| Nikolái Feshin | |
| verter _ 1914 (?) [1] | |
| Lienzo , óleo . 236 × 329 [1] cm | |
| Museo Estatal de Bellas Artes de la República de Tartaristán , Kazan | |
| ( Inv. Zh-630 ) | |
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Verter es una pintura del artista ruso , soviético y estadounidense Nikolai Feshin . Creado en 1914 en Kazan [1] ( S. M. Chervonnaya fecha la pintura en 1911 [2] [Nota 1] , y el crítico de arte G. P. Tuluzakova en el catálogo de 2012 - 1914-1916 [4] , aunque en su disertación en 1998, repetidamente nombra otra fecha: 1911 [5] ). El lienzo se encuentra en la colección del Museo Estatal de Bellas Artes de la República de Tatarstán , actualmente exhibido en el Feshin Hall en la Galería Nacional de Arte Khazine , que es una sucursal del museo [6] .
La pintura de Nikolai Feshin representa la costumbre del pueblo de verter agua sobre quienes pasaban por el pozo durante el calor del verano. Los campesinos lo consideraban una forma mágica de prevenir la sequía [7] . La idea cristiana de "lavar los pecados " se combinó en esta costumbre con recuerdos de ritos paganos de "llamar a la lluvia" [8] . El candidato a crítico de arte Dmitry Seryakov consideró "Verter" como una continuación del tema etnográfico en el trabajo de Feshin , que en el momento en que se creó la imagen ya se reflejaba en sus pinturas de género como " Boda de Cheremis " y " Chica de la col ". El investigador llamó a estas tres pinturas del artista "ceremoniales". Según Seryakov, el artista buscó en ellos no tanto mostrar escenas de la vida popular, sino mostrar la forma de vida, capturada en rituales específicos [9] .
La acción de la pintura "Verter" tiene lugar cerca de un pozo en el contexto de un paisaje rural con chozas con techo de paja en caminos pisados en la hierba. El centro del lienzo lo ocupa la escena del pozo de la grúa . El niño, parado en una casa de troncos , con todas sus fuerzas levanta un cubo atado a su extremo con una cuerda del pozo. Junto a él, un campesino, de barba ancha, con chaleco oscuro y camisa morada, vierte agua de otro balde sobre los aldeanos que se encuentran cerca. En el lado izquierdo del lienzo hay una joven campesina. Ella, agachándose, recogiendo su vestido mojado (se entiende que los bromistas la rociaron con agua), se dirige directamente al espectador. Con sus pies descalzos, camina a través de los charcos, que reflejan el cielo azul. El borde de la imagen, a la izquierda del espectador, recorta la figura apenas perfilada de una anciana con un yugo (el historiador de arte Voronov creía que se estaba riendo del espectáculo que se desarrollaba ante sus ojos [10] ). En el centro de la mitad derecha del lienzo, el artista representó a una niña temblando de frío con el cabello y la ropa mojados. Ella está de pie frente al espectador, sosteniendo un vestido rosa mojado para que no se pegue a su cuerpo. En este momento, se vierte otro chorro de agua sobre sus pies [11] [12] .
Detrás de la niña, el artista colocó en "posturas dinámicas libres" a otra niña, que tiene un bebé llorando en sus brazos, y una niña con una bufanda roja y un vestido de color púrpura brillante , de quien el niño le quita un balde de agua. A la derecha, los bordes se adivinan vagamente, en palabras de Seryakov, "ya sea pila de leña, o simplemente troncos apilados uno encima del otro y las figuras de dos niños cortados por el borde del lienzo" (Voronov creía que eran ocupado bombeando agua [10] ) [13] [12] .
