Bouguereau, Guillermo

Guillermo Bouguereau
fr.  Guillermo Adolfo Bouguereau

Foto de Mulnier, hacia 1880
Nombrar al nacer Guillermo Adolfo Bouguereau
Fecha de nacimiento 30 de noviembre de 1825( 1825-11-30 ) [1] [2] [3] […]
Lugar de nacimiento La Rochelle
Fecha de muerte 19 de agosto de 1905( 1905-08-19 ) [4] [3] [5] […] (79 años)
Un lugar de muerte La Rochelle
Ciudadanía  Francia
Género retrato [6] , pintura de figura humana [d] [6] y pintura mitológica [6]
Estudios
Estilo academicismo
Premios Comandante de la Orden de la Legión de Honor(1885)
rangos Miembro activo de la Academia de Bellas Artes (1876)
Autógrafo
 Archivos multimedia en Wikimedia Commons

William-Adolphe Bouguereau ( francés  William-Adolphe Bouguereau [ buɡ(ə)ʁo ]; 30 de noviembre de 1825, La Rochelle  - 19 de agosto de 1905, ibíd) - Pintor francés, un destacado representante del academicismo de salón del siglo XIX.

Su obra se puede caracterizar como "la quintaesencia de la pintura de su generación" [8] . Los catálogos incluyen 828 pinturas de Bouguereau, principalmente sobre temas mitológicos, alegóricos y bíblicos [9] . Los investigadores clasifican su obra como el llamado "realismo romántico", ya que, siguiendo los métodos del romanticismo , prefería pintar del natural y reproducía la apariencia de sus modelos con precisión fotográfica [10] . A pesar de ser fiel a los principios académicos, en particular, la primacía del dibujo sobre el color, en la década de 1890 fue influenciado por el simbolismo , que interpretó como un método para revelar la esencia de la persona retratada con la ayuda de pequeños detalles que llevan una semántica. cargar [11] .

Desde 1876 - miembro de pleno derecho de la Academia de Bellas Artes , profesor de la Escuela Superior de Bellas Artes (1888) y de la Academia Juliana (1875). En 1857 fue condecorado con la Medalla de Honor del Salón , comendador de la Orden de la Legión de Honor (1885). Aprovechando el éxito comercial, Bouguereau no aceptó el impresionismo y las nuevas tendencias de las artes visuales y se opuso a ellas sistemáticamente utilizando recursos administrativos. Como resultado, después de su muerte, cayó en el olvido, y durante mucho tiempo solo se reprodujeron en la literatura crítica opiniones negativas sobre su obra, siendo percibido principalmente como un pintor del género desnudo , complaciendo los gustos más bajos. Solo a partir de la década de 1980, cuando cambiaron las actitudes hacia el arte académico de salón, Bouguereau llegó a ser considerado uno de los más grandes pintores del siglo XIX, educando a muchos artistas conocidos, entre ellos Henri Matisse , Felix Vallotton , Jules Adler , Wilhelm Liszt , Dimitri Pachurea y otros.

Convirtiéndose

William-Adolf Bouguereau fue el segundo de ocho hijos de Elie-Sulpice-Théodore Bouguereau y su esposa, Marie-Marguerite-Adeline Bonnin . El cabeza de familia era un pequeño empresario y administraba una bodega de vinos [12] . Según la tradición, Guillermo fue bautizado en la iglesia calvinista , pero a la edad de cinco años se convirtió a la fe católica ante la insistencia de su tío, el sacerdote Eugenio [13] . En 1832, Theodor Bouguereau se mudó a la isla de Re , donde planeó trabajar en el puerto, donde William, de siete años, mostró por primera vez sus habilidades artísticas y pintó con entusiasmo todo lo que tenía que hacer. En ese momento, la necesidad constante obligó a enviar a los niños a ser criados por parientes, William pasó al cuidado de Eugene Bouguereau, el hermano menor de Theodore, que tenía entonces 27 años. El tío sacerdote inculcó en William una fe sincera, así como el amor por la literatura. Eugène Bouguereau ingresó a su sobrino en una escuela de Pont , donde pudo asistir a clases de dibujo y rápidamente logró sus primeros éxitos; enseñó en la escuela de Louis Sage - un estudiante de Ingres [14] .

Cuando William tenía 17 años, su padre mejoró su fortuna en el comercio del aceite de oliva y llamó a su hijo a Burdeos para que aprendiera a hacer negocios. Sin embargo, el hijo quería convertirse en artista y, a pesar de la hostilidad de su padre, sus clientes lo persuadieron para que enviara a William a la Escuela de Bellas Artes de Burdeos , con la condición de que esto no le impidiera aprender a comerciar. . Como resultado, William Bouguereau asistía a clases temprano por la mañana y por la noche, y trabajaba en la tienda durante el día. En 1844 recibió el primer premio de cuadro histórico; los competidores eran estudiantes de la Escuela de Bellas Artes, quienes asistían a clases de tiempo completo [15] . El éxito empeoró mucho la relación entre padre e hijo: William soñaba con mudarse a París para estudiar, pero no había dinero. El tío Eugene pudo encontrar clientes para William, a quienes pintó retratos por una pequeña tarifa; en tres meses Bouguereau Jr. creó 33 retratos y ganó 900 francos [16] . Según algunos informes, William Bouguereau desarrolló etiquetas para frascos de mermeladas, etc., para comerciantes [15] .

En abril de 1846, William Bouguereau, de 21 años, entró en el estudio de François Picot y también, por recomendación suya, en la École des Beaux-Arts . A partir de 1848 compitió por el Prix de Rome , un proceso de selección que no permitía más de 10 alumnos. En 1848, recibió el tercer lugar en el concurso de una pintura de la vida del apóstol Pedro, en 1849, solo el séptimo lugar para una pintura sobre la trama de la Odisea. El artista de 26 años logró su objetivo en 1850: su cuadro “ Zenobia encontrada a orillas del Araxes ” recibió menos votos del jurado que la obra de Paul Baudry , pero como nadie fue enviado a Italia en 1848 debido a los acontecimientos revolucionarios , la Academia Francesa había una vacante [17] . Bouguereau en ese momento vivía con un estipendio de 600 francos, que le pagaba el municipio de La Rochelle, por lo que el mantenimiento de 4.000 francos durante cuatro años le parecía un lujo [16] .

