| estilo Luis XIV | |
|---|---|
| Versalles (1661-1710). | |
| País | Francia |
| fecha de fundación | 1640 |
| Fecha de descomposición | década de 1710 |
| Edificios importantes | Palacio de Versalles , Gran Trianon , Catedral de los Inválidos |
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El estilo de Luis XIV , o Gran estilo ( fr. Grand Manière , Le style Louis Quatorze ) es el estilo artístico de uno de los períodos más llamativos de la historia de Francia . Se formó en la "edad de oro" del arte francés en la segunda mitad del siglo XVII. Asociado a la ideología y estética del absolutismo francés durante el reinado del rey Luis XIV (1643-1715). Su característica principal fue una combinación inusual de elementos del clasicismo y el barroco . Las ideas y las formas artísticas del clasicismo permitieron exaltar al rey, comparando sus hazañas con las grandes creaciones de los emperadores de Roma , y el barroco, para dar a estas formas una pompa, expresión y grandeza especiales. De ahí el epíteto "Le Grand" en el sentido de "majestuoso, significativo" [1] .
La segunda característica del "gran estilo" fue la combinación de las ideas del clasicismo y el academicismo . Fue en esta época cuando se creó en París la Real Academia de Pintura (1648) por iniciativa del cardenal Mazarino , encabezada por el primer retratista del rey Carlos Lebrun , y la Real Academia de Escultura " l'Académie de peinture et de sculpture ", a la que J.-B. Colbert en En 1671 anexó la Real Academia de Arquitectura " l'Académie d'architecture ". La encabezó el destacado arquitecto, teórico y docente francés Francois Blondel el Viejo . Por separado, estaba la Real Academia de Inscripciones, creada para glorificar las hazañas del rey Luis.
En 1666, por decreto de Luis XIV, se estableció la Academia Francesa en Roma para continuar la educación y la mejora en el arte de los artistas franceses que ganaron el prestigioso Premio de Roma ( fr. Prix de Rome ). Los principales arquitectos del período Grand Style fueron Louis Lévaux , François Mansart , Jules Hardouin-Mansart , Pierre Le Muet , Claude Perrault y Robert de Côtes .
En 1655, el joven rey, que asistía a una reunión del parlamento, se dirigió a los diputados, que sin hacerle caso, pronunció la frase sacramental: "L'Etat, c'est moi!" ( fr. "El estado, ¡soy yo!" ), en el sentido: soy yo, tu rey, quien llegó al parlamento. Más tarde, los historiógrafos cambiaron el significado de la frase, poniendo un guión en lugar de una coma. Incluso más tarde, se inventó el epíteto "Le Roi Soleil" - "El Rey Sol" (que siempre brilla sobre Francia). En la era de la formación del estado, solo la unidad alrededor del trono real de todas las fuerzas sociales, todas las clases, la Iglesia Católica, así como las mentes progresistas de ese tiempo (políticos, filósofos, escritores, artistas) podría asegurar el bien- ser y prosperidad del país [2] .
Al estilo de Luis XIV, se sentaron las bases de la corte internacional y la cultura cortesana privada, y al mismo tiempo, este estilo encarnó el apogeo del clasicismo académico, que tuvo un impacto significativo en la formación y desarrollo de los estilos clasicistas en otros Países europeos. La "manía del gran estilo", superando las barreras diplomáticas y materiales, se extendió por toda Europa. Hasta ese momento se utilizaba como categoría estética la palabra italiana “maniera”, introducida por G. Vasari , a partir del siglo XVII se empezó a utilizar la francesa “Le style”, cuyo estatus final se le dio medio siglo después. por I. I. Winkelman [3] [4] .
"El gran estilo cuesta mucho dinero" (Katremer-de-Kensi). La exaltación del rey, que fue comparado con Alejandro Magno y Julio César , y retratado en consecuencia, implicó la erección de grandiosos conjuntos arquitectónicos. Por lo tanto, la arquitectura , el arte monumental y decorativo y la pintura en el género de los retratos formales se convirtieron en los principales tipos de arte . En la era del Rey Sol, estaba tomando forma una teoría académica de los "géneros elevados" en el arte. Se introdujeron los cargos de "Primer Arquitecto del Rey" y "Primer Pintor del Rey". Todo el trabajo de construcción y artístico estaba en el departamento de la Corte.