Al artista se le ocurrió la idea de la pintura "Verter" cuando visitó el pueblo de Nadezhdino , distrito de Laishevsky , provincia de Kazan , donde vino a estudiar . En Nadezhdino había una pequeña propiedad del primer director de la escuela de arte de Kazan , N. N. Belkovich. No solo acudían a él los artistas, sino también los alumnos de la escuela. Nikolai Feshin [7] también fue un invitado frecuente de Belkovich . Ekaterina Klyuchevskaya, candidata a historia del arte, argumentó que la correlación de una pintura de género con un punto geográfico específico era característica del trabajo de Nikolai Feshin. Como ejemplos, citó el lienzo " Boda de Cheremis ", que tiene lugar en los pueblos de Kushnya y Morki , distrito de Tsarevokokshay , provincia de Kazan, y otras obras del maestro [14]
La trama de la imagen Feshin eligió la costumbre que existía en el pueblo ruso de verter agua durante el calor del verano a todos los que pasaban por el pozo. Los campesinos percibieron esta costumbre no solo como una broma o un juego. Consideraron tal rociado como una forma mágica de prevenir la sequía [7] . Vl. Voronov, en un artículo sobre el trabajo del artista, escribió que la mayoría de las veces dicho rito se realizaba más cerca del Día de la Santísima Trinidad (se estableció en honor al descenso del Espíritu Santo sobre los apóstoles y se celebra en la Iglesia ortodoxa). el día 50 después de Pascua [15] ). Voronov afirmó que el mes más seco cae en este momento [10] . El Doctor en Artes S. M. Chervonnaya atribuyó la acción de la imagen y el rito correspondiente al Día de Ivanov (celebrado el 24 de junio (7 de julio) [16] ) [17] . El crítico de arte G.P. Tuluzakova también señaló que el evento representado en la imagen se refiere a las costumbres de los pueblos de toda Rusia. Escribió que entre el pueblo ruso, el rito de rociar era una parte integral de muchas festividades. Entre ellos: la Semana Luminosa de Pascua (siete días, incluido el Domingo de Resurrección y los seis posteriores [18] ), el Día de Pedro ( 29 de junio (12 de julio) [19] ) y especialmente el Día de San Juan . En esos días, los niños del pueblo arrojaban agua a todos los que pasaban, y las niñas incluso eran sacadas de la casa por esto si se escondían allí. Después de eso, las chicas, habiéndose unido a los chicos, participaron ellas mismas en el vertido. Todo terminó con un baño compartido. En esta costumbre aldeana, el "lavado de los pecados " cristiano se combinaba con el recuerdo de los sacrificios rociando los ídolos paganos y llamando a la lluvia para evitar la sequía [8] .
Dmitry Seryakov creía que "Verter" era una continuación del artista del tema etnográfico ya reflejado por Feshin en pinturas como " La boda de Cheremis " y " La niña de la col ". Creía que estas tres pinturas podrían llamarse "ceremoniales". En su opinión, Feshin buscaba en ellos no solo mostrar escenas de la vida popular, sino mostrar la forma de vida, plasmada en rituales específicos [9] .
Otras pinturas de Feshin sobre temas etnográficos
Nikolái Fesín. Kapustnitsa , 1909 - trabajo competitivo (tesis) de N. I. Feshin. San Petersburgo , Museo de la Academia de las Artes
Nikolái Fesín. Boda de Cheremis, 1908. EE. UU., colección privada
En Nadezhdina, Feshin pintó varios bocetos, que luego sirvieron de base para la pintura "Verter". Según el candidato de crítica de arte Dmitry Seryakov, el artista, que ya había decidido la composición del lienzo en ese momento, lideró la búsqueda de tipos brillantes, poses expresivas de sus futuros héroes, sus gestos. Estos bocetos se encuentran actualmente en la colección del Museo Estatal de Bellas Artes de la República de Tatarstán , así como la propia pintura . Tres bocetos representan a los personajes del futuro lienzo: una mujer con un pañuelo rojo, una niña temblorosa y una mujer con un yugo. Los tres personajes con cambios mínimos se incluyeron en la composición final de la imagen. Según Seryakov, ya en los bocetos se pueden ver las principales tareas pictóricas de la imagen futura. Están dominados por un solo color. Predominan los tonos ocres y verdes cálidos de un fondo condicional, apenas delineados por amplias pinceladas . En ese contexto, se destacan los vestidos de verano rojos y morados, las camisas blancas de los héroes [20] .
Dmitry Seryakov señaló que la búsqueda de la naturaleza para sus lienzos era extremadamente importante para Feshin. El uso de materiales naturales, en su opinión, es una característica importante de la pintura del artista, que le da a sus lienzos "una verosimilitud especial de vida". En el proceso de trabajar en la pintura "Verter", Feshin pintó de la vida no solo figuras, tipos y disfraces. También buscó y dibujó objetos de la vida campesina, que luego colocó en la composición del lienzo [21] .
Feshin no terminó la imagen. Seryakov creía que la cuestión de los motivos de la negativa del artista a completar el lienzo sigue abierta. Entre sus sugerencias [22] :
Al mismo tiempo, desde el punto de vista de un crítico de arte ruso, el lienzo, incluso en su forma inacabada, es de gran importancia: demuestra las características del trabajo del pintor "en una etapa intermedia en el proceso" de crear un imagen [22] .
