Pabellón de Armida

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Pabellón de Armida

A. Benois. Boceto de la escenografía para el ballet.
Compositor Nikolái Cherepnín
autor del libreto Alejandro Benois
Trazar fuente cuento de Théophile Gautier "Omphala"
Coreógrafo Mijaíl Fokin
Conductor Nikolái Cherepnín
Escenografía Alejandro Benois
Ediciones posteriores F. V. Lopukhov y A. I. Chekrygin , N. A. Dolgushin , A. Liepa y Yurijus Smoriginas
Número de acciones una
Primera producción 25 de noviembre de 1907
Lugar de la primera actuación Ópera Mariinskii
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El Pabellón de Armida es un ballet en un acto, 3 escenas basado en el guión del artista Alexandre Benois , él también diseñó la actuación. La trama se basa en el cuento del escritor francés Theophile Gauthier "Omphala". La música fue compuesta por Nikolai Tcherepnin , quien también dirigió el estreno de la obra en París. La representación fue puesta en escena por Mikhail Fokin en 1907 en el Teatro Mariinsky , y desde 1909 ha sido una de las representaciones más significativas de las estaciones rusas . Ocupa uno de los lugares centrales en la actividad reformadora del coreógrafo y en la historia del ballet ruso.

Historial de creación

El ballet (op. 29) fue compuesto por el compositor N. N. Cherepnin según el guión de A. Benois mucho antes de la producción, en 1903 [1] . El compositor estaba casado con la sobrina de A. Benois y era cercano al círculo " World of Art ". El guión fue pagado por la dirección de teatros , pero el ballet no se representó debido al deterioro de las relaciones entre A. Benois y el director de teatro V. Telyakovsky . El libreto y la partitura estaban en los archivos del Teatro Mariinsky. El 13 de diciembre de 1903, la suite del ballet se interpretó por primera vez en un concierto del director A. I. Siloti . Fragmentos de música sonada en otros conciertos. M. Fokin escuchó la música del ballet en uno de los conciertos y le gustó.

Se suponía que M. M. Fokin, como profesor en la Escuela de Teatro de San Petersburgo , iba a realizar una actuación de graduación. Eligió poner en escena una suite de baile de un ballet que había escuchado en un concierto. El número se mostró el 15 de abril de 1907 bajo el título "Tapiz animado". En realidad se trataba de un divertimento de danza corriente , del argumento del ballet sólo se utilizó el motivo del tapiz revivido . El número fue bien recibido por el público y la crítica, por lo que el coreógrafo novato fue asignado a la puesta en escena de un ballet en un acto.

La actuación estuvo acompañada de escándalos. En uno de los ensayos, A. Benois invitó a S. Diaghilev , un ex funcionario de teatro, que ya había sido despedido de la dirección de teatro en ese momento. Sin embargo, a pesar de las objeciones de Benois, el jefe de policía lo sacó del salón.

En el último momento, Matilda Kshesinskaya , ocupada en el papel principal , se negó a actuar, salvando la situación, Anna Pavlova se ofreció como voluntaria para reemplazarla . Su pareja Pavel Gerdt también se negó a hablar. Con gran dificultad lograron persuadirlo para que actuara en el estreno, pero ya en la segunda función se negó a actuar y fue reemplazado por M. Fokin.

La dirección, por economía, no permitió ensayos con disfraces, como resultado, en el ensayo final, los actores, que se vistieron por primera vez, no se reconocieron entre sí. Los directores pidieron posponer el estreno, pero no encontraron el apoyo de la dirección. Luego, el 18 de noviembre, el día del estreno designado, a través del corresponsal de Peterburgskaya Gazeta I. S. Rozenberg, el hermano del artista Leon Bakst , otro "Mundo del Arte", se organizó una entrevista en la que los directores cambiaron la responsabilidad de el incumplimiento previsto a la dirección. Sin embargo, tras esta publicación, la dirección fue a reunirse con los directores y pospuso la función unas horas antes del inicio.