La segunda mitad del siglo XVII en los países de Europa occidental es el momento de la formación de la teoría estética del clasicismo. Así, el destacado teórico y arquitecto François Blondel en El curso de arquitectura (1675) argumentó que los cimientos del estilo clásico no radican en la imitación de Roma, sino en el pensamiento racional y el cálculo preciso de las proporciones . El creador de la "Columnata del Louvre" K. Perrault discutió con él. En 1691, otro "Curso de Arquitectura" fue O.-Sh. de Avilé . Las discusiones sobre la naturaleza del clasicismo dieron como resultado la famosa " Disputa sobre lo antiguo y lo nuevo " , que abarcó todo un siglo. Los partidarios de la antigüedad como un modelo duradero e inalcanzable ("antiguo") se opusieron a los críticos de la antigüedad y los partidarios de la teoría del progreso en la literatura y el arte ("nuevo").
El estilo de Luis XIV se divide condicionalmente en tres períodos. En el primer periodo, coincidiendo con la infancia del rey (1643-1660) y la regencia de Ana de Austria , la arquitectura, el interiorismo y las artes decorativas estuvieron dominadas por el estilo artístico de la época anterior de Luis XIII , tomando prestado del arte del barroco italiano y la “segunda escuela” de Fontainebleau . En el segundo período (1660-1690), cuando el rey entró en el gobierno personal, el estilo en la arquitectura y otras artes adquirió gradualmente nuevas características. En el tercer período (1690-1715), el "gran estilo" sufrió cambios significativos, gracias al trabajo del arquitecto J. Hardouin-Mansart y el decorador real Jean Beren . El estilo se volvió más ligero, elegante e intrincado mediante el uso de arabescos y ornamentación grotesca , que luego resultó en la creación del estilo Regencia francés y el estilo Luis XV (rococó) [5] .
El "Gran Estilo" tuvo una influencia notable en la formación de otras tendencias de estilo históricas y regionales desde el " Rococó friderico " en la corte del rey prusiano Federico II hasta el " Barroco petrino " durante el reinado del emperador ruso Pedro I.
Los principios del clasicismo en la arquitectura francesa comenzaron a tomar forma y arraigarse gradualmente en la primera mitad y mediados del siglo XVII. Sus cimientos fueron puestos por los arquitectos del Renacimiento francés . Al mismo tiempo, tradiciones que datan de la Edad Media aún se conservan en el mismo período, mientras que eran tan fuertes que incluso las órdenes clasicistas en los edificios de la primera mitad del siglo tenían una interpretación peculiar: las composiciones de orden obedecían a la principios de la construcción mural gótica y adquirió una aspiración vertical poco habitual en los sistemas de orden. Entre otras tradiciones heredadas del pasado, destacaba la división de los edificios en volúmenes en forma de torre, coronados con cubiertas piramidales dirigidas hacia arriba. Una notable influencia en el clasicismo temprano fue ejercida por las técnicas y motivos del barroco italiano , que se utilizaron principalmente en el diseño de interiores [6] .
Un ejemplo de clasicismo temprano fue el Palacio de Luxemburgo en París (1615-1621), construido por Salomon Debros . El aspecto del palacio, que conservaba en detalle la similitud con los castillos del siglo anterior, gracias a una clara construcción compositiva y al uso de una clara estructura rítmica de dos órdenes de dos niveles que dividían las fachadas, se distinguía por su monumentalidad y representatividad. . Los primeros ejemplos de construcción de conjuntos en la arquitectura francesa también pertenecen a la primera mitad del siglo XVII. El arquitecto Jacques Lemercier se convirtió en el creador del primer conjunto clasicista francés: el complejo del palacio, parque y ciudad de Richelieu (iniciado en 1627) [7] .
Junto con Lemercier, el mayor arquitecto de la primera mitad del siglo fue François Mansart . Entre sus principales obras se encuentran el palacio de campo de Maisons-Laffite (1642-1650), construido cerca de París. En el rechazo del esquema de planificación tradicional y el estricto orden del interior del edificio, ya se manifestaron claramente los rasgos del clasicismo. El sistema de división de plantas por órdenes dórico y jónico aplicado por Mansart fue un intento del arquitecto de unir las nuevas formas clásicas y las antiguas formas arquitectónicas tradicionales en una solución de estilo único [8] .
Así, en la primera mitad del siglo XVII se inició el proceso de maduración de un nuevo estilo y se prepararon las condiciones para el florecimiento de la arquitectura francesa en la segunda mitad del siglo [6] .
El primer edificio en el que se sintió claramente el predominio de los principios artísticos del clasicismo sobre las viejas tradiciones fue el palacio de Vaux-le-Vicomte (1656-1661), construido para el superintendente de finanzas Nicolas Fouquet , diseñado por el arquitecto Louis Leveaux , el arquitecto paisajista André Le Nôtre y el interiorista "el primer pintor del rey" de Charles Lebrun [9] .