La pintura "Verter" ingresó al Museo Estatal de Bellas Artes de la República de Tatarstán en 1962. Anteriormente, estuvo en el Museo Estatal de la ASSR tártara (desde 1944); y antes de eso, en el Museo Central de la ASSR tártara desde 1923 (la pintura fue depositada por el autor al salir de la URSS en el extranjero, Feshin nunca regresó de un viaje a su tierra natal [23] ). La técnica de pintura es pintura al óleo sobre lienzo, su tamaño es de 236 × 329 cm , el número de inventario en la colección del museo es Zh-630 [3] [24] . "Verter" se exhibe actualmente en la sala de Nikolai Feshin en la Galería Nacional de Arte "Khazine" , que es una sucursal del museo [6] .
La pintura se presentó repetidamente en exposiciones en Kazán: en 1963, 1976, 1981-1982 y en 1991 [3] .
Seryakov mencionó en su disertación que tres bocetos para la pintura y un boceto se conservan en el mismo museo . El boceto "Baba in a Red Scarf" fue escrito entre 1911 y 1914 (?) Años. Técnica - pintura al óleo sobre lienzo, tamaño - 33,5 × 25 cm . El estudio vino en 1962 de la GMTR, antes pertenecía al Ministerio de Cultura de la RSFSR (desde 1961). Antes de eso, formó parte de la colección privada de A. A. Zaitsev, ubicada en el pueblo de Valentinovka, distrito de Shchelkovsky , región de Moscú . El número de inventario en la colección del museo es Zh-1502 [1] [20] . El boceto se mostró en exposiciones en Kazan en 1963, 1981 y 1991 [3] . El estudio "Baba con un yugo" (1914) también está realizado en óleo sobre lienzo, tamaño - 35,5 × 19 cm . En la parte superior izquierda están la firma del artista y la fecha de creación indicada por él - “N. Feshín 1914" , el estudio se recibió en 1962 de la GMTR, anteriormente se mantuvo en el Museo de Moscú de la RSFSR (desde 1961), y antes de eso formó parte de la colección de A. A. Zaitsev. Número de inventario en la colección del Museo Estatal de Bellas Artes de la República de Tatarstán - Zh-1504 [1] [20] . Este boceto se mostró en exposiciones en Kazan en 1963, 1981 y 1991 [3] . El estudio "Niña temblorosa" fue creado en 1914, la misma técnica, tamaño - 35 × 20 cm . Firmado y fechado abajo a la izquierda - "N. Feshín 1914" . El boceto se recibió en 1962 del GMTR, anteriormente estuvo en el Museo de la RSFSR de Moscú desde 1961, antes también perteneció a A. A. Zaitsev. El número de inventario en el Museo Pushkin de la República de Tatarstán es Zh-1501 [1] [20] . Este boceto también se mostró en exposiciones en Kazán en 1963, 1981 y 1991 [3] .
Galina Tuluzakova atribuyó al trabajo preparatorio de esta pintura también almacenada en el Museo Estatal de Bellas Artes de la República de Tatarstán:
El catálogo de la exposición de las obras de Feshin también menciona como bocetos para la pintura "Verter":
El catálogo de 1992 menciona:
El boceto para el cuadro "Verter" se realizó entre 1911 y 1914. Técnica - pintura al óleo sobre lienzo, tamaño - 38 × 50,5 cm . El boceto llegó en 1962 de la GMTR. Número de inventario - Zh-1209 . El boceto se presentó en exposiciones de obras de Nikolai Feshin en 1963 y en 1981 en Kazan [3] [1] [27] , en exposiciones en ciudades rusas en 1992, así como en una exposición en la Galería Art-Divage ( Moscú ) en 2004. Fue restaurado en el Centro de Restauración e Investigación Artística de toda Rusia que lleva el nombre de I. E. Grabar [1] [27] .
Galina Tuluzakova en su tesis doctoral también menciona "Bosquejo para "Verter"" (1911, carboncillo sobre papel), señalando que se desconoce su ubicación en 1998 [28] . Otro boceto para el lienzo "Verter" llamado "Cabeza de niña" llama a Tuluzakova en su libro "Nikolai Feshin". Dibujo del natural”, publicado en 2009. Está realizado a lápiz sobre papel, tamaño - 31×43 cm . Tuluzakova atribuyó este estudio a la colección del Museo Estatal de Bellas Artes de la República de Tatarstán [29] , pero no se menciona en los catálogos del museo de 1992 y 2006 [30] [31] .