Zenobia fue una participación en la competencia basada en un tema de los Anales de Tácito ; se suponía que representaba la capacidad del artista para pintar varias figuras desde diferentes ángulos. Bouguereau demostró un dominio seguro tanto de la anatomía como de la psicología: no hay figuras idénticas en la imagen, los personajes también se muestran como individuos. Bouguereau mostró la figura de la Zenobia herida en una perspectiva "intermedia" compleja, cuando las figuras congeladas dan la sensación de "una actuación dinámica, donde cada uno improvisa de acuerdo con su papel" (definición de A. A. Shestimirov). Aquí se destaca la figura de un niño desnudo que se sienta sobre la mampostería; este momento atrapó el pincel del artista. Los críticos también señalaron que Bouguereau fue capaz de alcanzar el nivel de habilidad de los siglos pasados, al parecer se inspiró en las escenas del descenso de la cruz , en las que la figura de Jesucristo solía representarse en una perspectiva similar [16] .

Italia

En 1850, junto con Baudry Bouguereau, fue enviado a Roma por 4 años. En la Academia Francesa conoció a G. Boulanger y J. Leneveu , pero sobre todo se hizo amigo del paisajista P. Curzon . Juntos realizaron numerosos viajes por toda Italia, visitando Nápoles , Pompeya , Siena , Perugia , Asís , Florencia , Pisa , Milán , Rávena , etc. En primer lugar, Bouguereau estaba interesado en el Renacimiento en el complejo, pudo visitar casi todos los museos y colecciones privadas, incluidas las más pequeñas. William Bouguereau copió monumentos romanos antiguos y también hizo una réplica de un ciclo completo de murales en la Basílica de San Francesco en Asís . También copió el Triunfo de Galatea de Rafael y el Triunfo de Flora de Tiziano .

Los gustos y preferencias estéticas de Bouguereau tomaron forma en Italia. Llamó a Miguel Ángel , Rafael y Leonardo da Vinci las principales autoridades en la pintura por sí mismo . Botticelli lo consideraba más "nervioso", demasiado excéntrico en sus alegorías, especialmente " Primavera ". También clasificó a Correggio entre los genios , pero negó este estatus a Mantegna , considerando su obra "sin alma" [19] .

Mientras estaba en Roma, Bouguereau esperaba enviar sus lienzos al Salón de París. Una de sus primeras obras independientes fue una gran pintura ( 281 × 225 cm ) " Dante y Virgilio en el infierno ", escrita en el año de su llegada a Roma. Aparentemente, la idea original surgió bajo la influencia de la pintura de Delacroix en una trama similar. Delacroix, al igual que Ingres , Bouguereau figura entre los más grandes artistas del siglo XIX. Justificando, argumentó que lo primordial en su obra fue la sinceridad de la imagen “… de lo que vieron y sintieron, utilizando los medios correspondientes a su ideal, y especialmente la línea” [20] . Volviendo a la trama de Dante, Bouguereau se planteó una tarea extremadamente ambiciosa, especialmente en la transmisión de pasiones que se suponía superarían a Delacroix. Se suponía que el naturalismo haría que los espectadores creyeran en la crueldad de las fuerzas que reinan en el infierno. Sin embargo, la escena suscitó críticas de la crítica y disgusto del público en el Salón de 1850 [21] .

En Padua y Asís, Bouguereau se sumergió en el estudio de la obra de Giotto . De acuerdo con él:

“Giotto fue el primero en liberar la experiencia humana de cualquier motivación teológica, convirtiéndola en un sujeto independiente de representación artística” [22] .

En el arte de Giotto Bouguereau se atraían principalmente los gestos y las imágenes de rostros, ya que descubrió una profunda relación emocional entre la pintura del Protorrenacimiento y la pintura galante francesa del siglo XVIII. Este "descubrimiento" determinó la actividad de Bouguereau para el resto de su vida: creía en el poder del hábito humano, transmitido exteriormente por el gesto. Al representar personas, comenzó a resaltar detalles y movimientos involuntarios. Esto se manifestó en dos pinturas de 1850 y 1851, igualmente llamadas "Idilio". Sus temas y estilo de escritura recuerdan a las pastorales del estilo rococó [23] .

En Roma, Bouguereau ejecutó una serie de grandes lienzos sobre temas religiosos (en particular, el "Triunfo del martirio" en 1854), que atrajeron la atención de las autoridades seculares y eclesiásticas francesas. Al final del viaje de retiro, recibió varios encargos para el diseño de iglesias: la vida de St. Louis para la capilla de Saint-Claus , la vida de St. Peter y Paul y John the Baptist para la iglesia parisina de St. Agustín y muchos otros. También recibió varios encargos para la decoración de las mansiones de A. Bartoloni y E. Pereira, para la primera de las cuales interpretó " Arion sobre un caballito de mar" y "Bacchante". Estas obras demuestran la indudable capacidad del artista para la pintura monumental. Las obras de Bouguereau, expuestas en el Salón de 1857, provocaron una reacción entusiasta de Theophile Gauthier y recibieron una medalla de honor, principalmente por el diseño de la mansión Bartoloni. El resultado fueron órdenes del emperador Napoleón III . Así, en 1857, Bouguereau recibió un encargo oficial para la pintura "El emperador visitando a las víctimas de la inundación de Tarascon en junio de 1856" [24] .

Obras de género de las décadas de 1850 y 1860

En 1856, Bouguereau se casó con Marie-Nellie Montchablon, quien en 1857 dio a luz a una hija, Henriette, la primera de sus cinco hijos. La familia en crecimiento exigía una fuente constante de ingresos, lo que proporcionó un conocimiento del famoso marchante de arte: Paul Durand-Ruel [25] . En ese momento, se demandaban pequeñas pinturas que representaban a mujeres con trajes típicos y varias escenas de género, en su mayoría familiares. Tales obras dominaron la colección del propio Durand-Ruel, y esto abrió una nueva dirección en el trabajo de Bouguereau.

Es imposible establecer qué tipo de impresión o evento formó la base de la pintura "Memorial Day of the Dead". Durante ese período, las obras de género de Bouguereau se basaban necesariamente en un evento o asociación específica. Lo mismo se aplicaba a las obras decorativas: el famoso panel " Danza " era básicamente una interpretación libre del fresco "Aurora" de Guido Reni . Hay una versión de que la Piedad de Miguel Ángel fue la inspiración para el "Día del Recuerdo" . La composición de la pintura es compleja, dos figuras entrelazadas forman un triángulo, por lo que toda la composición se vuelve monumental. Según A. Shestimirov, las manos adquieren una expresividad especial en el contexto de la ropa de luto; los dedos entumecidos expresan dolor no menos que el rostro de la madre [26] .

