante del surrealismo en el cine. En sus películas de diferentes años se reflejan los principales rasgos de la poética del surrealismo: la mezcla de realidad y sueño, la combinación de lo incongruente y la construcción de imágenes destinadas a escandalizar al espectador desprevenido. Adepto durante toda su vida a las opiniones comunistas y ateo , Buñuel convirtió en tema constante de sus películas la crítica de la sociedad contemporánea, la burguesía, la iglesia y las tradiciones arcaicas de España.

Biografía

Infancia y juventud

Luis Buñuel nació el 22 de febrero de 1900 en el pueblo de Calanda en la provincia de Teruel en Aragón . Louis era el mayor de siete hijos en la familia. Su padre, Leonardo Buñuel, luchó en la Guerra Hispanoamericana y luego, después de establecerse en Cuba , abrió una tienda e hizo una fortuna. En 1899, Cuba se independizó y Buñuel padre vendió su participación en el negocio y regresó a España, donde compró una finca y se casó con una chica local, María Portoles, veinticinco años menor que él [1] . Cuando Luis tenía cuatro meses, los Buñuel se mudaron a Zaragoza , pero más tarde visitaban el pueblo con frecuencia. Según las memorias del director, los campesinos del pueblo padecían pobreza y un clima riguroso, y "la Edad Media continuó [allí] hasta la Primera Guerra Mundial" [2] .

En Zaragoza, Buñuel asistió al colegio jesuita Colegio del Salvador. La estricta disciplina y la educación religiosa tuvieron un tremendo impacto en el futuro director, convirtiéndolo en un feroz oponente de la Iglesia Católica de por vida [3] . En 1917 abandonó su hogar e ingresó en la Universidad de Madrid . Estudió inicialmente agronomía , luego historia natural (su maestro fue el gran entomólogo Ignacio Bolívar [4] ), y finalmente se licenció en artes [5] . Mientras estudiaba en Madrid, Buñuel se hizo muy amigo del círculo bohemio de la Residencia de Estudiantes . Conoció a Salvador Dalí y Federico García Lorca , quienes se convirtieron en sus amigos íntimos [3] . Durante sus años de estudiante, Buñuel practicaba muchos deportes -boxeo , lanzamiento de jabalina y pulseada-  y estaba orgulloso de su excelente forma física [6] .

Louis se graduó de la universidad en 1924. Su padre había muerto el año anterior. En 1925 Buñuel llega a París [7] .

París. "Perro Andaluz" y "Edad de Oro"

En París, Luis asumió el cargo de secretario de Eugenio d'Orsa en el Instituto Internacional para la Cooperación Intelectual (una organización cultural creada bajo la Liga de las Naciones ). En 1926, Buñuel viaja a Amsterdam : gracias a su relación con el pianista Ricardo Viñes , consigue el puesto de diseñador de producción de la ópera El Pabellón del Maestro Pedro en Holanda de Manuel de Falla [8] .

En París, Buñuel, según sus propias palabras, consiguió el carné de periodista e iba al cine hasta tres veces al día. En 1926 ingresó en la escuela de cine del famoso director francés Jean Epstein . En dos de las películas de Epstein, " Mapra " y " La caída de la casa Usher ", Luis fue asistente de dirección (también trabajó para Mario Nalpa en "La sirena del trópico" con Josephine Baker en el papel principal). Buñuel y Epstein se separaron después de que este último sugiriera que su asistente trabajara con Abel Gance , quien estaba ocupado filmando a Napoleón . Buñuel respondió que no le gustaba nada el estilo de Hans, y un Epstein ofendido lo llamó idiota [9] . Al mismo tiempo, Buñuel comenzó a publicar en la madrileña "Gaceta Literaria" y la parisina "Caye d'Ar"; escribió críticas y artículos teóricos sobre cine. Junto al escritor Ramón Gómez de la Serna , escribió el guión "Caprichos", que constaba de seis cuentos, que iba a ser la primera película dirigida por Buñuel. Esta producción no se llevó a cabo, y el presupuesto de "Caprichos" se utilizó posteriormente para el rodaje de " Perro andaluz " [10] . Desde 1928, el joven director de fotografía comenzó a colaborar con el cineclub madrileño, fundado por el escritor Ernesto Jiménez Caballero (editor del Diario Literaria) y cuyos visitantes eran Gómez de la Serna, García Lorca y otros intelectuales españoles: enviaba películas allí y vino a dar conferencias [ 11 ] .

La primera película de Buñuel como director fue el cortometraje de dieciséis minutos Perro andaluz . Buñuel y Dalí trabajaron el guión en casa de este último en Figueres en enero-febrero de 1929 [12] . El director de fotografía Albert Duverger y el actor principal Pierre Bathcheff eran familiares para Buñuel por su trabajo en las películas de Epstein. Con la excepción de Bathsheff y Simone Mareuil , casi todos los papeles fueron interpretados por no profesionales [13] .

Buñuel describió el trabajo en el guión de la siguiente manera: “De mutuo acuerdo, nos adherimos a una regla simple: no insistir en lo que requería explicaciones puramente racionales, psicológicas o culturales. Abre el camino a lo irracional. Solo se aceptaba lo que nos asombraba, independientemente del significado . Según el director, tal película no estaba sujeta a ninguna interpretación, excepto psicoanalítica [15] . El perro andaluz consistió en varios episodios dispuestos en secuencia, mostrados simultáneamente como elementos de una sola narrativa , pero sin conexión entre sí. Este efecto se vio reforzado por el uso de títulos que supuestamente conectaban los episodios (por ejemplo, "Ocho años después") [16] . En el primer episodio de la película, un hombre (interpretado por Buñuel) corta el ojo de una mujer con una navaja. Esta escena es considerada una de las más impactantes en la historia del cine mundial [17] [18] . Otras escenas incluyen una mano cercenada, un agujero en la palma por el que trepan las hormigas, un hombre que persigue a una mujer, pero tiene un piano atado a él, un burro muerto y dos sacerdotes, y los cuerpos de los amantes medio enterrados en la arena [19]. ] . Al estreno de la película el 6 de junio de 1929 en el cine Studio 28 de París asistieron los artistas más famosos de la época, entre ellos Picasso , Le Corbusier y Cocteau . Dalí y Buñuel lograron una fama y un reconocimiento escandalosos entre sus colegas. Tras el estreno, fueron aceptados formalmente como miembros del grupo surrealista encabezado por el poeta André Breton [20] .

En noviembre de 1929, el filántropo francés vizconde Charles de Noaillesordenó a Dalí y Buñuel continuar con El perro andaluz. De Noailles esperaba que la nueva película tuviera la misma duración, pero el guión, con el consentimiento de De Noailles, creció gradualmente hasta convertirse en una película de una hora . Dalí ya no participó en el rodaje de la película y la cuestión de su contribución a la versión final de la película sigue siendo objeto de controversia. Buñuel afirmó haber escrito el guión solo. Gwynn Edwards concluye que Buñuel rechazó o reelaboró ​​todas las propuestas de Dalí [22] . Esta opinión prevaleció durante mucho tiempo; en 1981, Petr Kral sugirió que la influencia de Dalí era mayor de lo que se pensaba anteriormente, en particular, fue su pluma que las escenas con connotaciones sexuales incluidas en la película le pertenecen. Paul Hammond [23] está de acuerdo con Krahl . " La edad de oro " comienza con una escena documental de dos escorpiones que se pican entre sí y el mensaje de que la cola del escorpión tiene cinco segmentos y un aguijón. La película está estructurada de la misma manera: consta de seis historias, la última de las cuales, por diseño, juega el papel de un aguijón [24] [25] . En él, Buñuel parafrasea los 120 días de Sodoma del marqués de Sade representando al libertino conde de Blangy de acuerdo con la iconografía tradicional de Cristo [26] [27] . Después de varias proyecciones privadas de The Golden Age, el 28 de noviembre de 1930 comenzaron las proyecciones regulares en el cine Studio 28. El 3 de diciembre, miembros de las organizaciones derechistas " Liga de Patriotas " y "Liga Antisemita" irrumpieron en el vestíbulo del cine . Rociaron la pantalla con tinta, esparcieron bombas de humo y destruyeron la exposición de pinturas surrealistas en el vestíbulo del cine. En los días siguientes, los periódicos de derecha pidieron que se prohibiera la película. El 5 de diciembre la prefectura exigió al dueño del cine que excluyera uno de los episodios de la película, el 10 de diciembre la censura prohibió la proyección, el 12 de diciembre dos de las tres copias existentes de la película fueron confiscadas por las autoridades [ 28] [29] . Todos estos hechos transcurrieron sin la participación del propio Buñuel, ya que en noviembre de 1930 partió hacia Hollywood invitado por el estudio Metro-Goldwyn-Mayer y regresó recién el 1 de abril del año siguiente [30] . Desde un punto de vista creativo, el viaje resultó infructuoso. Mientras tanto, de Noailles recibió de vuelta las películas de The Golden Age, pero durante el resto de su vida se opuso a la proyección de la película. La próxima vez que la "Edad de Oro" se mostró públicamente fue en 1980 [31] .