D. I. Ryazanskaya, quien estudió en 1918-1920 en el taller de N. M. Sapozhnikova , donde enseñó Nikolai Feshin, vio la pintura "Verter" y habló sobre sus impresiones:
“En su tercer año, nos regaló una composición sobre el tema de ‘ Odiseo ’ vuelve a Penélope ’. En general, por alguna razón, no había asignaciones de composición en ese momento, y esta fue una gran brecha en la educación de la juventud artística. En el taller donde trabajábamos, dos de sus obras estaban de cara a la pared: “ Matadero ” y “Verter”. En ausencia de Nikolai Ivanovich, a menudo apartábamos las pinturas de la pared y las examinábamos, admirando y estudiando la técnica de su trabajo.
— D. I. Ryazanskaya. Memorias de Nikolái Feshin [32]Según el crítico de arte soviético Vl. Voronov, la pintura "Verter" presenta al espectador el mundo, los rituales, las alegrías y la dura vida de la aldea rusa prerrevolucionaria. La imagen llama la atención por la naturalidad y la vivacidad de la composición, está llena de movimiento, gritos, risas, chillidos, el sonido del agua. Al mismo tiempo, Voronov notó que el espectador tiene una sensación extraña: la imagen representa una escena alegre de la vida del pueblo, pero hay una sensación de miseria en la vida del pueblo. El historiador de arte soviético enfatizó que los críticos contemporáneos de Feshin vieron en los primeros lienzos del artista “la verdad sobre el entonces pueblo ruso” [10] . El crítico de arte A. B. Fainberg escribió en su libro "Artistas de Tataria" que la pintura "Verter" reproduce una imagen de la vida popular [33] .
La investigadora del trabajo del artista, S. G. Kaplanova, notó la contradicción entre el uso de Feshin de lo grotesco y lo documental en la imagen, que, sin embargo, en su opinión, está asociado con la excesiva franqueza de las impresiones naturales. Desde su punto de vista, The Pouring y otras pinturas de la artista, creadas al mismo tiempo, carecen de la generalización que es el resultado de una síntesis de observaciones naturales. Ella creía que esta característica era característica principalmente de las pinturas inacabadas de Nikolai Feshin [34] .
A. I. Novitsky en el artículo "El regreso de Varenka" escribió que "El vertido" no es una pintura itinerante en su espíritu, fue escrito desde el punto de vista de la " etnografía pictórica ". El autor del artículo admiró la habilidad del artista, pero notó los rostros bestiales de los hombres y la monotonía de las fisonomías de las mujeres, "figuras vergonzosamente borrosas" representadas en el lienzo. En su opinión, el artista era indiferente a sus personajes (Tuluzakova, sin embargo, creía que esto no atestiguaba la indiferencia del artista, sino un concepto en el que era necesario "agudizar la característica" para expresar la idea que poseía la conciencia del artista [35] ) [36] . La candidata a Historia del Arte Aida Almazova destacó el estado de contagiosa diversión que reina en el cuadro, la emotividad, sonoridad y dinamismo del lienzo. Escribió sobre la impresión que causaron en la audiencia las salpicaduras voladoras, mojadas y adheridas al cuerpo de las heroínas de la ropa interior de la imagen. Feshin actúa, por un lado, como sucesor de las tradiciones de los Wanderers, y por otro, como uno de los primeros representantes del estilo Art Nouveau en Rusia. Al mismo tiempo, hay “una especie de primitivismo salvaje típico del interior provincial” en la imagen [37] .
Según el candidato de crítica de arte Dmitry Seryakov, los personajes no estándar le dan una expresividad especial a este trabajo, cada uno de los cuales está representado por el artista como una individualidad brillante. Estas son personas de diferentes edades que se representan en estados emocionales contrastantes. El personaje principal, desde el punto de vista de un crítico de arte, está ausente. Los centros compositivos y pictóricos del cuadro están mal identificados. Las figuras son independientes y autosuficientes; en palabras de Seryakov, "como si posaran por separado para el espectador" [13] .