Los idilios de Bouguereau pertenecen a principios de la década de 1860, que se convirtieron en la respuesta a su polémica con Jean Millet , quien, allá por 1857, presentó en el Salón el cuadro “Los recolectores de orejas ” y continuó en 1859 retratando el duro trabajo campesino. . Bouguereau trató de oponer la naturaleza ideológica del arte de Millet con escenas de felicidad familiar. A diferencia de los realistas, los modelos profesionales posaron para Bouguereau, lo que hizo posible llevar a cabo el principio básico del academicismo incluso en un escenario popular simple: el arte, por definición, representa el mundo de la belleza, no el feo, el mundo de la armonía y la vida eterna. -afirmación de valores [27] .

En 1861, nació la segunda hija, Jeanne, de los esposos Bouguereau, lo que sumergió casi por completo al padre de familia en las mejoras del hogar; en 1862 Bouguereau pintó sólo dos cuadros, ambos de contenido mitológico [28] . De estas dos obras , Orestes Perseguido por las Erinias recibió la mayor fama . Como en el caso de Dante y Virgilio, el artista se sintió atraído por el tema del duelo y las pasiones desenfrenadas. La inspiración artística esta vez fue alimentada por la composición de Miguel Ángel "La creación de Adán ", en cualquier caso, la mano de Eriny con el dedo índice extendido se asemeja a la mano del Dios de los ejércitos. Sin embargo, el significado de los gestos es exactamente el contrario: el Dios del Antiguo Testamento transfirió a Adán parte de Su poder, mientras que en la mitología antigua las Erinias le quitaron el poder a Orestes, apelando al mismo tiempo a la conciencia de la madre asesina. . A pesar del éxito del Salón, Bouguereau no pudo vender el cuadro durante siete años, hasta que en 1870 fue adquirido por el marchante estadounidense S. Avegi [29] .

En 1864, Bouguereau presentó por primera vez al público su obra en el género del desnudo : se trataba de La bañista. La composición francamente erótica parece haberse inspirado en el Salón de 1863, donde se presentaron abundantes obras de este tipo, entre las que destacaba El nacimiento de Venus de Cabanel , inmediatamente comprada por el Emperador. A pesar de las críticas entusiastas de los críticos de la época, A. Shestimirov señaló que la Venus de Cabanel se pintó en un estudio y luego se colocó en un paisaje marino, y la superficie del mar se parece más a un "pavimento liso y liso" [29] . Bouguereau, en su trabajo, recurrió a los descubrimientos teóricos de los maestros del Renacimiento, en primer lugar, Leon Battista Alberti , quien aconsejó a los pintores observar estrictamente las gradaciones de claroscuro, evitando los contornos nítidos. De esta forma, a pesar de las convenciones del paisaje de fondo, Bouguereau consiguió la unidad de la figura femenina con el entorno [30] .

La estética de este y otros desnudos similares de Bouguereau fue descrita por Theodore Dreiser en su novela autobiográfica " Genius ":

Las imágenes favoritas de Bouguereau no eran criaturas cursis, en miniatura, frágiles, desprovistas de fuerza y ​​pasión, sino hermosas mujeres de pura sangre, con líneas voluptuosas en el cuello, los brazos, el pecho, las caderas y las piernas, mujeres creadas para encender un fuego febril en el sangre de un joven. El artista sin duda entendió y conoció la pasión, amó la forma, la sensualidad, la belleza… [31]

El tema de la maternidad

En la década de 1860, Bouguereau volvió al tema de la maternidad, que parece haber sido influenciado por Millet. Sin embargo, las imágenes de Bouguereau diferían fundamentalmente en la interpretación del tema y su solución artística. En primer lugar, Millet Bouguereau contrastó la generalización de las imágenes con la representación más detallada de los rostros, mostrando la dignidad y los rasgos individuales de los personajes. En las pinturas de Bouguereau no hay atributos de trabajo duro, y como es habitual en el arte académico, la forma prevalece sobre el contenido [32] . El método de trabajo no se desarrolló de inmediato, el artista utilizó inicialmente formas clásicas para idilios y no se dio cuenta de inmediato de las posibilidades de representar un ambiente relajado. Si Millet puso a sus modelos en la pose que necesitaba, entonces Bouguereau, trabajando con mujeres y niños pequeños, les permitió jugar, pelear, dar saltos mortales, etc. fugaces: franqueza de la vista y del gesto, impulsos subconscientes. La naturalidad de la trama aseguró su entretenimiento y fue apreciada por los compradores [33] .

La primera pintura sobre el tema de la maternidad, "Madre e hijo", se completó en 1861. La composición se basó en la imagen canónica de la Virgen tal como fue interpretada por los maestros del Renacimiento, en particular, como en Rafael, la madre está representada a medio girar. En los modelos, Bouguereau siempre enfatizó la corrección de los rasgos faciales y la dignidad de la figura. Además de las madres, Bouguereau retrató voluntariamente a las hermanas mayores, por ejemplo, en la pintura del mismo nombre " Hermana mayor " (1869), el artista trató de recrear un retrato psicológico de una niña no infantilmente seria que cuidaba a un pequeño niño. Sus propios hijos posaron para él: la hija mayor, Henrietta, y el hijo pequeño, Paul. En la pintura de 1868 "Pastoral" Bouguereau, no satisfecho con las posibilidades de la composición clásica, trató de encontrar otros medios expresivos, recurriendo a la antigüedad. Como resultado, la escena familiar (la madre baila con los niños acompañada de su hermana menor, el padre con barba los observa) resultó ser dinámica, pero el autor no quedó satisfecho, pues con el paso de los años comenzó a esforzarse por mostrar la realidad real, en la que él sería sólo un observador externo [34 ] .

Bouguereau logró realizar estos planes en 1869, cuando pintó varios cuadros (incluidos "Ramo de uvas" y "Delicia de la madre"), que se distinguen por una composición libre, sus heroínas, completamente absorbidas por sus hijos, no miran al espectador. . Y en el futuro, Bouguereau volvió repetidamente al tema de la maternidad y la ternura de las relaciones familiares. A veces, este género se cruzaba con imágenes de personas pobres y desfavorecidas, incluidos los gitanos [35] .