En 1932 se produjo una escisión en el grupo surrealista debido a las creencias comunistas de algunos de sus miembros. Louis Aragon , miembro del Partido Comunista Francés , anunció su retirada del grupo, seguido por Buñuel, Georges Sadoul y Pierre Unick [31] . No está claro si Buñuel se unió formalmente al Partido Comunista Español . El propio director negó la afiliación, aunque fue partidario durante mucho tiempo de las ideas del comunismo [32] . Roman Gubern y Paul Hammond creen que alrededor de 1931 Buñuel se unió al partido. En particular, se refieren al hecho de que otros líderes del movimiento comunista, en conversaciones y correspondencia que han llegado a los historiadores, llamaron a Louis "camarada" - como miembro del partido [33] .

Regreso a España. Emigración

En 1932 Buñuel se traslada a España. En ese momento, la situación política del país estaba cambiando rápidamente: en 1930 finalizaba la dictadura de Primo de Rivera , y al año siguiente, el rey Alfonso XIII era expulsado . En el poder en ese momento estaba el gobierno republicano de izquierda [34] .

Después de leer un estudio de 1927 del historiador francés Maurice Legendre sobre la zona rural montañosa de Las Hurdes en el suroeste del país, que se había convertido en un símbolo del atraso y la demanda de reformas del país, Buñuel concibió la idea de hacer un documental sobre Las Hurdes. Pierre Unique se convirtió en coautor del guión, y, según Buñuel, el dinero para trabajar en la película se lo dio el anarquista Ramon Asin , quien supuestamente los ganó en la lotería. Aunque el resultado de su trabajo fue sorprendentemente diferente de los experimentos cinematográficos anteriores de Buñuel y Dalí, el director consideró su nueva película su continuación lógica, una provocación surrealista que debería abrir los ojos de la sociedad, esta vez a los problemas de la región [35 ] . La película resultante, " La tierra sin pan ", destaca minuciosamente el estado desesperado de la región: hambruna, enfermedades y malas cosechas que asolan a los residentes que no pueden mejorar su situación de ninguna manera. Al mismo tiempo, se escenificaban varias escenas de la película [36] y, además, Buñuel incluía varios ataques implícitos contra la iglesia, que, a su juicio, también es responsable de la situación de las personas [37] . Los intelectuales, con los que contaba principalmente Buñuel, recibieron la película con tibieza, y el nuevo gobierno de derecha prohibió la película; La llegada al poder de Franco hizo imposible mostrarlo en España durante muchos años [6] .

Buñuel consiguió un trabajo en París en el departamento de doblaje de Paramount Pictures . En 1934 se casa con Jeanne Roucard, con quien ya llevaba ocho años de relación, y se traslada a Madrid para un trabajo similar con una división de Warner Brothers . Diez meses después, un conocido de Luis, el productor Ricardo Urgoiti, le ofreció trabajo como productor en la productora de cine comercial Filmófono creada por Urgoiti. Durante los dos años siguientes, Buñuel participó en el estreno de dieciocho películas. En la creación de cuatro de ellos, según la opinión general de los historiadores, también participó como director: “Don Quintín, el desgraciado”, “La hija de Juan Simón” (ambos - 1935), “¿Quién me quiere?” (1936) y "¡Centinela, alerta!" (1937) [38] [39] . El nombre de Buñuel no aparece en los créditos de estas películas; el director de "Don Quintin, desgraciado" es Luis Marquina , en los creditos de las proximas dos peliculas solo aparece el nombre de Jose Luis Saenza de Heredia , y en "Centinela, alarma!" (según Buñuel, la producción más exitosa de Filmófono) es el nombre de Jean Grémillon , quien inició la película pero fue despedido durante el rodaje [40] [41] .

Durante los primeros meses tras el estallido de la Guerra Civil, Buñuel permaneció en España, pero en septiembre de 1936, por orden del Ministro de Asuntos Exteriores del gobierno republicano, partió hacia Ginebra , y luego hacia París. Allí, su principal ocupación fue la creación y catalogación de películas de propaganda en apoyo a los republicanos [38] . En 1938, el director pidió que lo enviaran a Hollywood para asesorar a los estudios estadounidenses en la preparación de películas sobre la guerra de España. Sin embargo, tras su llegada a Estados Unidos, resultó que el apoyo de los republicanos en Hollywood es mucho menor del esperado [42] . Justo antes de la llegada de Buñuel, la película anteriormente estrenada "Bloqueo" causó indignación en los círculos católicos, y se detuvo el trabajo en la película "Cargo para los inocentes" sobre la evacuación de niños en el Golfo de Vizcaya, con la que contaba Buñuel. Pronto , la Motion Picture Producers and Distributors Association prohibió la producción de nuevas películas sobre la Guerra Civil [43] . Tras la victoria de Franco y el estallido de la Segunda Guerra Mundial, Buñuel permaneció en Estados Unidos.

Buñuel pretendía conseguir trabajo en uno de los estudios de Hollywood y mejorar en los aspectos técnicos de la realización cinematográfica, pero no consiguió trabajo por ningún lado. Finalmente consiguió un trabajo en el Museo de Arte Moderno de Nueva York . En nombre de la Oficina de Asuntos Interamericanos dirigida por Nelson Rockefeller , Buñuel participó en la selección y edición de películas antinazis para su distribución en América Latina. Durante una entrevista para un trabajo en Ophis, le preguntaron a Buñuel si era comunista. “Soy republicano”, respondió el director, y supuestamente esta respuesta satisfizo al entrevistador, quien pensó que estábamos hablando del Partido Republicano [44] . En 1942, Buñuel solicitó la ciudadanía estadounidense (temía que el Museo de Arte Moderno pasara a ser administrado por el gobierno federal y, de lo contrario, no podría trabajar allí) [45] . Sin embargo, en junio de 1943 tuvo que renunciar al museo. Según la versión difundida, a la que se adhirió el propio director, el motivo principal del despido fue la publicación en 1942 del libro de memorias de Dalí "La vida secreta de Salvador Dalí", en el que el artista, que en ese momento también vivía en Nueva York, calificó a Luis de ateo y marxista, lo que inmediatamente puso en tela de juicio su credibilidad ante las autoridades estadounidenses [46] . En sus memorias, Buñuel escribió sobre Dalí que no podía "perdonarle, a pesar de los recuerdos de su juventud y mi admiración de hoy por algunas de sus obras, su egocentrismo y alarde de sí mismo, su cínico apoyo a los franquistas y, en particular, su franco desprecio por el sentimiento de amistad" [47] . El último puesto que Buñuel pudo conseguir brevemente en Estados Unidos fue en el departamento de doblaje de Warner Brothers. En 1946, por falta de trabajo, decidió partir hacia Europa. La productora Denise Tual (ex esposa de Pierre Bathsheff) le sugirió que filmara la obra de teatro de García Lorca La casa de Bernarda Alba . Buñuel viajó a París, pero en Ciudad de México , donde hizo escala, se enteró de que los productores no habían logrado adquirir los derechos cinematográficos. Decidió quedarse en México, que vivía el auge de la industria cinematográfica y, tras la victoria de Franco en la guerra civil, recibió a muchos de sus opositores [46] .