El estreno tuvo lugar el 25 de noviembre de 1907, dirigido por R. Drigo , N. A. Solyannikov interpretó el papel de marqués y el zar Hydrao . El ballet se brindó como una función adicional al ballet completo " El lago de los cisnes " (la función finalizó a la una de la madrugada) y fue bien recibido por el público y la crítica, entró en el repertorio de los teatros imperiales. A pesar del éxito, la actitud de la dirección hacia la actuación, o más bien hacia sus autores, fue negativa. Probablemente la razón principal fue la estrecha relación de los autores, y la dirección tenía miedo de crear grupos que pudieran resistirlo. En particular, esto se vio agravado por la presencia en este círculo de S. P. Diaghilev, a quien la dirección consideraba un competidor, lo que en un futuro cercano fue confirmado por las estaciones rusas que creó.

El año 1909 trajo el éxito mundial al ballet; el 19 de mayo, el ballet fue presentado por S. P. Diaghilev en París , en el Teatro Chatelet . El papel de Madeleine y Armida fue interpretado por V. A. Karalli , vizconde de Beaugency - M. M. Mordkin , esclavo de Armida - V. F. Nizhinsky . La actuación fue un gran éxito.

La actuación entró en el repertorio de Diaghilev Entreprise durante mucho tiempo. En 1911 se representó en Londres para celebrar la coronación de Jorge V.

Guión de ballet

La idea original del ballet pertenece a Alexandre Benois. Este polifacético artista, historiador del arte, crítico y director de teatro ruso procedía de una familia estrechamente relacionada con el arte, se distinguió por su amplia erudición, su fina cultura y su comprensión del estilo. Benois fue un ideólogo y uno de los principales organizadores de la asociación de artistas World of Art . Para él, como para todos los miembros de la asociación, uno de los principales métodos creativos fue la estilización. En esto, sus aspiraciones creativas coincidieron completamente con los principios creativos de Mikhail Fokin. El impulso para la creación fue un volumen de cuentos de Gauthier, que el artista Konstantin Somov aconsejó a Benois que leyera .

A. Benois fue muy respetuoso con el trabajo de M. Petipa . Para él, la Bella Durmiente era un modelo a seguir. Por ello, concibió este ballet como un gran ballet en tres actos.

En palabras del propio A. Benois, el guión se basa en el cuento "Omphala" de Theophile Gauthier. La novela es una trama en el espíritu de una anécdota galante . El joven se detiene para visitar a su tío, quien lo instala en un pabellón del parque. En la pared del pabellón hay un tapiz que representa una escena antigua muy conocida que representa a la reina Omphala . Sin embargo, bajo la apariencia de Omphala, se representa a la marquesa, la antigua propietaria del pabellón. Por la noche, el tapiz cobra vida, la marquesa emerge de él y tiene un tormentoso romance con un joven. Unos días después algo llega al tío. Llega con un criado al pabellón, regaña a la imagen de la marquesa por ser excéntrica y frívola, y le dice al criado que quite el tapiz. Muchos años después, el héroe de la novela encuentra un tapiz en una subasta, negocia un precio, pero mientras busca dinero, un inglés compra el tapiz. El héroe quería ir en busca, pero cambió de opinión a tiempo. “¿Querrá la marquesa volver a salir del tapiz, porque ya no soy tan bueno y joven?” En el cuento de Gauthier, el comienzo místico se reduce en gran medida por la ironía y el humor evidentes.