En 1866, cuando Bouguereau estaba trabajando en la pintura de la iglesia de St. Agustín, su segunda hija Jane murió. El artista respondió con varias pinturas sobre el tema del dolor, incluida "Oración", donde una joven madre y su hija, sosteniendo una vela juntas, rezan por la salud de un niño enfermo. La imagen recuerda nuevamente a los maestros del Renacimiento. Las lágrimas se muestran en varios retratos de niñas y gitanas en 1867 [36] . Como diversión, a fines de la década de 1860, Bouguereau viajó mucho, visitando Suiza y Bélgica; de las provincias francesas, viajó con mayor frecuencia a Bretaña . Los ingresos le permitieron en 1868 construir una gran casa con un estudio en el barrio artístico de Montparnasse , Emile Durand , Rose Bonheur y James Whistler vivieron y trabajaron cerca [28] .

Género y trabajos académicos de las décadas de 1870 y 1880

Con el estallido de la guerra franco-prusiana, Bouguereau evacuó a su familia a Bretaña, pero él mismo permaneció en París. Durante el sitio de la ciudad , se incorporó a la Guardia Nacional como soldado raso; tras la proclamación de la Comuna de París , sin embargo, huyó a La Rochelle, donde se reunió con su familia. La familia regresó a la capital solo en septiembre de 1871. No es de extrañar que en el Salón de 1870 presentó la única obra: fue The Bather, que reprodujo la famosa estatua antigua de Venus Anadyomene . Este cuadro abrió una gran serie de obras en el género del desnudo, que se convirtió en decisiva para Bouguereau en la década de 1870 [37] .

La pintura de 1873 " Ninfas y sátiros " se convirtió en un hito. El enorme lienzo ( 260×180 cm ) no era una ilustración de ninguna trama separada de la literatura y la mitología antiguas, su trama era una fantasía sobre el tema de la seducción. Probablemente, de esta forma, se manifestó un compromiso entre las aspiraciones creativas del artista y las demandas del público. Analizando las razones del fracaso en el Salón de Dante y Virgilio y Orestes perseguido por las Erinias, Bouguereau escribió:

Yo… entendí que los cuadros con tramas terribles, salvajes, heroicas, eran mal comprados, porque el público prefería venus y cupidos [38] .

Es decir, hubo una crisis del género académico: tradicionalmente, la Escuela de Bellas Artes y la Academia declararon que el género artístico supremo es la pintura histórica y alegórica, mientras que el público que visitaba el Salón estaba acostumbrado al desnudo y apreciaba la impecable representación de la belleza femenina. Sin embargo, Bouguereau se mantuvo fiel a sí mismo y mostró la seducción del sátiro como danza y lucha. La interpretación de la seducción precisamente como danza erótica se convirtió más tarde en un tema constante en la pintura de Bouguereau [39] . Un ejemplo llamativo es el lienzo "Flora y Zephyr", posiblemente basado en el ballet Didlo con la música de Cavos ; la seducción aquí fue interpretada como una embestida dinámica y decisiva, y la Flora semidesnuda con la cabeza gacha "da al cuadro una atracción sensual" [39] .

El cuadro "Regreso de la cosecha" parece estar estrechamente relacionado con la iconografía de la huida a Egipto , pero en su composición se utiliza el motivo de la danza [40] . Quizás la trama de la imagen esté relacionada con las festividades báquicas. Esta trama se desarrolló aún más en la pintura de múltiples figuras de 1884 La juventud de Baco [41] .

Bouguereau no rehusó de la temática campesina iniciada en años anteriores. Ahora fue interpretado en el espíritu del sentimentalismo de Greuze . Las campesinas de Bouguereau se caracterizan por su propia dignidad; a diferencia de los modelos de Millet, no causan piedad, y la miseria intelectual tampoco es característica de ellos. El rechazo de Bouguereau a la generalización de imágenes y escenas de trabajo duro fue la posición de principio del artista: el público del Salón quería ver imágenes familiares para ellos de pinturas y obras de teatro del género pastoril ("La Pastora ") [42] . Bouguereau volvió periódicamente al tema campesino hasta el final de su vida; tales obras se caracterizan por una cierta recurrencia de tramas, pero todas ellas se distinguen por una fina artesanía en la representación de rostros, manos, piernas, pies y textura de la piel [43] .

Bouguereau continuó trabajando en los géneros de la pintura histórica y alegórica tradicional para la dirección académica. Un ejemplo llamativo es su pintura "Arte y literatura". La composición pareada en altura humana (el formato de la imagen es de 200 × 108 cm ) se distingue por una precisión de escritura casi fotográfica, y se utilizan colores vivos, que no son muy característicos de la forma del artista [42] .

La mitad y la segunda mitad de la década de 1870 resultaron ser las más difíciles emocionalmente para Bouguereau: hubo una serie de pérdidas en su familia. En 1875, a la edad de 16 años, el hijo mayor de Bouguereau, Georges, enfermó y murió. En octubre de 1876 nació el tercer hijo, Maurice; sin embargo, la esposa del artista, de 40 años, murió a principios de abril de 1877 por complicaciones posteriores al parto. El hijo pequeño murió en junio del mismo año [44] . El estado en que vivía el artista lo impulsó a la pintura religiosa. Una de las pinturas religiosas más penetrantes de su obra fue "Piedad", basada en el grupo escultórico de Miguel Ángel de la Catedral de St. Pedro en Roma. No comenzó a desarrollar la tradición renacentista de representar a la Madre de Dios contra el telón de fondo de la ciudad de Jerusalén; rodeando a la Virgen María con ángeles, el artista enfatizó que la muerte de Cristo fue la catástrofe personal más profunda. Después de la muerte de su esposa, Bouguereau escribió "Nuestra Señora de la Consolación", en la que presenta a María como intermediaria entre el dolor de una madre que vive la muerte de un bebé, y el Cielo [45] . El artista utilizó posteriormente el tema de este cuadro en muchas de sus obras, introduciendo elementos extraídos de la pintura renacentista. Entonces, en "Misericordia" en 1878, representó una jarra volcada llena de monedas de oro y plata, pisoteada por el pie izquierdo de la madre, enfatizando que los niños son más valiosos que el dinero. Los libros en los que se apoya el niño expresan el deseo de la madre de educar a sus hijos. Simples alegorías llevaron posteriormente a serias búsquedas creativas de Bouguereau [46] . Un conocido crítico de arte estadounidense de la época, Earl Shinn (1838-1886), escribió sobre Mercy:

A Bouguereau se le suele reprochar la uniformidad y pulimento de la escritura para conseguir la tersura del cuadro acabado, lo que convierte la perfección en un inconveniente. Pero para este tema, la suavidad del diamante de la superficie ayuda a la impresión: "Misericordia" parece invulnerable, como debe ser [47] .