Impulsado por la envidia, el joven rey Luis XIV, que aún no tenía una gran residencia, acusó a Fouquet de malversación de fondos y lo encarceló. El rey confiscó Vaux-le-Vicomte; el equipo de Le Vaux, Le Nôtre y Lebrun pasó a construir el palacio real de Versalles . La solución arquitectónica de Vaux-le-Vicomte estuvo influenciada por el estilo clasicista creado en la época anterior por el arquitecto François Mansart el Viejo : techos altos, una fachada decorada con pilastras clásicas de gran orden . La cúpula, tomada de la arquitectura barroca italiana, estaba junto a la solución compositiva original: una gran sala ovalada en planta, edificios laterales simétricos, ventanas francesas que abren una vista de un gran parque regular , un sistema de escaleras exteriores y canales que rodean el palacio . 10] .
Impresionado por la propiedad de Vaux-le-Viscount, Luis XIV encargó a Louis Le Vaux que diseñara un enorme palacio nuevo en Versalles para reemplazar el pequeño palacio reconstruido a partir del pabellón de caza de Luis XIII. Con el paso del tiempo, este edificio se convirtió en el principal ejemplo del gran estilo de Luis XIV. Después de la muerte de Levo en 1670, el edificio fue continuado por Jules Hardouin-Mansart . En 1678-1687, añadió dos largos edificios simétricos (alas norte y sur) a la fachada del palacio desde el lado del parque, después de lo cual la longitud total de la fachada fue de 670 metros [11] . Las fachadas demuestran claramente los principios del "gran estilo", combinando elementos de clasicismo y barroco. Están divididos horizontalmente por cornisas en tres plantas - las horizontales riman con los espacios abiertos del parque del parterre. El piso inferior está subrayado por una ligera rusticación "francesa" (sin costuras verticales); el segundo - con enormes ventanas "francesas" , pilastras y columnas dobles de risalits que sobresalen , lo que aporta una tensión barroca a la composición. La balaustrada del techo con armaduras alternas (trofeos de guerra) y maceteros con llamas de piedra dirigidas al cielo crea una sensación barroca de inestabilidad y dinamismo. La estructura triádica (el edificio central y dos edificios laterales, de tres pisos y tres risalit en cada uno), por el contrario, enfatiza el fundamento clasicista [12] .
El interior del segundo piso a lo largo de toda la fachada del edificio central desde el lado del parque está ocupado por la Galería Grande o Espejo (Galerie des Glaces), que se extiende por 73 m, una creación sobresaliente de Hardouin-Mansart. La pintura de los arcos, la decoración de estuco y la idea de decorar la pared opuesta a las ventanas con espejos pertenecen al primer pintor del rey, Charles Le Brun. Junto con las salas laterales de Guerra y Paz (esta última solo se completaría bajo Luis XV ), la galería conectaba los Grandes Apartamentos del Rey con las cámaras de la Reina, convirtiéndose en la apoteosis del "gran estilo" de Luis XIV [13] . A la hora de diseñar el espacio de la Galería de los Espejos, Hardouin-Mansart se basó en la galería que había creado anteriormente para el castillo de Clagny y la Galería de Apolo, creada por Louis Leveau y Charles Lebrun en el Louvre .
Anteriormente en la galería había muebles hechos de plata fundida, luego se perdieron. Pero en nuestro tiempo, el interior de la galería impresiona por el lujo de la decoración [14] . Además de ella, también merecen mención la “Galería de Batallas” y la Capilla Real .
Hardouin-Mansart desarrolló sus ideas en los edificios del Parque de Versalles , incluido el diseño y la construcción del Gran Trianon (1680-1687; anteriormente el "Trianon de Mármol") en el sitio del antiguo "trianon de porcelana" construido por L. Levo (Anteriormente el Trianon estaba ubicado en este pueblo del lugar). El nuevo pabellón se construyó en forma de peristilo con dobles columnas de mármol rosa de orden jónico. El piso de mármol está dispuesto en un cuadro oblicuo, las paredes y las pilastras también están revestidas con mármol rosa.
En la segunda mitad de la década de 1660, el rey Luis XIV decidió reconstruir la parte este del Palacio del Louvre . Desde enero de 1664, el "superintendente de los edificios reales" (surintendant Bâtiments du Roi) era el todopoderoso Ministro de Hacienda J.-B. Colbert. Por su decisión, el encargo para el diseño de la fachada este del Louvre incluyó a los arquitectos Louis Leveaux , Charles Lebrun y François d'Orbey y Claude Perrault . Perrault se hizo cargo de los problemas de ingeniería y técnicos en este proyecto, pero eran los principales en ese momento, y por eso posteriormente la fachada este, que cerraba el “ Patio Cuadrado ” del Louvre, recibió su nombre: “Columnata de Claude Perrault” [ 15] .