Sin embargo, A. Benois por alguna razón percibió el cuento de una manera diferente. En sus memorias, caracterizó el cuento como cercano en espíritu a E. Hoffmann , en estilo gótico Hoffmann-Petersburg, donde el terrible comienzo místico y las fuerzas del mal actúan con seriedad, sin ninguna ironía. En su escenario, las fuerzas del mal triunfaron y ganaron. En este sentido, la idea del ballet era inusual y contradecía por completo las principales tramas de ballet del siglo XIX, incluidos los ballets de M. Petipa, en cuyos ballets las fuerzas del bien siempre triunfaban sobre el mal. En los ballets de Petipa, lo bello se identifica con lo moral. Petipa, en sus últimos años, protestó abiertamente contra tales complots, considerándolos inmorales: “Los ballets en los que triunfa la virtud y se castiga el mal están completamente olvidados” [2]

En el guión, A. Benois cambió el nombre de la antigua heroína a Armida, un personaje muy conocido en el poema medieval Jerusalén liberada de Torquato Tasso . Este poema muy voluminoso contiene varias tramas, una de las cuales es Rinaldo y Armida , desarrollada de forma independiente en varias óperas, pinturas, etc. La trama se remonta a la época de las Cruzadas. El caballero Rinaldo es secuestrado por la hechicera Armida, sobrina del rey de Jerusalén, quien se enamora de él. Ella trata por todos los medios de seducirlo, recurriendo a los encantos, pero al final, Rinaldo es dominado por un sentimiento de mucho antes del ejército cristiano y antes de su novia. Así, en esta historia, la hechicera es impotente ante la virtud.

Al mismo tiempo, el nombre Armida adquirió un significado específico en la cultura rusa. Pushkin escribió "Besa los labios del joven Armides", de hecho, este es un sinónimo de una seductora ventosa o simplemente una chica de fácil virtud.

Estos prototipos eran claramente conocidos por Benois, con su mirada amplia, podría estar influenciado por varias versiones de óperas sobre el tema de Armida y Rinaldo y numerosas tramas sobre el tema de revivir retratos, común en la literatura del siglo XIX. Como resultado, apareció la siguiente trama. La acción comienza en el siglo XVIII. Un joven, el vizconde René de Beaugency, acompañado por su sirviente Baptiste, se dirige hacia su novia. En el camino, una tormenta eléctrica lo atrapa y busca pasar la noche en el castillo, cuyo propietario, cierto marqués, se ofrece a quedarse en el pabellón del parque, el pabellón que una vez perteneció a la bella Madeleine, apodada Armida. En el pabellón, bajo un gran dosel, hay un tapiz, una chimenea y un reloj de sobremesa. Después de que el héroe se duerme, comienzan las transformaciones mágicas. Las figuras de Saturno , que encarna el tiempo inexorable, y Cupido , el dios del amor, cobran vida. Cupido vence a Saturno y le entrega una guadaña, símbolo de muerte inevitable. Entonces comienza la danza del reloj. El tapiz desciende y sus personajes cobran vida. Del siglo XVIII, el vizconde se traslada a la época de la marquesa, el siglo XVII, a la corte francesa de la época de Luis XIV. Pero en la corte hay un ballet de disfraces que representa a los héroes medievales de Torquatto Tasso. Se está produciendo otra transformación. La marquesa representada en el tapiz se transforma en la reina Armida, el vizconde se transforma en el caballero Rinaldo. El dueño del castillo se convierte en rey de Hydrao. La imagen de estos héroes, sin embargo, no tiene nada que ver con los héroes de la era de las Cruzadas. Esta es la representación teatral del Oriente medieval, que los cortesanos de Luis XIV podían tener durante los ballets y mascaradas. Sigue una serie de bailes de los cortesanos de Armida. Entre las diversiones tradicionales, los críticos destacaron la danza de los bufones, que permite demostrar virtuosos saltos masculinos. Un papel destacado lo juega el baile del esclavo principal, quien, aparentemente, es el amante de Armida. René-Rinaldo se olvida de su prometida y Armida, como prenda de amor, le deja un pañuelo. A la mañana siguiente, Rinaldo no puede entender qué fue un sueño o una visión, pero descubre la bufanda de Armida, lo que confirma que los hechos de la noche realmente sucedieron y el vizconde sigue prisionero de amor por la marquesa. Así, la interpretación de Benoit es opuesta a la tradición en la que el caballero Rinaldo resistió a Armida, en Benoit las fuerzas del amor terrenal fueron vencidas por las fuerzas místicas.