Bouguereau y el género desnudo

A partir de 1875, Bouguereau comenzó a enseñar en la Académie Julian privada . Entre los que vinieron a estudiar a su estudio a lo largo de los años estaban Henri Matisse , Othon Frise , Edmund Tull , Gustave Jaquet , Paul Chabas , Emilie Dejeux , Pierre Auguste Cote , Albert Lynch , Peter Mönsted , José Julio de Souza Pinto , Nasreddin Diene , Jorge Clausen . En 1876, el artista fue elegido miembro vitalicio de la Academia de Bellas Artes , y seis meses después se le otorgó el grado de oficial de la Orden de la Legión de Honor . En diciembre de 1877, Bouguereau conoce a la estadounidense Elizabeth Jane Gardner , que se convierte en su primera alumna y amante. Al matrimonio se opuso la hija mayor del artista y su madre, pero William y Elizabeth se casaron en secreto en mayo de 1879. Oficialmente, no pudieron anunciar su matrimonio hasta 1896 [44] .

En el mismo año, 1879, Bouguereau se puso a trabajar en un gran lienzo sobre el tema "El nacimiento de Venus ". La elección del tema puede deberse a la rivalidad con Cabanel, cuya pintura fue durante muchos años considerada el estandarte de la pintura académica. Bouguereau se caracterizó generalmente por un sentido de rivalidad y un deseo de superar a cualquiera de sus contemporáneos, como fue el caso de Millet [48] .

"El nacimiento de Venus" en términos de escritura e imágenes está más cerca no del Renacimiento, sino del Rococó y la obra de Francois Boucher . Al representar el desnudo, Bouguereau se guió por los logros de Ingres, "poblando" la imagen con muchos personajes mitológicos, y los cuerpos de los putti apenas se detallan, y la vaguedad de los contornos sugiere su incorporeidad. Bouguereau, a diferencia de Botticelli y Cabanel, abandonó la representación de la línea del horizonte y rodeó las figuras con una luz blanca sobrenatural, lo que se asocia con la idea de la purificación divina [49] . La pintura fue recibida con frialdad por la crítica: por ejemplo, Huysmans escribió que Bouguereau "inventó la pintura carbonatada" [50] , esta actitud no ha cambiado mucho en las décadas siguientes [51] . Con El nacimiento de Venus, Bouguereau comenzó a pintar constantemente lienzos que representaban desnudos. Recurrió a este género de vez en cuando desde la década de 1860, pero ahora la pintura erótica tenía una gran demanda. En total, alrededor del diez por ciento de todas las pinturas de Bouguereau representan el desnudo [52] . En 1880, se escribió The Girl Defending Eros , la heroína de la imagen está tratando de proteger su virginidad de la flecha de Eros, pero el cardo representado al pie de la piedra (un símbolo de pérdidas inminentes durante la lucha) insinúa que ella no tendrá éxito Una adición a esta trama fue la imagen "El primer beso (Cupido y Psique en la infancia)", cuyos personajes se colocaron en las nubes para elevar sus sentimientos en el sentido literal. La trama de la pintura se basó en una fuente literaria, pero no era un cuento de hadas de la novela de Apuleyo , sino el poema de Lafontaine "El amor de Psique y Cupido". La culminación de este tema fue en 1895 el cuadro " El rapto de la psique " [53] .

A principios de la década de 1880, Bouguereau escribió una serie de alegorías dedicadas a los momentos del día, en las que lograba una armoniosa combinación de sensualidad y lirismo. Sirvieron como transición a pinturas que estaban completamente desprovistas de marcos mitológicos o asociaciones alegóricas. En 1884, Desnudos sentados y Bañistas se escribieron de esta manera. En estas obras, Bouguereau mostró el encanto del cuerpo femenino tomado por sí mismo; sin embargo, hay opiniones de que estas figuras deberían haber jugado el papel de una ayuda visual para enseñar a los estudiantes. En una conferencia pronunciada en 1885 en el Institut de France, William Bouguereau, entre otras cosas, declaró:

El arte antiguo muestra qué fuente inagotable de inspiración se encuentra en un número relativamente limitado de elementos: la cabeza, el busto, los brazos, el torso, las piernas y el estómago de una persona. ¡Cuántas obras maestras se han creado donde sólo se usan ellas! ¿Por qué entonces buscar otros temas para la pintura o la escultura? [54]

En el Salón de 1886, el lienzo “Retorno de la primavera”, dedicado al tema del nacimiento del amor, provocó un gran escándalo: el artista fue acusado de “inmoralidad”. En 1890, la pintura fue comprada en los EE. UU. y transportada a Omaha , donde uno de los espectadores incluso intentó destruir la pintura "para proteger la dignidad de la mujer" [55] . El artista lo pasó mal con incidentes de este tipo; estaba orgulloso de esta imagen y en una de sus cartas a su yerno aseguraba que “la pose y la expresión de la joven, creo, son absolutamente correctas” [55] . Las ideas que subyacen en El regreso de la primavera fueron utilizadas activamente por Bouguereau en la década de 1890. Típica aquí es la pintura "La invasión del reino de los cupidos", pero los críticos, reconociendo el alto nivel de habilidad, lo culpan por "variaciones interminables de la misma trama azucarada" [56] . Kenneth Clark describió los desnudos de Bouguereau como "abiertamente voluptuosos" y al mismo tiempo que embellecen la realidad [57] .

Una serie de pinturas con niños alados, realizadas entre 1880 y 1890, se reconoce como más original. Estas pinturas eran a menudo anecdóticas en el tema y combinaban "un deleite abierto de la ternura de la carne con un tema fantasmagórico". Fueron estas obras las que crearon la reputación de Bouguereau como artista que complacía el gusto promiscuo de los burgueses ricos [58] . Lógicamente, esto llevó a la creación de las pinturas del programa "Regalos de amor" (1893) y "Rapto" (1897). El artista envejecido trató de transmitir claramente su idea a la audiencia: el mundo será salvado por el amor, pero su personificación no es un Cupido valiente y belicoso, sino un niño delgado [58] .