En abril de 1665 llega a París el genio de la arquitectura barroca italiana, G. L. Bernini . Trajo su proyecto, pero fue rechazado (el rey también invitó a C. Rainaldi y Pietro da Cortona a participar en el concurso ). Según una versión, el clasicismo resultó estar más cerca del francés que del exuberante y pomposo barroco italiano. Según otra versión, J.-B. Colbert, que encabezó el concurso, insistió en un proyecto clasicista más barato que la versión barroca de Bernini (y decidió apropiarse de la diferencia de fondos) [16] .
La fachada este del Louvre es una obra maestra de la arquitectura francesa del siglo XVII. Perrault inventó una técnica especial para colocar piedras labradas sin mortero, que da la impresión de un plano excepcionalmente liso de la pared. El barroco en esta composición está presente solo en pequeña medida. Esto se debe en parte a la oposición deliberada del nuevo "modelo" francés al obsoleto italiano. En el proyecto de Leveaux, D'Orbe y Perrault, el barroco está presente en pequeña medida. Una poderosa columnata del “gran orden” (dos pisos de altura) de columnas dobles estriadas de orden corintio se instala en el primer piso del sótano de mampostería lisa de piedra caliza de las Ardenas ligera, casi blanca con “ ventanas francesas ” alargadas . La columnata del segundo y tercer piso forma una típica logia italiana . Toda la fachada de considerable longitud (173 m), gracias a la precisión de las proporciones y al ritmo de las dobles columnas, hábilmente “rota” por tres risalits : el central (con frontón triangular) y dos laterales, decorados con semicolumnas. y pilastras, crea la impresión de verdadera grandeza. El arco de paso central de la fachada abre la perspectiva de dos patios interiores del palacio, como si estuvieran encadenados en un eje.
En el período inicial del reinado de Luis XIV, se fundó una iglesia en el hospital de Val-de-Grâce: la iglesia de Val-de-Grâce (1645-1710). El proyecto del templo comenzó a ser desarrollado por Hardouin-Mansart, Jacques Lemercier y Pierre Le Muet , y completado por Gabriel Leduc. Se trata del edificio eclesiástico más barroco de Francia, aunque muy alejado del estilo barroco italiano . La composición se basa en una planta en forma de cruz latina. La fachada sigue, según las decisiones del Concilio de Trento , el concepto de las iglesias barrocas romanas de la orden de los jesuitas, o de estilo trentino, pero un enorme tambor sobre el cruce de caminos con una cúpula desproporcionadamente grande, recuerda un poco a la cúpula de el Colegio de las Cuatro Naciones de L. Levo (1668), da originalidad a la arquitectura del templo. También es singular la fachada de dos niveles de la iglesia, con un pórtico muy saliente con columnas gemelas de orden corintio . El entablamento desprendido , dos grandes volutas en los lados y un frontón desgarrado de la grada superior refuerzan la fachada barroca general de la iglesia.
La composición de la fachada “romana” de la iglesia de Val-de-Grâce es similar a las realizadas por J. Lemercier en la iglesia de la Sorbona (1635-1642), L. Levo en el edificio del Colegio de las Cuatro Naciones (1661 -1665) y J. Hardouin-Mansart en la Catedral de la Casa de los inválidos (1693-1706) [17] .
En la composición de la iglesia de Les Invalides en París (1693-1706), el arquitecto J. Hardouin-Mansart demostró por primera vez el llamado "esquema francés" : planta en cruz, simetría perfecta, pórticos columnados , tambor rodeada de columnas pareadas con una "cúpula romana" dorada decorada con trofeos de guerra, un farol-farol y una aguja en el mismo eje vertical. Tal esquema conecta muchos elementos y no tiene prototipos directos en la historia de la arquitectura. Los pórticos y la cúpula recuerdan a Grecia e Italia, pero la aguja y la linterna correlacionan la composición con las tradiciones arquitectónicas de los países del norte de Europa. La altura de la catedral es de 107 metros. Los trofeos dorados de la cúpula y la aguja de la iglesia Les Invalides que brillan al sol son uno de los hitos de gran altura del panorama de París. André Mauroy escribió que, en su opinión, Les Invalides representa "la esencia misma del arte francés": "Su larga fachada es tan magnífica como la columnata del Louvre. La cúpula que retrocede misteriosamente, la combinación de bronce verdoso y oro en ella, el encanto de los trofeos que la decoran, todo esto se combina para darle al edificio originalidad y perfección clásica .
Con el tiempo, el “esquema francés” de Hardouin-Mansart se convirtió en ejemplar para la arquitectura neoclásica “al norte de los Alpes”. Fue repetido en términos generales por J.-J. Souflot en la iglesia de St. Genevieve (Panteón) (1758-1789) y desarrollado en parte por Christopher Wren en la Catedral de St. Paul en Londres (1675-1708).