Tapiz animado

A principios de 1907, se suponía que M. M. Fokin presentaría una actuación para la actuación de graduación de la Escuela de Teatro de San Petersburgo . Eligió la música que le gustaba de una suite del ballet de Tcherepnin, que escuchó en un concierto. En realidad, de la trama del ballet, solo se utilizó el momento del tapiz animado. Los participantes de la función, congelados, representaron a Armida y sus cortesanos en el tapiz. La cortina de tul y la iluminación especial produjeron el efecto de colores desteñidos. Entonces se encendió una luz brillante, el tul se elevó y el tapiz cobró vida. Comenzó el baile de la corte, que representaba una serie de bailes. No se hicieron decoraciones especiales para la habitación. La actuación tuvo lugar el 15 de abril de 1907, el público aceptó bien el número. Me gustó especialmente el baile de los bufones, que utilizaba saltos originales e inusuales, en los que sobresalió la licenciada Rosai . El papel de Armida fue interpretado por la licenciada Elizaveta Gerdt , sin embargo, el guión muy reducido no le permitió sobresalir de alguna manera entre los demás intérpretes. La producción de Fokine fue claramente más espectacular e interesante que otro número de graduación protagonizado por la maestra K. M. Kulichevskaya . Teniendo en cuenta este éxito, la dirección del teatro confió al coreógrafo novato la producción de este ballet.

Coreografía

La coreografía del ballet no se ha conservado pasando "de un pie a otro", por lo que solo se puede juzgar indirectamente a partir de las reseñas de los críticos, los recuerdos de algunos participantes.

Para Fokine, este ballet fue la primera producción completa en el Teatro Mariinsky. Antes de eso, su experiencia como coreógrafo se limitó a producciones en la Escuela de Teatro y actuaciones benéficas en el Teatro Mariinsky. Con la producción de este ballet se inició la colaboración de M. M. Fokin con A. N. Benois y otros artistas del Mundo del Arte. Cuando se creó el ballet, Fokine había desarrollado una actitud negativa hacia el estilo que se formó en el ballet clásico, lleno de convenciones. Se esforzó por crear imágenes más realistas. Al mismo tiempo, M. Fokin era muy aficionado a las bellas artes. Su deseo de estilización de la época no estaba tanto en la dirección del realismo histórico, sino en el marco de las convenciones estilísticas de las artes visuales.

Las intenciones creativas de Benois y Fokine se vieron severamente limitadas por los deseos de la administración, y las opiniones de los coautores sobre la actuación no coincidieron en muchos aspectos. Reproducir la atmósfera de un baile de la corte requería la puesta en escena de antiguos bailes de la corte francesa, minuetos . Sin embargo, ya al comienzo del trabajo en el guión, la administración del teatro exigió que el ballet, como los ballets clásicos de Tchaikovsky, contuviera muchos valses . Benois y Tcherepnin cumplieron con esta condición, y Fokine se vio obligado a representar una era completamente diferente a través de valses. Lo mismo sucedió con los disfraces. A. Benois, fanático de los ballets de M. Petipa, acortó los vestidos de las mujeres al estilo de un tutú de ballet, lo que en realidad obligó a Fokine a realizar danzas clásicas con los dedos. Por lo tanto, Fokine no logró plasmar aquí todas sus ideas y el acercamiento a las realidades de otra época resultó con muchas convenciones inherentes a los ballets clásicos de sus predecesores.

Un paso adelante decisivo en la coreografía de Fokine fue el rechazo de la división tradicional de la coreografía en puesta en escena mímica y números de baile reales. Fokine buscó destruir esta faceta, en primer lugar, llenando de mimetismo la danza clásica y trabajando muy duro en cada gesto. Esta gran e importante parte de su obra, por desgracia, fue también la más efímera, con el tiempo se perdieron algunos acentos, modificados por los intérpretes a su gusto.