México

En la Ciudad de México, Buñuel conoció al productor local Oscar Dansigers. La primera colaboración entre director y productor fue el musical Big Casino (1947), ambientado en Tampico durante el auge petrolero [48] . Los papeles principales fueron interpretados por actores y cantantes famosos, cuyas carreras, sin embargo, ya estaban en declive: Libertad Lamarque , Jorge Negrete y Fernando Soler [49] . The Big Casino fracasó en la taquilla y fue aplastado por la crítica [50] . Durante los siguientes dos años y medio, Buñuel no hizo películas, sino que viajó por el país, cuya pobreza lo marcó fuertemente [51] . Uno de los artículos periodísticos leídos por Buñuel, que hablaba del cadáver de un niño encontrado en un basurero, se convirtió en el punto de partida del guión de la película " Olvidados " [52] . Sin embargo, Dunsigers insistió en que Luis hiciera una comedia ligera de antemano, prometiendo más libertad creativa en su próxima película si la comedia da sus frutos . [53] [54] En 1949, Buñuel estrenó la comedia Big Reveler , una película de género tradicional sobre un hombre rico (interpretado por Soler) y su familia, quienes alternativamente se inspiran mutuamente que toda su fortuna se pierde, para reconciliarse solemnemente al final [51] . "Big Reveler" tuvo un éxito moderado [55] . En el mismo año, Buñuel cambió su ciudadanía a mexicana para poder trabajar en el país sin restricciones [56] .

Durante 18 años (de 1947 a 1965) Buñuel realizó 21 películas en México [57] . Adaptándose a las costumbres de la industria cinematográfica mexicana, donde el período normal de rodaje de una película era de dos semanas, aprendió a producir películas con un cronograma ajustado . Los años de Buñuel en México generalmente se evalúan como un período en gran parte lleno de hacks (películas de género, en su mayoría melodramas y comedias adaptadas a las convenciones cinematográficas locales) entre las cuales el director produjo algunas de sus mejores películas . [20] [57] , aunque hay también un punto de vista de que incluso las películas de género pasajeras del período mexicano deben ser consideradas como parte orgánica de la carrera de Buñuel, ya que el director toca en ellas los mismos temas y tramas que en sus obras de programa [58] [ 59] . Las películas más importantes de Buñuel del período mexicano fueron coescritas por el guionista Luis Alcoriza y el director de fotografía Gabriel Figueroa .

Los olvidados es la historia de una pandilla de niños sin hogar en la Ciudad de México que comercian con robos y otros delitos. Buñuel se apartó de la tradición mexicana de romantizar la pobreza y retrató a sus personajes como "depredadores natos que no son mejores que sus víctimas" [51] . En una de las escenas, los niños sin hogar atacan a un ciego que los rechaza con un bastón y un clavo, en otra se burlan de un lisiado sin piernas [61] . Estilísticamente, la película se acerca al neorrealismo italiano , con el que se relaciona con el rodaje en condiciones naturales y con un enunciado social claramente legible [62] . Sin embargo, Buñuel enriqueció este lenguaje añadiendo una escena onírica surrealista del protagonista, que puede ser interpretada por el espectador como una expresión de los pensamientos y actitudes no dichos de los personajes [63] . El público y la crítica en México recibieron la película con indignación, creyendo que denigra al país. Incluso Dansiger temía que la película pudiera poner en peligro el bienestar de su compañía cinematográfica [64] La situación cambió luego de la participación de Los olvidados en la competencia del Festival de Cine de Cannes de 1951 , donde Buñuel recibió un premio al mejor director (en Cannes , Buñuel fue apoyado por un poeta mexicano, el futuro Premio Nobel de Literatura Octavio Paz , quien habló mucho en defensa de la película [65] ). Después de eso, comenzó en México una reedición mucho más exitosa de Los olvidados [64] .

En la primera mitad de la década de 1950, Buñuel trabajó intensamente, estrenando dos o tres películas al año: " Susana " e " Hija del engaño " (1951), " Escalera al cielo " y " Una mujer sin amor " (1952), " La bestia " y " Él " (1953), " La ilusión monta el tranvía ", " Cumbres borrascosas " y " Robinson Crusoe " (1954), " Intento de crimen " y " El río y la muerte " (1955). El propio director consideró sólo "Escalera al cielo", "Él", "Robinson Crusoe" y "Intento de crimen" dignos de atención [59] . La acción de "La Bestia" se desarrolla nuevamente en los barrios marginales, pero esta vez los héroes de Buñuel son trabajadores, a quienes el director dotó de una desarrollada conciencia de clase. "Él" es un drama sobre un aristócrata que se ve superado por los celos y la paranoia y poco a poco se está volviendo loco . Aunque "Él" recibió posteriormente elogios de la crítica, al estrenarse fracasó en taquilla y prensa, y el propio director expresó su descontento por el hecho de que tenía que terminar la película a toda prisa, y sus sugerencias de mejora fueron rechazadas [67]. ] . Robinson Crusoe, una adaptación de la novela del mismo nombre de Daniel Defoe , fue la primera película mexicana de Buñuel en tener un buen desempeño internacional, una de sus dos películas en inglés y la primera en ser filmada en color . El Dan O'Herlihy de Robinson fue nominado al Oscar al mejor actor [68] [69] . Buñuel agregó al guión varias escenas con alucinaciones y deseo sexual despertado, lo que fortaleció la imagen de Robinson [69] [70] . También trajo su valoración moral: según Buñuel, Robinson llega a la isla con todos los prejuicios coloniales. Con el tiempo, los supera y comienza a tratar a Friday como un igual, pero después del rescate, probablemente volverá a sus puntos de vista anteriores [71] [72] .

Tres películas de la segunda mitad de los años 50, " Se llama amanecer ", " La muerte en este jardín " (ambas de 1956) y " El ambiente se calienta en El Pao " (1959), todas rodadas con la participación de Francia, crítico Raymond Durgnat llama "tríptico revolucionario": las tramas de estas películas están unidas de alguna manera por el tema del levantamiento popular contra la dictadura de derecha. Esto podría verse como una indicación de varios países latinoamericanos a la vez y de España, que todavía estaba encabezada por Franco [73] . "El ambiente se calienta en El Pao" también es conocida como la última película del actor francés Gerard Philippe , quien la protagonizó, ya enfermo terminal de cáncer (su compañera de pantalla fue la estrella de cine mexicana María Félix ) [74] . A principios de 1959 se estrenó otra película, Nazarín , una adaptación de la novela del clásico de la literatura española Benito Pérez Galdós . Si en Pérez Galdós la historia de un sacerdote errante mendicante, asimilado a Cristo, inspira esperanza de retribución por el sufrimiento que soporta el piadoso héroe, entonces Buñuel replantea la trama de acuerdo con sus puntos de vista ateo: el destino de Nazarín prueba la futilidad de la fe. [75] [76] . Para entender la intención del autor, es importante la última escena de la película, en la que una campesina sirve fruta a Nazarín, acompañada de una escolta. Nazarín está horrorizado: es consciente del cambio de roles que se ha producido - ahora ya no da ayuda y consuelo a otras personas, sino que él mismo las recibe como un sufridor común [77] [78] . "Nazarene" ingresó a la competencia en el Festival de Cine de Cannes de 1959 y ganó el Premio Internacional. Paradójicamente, la película casi gana el premio de la Organización Católica de Cine. Contrariamente a la intención del autor, "Nazareno" es percibido por muchos críticos y espectadores ordinarios como una imagen que afirma la fe cristiana [79] . Al año siguiente, Buñuel, basándose en un guión de Hugo Butler , con quien ya había trabajado en Robinson Crusoe, dirige su segunda película en lengua inglesa, The Girl , que narra la falsa acusación de un músico negro de violar a una chica blanca. (fue filmada en México, pero con la participación de productores estadounidenses y con actores estadounidenses). The Girl pasó casi desapercibida para la prensa americana, y las pocas críticas fueron negativas [80] .