Según Seryakov, Feshin no completó la pintura "Verter", pero, a pesar de esto, la pintura refleja los principios artísticos característicos del autor, aunque el artista no los completó. Las características compositivas de este lienzo son las mismas que en sus otras obras de género: las figuras se amontonan en el lienzo, algunas de ellas incluso están recortadas por los bordes del cuadro. Gracias a esto, el espectador comienza a percibir la imagen como una escena "recortada de la vida". El paisaje juega un papel secundario en el lienzo, solo enmarca la escena cotidiana, le da una integridad compositiva. El artista utilizó un ángulo tal que para el espectador la acción se desarrolla principalmente contra el fondo de la tierra. Es la tierra la que ocupa la mayor parte del lienzo. La línea del horizonte es bastante alta, por lo que la estrecha franja de cielo del fondo (así como los edificios y la vegetación situados contra ella) casi descansa en el borde superior de la imagen. El artista dibuja en detalle algunos fragmentos de la imagen (por ejemplo, rostros), y los elementos individuales se generalizan o no se completan tanto que, según Seryakov, "al principio es incluso difícil entender lo que el artista quería". representar aquí” [13] .
Según Dmitry Seryakov, el artista utilizó el método "no finito" en su trabajo sobre la pintura.. La expresividad de la imagen artística fue creada no por "armonización mutuamente complementaria de todos los componentes", sino por la máxima identificación de un fragmento significativo. En su trabajo sobre obras de género, Feshin suavizó este aspecto en la etapa final. En el caso de la "Polución", que quedó inconclusa, la obra nunca llegó a esta etapa [38] . Seryakov insistió en que en el ejemplo de este lienzo se puede ver la diferencia que existía en la visión de Feshin “entre una obra verdaderamente inacabada, inacabada, inmadura y una obra realizada a la manera de” non-finito “”. La imagen, además de la fragmentación, también se distingue por la espontaneidad de la ejecución. Se conserva la dinámica de las pinceladas, las pinceladas gráficas solo delinean las siluetas de las formas. En la negligencia del boceto, según Seryakov, se manifiesta el proceso creativo. Feshin dejó de trabajar en la pintura cuando ya se habían identificado las masas de color locales y comenzó un modelado más completo de los personajes. En algunos lugares, los trazos son visibles, delineando las formas, y en algunos lugares, un lienzo sin pintar. Feshin utilizó una técnica impresionista de mezcla óptica cuando enfatizó el dibujo con ultramar , que da color a los colores cercanos. Los trazos aparentemente caóticos se suman a imágenes específicas a una distancia considerable [22] .
Después de determinar las grandes manchas del fondo y las relaciones de color, el artista pasó a prescribir rostros y figuras. Esto sucedió cuando una parte importante del lienzo aún no estaba cubierta con pintura: las líneas de construcción de la composición son notables, "en lugares no hay especificidad de color". En el lienzo hay fragmentos completos uno al lado del otro y aún en una etapa temprana de construcción gráfica. Según Seryakov, el artista no pasó de un estado general a los detalles particulares, sino ensamblando una composición en torno a dominantes semánticos. Primero colocó estos dominantes y luego "arrancó" todos los demás elementos. Al mismo tiempo, el artista trabajaba simultáneamente con todo el lienzo: el estudio de un fragmento implicaba cambios correspondientes en el trabajo de otros [38] .
Según G. P. Tuluzakova, Ph . Ella notó el dinamismo de la trama, lo grotesco pronunciado en la interpretación de los personajes, la espontaneidad y la "agudeza de las reacciones": una niña con ojos saltones grita y tiembla al mismo tiempo. La emotividad de la imagen está al borde de la angustia. En el lienzo hay simultáneamente risa, llanto, miedo. Arreglar el estado inestable de la cara puede generar una sensación de "máscara congelada", pero el artista evitó ese peligro al llenar el lienzo con movimiento interno. Debido a esto, surgió el efecto de fijar una emoción abierta [40] [41] .