Un vizconde viajero es atrapado por una tormenta en el camino y está buscando pasar la noche en el castillo, cuyo propietario, cierto marqués, se ofrece a quedarse en el pabellón del parque. En el pabellón, bajo un gran dosel, hay un tapiz, una chimenea y un reloj de sobremesa. Después de que el héroe se duerme, comienzan las transformaciones mágicas. Las figuras de Saturno , que encarna el tiempo inexorable, y Cupido , el dios del amor, cobran vida. Saturno fue representado por un alumno de gran estatura, y Cupido fue alumno de una escuela de teatro. Cupido derrotó a Saturno y le dio una guadaña, símbolo de muerte inevitable. Luego comienza la danza del reloj, que fue representada por alumnos vestidos con camisolas blancas.

El tapiz desciende y sus personajes cobran vida.

En la danza solista de Armida, anhelando a su amado, la bailarina se paró sobre sus dedos y se inclinó hacia adelante, como si lo estuviera buscando, y retrocedió con una expresión de desesperación. Luego este movimiento se repitió en la otra dirección. Apareció una procesión de cortesanos trayendo al vizconde, a quien la hechicera reconoce o toma por Rinaldo.

La hechicera, rodeada de confidentes, golpea la imaginación del vizconde con una actuación extravagante.

El divertimento del ballet estuvo a cargo de los compañeros de Armida, consistía en números arbitrarios que no guardaban estrecha relación con la trama. Los magos con gorras altas invocaron sombras "fuera de la tierra" que bailaban en sus dedos. El bajá de aspecto cómico admiró la danza de los esclavos de su harén y luego persiguió a sus captores con una enorme espada. Cinco demonios practicaron inventando maquillaje de caricatura, entre otros intentaron representar caricaturas del director de teatro Telyakovsky y el crítico V. Svetlov . Entonces el sexto demonio trajo un bulto de trapos y los demonios se disfrazaron de cupidos y participaron en la danza de las brujas .

En el vals central del ballet, el coreógrafo proporcionó una serie de figuras interesantes. Los bailarines del cuerpo de ballet se alinearon en una línea que representa un corazón enorme. Realizaron pas equilibrio, imitando las pulsaciones del corazón. De los cuatro confidentes de Armida, uno interpretó una variación solista , tres bailaron juntos. Armida bailó dos adagios : con el vizconde y el esclavo principal. Las variaciones de Armida y confidentes consistían en pequeños movimientos.

En la variación del esclavo, Vaslav Nijinsky realizó un salto virtuoso , que le dio fama mundial. Cruzó casi todo el escenario por la rampa de un salto con las piernas extendidas y cerradas, para luego repetirlo en sentido contrario.

Al final del vals general, Armida dedica a Rinaldo a sus caballeros y le ata un pañuelo rosa.

La magia de la noche termina con la escena de Saturno derrotando a Cupido, el tiempo vuelve en sí y el vizconde se despierta en el pabellón. Un pastor y una pastora pasan por las ventanas del pabellón. El sirviente de Baptiste lo insta a prepararse para el viaje. No puede entender que tuvo un sueño o una obsesión, pero le dan la bufanda de Armida, entiende que ha sido víctima de la magia y tendrá que vivir sabiendo que todo lo que pasó fue en realidad.

Música

El autor de la música, el compositor Nikolai Cherepnin, estudió en el Conservatorio de San Petersburgo con N. A. Rimsky-Korsakov y se desempeñó como director de coro y director en el Teatro Mariinsky, en 1909-1914 dirigió representaciones de ballet y ópera de las estaciones rusas en París. Conocido principalmente como compositor teatral, autor de óperas y ballets. La crítica nota la influencia sobre él del impresionismo musical francés , que no es característico de la música de los principales compositores rusos.

Tcherepnin era el único compositor en el círculo del "Mundo del Arte" y estaba casado con la sobrina de Alexander Benois. Así, la elección del compositor estuvo hasta cierto punto predeterminada por las circunstancias. El patrimonio creativo del compositor incluye una serie de ballets y óperas, pero este trabajo se considera uno de los mejores. Dirigió la orquesta en el estreno de Russian Seasons.