" Viridiana ", según los relatos de Buñuel, nació de varias imágenes que le vinieron a la mente: una novicia ebria e indefensa en manos de un anciano; los mendigos que se refugian en su casa; una fiesta de mendigos, que de pronto revela un parecido con La última cena de Leonardo da Vinci [81] . En 1960, Buñuel conoció en Cannes al joven director Carlos Saura , quien lo convenció de realizar su siguiente película en su país natal, donde Buñuel no había estado durante casi un cuarto de siglo. Por entonces, el único público español familiarizado con las películas de Buñuel era Robinson Crusoe, e incluso éste llegaba a las salas con diálogos reescritos [82] . Buñuel viajó a España por unas semanas (necesitaba una visa para hacerlo) y allí le presentaron al empresario mexicano Gustavo Alatrista , quien expresó su deseo de convertirse en productor. Su esposa Silvia Pinal consiguió el papel principal en Viridiana. Luis comenzó a trabajar en el guión a bordo de un barco con destino a México y lo completó con Julio Alejandro , ya familiar para él de Nazareno. Buñuel volvió a Madrid para el rodaje, que finalizó a principios de 1961 [83] . Para estrenar la película en España y nominarla a la competición de Cannes, Buñuel tuvo que conseguir el visto bueno de la censura. Según Gwynn Edwards, el director mostró a los censores una versión sin voz de la película (el doblaje se realizó más tarde en París) y no hizo ninguna edición, y los censores señalaron varias escenas como inapropiadas, incluida la representación del suicidio de Jaime y intento de violación . Buñuel dijo que la escena final con el juego de cartas apareció como su reacción a los comentarios de los censores, que exigían cambiar la primera versión del final, más tosca y sencilla [81] . En el Festival de Cine de Cannes de 1961, Viridiana recibió el premio principal, la Palma de Oro , junto con la película francesa " So Long an Absence ". La adjudicación de la película con escenas escandalosas y claramente blasfemas causó indignación entre la Iglesia Católica Romana y las autoridades españolas. Fue tildado de blasfemo por el periódico oficial del Vaticano L'Osservatore Romano , en Italia, España y Bélgica se prohibió su exhibición (la prohibición en España se levantó en 1977, tras la muerte de Franco) [84] .

Gwynne Edwards llama a "Viridiana" la versión femenina de "Nazarene": el tema principal de ambas películas es similar, sus héroes van al mundo para hacer el bien, pero el mundo resulta desagradecido, lo que los propios héroes se ven obligados a admitir. al final [76] . El personaje del título, debido a una trágica serie de circunstancias, no se hizo monja, como pretendía, y se quedó a vivir en la casa de su difunto tío, de cuya muerte se considera responsable [85] . Al darse cuenta de los ideales del servicio cristiano, convirtió su casa en un refugio para los mendigos de los alrededores, pero solo organizaron una orgía (su famoso clímax es fotografiar a los mendigos en la mesa, parodiando la Última Cena), y uno de ellos intentó violar a Viridian. . La niña es rescatada por Jorge, el dueño de la casa e hijo ilegítimo del tío. La escena final de la película insinúa que Viridiana entrará en un ménage à trois con Jorge y su sirvienta, rechazando por completo la mentalidad que la llevó a ingresar al convento [81] [86] . Al mismo tiempo, críticos como Roger Ebert y Mikhail Trofimenkov consideran a Viridiana principalmente como una declaración fundamental sobre la dualidad de la naturaleza humana, que elude una interpretación inequívoca [87] [88] .

Tras el escándalo de Viridiana, Buñuel regresó a México, pero su nueva película fue nuevamente producida por Alatriste, y Pinal ingresó al elenco coral. Alatriste le dio a Buñuel la libertad creativa que lamentaba haberle faltado desde Los olvidados; tuvo la oportunidad largamente esperada de "añadir a la secuencia de eventos más realista algo insano, completamente ridículo" [89] . Así nació "El ángel exterminador " (1962), construida en torno a un supuesto sobrenatural: los asistentes a la cena se ven incapaces de salir de la habitación por alguna razón desconocida. Según la intención del director, encontrándose en un ambiente inusual que destruye todas las ideas sobre el mundo, el profano demuestra una impotencia cómica: intenta llevar su forma de vida anterior y rápidamente se degrada tan pronto como pierde esta oportunidad [90] . En el mismo año, Buñuel presentó un guión llamado "Secuestro" a la censura española, que fue rechazado. Buñuel recibió dinero de los productores para una película basada en la novela Tristán de Pérez Galdós y en diciembre de 1962 terminó el guión. Sin embargo, los censores también rechazaron este proyecto con el pretexto de que la película debía tener un episodio con un duelo [91] .

Francia. Reconocimiento internacional

En 1963, el actor Fernando Rey , que interpretó uno de los papeles principales en Viridiana, presentó a Buñuel al productor francés Serge Zilberman . Zilberman le sugirió a Luis que filmara Diario de una doncella de Octave Mirbeau . El director quería rodar la película en México y con Pinal en el papel principal, pero ante la insistencia de Zilberman, el rodaje se llevó a cabo en Francia, y se llevó a la actriz francesa Jeanne Moreau para hacer el papel de la sirvienta . Para trabajar en el guión, Zilberman invitó a Jean-Claude Carrier , que casi no tenía esa experiencia , a trabajar en el guión . " Diario de una criada " dio pie a una nueva etapa fructífera en la vida de Buñuel, quien hasta 1977, junto a Carrière y Silberman, realizó cinco películas más en Francia [92] [93] .

A principios de 1964, Alatriste hizo arreglos para que el guionista estadounidense Dalton Trumbo visitara a Buñuel : su novela contra la guerra de 1939 Johnny consiguió su arma, sobre un soldado que perdió sus extremidades y sentidos, pero conservó su pensamiento y memoria, despertó un gran interés en Luis. Trumbo, que antes no veía la oportunidad de transmitir adecuadamente el texto a través del cine, se negó a vender los derechos de la adaptación cinematográfica a todo el mundo, pero finalmente encontró en Buñuel a una persona que podía hacerlo. En la Ciudad de México, Buñuel y Trumbo trabajaron juntos en un guión y bebieron mucho. Trumbo completó el guión en Estados Unidos en 1965 [94] y acabó dirigiendo él mismo la película unos años más tarde. Según Trumbo, Louis usó su influencia para que "Johnny Got a Gun" entrara en la competencia principal del Festival de Cine de Cannes de 1971 [95] (ganó el Gran Premio y el Premio FIPRESCI ).

En México, Buñuel dirigió solo una película más: Simeón el ermitaño (1965), una variación de la historia de un santo cristiano primitivo , interpretado por Claudio Brook . Esta es la última de sus pinturas, creada con la participación de Pinal y Alatriste. El motivo central de la película es la tentación de Simeón por el diablo, que aparece como una joven encantadora (Pinal). Al final de la película, el diablo derrota simbólicamente a Simeón, mostrándole la Nueva York moderna , donde en lugar de un pilar como símbolo del ascetismo hay rascacielos, y en una discoteca los jóvenes se retuercen en un baile lúgubre [96] . Buñuel tenía la intención de hacer un largometraje, pero los problemas de financiación le obligaron a limitarse a cuarenta y dos minutos . Pinal explicó la corta duración de la película al verla como parte de un tríptico como " Ayer, hoy, mañana ", pero Buñuel, con diversos pretextos, evitó seguir filmando [98] . "Simeón el ermitaño" participó en la competición del Festival de Cine de Venecia de 1965 y recibió un premio especial del jurado [99] .