Tuluzakova trató de reconstruir el proceso del trabajo de Feshin en el lienzo. Inicialmente, Feshin encontró la intersección de las principales líneas verticales y horizontales. Luego marcó los nudos de la composición con carboncillo. Habiendo determinado la relación entre el nodo más oscuro y el nodo más claro, comenzó a trabajar con el color [42] [41] . Según G. P. Tuluzakova, la composición de la pintura se basa en un triángulo casi clásico, cuya parte superior es la cabeza de un hombre con una camisa lila, que vuelca un cubo de agua. Se encuentra por encima de la multitud y se cruza con una franja clara de cielo. Esto atrae la atención del espectador hacia sí misma. Feshin utilizó una técnica similar en muchas de sus composiciones. Las cabezas de la mayoría de los personajes se representan cerca de una sola línea que corre paralela a la línea del horizonte. Debido a esto, el lienzo se divide en dos partes desiguales. En su pintura anterior Cabbage Girl, Feshin usó el contraste de luces y sombras, donde el color "se intensificó en los nodos de la trama". En el lienzo "Vertido", construyó un esquema de color con una variedad de "fluctuaciones de frío y calor a lo largo del espectro del azul al rojo en aproximadamente un tono". Tuluzakova señaló que los tonos cálidos y fríos están en la imagen, ya sea en relaciones matizadas o contrastantes. Gracias a esto, el espectador obtiene una sensación de frescura. Sin embargo, el juego de colores, desde su punto de vista, es bastante exiguo y se basa en tonos cercanos. En el centro hay un contraste de oscuridad y luz, así como una tríada de colores: azul, amarillo y rojo. Se combinan entre sí muchas veces, esta combinación se vuelve más complicada, los colores se disuelven unos en otros, esto lleva a una vibración de color [43] [44] .
El "desenfoque" y la "distorsión" de la pintura con trazos, según Tuluzakova, no se pueden reducir solo a la incompletitud de la pintura. Desde el punto de vista de un historiador del arte ruso, Feshin buscaba formas de transmitir el estado emocional sobreexcitado de sus personajes. La trama misma exigía esto: en un cálido día de verano, las niñas se vierten de pies a cabeza con agua de pozo helada. La impresión de incompletitud está asociada con la figura de una mujer en primer plano: está fuera de foco. Los rostros de los personajes del fondo se representan con mucha claridad. El artista trabajó en la técnica alla prima , creando la ilusión de un intento de completar la imagen antes de que las pinturas estuvieran completamente secas. Una descripción detallada del rostro de la mujer podría llamar demasiado la atención sobre ella, y la "inteligibilidad" y la "integridad" del cuadro destruirían el tejido pictórico del lienzo. Por lo tanto, el artista representó los detalles solo en la medida en que fue necesario para él realizar su idea principal. La tina, de la que se vierte una niña con un vestido rojo, fue cuidadosamente pintada por el artista. Es bastante difícil, según Tuluzakova, aislar la proporción deliberadamente incompleto y accidental en relación con "Polución", pero en cualquier caso, la incompletitud le da cualidades especiales a este trabajo [42] [45] .
A diferencia de Tuluzakova, el artista y crítico de arte S. N. Voronkov creía que todos los personajes, excepto la anciana de pie a la izquierda, estaban unidos por una línea arqueada . Dibujar con un pincel le da nitidez y tensión a la imagen. Las figuras de los personajes se encuentran en un entretejido complejo de manchas de color y trazos largos, que el artista, según Voronkov, podría aplicar con un pincel semiseco. Los contornos de las figuras a veces se interrumpen, disolviéndose en el espacio del lienzo [46] .
Voronkov creía que para el artista, la "integridad", valorada por los Wanderers, en general "no era un criterio de creatividad". "Verter", desde el punto de vista de un crítico de arte, revela la "cocina" del trabajo del pintor en sus lienzos. Omite deliberadamente muchos detalles. Por ejemplo, Feshin no terminó la figura de una mujer con un yugo a la izquierda para desviar la atención del espectador hacia una niña con un vestido rosa. Esta imagen infantil "vive en el cuadro como un ser vivo". El rostro de la niña expresa tanto miedo como felicidad por la situación en la que se encuentra. La mirada del niño se vuelve hacia el espectador y el fondo enfatiza la figura delgada. Los objetos a su alrededor, un vestido blanco y una bufanda de campesinas, una tina de madera en manos de un niño con un chorro de agua, crean, según Voronkov, un halo brillante alrededor de una niña de pueblo. Ella misma se convierte en el centro compositivo, el artista, desde el punto de vista de un crítico de arte, considera al resto de la imagen del cuadro como accesorios complementarios . Voronkov argumentó que el artista dejó deliberadamente la pintura en esta etapa de finalización para apoyar y realzar la importancia de este centro de la trama [47] .
Voronkov también creía que la figura de un campesino de barba negra en el centro del grupo juega un papel importante. El artista enfatizó su significado con el fondo claro del cielo. Esta figura "sostiene toda la composición, como una clave en un arco , y al mismo tiempo equilibra tonalmente toda la composición". El tronco del árbol de la derecha completa el cuadro [48] .
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