Trabajo posterior

William Bouguereau fue un partidario constante del academicismo y del “romanticismo ideal” durante toda su vida, pero en la década de 1890, en varias de sus obras, apareció un nuevo método para revelar la esencia de la persona representada, que surgió bajo la influencia indudable del simbolismo . . Estaba lejos de la idea de visualización de los sueños, expresada por los teóricos del simbolismo, así como no podía negarse a seguir exactamente la naturaleza para crear imágenes deseables, como Gauguin o Moreau . Aparentemente, fue el más cercano a Rossetti , viendo la cercanía del simbolismo de su época y el simbolismo de los viejos maestros europeos, lo que permitió complementar lo representado o transmitir su significado más íntimo. Bouguereau utilizó este tipo de método principalmente en sus obras del género "campesino", sin embargo, hay motivos similares en la pintura sobre la trama antigua "Obra interrumpida". Un ovillo en manos de una niña significa sueños que la alejan del verdadero camino de la vida [11] .

Una de las primeras obras en las que las experiencias de la heroína se transmitieron a través de símbolos fue la pintura "La jarra rota". Aunque se desconoce la causa del dolor de la niña, la tensión se transmite por manos fuertemente apretadas, que en las obras de las décadas de 1860 y 1870 habrían sido suficientes para caracterizar el mundo interior. Sin embargo, los detalles de la imagen dan muchas pistas: un diente de león amarillo en el borde derecho de la imagen significa separación, y una jarra rota significa tanto la pérdida de la virginidad como el colapso de las esperanzas [11] . Muchas pinturas de la década de 1890 están marcadas con símbolos similares: "Niña con manzanas", "Niña con limones", "Margaritas" y otros. Las flores y los frutos simbolizan la bondad y la inocencia, la frescura y la fe [11] .

Durante este período, a instancias de sus marchantes y clientes adinerados, Bouguereau recurre al género del retrato, aunque ya en la década de 1850 experimenta con sus numerosos familiares. La mayoría de estos retratos se conservan en colecciones privadas, el único "Retrato de la Condesa de Cambacérès" se presenta en el museo estatal. Difiere marcadamente de las obras de género del artista, ya que la modelo está restringida internamente y desprovista de naturalidad, a pesar de la impecable interpretación de su apariencia y vestido de seda. Sin embargo, los estudios supervivientes, como el "Retrato de Gabrielle Cote" (hija de uno de los alumnos de Bouguereau ), se consideran entre los mejores ejemplos del retrato francés [59] .

En los últimos veinte años de su vida, Bouguereau participó más activamente que antes en la vida pública. En 1883, fue elegido presidente de la Asociación Baron Taylor , que apoya a los artistas necesitados y sus familias. En 1885, se convirtió en Comandante de la Legión de Honor, y en 1886, gracias a sus esfuerzos, tuvo lugar una exposición póstuma de la obra de su amigo Paul Baudry. En 1892 comenzó a exponer regularmente en Londres, en la Royal Academy of Arts . En 1894, Bouguereau fue elegido vicepresidente de la Exposición Internacional de Amberes y miembro del jurado de la sección de pintura. En 1898, en un banquete ofrecido por el alcalde de Londres, organizó una exposición de artistas franceses en la Galería Gouldhall, que tuvo cierto efecto en el mercado del arte victoriano. En 1901, Bouguereau fue invitado a un banquete oficial en honor de la visita a Francia del emperador ruso Nicolás II y la emperatriz [60] .

El estatus oficial permitió a Bouguereau entrar en una discusión sobre nuevas direcciones del arte, que no aceptó categóricamente, después de lo cual él, como otros pintores académicos de su generación, comenzó a ser percibido como un completo reaccionario. El propio Bouguereau lo expresó así:

Acepto y respeto todas las escuelas de pintura, que se basan en un estudio sincero de la naturaleza, la búsqueda de la verdad y la belleza. En cuanto a los místicos, impresionistas, puntillistas , etc., no veo como ellos ven. Esta es la única razón de mi opinión negativa sobre ellos [61] .

La pintura de William Bouguereau en la última década de su vida avanzó poco. La memoria de Baudry estuvo dedicada a varias imágenes de mujeres desnudas en el contexto de una ola que se aproxima, una de sus últimas pinturas fue "Oceanid" (1905). Allá por 1902, Bouguereau presentó La joven sacerdotisa, aparentemente una réplica del artista francés sobre los problemas de la pintura académica victoriana de ese período. Las imágenes de mujeres modernas con cortinas antiguas y lujosos muebles fueron los personajes de los principales académicos ingleses de la época: Alma-Tadema y Godward . La armonía del rosa y el blanco correspondía a la estética del " arte por el arte " que se difundió en Inglaterra [62] [60] .

En julio de 1905, el artista de 79 años volvió a su casa en La Rochelle, donde murió el 19 de agosto. Cinco días después, con los honores debidos al comandante de la Legión de Honor, fue enterrado en el cementerio de Montparnasse en París [10] .

Legado y calificaciones

William Bouguereau fue un artista prolífico que produjo más de 800 pinturas a lo largo de su vida, algunas de ellas gigantescas. El método creativo y la técnica del pintor finalmente tomaron forma en la década de 1860. El proceso de pintar un cuadro incluía varias etapas, en la primera de las cuales se realizaba un boceto primario a lápiz o carboncillo (con base blanca). Luego comenzó la escritura de bocetos al óleo, en los que se elaboraron gradaciones de color, y los estudios colorísticos en realidad representaban una imagen abstracta. Luego vino el turno del desarrollo detallado de rostros, partes de la figura, ropa y drapeados. Bouguereau trabajó muy rápido: un estudio no le tomó más de 3 a 4 horas, la mayoría de las veces no requerían correcciones y se transfirieron sin cambios a la versión final de la imagen. El suelo para todos los bocetos tenía que coincidir con el suelo de la versión final. Una de las etapas importantes del trabajo preparatorio fue la escritura de cartulinas , como él denominaba bocetos compositivos. Sólo después de trabajar los detalles comenzó la escritura del lienzo principal [63] . Al igual que los viejos maestros, Bouguereau usó desecantes en su trabajo , así como barnices, cuya composición ocultó cuidadosamente no solo a sus colegas, sino también a sus alumnos. Casi ninguno de ellos siguió la dirección desarrollada por el maestro. Hay un conflicto bien conocido entre Bouguereau y Matisse , a quien el maestro aconsejó "no solo estudiar la perspectiva con más cuidado, sino también aprender a sostener un lápiz en las manos". Como todos los académicos, Bouguereau consideraba que el dibujo era la base de la técnica pictórica y, en general, rechazaba la teoría, insistiendo en que la experiencia solo llega con la práctica continua. El estilo de la pintura de Bouguereau recuerda solo el trabajo de su alumna y esposa, Jane Gardner .