En 1966, los productores franco-egipcios, los hermanos Hakim, que a menudo encargaban películas con relleno erótico a los directores de primera fila, se acercaron a Buñuel con una propuesta para filmar la novela La belleza de día de Joseph Kessel [100] . El papel de Severin, la joven esposa de un rico burgués, que sueña con juegos sexuales sadomasoquistas y va a trabajar en secreto a un burdel de su marido, fue interpretado por Catherine Deneuve . Las razones por las que una actriz entonces conocida por musicales románticos fue elegida para el papel no se conocen con certeza; el biógrafo del director, John Baxter, sugirió que los productores se lo habían impuesto a Buñuel [101] . David Denby escribe que es Deneuve, quien, con su piel pálida y sus trajes de Saint Laurent , parece una muñeca, completamente fuera de sintonía con el ambiente del burdel, lo que hace que la película sea tan memorable [102] . La propia actriz se pronunció después con ambigüedad sobre esta experiencia: reconociendo que la película fue importante para su carrera, recuerda que tuvo que estar desnuda más de lo que esperaba: “Por momentos sentí que me estaban utilizando” [103] . En La belleza del día, Buñuel mezcla más a menudo que en la mayoría de sus otras películas el sueño y la realidad, lo que se debe a la "doble vida" del personaje principal, que está constantemente cautivado por las fantasías. Durante mucho tiempo, los sueños y la realidad están claramente separados (los sueños se filman de manera diferente, y cada uno de esos episodios está precedido por el sonido de la campana de la tripulación), pero en la escena final, que admite varias interpretaciones, el espectador ya no puede determinar ya sea que los eventos tengan lugar en la realidad o en sueños, y la tripulación de los sueños Severin pasa justo debajo de la ventana [102] [104] . Por esta película, Buñuel recibió el " León de Oro " en el Festival de Cine de Venecia .

El éxito de La belleza del día permitió a Buñuel realizar su siguiente película sobre un tema que le interesaba. Advirtió a Zilberman de antemano que probablemente perderían dinero (en realidad, el productor se quedó con una pequeña ganancia) [105] . "La Vía Láctea " (1969) trata sobre dos peregrinos en su camino a Santiago de Compostela . Los encuentros que tienen lugar en su camino permiten a Buñuel ridiculizar los postulados del cristianismo y especular sobre la naturaleza de las herejías [105] [106] . "Vía Láctea" fue prohibida en Italia, y el Vaticano defendió la película que, al final, podría empujar a los espectadores a pensar en la religión [97] .

En diciembre de 1968, Buñuel pudo regresar a España. Sus planes incluían una adaptación cinematográfica de The Monk de Matthew Gregory Lewis con Jeanne Moreau, Omar Sharif y Peter O'Toole [107] (este guión Buñuel se lo entregó posteriormente al crítico de cine y director Adonis Cyrus , quien dirigió la película Monk [108] ) . Sin embargo, los productores ofrecieron financiación para la adaptación cinematográfica de la Tristana de Pérez Galdós, que había sido archivada en 1963. Tras algunas dudas, Buñuel accedió y, junto con Alejandro, escribió el guión por cuarta vez [109] . Sobre la fuente literaria, dijo: "Tristana es el peor libro de Galdós, pero me da la oportunidad de contar algunos rasgos de la vida y tradiciones de España" [97] . Para conseguir el beneplácito de los censores, Buñuel contó con el apoyo del ministro de Información de España, Manuel Fraga Iribarne , que tenía fama de liberal [109] . Dos de los tres actores principales fueron elegidos por los productores, Catherine Deneuve y Franco Nero [110] ; el tercero fue Fernando Rey, que ya había protagonizado Viridiana de Buñuel y luego protagonizó dos películas más del director. Sin embargo, Deneuve dijo que esta vez trabajó más cómodamente que cuando filmaba La belleza del día. Llamó a "Tristana" una de sus películas favoritas [111] . Un rasgo distintivo de " Tristana " era el efecto de alienación [112] : una manera deliberadamente fría e impasible en la que la vida de la heroína se muestra en el contenido del déspota don Lope, obsesionado con la manía posesiva, un intento de huir con su amante, el regreso, la invalidez y, finalmente, la transformación de la propia heroína en cruel manipuladora [113] .

Buñuel ha dicho que Tristán será su última película porque siente que empieza a ser repetitivo. Una vez, Zilberman le contó cómo se olvidó de que iba a dar la cena y, para su sorpresa, se encontró con seis amigos hambrientos en el umbral. Esta historia fue el impulso para un nuevo guión, que Buñuel y Carrière escribieron en el verano de 1971. En la primavera de 1972, Zilberman encontró dinero para filmar [114] [115] . "El discreto encanto de la burguesía " resuena temáticamente con "El ángel exterminador ": una vez más, el curso normal de la vida de un grupo de personas de la alta sociedad (objeto constante de la sátira del director) se ve perturbado por una serie de inexplicables, absurdos eventos. Según la historia, seis amigos ricos intentan cenar juntos, pero cada vez se interpone algún obstáculo en su camino. Buñuel vuelve a alternar entre los sueños y la realidad, y el deseo de finalmente reunirse para cenar se convierte en una pesadilla obsesiva [116] . Por consejo de Zilberman, Buñuel trabajó con un monitor de visualización, lo que le permitió diversificar su técnica de disparo utilizando una grúa de cámara y una cámara en movimiento además de los habituales primeros planos estáticos [115] . "El discreto encanto de la burguesía" fue un éxito de taquilla [117] . Zilberman decidió no esperar hasta el próximo Festival de Cine de Cannes con el estreno de la película y estrenó la película en el otoño de 1972 para que pudiera ser nominada desde Francia al Oscar a la Mejor Película en Lengua Extranjera . A finales de año, el director y productor visitó Estados Unidos para hacer campaña a favor de la película. Buñuel se mostró indiferente ante la nominación en público, le dijo al reportero que pagó veinticinco mil dólares por su victoria, y no asistió a la ceremonia (solo Zilberman salió a recibir el premio) [118] .

La siguiente película, El fantasma de la libertad (1974), fue uno de esos proyectos buñuelianos realizados principalmente para el placer del director y sin ambiciones comerciales. El director construyó la película como una cadena de historias, no conectadas entre sí por la trama, sino que fluyen entre sí gracias a la habilidad del operador y del editor [119] . Buñuel filmó El discreto encanto de la burguesía y El fantasma de la libertad ya completamente sordo [120] (sus problemas de audición comenzaron en la década de 1950 [121] ).

El último trabajo del director fue la adaptación cinematográfica de la novela de Pierre Louis "La mujer y la bailarina", llamada " Este vago objeto de deseo ". El papel de un anciano que se siente atraído por una joven belleza que lo elude constantemente fue nuevamente interpretado por Fernando Rey; esta fue su cuarta aparición en el papel principal con Buñuel. El papel principal femenino de Conchita se le dio a Maria Schneider , pero usó drogas durante el rodaje y finalmente fue despedida [122] . Buñuel y Carrière reemplazaron a Schneider con dos actrices, Carole Bouquet y Angela Molina , un movimiento diseñado para jugar con la mezcla de inocencia y sensualidad que define a  Conchita . La película recibió nominaciones al Oscar a Mejor Película en Lengua Extranjera y Mejor Guión Adaptado , pero perdió en ambas.

Después de Este vago objeto de deseo, Buñuel y Carrier comenzaron a trabajar en un nuevo guión, pero luego el director enfermó y decidió retirarse por completo. En 1982 se publicó un libro de memorias de Buñuel titulado "Mi último aliento", en coautoría con Carrière. El iniciador fue Carrière, que ya había escrito un artículo para Buñuel sobre sus años de infancia. Carrière viajó tres veces a México para sesiones de entrevistas, que luego escribió y editó con el director [124] .

El 29 de julio de 1983, Buñuel murió en el Hospital American-British Cowdray de la Ciudad de México de cirrosis hepática [125] . La despedida se llevó a cabo en el círculo de familiares y amigos del director sin ritos religiosos. El cuerpo de Buñuel fue incinerado, la urna con las cenizas quedó con la viuda, quien hasta el final de su vida se negó a contar el destino de los restos. Se desconoce la ubicación exacta de las cenizas de Buñuel; según algunos informes, la urna fue entregada al hijo menor del director, Rafael, o al amigo íntimo de Buñuel, el sacerdote Julián Pablo Fernández [126] .