Iglesia del Val de Gracia . 1645-1710 Proyecto de J. Hardouin-Mansart y J. Lemercier
Iglesia de San Roque . Ábside. 1653-1660. Proyecto de J. Lemercier
Iglesia de los Inválidos en París. 1693-1706 Arquitecto J. Hardouin-Mansart
Capilla Real de Versalles. 1689-1708 Interior. Arquitectos J. Hardouin-Mansart y Robert de Côte
Un monumento arquitectónico destacado del "gran estilo" es la Puerta de Saint-Denis , construida en 1672 según el proyecto de Francois Blondel por orden de Luis XIV en honor a las victorias de su ejército en el Rin. La composición se basa en un arco triunfal de un solo vano de los antiguos romanos.
Desde 1676, F. Blondel elaboró el Plan General de París, que preveía la creación de grandes conjuntos arquitectónicos y perspectivas. El primer proyecto completado fue la "Plaza Real" (más tarde Place des Vosges ), cuya construcción comenzó bajo Enrique IV , complementada bajo Luis XIV con una estatua ecuestre del rey Luis XIII. Más tarde se reconstruyó la Place Dauphine en la Île de la Cité , completa con una estatua ecuestre de Enrique IV [19] .
El siguiente gran proyecto fue " Plaza de la Victoria " ( fr. Place des Victoires ; 1684-1697), un complejo de siete edificios a gran escala, divididos en tres grupos por calles que convergen en una plaza ovalada (proyecto Hardouin-Mansart). En el centro de la plaza se colocó una estatua ecuestre de Luis XIV de M. Desjardins (destruida en 1792, durante la Revolución Francesa). La plaza Vendôme , también proyectada por Hardouin-Mansart entre 1699 y 1702, fue el último proyecto urbanístico del reinado de Luis XIV . En general, todos los proyectos urbanísticos de este período se caracterizaron por las fachadas de edificios de estilo Luis XIV, que daban a las plazas un aspecto solemne [19] .
Colegio de las Cuatro Naciones . 1661-1665. Arquitecto L. Levo
Plaza de la victoria . 1684-1697. Proyecto de J. Hardouin-Mansart
Place Vendôme (Plaza Luis el Grande). 1699-1702. Proyecto de J. Hardouin-Mansart
Patio de la Gloria de los Inválidos. 1671-1677. Proyecto L. Bruan
Puerta Saint-Denis . fachada sur. 1672. Arquitecto F. Blondel
Al borde del barroco y el clasicismo, se desarrolló la obra de los escultores franceses del “gran estilo” ( fr. Grand Manière ) y sus seguidores, muchos de los cuales comenzaron a trabajar para el parque de Versalles: F. Girardon , A. Coisevo , P. Puget , J.-B. Tubi , J.-B. Pigalya . La escultura de P. Puget sobre el tema de la historia antigua "Milón de Croton" (1672-1683, Louvre, París), el grupo escultórico de F. Girardon "Plutón secuestrando a Proserpina" (1678-1699) para la Columnata de J. Hardouin-Mansart del Sur se distinguen por una extraordinaria expresión barroca, el parterre del parque de Versalles, la fuente Enkelad de G. Marcy (1675-1677). Sin embargo, las esculturas de la Gruta de Apolo (F. Girardon, 1664-1672) se caracterizan por una claridad y un equilibrio clásicos [20] .
Los grupos escultóricos emparejados de " Marly Horses ", o "Horse Tamers", fueron creados por Guillaume Coustous the Elder en la era posterior, en 1743-1745, pero su expresión refleja la estética del "gran estilo" del Rey Sol. Las obras de los escultores de Versalles y los "caballos" de Coustou tuvieron mucho éxito y en la época del romanticismo , anticiparon la obsesión de Théodore Géricault , su "Carrera de caballos libres en Roma" (1817). Las obras de Puget y Coust fueron admiradas por Eugene Delacroix y Victor Hugo [21] .
El genio del barroco italiano, J. L. Bernini , durante su visita a París en abril de 1665, creó un busto de mármol de Luis XIV. A su regreso a Roma, Bernini esculpió una estatua ecuestre monumental del rey Luis en forma de Alejandro Magno. Cuando fue llevado a París en 1685 (después de la muerte del autor), el rey francés lo encontró repugnante y quiso destruirlo. Luego F. Girardon lo rehizo a la imagen del antiguo héroe romano Mark Curtius [22] . Se instalaron réplicas de esta obra en bronce: una en el patio delantero (court d'honneur) de Versalles, la otra en la Corte de Napoleón a la entrada del Museo del Louvre. Girardon también hizo otra estatua ecuestre del rey en 1692. En 1699, se instaló en el centro de la Place Louis the Great (más tarde: Place Vendôme ) en París (la estatua fue destruida durante la Revolución Francesa en 1789). Anteriormente, en 1784, por decreto real, se colocó una réplica reducida del monumento en el Antiquarium del Louvre. Fue repetidamente reproducido en grabados y se convirtió en uno de los prototipos de muchos otros monumentos similares de épocas posteriores [23] .