En la vida privada, Bouguereau no tenía pretensiones y era propenso al ascetismo. P. Veron escribió que en todo, incluso en la ropa, “muestra una tendencia a la simplicidad tosca”. Bouguereau trabajó de una vez por todas de acuerdo con una rutina, que no debe violarse incluso en caso de enfermedad. “Invariablemente todos los días se sentaba a trabajar a la hora señalada y escribía durante cierto número de horas. Algún estadístico llegó a afirmar que en todas las estaciones del año Monsieur Bouguereau da el mismo número de pinceladas .

Para los contemporáneos Bouguereau fue uno de los más grandes pintores del siglo XIX, sus cuadros fueron muy cotizados, fueron adquiridos por coleccionistas en USA, Bélgica, Holanda y España; en especial muchas pinturas fueron adquiridas por coleccionistas americanos, en USA Bouguereau tenía la más alta reputación, sus obras se exhiben en 70 museos de este país, sin contar las colecciones privadas [66] . Sin embargo, ya en las últimas décadas de su vida fue objeto de duras críticas por parte de los impresionistas, Edgar Degas incluso introdujo el término despectivo fr.  Bouguereauté , que denota un estilo artístico que tiende a suavizar superficies y trazos [67] . Inmediatamente después de su muerte, Bouguereau se convirtió en un paria en el mundo del arte, sus obras fueron enviadas a los almacenes de los museos; los críticos de la era de las vanguardias estaban especialmente molestos por la orientación comercial de su trabajo y la adicción al desnudo [68] . El crítico Pierre Veron escribió en 1881:

Nada es más del gusto del burgués pacífico que un cuadro sin originalidad. Inmediatamente entenderá tal imagen, y le dará placer; mientras que los audaces intentos de los recién llegados confunden decisivamente a los burgueses [69] .

P. Gnedich se expresó aún más agudamente , proclamando el estilo de Bouguereau "un cruce entre Winterhalter , Boucher y Fragonard ", y las tramas "plantilla" y siendo "broma infantil" [71] . En la crítica de arte soviética, hubo opiniones aún más extremas, por ejemplo, A. Chegodaev incluyó a Bouguereau (junto con otros artistas de su generación, Jerome , Cabanel , Meissonier ) - en una serie de personas que "crearon mediante esfuerzos conjuntos un uno- único en su especie, único en su apariencia de vulgaridad condensada cultura artística" [72] .

La primera retrospectiva de su obra tras la muerte de Bouguereau, percibida en parte como una curiosidad, se celebró en 1974 en Nueva York. El organizador de la exposición y su comisario Robert Isaacson (1927-1998) se esforzaron mucho por rehabilitar a Bouguereau y sus contemporáneos. Isaacson publicó un catálogo de la exposición en 1974. En 1984, el Museo de Montreal organizó la primera exposición enciclopédica de Bouguereau, que también se mostró en París, en el Musée Petit Palais . A partir de ese momento, la obra de Bouguereau comenzó a ser valorada en el mercado de antigüedades. Si en las primeras ventas en 1977 el costo de sus obras no superaba los $10.000, para el 2005 había superado los $23.000.000 [73] .

Muchos esfuerzos para rehabilitar Bouguereau fueron realizados por el coleccionista estadounidense Fred Ross, quien en 2000 creó una asociación de coleccionistas y expertos Art Renewal Center . El Centro Ross mantiene un sitio del mismo nombre con una colección virtual de pinturas del salón-dirección académica. En el verano de 2006, el Museo Getty organizó un debate sobre el lugar y el papel de William Bouguereau en la historia del arte. Asistieron destacados expertos, incluidos Gerald Ackerman (profesor jubilado de Pomona College ) y Scott Schaefer, curador del museo. La discusión mostró una fuerte polarización de opiniones, sus participantes no llegaron a un acuerdo: los partidarios del arte académico de salón enfatizaron la habilidad de Bouguereau y su capacidad para "llegar" a un espectador común, así como para encontrar profundidad en las cosas y tramas más ordinarias. Los defensores de las tendencias modernistas establecieron paralelismos entre las tramas de los académicos y el kitsch moderno . La discusión también mostró que ni los artistas ni los críticos de arte tienen criterios objetivos para evaluar las obras de arte [74] . En 2012, F. Ross publicó un compendio de dos volúmenes de Damien Bartoli, quien murió en 2009. Incluye un catálogo de 828 obras de Bouguereau (excluyendo estudios y material preparatorio) y una biografía suya de 600 páginas. A pesar de la naturaleza fundamental de la publicación, los críticos notaron su naturaleza francamente apologética. Esto se debe a que en los museos estatales solo hay 127 obras de Bouguereau, es decir, alrededor del 20% de su patrimonio creativo; el resto de sus obras están disponibles para su reventa y determinan gradualmente el estado del mercado de la pintura del siglo XIX [75] [76] .

Comentarios

  1. ↑ Esta es la única obra de Bouguereau en colecciones de museos en Rusia. Los personajes del cuadro, con ligeras modificaciones, son tomados por Bouguereau del cuadro de 1856 El regreso de Tobías, conservado en el Museo de Dijon . La pintura perteneció a N. A. Kushelev-Bezborodko y fue comprada directamente en el estudio del artista, exhibida en San Petersburgo en 1861, e ingresó al Museo Estatal del Hermitage en 1922 procedente de la Academia de las Artes [70] .