Vida personal

La vida sexual de Buñuel fue llamativamente diferente de la libertad que acompañó a la mayoría de los miembros del grupo surrealista que predicaba las relaciones libres [127] . Su educación jesuita lo traumatizó y le inculcó una actitud hacia las relaciones sexuales como un pecado , al que inevitablemente debe seguir la culpa [128] . En sus memorias, se puede encontrar repetidamente una historia sobre cómo rechazó la intimidad con una mujer cuando tuvo esa oportunidad; al mencionar uno de estos episodios, el director se autodenominaba "paralizado de emoción" [129] .

En 1934 Buñuel se casó con una francesa, Jeanne Roucard, hija de un empleado. Cuando se casaron, se conocían desde hacía ocho años [130] . En el mismo año nació en París su hijo Juan Luis , quien más tarde se convertiría en director. En 1940 nació en Nueva York el segundo hijo Rafael, quien se convirtió en escultor y director.

Después de la muerte de su esposo, Zhanna Rukar publicó un libro de memorias sobre su vida juntos [130] . En él, caracteriza a Louis como un poseedor celoso supremamente tiránico y paranoico que la obligó a dejar de dar lecciones de piano, temiendo que Jeanne se quedara sola con extraños [131] . Buñuel impuso a su esposa la forma tradicional de vida doméstica y la interrumpía a menudo si intentaba unirse a la conversación de los hombres [132] . Tenía el control total del presupuesto familiar, administraba todos los asuntos y tomaba solo las decisiones relacionadas con la casa y la familia. Un día accedió a regalar el piano favorito de su mujer a la hija de un amigo por tres botellas de champán; la niña pidió el piano después de copiosas libaciones y como en broma, y ​​Jeanne se sorprendió aún más cuando al día siguiente Buñuel le entregó el instrumento musical [133] . El marido celoso y dominante aparece a menudo en las películas de Buñuel, de las cuales "Él" y "Tristana" son los ejemplos más llamativos. Gwynn Edwards relata el relato de Buñuel sobre cierto oficial de la Ciudad de México cuyos celos alcanzaron proporciones paranoicas; este oficial, según el director, era el prototipo de Francisco de la película "Él". Desde el punto de vista del biógrafo, este es el ejemplo más claro de la defensa psicológica característica de Buñuel, expresada en la transferencia de sus defectos a alguien externo [134] . John Baxter cita otra declaración del director, quien reconoce rasgos autobiográficos en el protagonista [67] .

En la vida cotidiana, el director mantuvo el rigor y la modestia, propios de muchos años de crítica a la burguesía. Se levantaba a las cinco de la mañana y se acostaba a las nueve, los muebles de la casa eran enfáticamente sencillos, y en lugar de una cama, Buñuel solía dormir sobre tablones de madera bajo una manta áspera. Le gustaba el alcohol, pero prefería beber en bares sencillos. En su vejez, tras el éxito de "La belleza del día", Buñuel se convirtió en un hombre rico, pero esto no afectó el pudor en la vida cotidiana [135] .

Temas y motivos

Surrealismo

Jean-Claude Carrière contó que Buñuel entendió el surrealismo como una forma de cambiar el mundo, cuyos defectos fueron resaltados por la Primera Guerra Mundial , como un movimiento principalmente social, no estético. Buñuel consideró una traición a los ideales de los surrealistas y la razón del colapso del grupo que Dalí y Breton ya no compartieran sus puntos de vista revolucionarios [136] . El propio director describió lo que le atrajo de los surrealistas de la siguiente manera [137] :

Lo que más me fascinó de las reuniones en Cyrano fue la importancia del aspecto moral en nuestras discusiones. Por primera vez en mi vida, estaba lidiando con una moral sólida y bien construida, en la que no veía fallas. Naturalmente, esta moral agresiva y previsora ​​de los surrealistas entraba a menudo en conflicto con la moral ordinaria, que nos parecía repugnante. Rechazamos indiscriminadamente todos los valores establecidos. Nuestra moral se basaba en otros criterios, glorificaba las pasiones, las patrañas, los insultos, el humor negro. Pero dentro de los límites de un nuevo campo de acción, cuyos límites se difuminaban cada día más, nuestras acciones, reflejos y convicciones nos parecían completamente justificadas. No había sombra de duda. Todo estaba conectado. Nuestra moral se hizo más exigente, más peligrosa, pero también más sólida y orgánica, más lógica que cualquier otra moral.

En una entrevista, caracterizó la moralidad a la que se opone como una moralidad derivada de la injusticia de las instituciones sociales como la patria, la familia y la iglesia [137] .

Los surrealistas creían que la transformación de la sociedad era posible a través de la influencia del arte en los individuos y el despertar de su subconsciente [138] . Inna Terteryan escribe sobre el reflejo en las películas de Buñuel de uno de los métodos de la poética surrealista: la combinación de lo incompatible, que tiene como objetivo romper la percepción ordinaria de la realidad del espectador, causándole una sensación de incomodidad. Ella ilustra esta afirmación con una escena en la que Viridiana guarda espinas y cadenas por la humildad de la carne en una maleta moderna de moda [139] .

Las películas de Buñuel se distinguen por la aparición de las mismas imágenes, por ejemplo, insectos (el interés por ellos se remonta a la pasión del estudiante por la entomología y ya se refleja en los famosos fotogramas con hormigas arrastrándose por la palma de la mano del perro andaluz), lesiones físicas , mendigos. R. Durgnat señala que tal imagen puede ser inapropiada y sin sentido en una película, y en la siguiente es bastante consistente con la lógica de lo que está sucediendo, pero al mismo tiempo ya se referirá al contexto que acompañó a su anterior apariencia [140] . Algunas escenas de las películas del director, según él, son generadas por sus asociaciones personales o recuerdos de infancia y son incomprensibles sin entender esto. Así, el hijo de Buñuel explicó una vez las réplicas de los héroes del "Ángel Destructor", que veían un águila en vuelo o un riachuelo tormentoso mientras visitaban una letrina improvisada, por el hecho de que en un pueblo de montaña, los vecinos colocaron retretes en un acantilado alto sobre el río [140] .

Los críticos a menudo llamaban violenta a la cinematografía de Buñuel [141] . I. Rubanova en el artículo " Gran enciclopedia rusa " caracteriza la poética de "Los olvidados" y "Nazarín" como "realismo cruel" [142] . Dudley Andrew , reflexionando sobre la conexión de "La tierra sin pan" con la obra de los surrealistas, escribe: "Si hay alguna justificación para la crueldad que demuestra Buñuel en la forma desafiante en que se muestra a los pobres de Las Hurdes, la los orígenes deben buscarse en la necesidad <...> de obligarnos a estremecernos" [143] . André Bazin , en su artículo sobre Los olvidados, justifica también la rigidez de la mirada del director por la necesidad de "obligar" al espectador al amor y la admiración [144] . Andrei Tarkovsky , quien apreciaba mucho a Nazarin, escribió sobre escenas que impactan al espectador como un reflejo de la "verdad de la vida" y, al mismo tiempo, como una decisión artística justificada: la alternancia de episodios lentos y tranquilos con tales escenas ayuda a mantener constantemente la tensión necesaria en la pantalla [145] . Durgnat llega a la conclusión de que la presentación concisa y expresiva de Buñuel de las escenas más crueles y la convicción de Buñuel de que forman parte de la existencia cotidiana realmente impactan al espectador, pero sobre todo por el hecho de que el espectador descubre la fuerza en sí mismo para soportarlas [ 146] .