P. Puget . Milón de Crotona. 1672-1683. Museo del Louvre, París
F. Girardón . Plutón secuestrando a Proserpina. 1678-1699. Parque de Versalles (copia)
F. Girardón . Gruta de Apolo (Apolo y cinco ninfas). 1664-1672. Parque de Versalles (copia)
J. L. Bernini - F. Girardón. Estatua ecuestre de Luis XIV como Marcus Curtius. 1687. Palacio de Versalles
F. Girardón . Estatua ecuestre del rey Luis XIV. 1692 (réplica). Museo del Louvre, París
El grabado ornamental fue de gran importancia en todos los "estilos reales" franceses , sirvió como "portador" de nuevas ideas en el campo de la composición decorativa . Los investigadores creen que fue en la época de Luis XIV cuando se creó el género propiamente dicho (más precisamente: una especie de arte gráfico) del grabado ornamental [24] [25] .
Trabajando en ese género, los artistas no se regían por la trama y los requerimientos del cliente, daban rienda suelta a su imaginación, elaborando a la perfección los elementos formales del estilo. Las características principales del "gran estilo" se expresan más plenamente no solo en la arquitectura, sino también en las composiciones de Jean Lepotre , J.-A. Ducerceau , Jean Beren el Viejo , Daniel Marot el Viejo [26] .
Jean Lepotre logró crear su propio estilo y manera original en el marco de un gran estilo histórico. Las composiciones decorativas creadas por Lepôtre cautivan por la extraordinaria audacia de la composición, la fantasía, la riqueza de formas ornamentales, a veces incluso parecen demasiado exuberantes y pesadas, sobrecargadas de detalles. Lepôtre agrupó sus fantasías por temas y las publicó como colecciones de aguafuertes . Encuadernados "in-quattro" (en hoja de un cuarto), fueron distribuidos entre artistas y amantes del arte. El artista los agrupó bajo nombres condicionales: "Fuentes y chimeneas", "Jarrones", "Detalles de muebles", "Plafones", "Bordes", "Paneles tallados y espejos de marco", "Joyería". Los grabados de Lepôtre fueron utilizados por cazadores, maestros talladores y pintores, medallistas, bordadores y ceramistas [27] .
Lepôtre fue uno de los primeros en utilizar activamente en sus composiciones un adorno del tipo bandelwerk , un motivo decorativo en forma de cintas y lazos entrelazados. Lo combinó con acantos tradicionales, conchas renacentistas y guirnaldas, complementándolo con increíbles estructuras arquitectónicas y decorativas, criaturas mitológicas y otras invenciones. En las composiciones fantásticas de Lepôtre se manifiestan claramente los principales rasgos del "gran estilo": las construcciones compositivas clásicas y la riqueza barroca de las formas. En total, durante su vida, Jean Lepotre creó más de dos mil grabados. Jean Lepotre realizó dibujos para la Real Fábrica de Gobelinos , realizó bocetos de decoración ornamental para el taller de muebles de André Charles Boulle . Desde 1677 fue miembro de la Real Academia de Arquitectura. El hermano menor de Jean, Antoine Lepotre , es un arquitecto del "gran estilo". [28] .
En el siglo XIX, los álbumes de Lepôtre fueron comprados en subastas internacionales por museos de arte e industriales, escuelas y bibliotecas como material didáctico para maestros y "dibujantes científicos" para la industria. En particular, ocho álbumes de Lepotre fueron adquiridos por A. A. Polovtsov para la Escuela de Dibujo Técnico de Baron Stieglitz en San Petersburgo [29] .
Las composiciones decorativas del dibujante, decorador teatral y grabador Jean Beren el Viejo recibieron un nombre propio en la historia del arte: berenadas. Este artista logró crear un estilo de transición original del "gran estilo" pesado y pomposo al estilo de la Regencia francesa de principios del siglo XVIII, el heraldo del rococó de las décadas de 1730-1740. Beren no estuvo en Italia, pero hay motivos italianos en sus composiciones: grutescos renacentistas , mascarones , personajes del teatro callejero italiano Commedia dell'arte . Las extrañas composiciones de Beren fueron grabadas y publicadas en serie y en hojas separadas. Muestran la influencia de la arquitectura barroca, la ornamentación barroca flamenca, pero sobre todo, las estructuras del parque de Versalles: fuentes, esculturas alegóricas, carros de Helios y máscaras del dios solar Apolo , el emblema del Rey Sol. Y también: quimeras, monos, canastas con flores y frutas, instrumentos musicales y altares antiguos, guirnaldas de flores. Todos los elementos están conectados por hilos de guirnaldas y finos bordes que forman el marco de esta arquitectura aérea imaginaria [30] .