Notas

  1. ↑ RKDartists  (holandés)
  2. ↑ William Adolphe Bouguereau  (francés) - ministère de la Culture .
  3. ↑ 1 2 William Adolphe Bouguereau  (inglés) - OUP , 2006. - ISBN 978-0-19-977378-7
  4. ↑ William Adolphe Bouguereau  (holandés)
  5. ↑ William-Adolphe Bouguereau // Enciclopedia Británica 
  6. ↑ 1 2 3 http://www.artnet.com/artists/william-adolphe-bouguereau/
  7. ↑ AGORHA  (fr.) - 2009.
  8. ↑ Gracia Gluck. Para Bouguereau, el arte era estrictamente "lo bello" . The New York Times (6 de enero de 1985). Consultado el 28 de agosto de 2015. Archivado desde el original el 26 de junio de 2015.
  9. ↑ Fred Ross. Guillermo Bouguereau. GENIUS RECLAIMED  (Inglés)  (enlace no disponible) . Centro de Renovación del Arte. Consultado el 28 de agosto de 2015. Archivado desde el original el 18 de septiembre de 2015.
  10. ↑ 1 2 Shestimirov, 2009 , pág. 45.
  11. ↑ 1 2 3 4 Shestimirov, 2009 , pág. 43.
  12. ↑ Wissman, 1996 , pág. 3.
  13. ↑ Shestimirov, 2009 , pág. 5-6.
  14. ↑ Shestimirov, 2009 , pág. 6.
  15. ↑ 12 Wissman , 1996 , pág. once.
  16. ↑ 1 2 3 Shestimirov, 2009 , pág. 6-7.
  17. ↑ Wissman, 1996 , pág. 12
  18. ↑ Wissman, 1996 , pág. 14-21.
  19. ↑ Shestimirov, 2009 , pág. 9.
  20. ↑ Vachon, 1900 , pág. 140.
  21. ↑ Shestimirov, 2009 , pág. 10-12.
  22. ↑ Lazarev, 1972 , pág. 53.
  23. ↑ Shestimirov, 2009 , pág. 12
  24. ↑ Shestimirov, 2009 , pág. 14-15.
  25. ↑ Wissman, 1996 , pág. 13
  26. ↑ Shestimirov, 2009 , pág. 15-16.
  27. ↑ Shestimirov, 2009 , pág. 16-17.
  28. ↑ 12 Wissman , 1996 , pág. catorce.
  29. ↑ 1 2 Shestimirov, 2009 , pág. Dieciocho.
  30. ↑ Shestimirov, 2009 , pág. 19
  31. ↑ Dreiser, T. Genius: una novela // Recopilado. Op. en 12 vols. - T. 6. - M., 1973. - S. 57.
  32. ↑ Shestimirov, 2009 , pág. 19-20.
  33. ↑ Shestimirov, 2009 , pág. 21
  34. ↑ Shestimirov, 2009 , pág. 22-23.
  35. ↑ Shestimirov, 2009 , pág. 24
  36. ↑ Shestimirov, 2009 , pág. 25
  37. ↑ Shestimirov, 2009 , pág. treinta.
  38. ↑ Wissman, 1996 , pág. 79-83.
  39. ↑ 1 2 Shestimirov, 2009 , pág. 31
  40. ↑ Wissman, 1996 , pág. 51.
  41. ↑ Shestimirov, 2009 , pág. 32.
  42. ↑ 1 2 Shestimirov, 2009 , pág. 27-28.
  43. ↑ Wissman, 1996 , pág. 112.
  44. ↑ 12 Wissman , 1996 , pág. quince.
  45. ↑ Shestimirov, 2009 , pág. 33.
  46. ↑ Shestimirov, 2009 , pág. 34.
  47. ↑ Wissman, 1996 , pág. 69.
  48. ↑ Shestimirov, 2009 , pág. 36.
  49. ↑ Shestimirov, 2009 , pág. 36-38.
  50. ↑ Lemoine, 2004 , pág. 153.
  51. ↑ Lobo, 2012 , pág. sesenta y cinco.
  52. ↑ Shestimirov, 2009 , pág. 47.
  53. ↑ Shestimirov, 2009 , pág. 39.
  54. ↑ Wissman, 1996 , pág. 86.
  55. ↑ 12 Wissman , 1996 , pág. 94.
  56. ↑ Shestimirov, 2009 , pág. 41.
  57. ↑ Clark K. La desnudez en el arte: un estudio de la forma ideal / Per. del inglés: M. V. Kurennoy y otros - San Petersburgo. : ABC Clásicos, 2004. - S. 191.
  58. ↑ 1 2 Shestimirov, 2009 , pág. 42.
  59. ↑ Shestimirov, 2009 , pág. 44.
  60. ↑ 1 2 Shestimirov, 2009 , pág. 44-45.
  61. ↑ Shestimirov, 2009 , pág. cuatro
  62. ↑ Lobo, 2012 , pág. 105.
  63. ↑ Shestimirov, 2009 , pág. 20-21.
  64. ↑ Shestimirov, 2009 , pág. 46-47.
  65. ↑ Verón, 1881 , pág. 131.
  66. ↑ Wissman, 1996 , pág. 103.
  67. ↑ Wissman, 1996 , pág. 9.
  68. ↑ Shestimirov, 2009 , pág. 5, 47.
  69. ↑ Verón, 1881 , pág. 130.
  70. ↑ Berezina, 1983 , pág. 82.
  71. ↑ Gnedich, 2014 , pág. 96.
  72. ↑ Chegodaev, A. Artículos sobre el arte de Francia, Inglaterra, EE. UU. - M.: Arte, 1978. - S. 167.
  73. ↑ Carly Berwick. ¿Quién está comprando todos esos Bouguereaus?  (Inglés) . The Sun (20 de junio de 2005). Consultado el 28 de agosto de 2015. Archivado desde el original el 16 de septiembre de 2015.
  74. ↑ El gran debate de Bouguereau. 6 de junio de 2006  (inglés)  (enlace no disponible) . El Centro de Renovación del Arte. Consultado el 28 de agosto de 2015. Archivado desde el original el 30 de enero de 2013.
  75. ↑ La biografía y el catálogo razonado completo de William Bouguereau a la venta esta semana  . arte a diario. Consultado el 3 de septiembre de 2015. Archivado desde el original el 22 de marzo de 2014.
  76. ↑ Scott C. Allan. Reseña de Damien Bartoli, con Frederick C. Ross, William Bouguereau  . Arte del siglo XIX en todo el mundo. Consultado el 3 de septiembre de 2015. Archivado desde el original el 28 de octubre de 2016.

Literatura

Enlaces

 Guillermo Bouguereau
  Ir al elemento de Wikidata  sitios temáticos
diccionarios y enciclopedias
Genealogía y necrópolis