Crítica social

A lo largo de su vida, Buñuel se adhirió a las opiniones comunistas [147] . En uno de sus comentarios posteriores, Buñuel comentó: “Mis ideas no han cambiado desde que tenía veinte años. En general, estoy de acuerdo con Engels : el artista describe relaciones sociales genuinas para destruir las ideas generalmente aceptadas sobre estas relaciones, socavar el optimismo burgués y hacer que los espectadores cuestionen los dogmas del orden existente. El contenido principal de mis películas es este: repetir, una y otra vez, si alguien olvida o piensa lo contrario, que no vivimos en el mejor mundo posible .

La crítica social en las películas de Buñuel es una continuación lógica de las ideas del dadaísmo , que surgió como reacción a la Primera Guerra Mundial , que, según muchos, trazó un límite bajo el orden mundial moderno y expuso su injusticia. El dadaísmo influyó en el surrealismo, Bretón y Aragón conocían a su ideólogo Tristan Tzara [148] . El propio Buñuel provenía de una familia adinerada y describió el día típico de su padre como consistente en comer, relajarse, fumar puros y jugar a las cartas en un club; en cuanto salió de casa para asistir a la Universidad de Madrid, aunque recibió dinero de su madre durante un tiempo, trató de distanciarse de la forma de vida de su familia [149] . Aunque el propio director fijó el comienzo de sus aficiones políticas en 1927-1928, después de mudarse a París, sus puntos de vista izquierdistas probablemente comenzaron a formarse incluso antes. De una forma u otra, sus primeras películas, El perro andaluz y La edad de oro, eran ya una clara declaración social, una llamada a un cambio en el orden social [5] . El director explica directamente la ruptura con el grupo surrealista en 1932 por el hecho de que se habían vuelto demasiado burgueses y habían adquirido esnobismo y simpatía por la aristocracia [150] .

Uno de los temas que atraviesan las películas de Buñuel es la crítica a la forma de vida burguesa, que para él adquiere el carácter de un ritual: la repetición diaria de acciones sin sentido [151] . Como señala Edwards, las ricas casas burguesas en las películas del director siguen siendo las mismas en Italia, Francia y América del Sur, y sus personajes de las películas de los años 30 no difieren mucho de los de las décadas de 1960 y 1970 [152] . Los héroes de Buñuel se revelan a menudo a través de su forma de vida: casas, interiores, muebles, platos, ropa [153] . Lujosas mansiones se convirtieron en escenario principal o único de, por ejemplo, La edad de oro, El ángel exterminador, El diario de la criada y El discreto encanto de la burguesía . Las principales propiedades del burgués, según Buñuel, son la inmoralidad, el materialismo y la ausencia de sentimiento de culpa [60] . En muchas películas, esta es la "Edad de oro", y "El diario de una doncella", y "La belleza del día" y "Tristana", un sello distintivo de la burguesía, su comportamiento sexual inmoral, que entra en conflicto con el hipócritamente estilo de vida público respetable al que se adhiere [154] . En algunos cuadros, Buñuel expone a sus héroes de las capas altas como fetichistas que se sienten atraídos por las piernas o prendas de vestir de las mujeres ("Él", "Diario de una doncella", "Viridiana") [155] . Al mismo tiempo, la burguesía es muy tenaz y está lejos de ser cosa del pasado, como lo demuestra el final de El ángel exterminador y la persistencia mostrada por los héroes de El discreto encanto de la burguesía: en las películas de Buñuel no hay optimismo histórico y sin creer que lo que ridiculizaba a la burguesía desaparecerá algún día, sólo critica el orden de cosas establecido [156] .

Críticas a la religión y al anticlericalismo

Buñuel se crió en una familia tradicional y asistió a un colegio jesuita en su juventud. Se desilusionó radicalmente de la religión a los dieciséis años [157] y cimentó su rechazo durante sus años en la Residencia de Estudiantes y en el grupo Surrealista [158] . Más tarde, declaró regularmente opiniones ateas y se convirtió en un destacado crítico público de la iglesia y la religión. La cita irónica del director: "Gracias a Dios sigo siendo ateo" es ampliamente conocida, demostrando su interés por la religión y su rechazo al mismo tiempo [159] [160] . Orson Welles hizo una paradójica caracterización de Buñuel : “Es un cristiano profundamente creyente, que odia a Dios, como sólo puede hacerlo un cristiano, y, por supuesto, es un auténtico español. Lo considero el director más fiel de la historia del cine . El biógrafo del director, John Baxter, cree que en su persona la iglesia ha perdido a un creyente devoto, cuya vida ascética en la vida cotidiana en muchos aspectos correspondía plenamente a las normas de la vida de un monje [162] .

La crítica y la burla a la Iglesia católica y al cristianismo en las películas de Buñuel adoptan una gran variedad de formas. Según Edwards, el director planteó temas de religión con tanta frecuencia porque afectan el tema de su verdadero interés: el comportamiento de las personas [163] : Buñuel creía que el hombre es fundamentalmente imperfecto, y una de las razones de su rechazo al cristianismo era el Enseñanza cristiana de que toda persona puede lograr algo mejor, apoyándose únicamente en el libre albedrío [76] . Así, la unión de la iglesia y la burguesía está mal representada en La edad de oro y El ángel destructor [164] . En La edad de oro y Viridian, Buñuel parodia groseramente la iconografía tradicional de Cristo . En la famosa escena de la orgía de los mendigos en Viridiana, los mendigos están sentados alrededor de la mesa exactamente en las mismas posiciones que los personajes de La Última Cena de Leonardo da Vinci , y el lujurioso ciego Don Amalio toma el lugar de Cristo .

Uno de los motivos importantes de Buñuel es exponer la religión al demostrar cómo la adhesión a los principios religiosos conduce al colapso incluso de un héroe positivo impulsado por los ideales del bien [166] . Esta es la trama principal de dos importantes películas del director: "Viridiana" y "Nazarene". Los personajes principales de ambas películas, de hecho, siguen el camino de Don Quijote , adhiriéndose fanáticamente a sus creencias, intentando sin éxito imponerlas a los demás y fracasando tras fracaso [165] . En Viridiana, Buñuel ridiculiza dos intentos de seguir la enseñanza cristiana: primero, Viridiana trata de entrar en un monasterio y renunciar al mundo, lo que termina con el suicidio de Jaime, luego de empezar a servir al mundo, pero esto también lleva a un ataque de mendigos [167] . Aquí el motivo antirreligioso de Buñuel choca con el social: el director no cree en la filantropía burguesa y el humanismo desde arriba [168] . Los motivos de "Viridiana" y "Nazarín" continúan en parte en "Simeón el Ermitaño". El deseo sincero del asceta de vencer todas las tentaciones del demonio, encerrándose en el ascetismo, se percibe como un derroche insensato de fuerzas, tanto de sí mismo como de los que le rodean [169] . Según el director, Simeón debería haber aceptado la humanidad en todas sus imperfecciones [106] .

Método del director

Buñuel era conocido por su enfoque meticuloso y reflexivo de la filmación; en sus propias palabras, incluso antes de llegar al set, sabía exactamente cómo se filmaría cada escena y cuál sería el corte final . Rara vez necesitó más de dos o tres tomas . Jeanne Moreau llamó a Buñuel el único director que no se perdió ni un solo cuadro [172] . La construcción de escenas en las películas de Buñuel es muy sencilla y tradicional: suele rodar en tomas largas (Buñuel rara vez utiliza cortes rápidos, principalmente para los clímax), las escenas de grupo se rodaban en tres cuartos (hasta las rodillas), para enfatizar la importancia de la Podría utilizarse el sujeto o centrarse en las emociones experimentadas por el personaje close-up [173] [171] . Catherine Deneuve y Michel Piccoli , recordando su trabajo con Buñuel, señalaron que éste no les ofrecía explicaciones psicológicas del comportamiento de sus personajes y no requería psicologismo en el juego [172] . Sergey Filippov llega a la conclusión de que, a pesar de la indudable originalidad de las películas de Buñuel, "ni en la puesta en escena , ni en la composición del encuadre, ni en el tamaño, ni en el movimiento de cámara, ni en el uso del color, ni en la tensión de la actuación, etc. la imagen es indistinguible de la película promedio del director promedio” [174] .