Cherepnin fue uno de los mejores alumnos de N. A. Rimsky-Korsakov, tenía una gran cultura musical, resolvió hábilmente los problemas de orquestación. En su obra, continuó las ideas del ballet sinfónico, que alcanzó su perfección en los ballets de P. I. Tchaikovsky y A. K. Glazunov . Su música traza claramente los temas asociados con los personajes principales, ilustra hábilmente la acción. Los participantes de la producción notaron en él su disposición a cooperar, haciendo cambios en la partitura. Al mismo tiempo, no tenía el talento del nivel de sus modelos Tchaikovsky o Glazunov, la música resultó aburrida. El ballet tenía un divertimento tradicional, retrasando un poco la acción y muchos valses, que no correspondían en absoluto al estilo de principios del siglo XVIII. Esta fue una concesión a los gustos del director de teatro V. A. Telyakovsky, que no correspondía completamente a la intención de los principales artistas. Los recuerdos conservaron la conversación dos días después del estreno, en la que participaron los principales músicos de la época, donde N. A. Rimsky-Korsakov expresó la opinión de que le gustaba mucho la música de ballet, pero "tiene poco de lo propio". Los críticos de música nacionales apreciaron mucho la calidad de la orquestación, la habilidad del compositor, pero al mismo tiempo encontraron su música insuficientemente expresiva y fantástica.

En el primer ballet "Temporada rusa" en París en 1909. El Pabellón de Armida fue la única actuación con música escrita específicamente para el ballet. Los críticos parisinos, que evaluaron las representaciones muy bien e incluso con entusiasmo, en casi todos los aspectos, sin embargo, hablaron negativamente sobre la música de todas las representaciones, incluida la música de Cherepnin, encontrándola insuficientemente expresiva.

Inscripción

En el momento de la puesta en escena del ballet, la escenografía teatral se encontraba en un punto de inflexión. Los artistas teatrales tradicionales empleados por el teatro, como Lambin y O. Allegri , están siendo reemplazados por una nueva generación de pintores de caballete . Las producciones de A. Benois fueron precedidas por actuaciones diseñadas por A. Golovin . Brillantes y expresivos, sin embargo, fueron criticados por Benois. Él creía que el artista seguía siendo en su escenografía principalmente un pintor, como resultado, la parte pictórica suprimió la acción real, resultó ser dominante en la actuación.

El valor artístico de los bocetos de A. Benois fue evidente desde el principio. Sus bocetos y algunos de los trajes se encuentran en varios museos y colecciones privadas, en particular en la colección de Nikita Lobanov-Rostovsky .

Como pautas de su trabajo, Benoit eligió el equilibrio, la deliberación. Tanto Benois como Fokine reconocieron el papel prioritario en el ballet de las funciones pictóricas e ilustrativas.

El escenario se desarrolló como en tres eras. La vida real del vizconde se atribuyó al siglo XVIII. El tapiz revivido lleva al héroe cien años atrás, al siglo XVII, pero allí la acción se traslada aún más a la Jerusalén de la era de las Cruzadas , pero este traslado no es real. El Oriente medieval se presentó no en la realidad, sino en el espíritu de la mascarada cortesana del siglo XVII.

Al desarrollar trajes de ballet, A. Benois utilizó la técnica tradicional: creó un traje de acuerdo con el estilo de la época y luego lo acortó hasta la rodilla. Tal traje requería un baile clásico con los dedos y M. Fokin se vio obligado a adoptar este estilo, aunque lamentó tal decisión en sus memorias.

El escenógrafo jefe del Teatro Bolshoi , Karl Waltz , participó en la producción del ballet en el escenario parisino . Gran maestro de soluciones de ingeniería nuevas y originales, dispuso una fuente en funcionamiento en el escenario del teatro, que asombró al público parisino. Por ello fue galardonado con la Palma de Oro.