El artista realizó dibujos para tapices , decoración de muebles y loza de finales del siglo XVII - principios del XVIII, decoración de interiores de palacios e incluso decoración de barcos. El adorno beren se utilizó para decorar los productos de loza de Rouen y Moustier. Fiestas de la corte y representaciones teatrales en el escenario del Parque de Versalles, incluidas producciones de óperas de J.-B. Lully (ópera "Amadis" 1684, ballet "Arc de Triomphe" 1681) y las comedias de Molière . El artista tenía el título honorífico de "dibujante del rey" [31] .
En general, a pesar de las citas, el estilo de berenade es inusual y único. Se caracteriza por la ligereza, el refinamiento, la musicalidad. No hay duda de que algunas de estas composiciones se implementaron en producciones teatrales, en particular, escenografía y vestuario para producciones y muchos otros. De ahí la atribución de la obra de Beren al llamado "estilo de Versalles". La escenografía y el vestuario teatral, que luego se perdieron, dejaron su huella en grabados ornamentales [32] .
Jean Beren el Viejo fue llamado "el oráculo del gusto de su época". Sus composiciones fueron repetidas y variadas por otros artistas, incluso fuera de Francia. Las colecciones de dibujos grabados que publicó jugaron un papel importante en la formación del arte decorativo del siglo XVIII. Sus grutescos fueron interpretados en sus pinturas decorativas por los pintores Claude Gillot y Antoine Watteau . En 1711, se publicó en París una colección completa de composiciones de Jean Berin en 3 libros (L'Œuvre de J. Berain, Ornements inventés par J. Berain y Œuvres de J. Berain contenant des ornements d'architecture).
El estilo individual del destacado fabricante de muebles André Charles Boulle entró en la historia del arte con su nombre: "estilo boulé". También refleja a la perfección las principales características del "gran estilo", combinando elementos del clasicismo y el barroco . Productos del taller de A.-Sh. Boulle se caracteriza por el rigor y la monumentalidad, combinados con pompa y elegancia, forma tectónica con refinamiento de decoración de varios colores y texturas. Buhl combinó palosanto rojo y exótico y ébano con piezas de fundición de bronce dorado macizo. Los interiores lujosamente decorados del "gran estilo", especialmente Versalles , requerían precisamente esos muebles: otro se perdería contra el telón de fondo de paredes ricamente decoradas de mármol multicolor, mosaicos, espejos y monumentales lámparas de pie y candelabros dorados. Si los primeros fabricantes de muebles de la corte se llamaban "pequeños carpinteros" (menuisier), Boulle fue el primero en 1762 en recibir el título honorífico de ébano real (ébéniste du Roi) - "trabajador de madera negra" (del griego ebenos - ébano), es decir, un maestro de clase alta, que trabaja con los materiales más caros.
Boule reemplazó la talla en relieve con decoración, cuya técnica inventó él mismo, basándose en las tradiciones de los maestros italianos de los siglos XIV y XV. No era una simple incrustación , sino una intarsia profunda : cortar un material en el grosor de otro. El artesano puso materiales que contrastaban efectivamente en color y textura en un "paquete": cobre rojo, latón amarillo, plata o estaño mate, caparazón de tortuga con vetas de cereza oscura, marfil y nácar brillante. Luego recortó un dibujo según plantillas preparadas previamente, utilizando la inversión: intercambió la “primera figura” (première partie) y el fondo (contrapartie) del mismo dibujo, alternando tonos claros y oscuros. Los primeros productos de Boole aún son imperfectos, las costuras de taracea se rellenan con masilla, pero en los posteriores, utilizando "paquetes", Boole logró una fusión absoluta del fondo y el patrón [33] .
En un principio, Boulle utilizó las composiciones ornamentales de Jean Berin , Daniel y Jean Marot . Luego comenzó a trabajar en sus propios dibujos. Buhl tomó prestada la idea de usar ébano de Flandes y los motivos de los ramos de flores del maestro holandés Jan van Meekeren. Buhl complementó la taracea con grabado niello (niello). Para los detalles escultóricos en el taller de Boole, se utilizaron motivos de cariátides , volutas , palmetas . Él mismo dibujó y esculpió todos los modelos. En el centro hay un mascarón obligatorio con la cara del dios solar Apolo y ramas-rayos que se apartan de él: el emblema del Rey Sol.