Raymond Durgnat considera la tacañería del estilo de Buñuel, combinada con las circunstancias inusuales en las que se encuentran sus personajes, como una especie de efecto de alienación brechtiana , que obliga al espectador a observar a los personajes con especial atención y a emitir juicios morales [175] . S. Filippov considera que los gags peculiares construidos sobre el desajuste de varios "códigos" son una técnica especial de las últimas películas de Buñuel : por ejemplo, una violación de la lógica de la narración se puede combinar con la continuidad del rango visual y el exacto secuencia cronológica de eventos, con ausencia de trama; en "La vía láctea" es posible que los personajes se muevan libremente entre diferentes épocas históricas, y en "La belleza del día" y "El discreto encanto de la burguesía", entre la realidad y el sueño. Para que estas técnicas produzcan la impresión deseada en el espectador, según el crítico de cine, es necesaria una forma extremadamente simple [174] .

Buñuel fue uno de los innovadores del cine sonoro y siempre ha prestado atención al diseño sonoro de las películas. En La edad de oro, una de las primeras películas sonoras francesas, se utilizó la música como contrapunto a la narrativa, lo cual está en consonancia con el manifiesto de los cineastas soviéticos de 1928, incluido Eisenstein (no está claro si Buñuel conocía este manifiesto) [176] [177] . Esta técnica es repetida por Buñuel en repetidas ocasiones: la orgía de mendigos en Viridian es acompañada por el coro del Aleluya de Haendel , y las escenas de pobreza en La tierra sin pan son resonadas por la Sinfonía núm. 4 de Brahms [178] . Al mismo tiempo, Buñuel no utiliza música en absoluto en Diario de una doncella y La bella del día, salvo los efectos sonoros necesarios para la trama (en particular, la campana inmutable que presagia la aparición del carruaje en La bella de el día) [179] [180] . En "Tristan", según Sally Faulkner, el director crea una sordera artificial del espectador en escenas con un personaje sordo, por ejemplo, combinando la imagen de una piscina estancada y el sonido del agua corriendo [181] . Durante la mayor parte del período comprendido entre 1930 y 1945, Buñuel estuvo involucrado en doblaje y actuación de voz; durante este tiempo dominó el arte del sonido cinematográfico. Marsha Kinder señala que en México, donde llegó Buñuel procedente de EE. UU., tuvo que lidiar con equipos de menor calidad, y esto le dio un impulso adicional a los experimentos en esta área [120] .

Influencia y calificaciones

Los biógrafos de Buñuel destacan la fuerte vinculación del director con la cultura española y que una de sus constantes fuentes de inspiración fue la literatura clásica española. Buñuel valoró mucho la novela picaresca , sobre todo Lazarillo de Tormes y La vida del gran avaro , por su combinación de descripción realista del lado oscuro de la vida y sátira mordaz. El gusto por la picaresca se advierte en Los olvidados y nazarenos [182] [183] ​​. La imagen de Don Quijote influyó en "Nazarín" y "Viridiana" [184] . Buñuel también era fanático del novelista Ramón Valle-Inklan , pero rechazó las ofertas para filmarlo, creyendo que el lenguaje de la joyería de Valle-Inklan no se podía transferir adecuadamente a la pantalla. El director quería especialmente a Benito Pérez Galdós , a quien filmó tres veces. Inna Terteryan , notando la aparente disimilitud entre el realista Pérez Galdós y el surrealista Buñuel, encuentra en ellos un importante rasgo común: ambos supieron caracterizar a toda la sociedad a través de la historia privada de un individuo [185] . Entre otros españoles destacados que influyeron en Buñuel se encuentran los artistas Goya y Zurbarán [184] [142] .

Según Marsha Kinder, el lugar de Buñuel en la historia del cine es único, porque es quizás la única persona que ha sido identificada (aunque erróneamente) tanto con un movimiento importante en la historia del cine (el surrealismo) como con dos escuelas nacionales -la española y la mexicano [186] . Al mismo tiempo, tanto para el cine español como para el mexicano, la figura de Buñuel es ambigua, debido a su destino como emigrante. Así, Peter Bizas apunta que la mayoría de los directores españoles, reconociendo la innegable grandeza de Buñuel, lo consideran, que pasó casi toda su vida en el extranjero, no como un español, sino como un extranjero o un hombre de mundo, como Picasso [187] . Carlos Mora escribe que aunque Buñuel es lo primero en lo que piensan los extranjeros cuando hablan de cine mexicano, su influencia en la industria cinematográfica mexicana fue mínima. Sólo el coguionista a largo plazo Luis Alcoriza puede llamarse su alumno , y ninguno de los directores intentó seguir su lenguaje cinematográfico [188] . Sin embargo, la mayoría de las películas mexicanas siguen siendo desconocidas en el extranjero, por lo que, según Mora, para el mundo angloparlante todo el cine mexicano se reduce a Buñuel [187] .

Se reconoce generalmente el papel fundamental de Buñuel en llevar el surrealismo al cine; el consenso de la crítica es que el reflejo más completo del surrealismo en el cine se encuentra en la filmografía del director español [189] . Jay Hoberman llama a Buñuel y Dalí, directores de El perro andaluz, los pioneros de la crueldad y la transgresión en el cine [20] . Según Siegfried Krakauer , Buñuel es "uno de los más grandes maestros e innovadores del cine" [190] . Ed Grant ( Time ) escribe que sin Buñuel no habría Eraserhead de David Lynch , Brasil de Terry Gilliam y melodramas de Pedro Almodóvar . Buñuel fue uno de los directores cuyas películas le enseñaron a Wes Craven los conceptos básicos del cine , y más tarde en la revolucionaria película de terror A Nightmare on Elm Street , Craven trajo el vagar de Buñuel entre el sueño y la realidad al género [192] [193] .

Por su creatividad en conjunto, Buñuel recibió premios honoríficos en el Festival de Cine de Venecia (1969 y 1982), el Festival de Cine de San Sebastián (1977) y el Festival de Cine de Moscú (1979) [142] .

En 2018, Bunuelian se incluyó en el Oxford English Dictionary [194] .

Filmografía

directora

Otras obras

Composiciones

• L. Buñuel. sopa mon dernier. - R. Laffont, 1982. - 316 p. - (Colección "Vecu"). — ISBN 2221009207 .

Ediciones en ruso:

• Buñuel sobre Buñuel. — M .: Raduga, 1989. — 384 p. — ISBN 5-05-002421-8 . ;
• L. Buñuel. Un vago objeto de deseo. — M .: AST; Cebra E, 2009. - 432 p. - ISBN 978-5-94663-742-8 . .

Imagen en cinematografía

• 2001 - " Buñuel y la mesa del rey Salomón " (dir. Carlos Saura ), en el papel de Buñuel - El Gran Wyoming
• 2011 - " Medianoche en París " (dir. Woody Allen ), en el papel de Buñuel - Adrian de Van
• 2015 - Tras los pasos de "Nazarín": Ecos de la tierra en otra tierra / Tras Nazarín. El eco de una tierra en otra tierra (dir. Javier Espada) - documental
• 2018 - Buñuel en el laberinto de las  tortugas

Notas

1. ↑ A pesar de que la transmisión más común al ruso es Buñuel , la variante de Buñuel es correcta en términos de transcripción práctica , la pronunciación española real Copia de archivo del 27 de febrero de 2014 en Wayback Machine y está registrada, por ejemplo, en el Gran Enciclopedia Rusa . Una transcripción menos común de la pronunciación francesa es Buñuel (por ejemplo, en la Gran Enciclopedia Soviética ).

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Enlaces

• Instituto de Cine Luis Buñuel Archivado el 1 de agosto de 2015 en Wayback Machine .
• Luis Buñuel: una bibliografía de materiales en la biblioteca de UC Berkeley Archivado el 31 de enero de 2006 en Wayback Machine .
• Artículos sobre Luis Buñuel en la web de la revista Seance

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