J. Lepotre. Aguafuerte de la serie "Jarrones". Alrededor de 1670
J. Lepotre. Puerta ceremonial para la entrada de Luis XIV y María Teresa en París en 1660
Mesa de trabajo A-Sh. Toro. ESTÁ BIEN. 1670-1680
Taquilla de taller A.-Sh. Toro. 1680-1700
Reloj sobre pedestal. Taller A.-Sh. Toro. ESTÁ BIEN. 1690
J. Berén. Composición ornamental. 1680
J. Berén. Decoración del barco "Royal Sun"
J. Berén. Diseño de vestuario para el dios del mar danzante para la ópera Phaeton de Jean-Baptiste Lully. 1683
Sillón. Tapicería de la fábrica de Beauvais según un diseño de J. Berin. década de 1690
En 1662, por orden del Ministro de Hacienda, Jean-Baptiste Colbert , en nombre del propio Luis XIV, se organizó la “Royal Furnishing Manufactory”, nombre más conocido: Tapestry Manufactory , en la que se empezaron a producir no sólo alfombras, pero también muebles, mosaicos, productos de bronce: lámparas y detalles de muebles, bajo la dirección general del primer rey pintor, Charles Lebrun . Desde 1664, la fábrica de Beauvais ha estado en funcionamiento , desde 1665, la fábrica de Aubusson , así como la fábrica de Savonneri fundada en la era anterior . Las actividades de las fábricas reales contribuyeron al desarrollo del arte del diseño de interiores [34] .
En los mismos años se llevó a cabo el grandioso plan del rey: hacer grabados de todas las obras de arte significativas creadas en Francia durante los años de su reinado y ubicadas en las colecciones reales. Tal enciclopedia de arte fue creada a partir de 1663 y publicada secuencialmente en álbumes de grabados sobre cobre en folio (“sobre una hoja”, gran formato) desde 1677 hasta 1683. Los grabados reproducen pinturas, esculturas, tapices de las colecciones reales, vistas de palacios y castillos reales, así como colecciones de medallas, monedas, camafeos antiguos de las colecciones privadas del duque Felipe de Orleans (La colección de la maison d'Orléans ), otros coleccionistas y mecenas. Estos álbumes fueron reimpresos, más tarde, durante el período de la Regencia, en 1727-1734 bajo el nombre de "Gabinete Real» (Gabinete Real). Una serie similar fue creada en 1729-1742 bajo la dirección de Pierre Crozat [35] . Las iniciativas del rey contribuyeron a la formación de la colección de arte, que más tarde formó la base del Museo del Louvre . El rey adquirió obras de artistas franceses e italianos. Al final de la vida de Luis XIV, el "Gabinete Real" constaba de más de dos mil pinturas. El rey adquirió parte de la colección del cardenal Mazarino, así como la colección de arte del rey inglés Carlos I (incluida la colección de los duques de Mantua Gonzaga), que fue vendida por decisión del parlamento tras la ejecución del rey por parte de Cromwell . [36] .
El Rey Sol gastó mucho en guerras, proyectos arquitectónicos y coleccionismo de arte. Al final de su reinado, el estado comenzó a experimentar importantes dificultades financieras. En 1689, el rey emitió el infame "Decreto contra el lujo" para fundir todos los artículos de oro y plata en monedas. Los soldados fueron a las casas de la nobleza parisina y se llevaron sin piedad todo lo que no pudieron ocultar. Se perdió una gran cantidad de obras de arte invaluables de los mejores artistas franceses: juegos de mesa hechos de oro y plata, joyas. Pero el rey todavía no tenía suficiente dinero y el decreto se repitió en 1700. Los "decretos contra el lujo" tuvieron una variedad de consecuencias. Contribuyeron al crecimiento de la producción de loza en Francia : la platería perdida fue reemplazada por loza, producida por fábricas en Rouen y Moustiers . Muchos artículos que perecieron en Francia se han conservado como obsequios diplomáticos en museos de otros países, en particular, en la colección Wallace de Londres, en la Armería de Moscú [37] [38] y en el Hermitage de San Petersburgo .
En 1685, bajo la influencia de la marquesa católica de Maintenon , el rey decidió anular el Edicto de Nantes sobre la libertad religiosa. Con su abolición, una parte significativa de los pintores-decoradores, maestros joyeros, cinceles, esmaltadores, ceramistas, tejedores que eran protestantes se vieron obligados a emigrar. Se trasladaron a Holanda , Inglaterra , Dinamarca , Rusia , Suiza , Prusia , asegurando el desarrollo intensivo del arte de estos países. La artesanía artística y el comercio en Francia cayeron en decadencia. A finales del siglo XVII, el "gran estilo" había agotado sus posibilidades y en 1715, tras la muerte del rey, fue sustituido por el estilo de cámara Regencia .