Otras producciones

Reanudación del ballet de F. V. Lopukhov y A. I. Chekrygin

El 6 de mayo de 1923, el ballet fue restaurado en el escenario del GATOB por los coreógrafos F. V. Lopukhov y A. I. Chekrygin , dirigido por V. A. Dranishnikov , la actuación fue puesta en escena en el escenario antiguo por A. Benois. Eran tiempos difíciles para el teatro, los mejores artistas abandonaron Rusia y los líderes teatrales se debatían entre la restauración de viejas representaciones, que al mismo tiempo eran bien recibidas y atendidas por el "nuevo" público, y el deseo de encontrar nuevos. formas del arte del ballet correspondientes a la nueva era "revolucionaria". El papel de Madeleine y Armida fue interpretado por Elizaveta Gerdt , volvió al papel que interpretó como egresada de Tapiz Animado, y del que las bailarinas más exitosas la sacaron durante 16 años. El papel de vizconde de Beaugency y Rinaldo fue interpretado por M. A. Dudko . La parte del marqués y el zar Hydrao fue interpretada por N. A. Solyannikov , quien la interpretó en el estreno hace muchos años, uno de los mejores actores de ballet mímico fue uno de los "hígados largos" del escenario de San Petersburgo-Leningrado. [3]

Puesta en escena por N. A. Dolgushin

Desde 1994, las actuaciones de ballet han comenzado en la coreografía de Nikita Dolgushin . Primero, puso en escena el ballet en San Petersburgo, en el Teatro Musical del Conservatorio [4] . Luego, en 1999 trasladó su producción al escenario del Teatro de Ópera y Ballet de Samara . Finalmente, el 20 de octubre de 2012, se retomó su producción en el mismo Teatro de Samara a cargo del Artista de Honor de la Federación Rusa Kirill Shmorgoner con la participación activa del historiador de la moda Alexander Vasilyev , quien afirma la máxima identidad del vestuario a la ambientación original. . La prensa suele nombrar a Vasilyev como la primera persona en la producción. Director - Evgeny Khokhlov. Las partes fueron interpretadas por: Vizconde René de Beaugency - Alexander Petrienko, Marqués - Dmitry Golubev, Armida - Ekaterina Pervushina, esclavo - Viktor Mulygin [5] , [6] , [7] .

Dirigida por Andris Liepa y Jurijus Smoriginas

La producción del Artista del Pueblo de Rusia Andris Liepa y el coreógrafo lituano Yurius Smoriginas fue interpretada principalmente por el Ballet del Kremlin en el escenario del Palacio Estatal del Kremlin el 1 de febrero de 2009 como parte del proyecto de A. Liepa para restaurar actuaciones antiguas. Está dedicado al centenario de las estaciones rusas en París. La Artista del Pueblo de Rusia Ilze Liepa participó en la producción . La escenografía y el vestuario fueron recreados por los artistas Nezhnye, Anna y Anatoly basándose en los bocetos y fotografías que se han conservado. Los papeles fueron interpretados por: Armida - Artista de Honor de Rusia del Teatro Bolshoi Maria Alexandrova , De Beaugency-Rinaldo - solista del Teatro Mariinsky Mikhail Lobukhin , Marqués, también conocido como Tsar Hydrao - Igor Pivorovich del Kremlin Ballet, la novia del vizconde Artista de Honor de Rusia Natalya Balakhnicheva . El papel de la esclava Armida fue interpretado por Mikhail Martynyuk. El libreto ha sufrido algunos cambios. La novia del vizconde, que en la producción original sólo había existido especulativamente, apareció ahora en el escenario. La duración de la acción aumentó a 40 minutos, se agregó otra media hora, la música que faltaba se tomó prestada de otras obras de Tcherepnin [8] , [9]

La actuación se mostró el 16 de junio del mismo año en Riga en el escenario de la Ópera Nacional de Letonia . En estas representaciones, la solista del Ballet del Kremlin Alexandra Timofeeva interpretó el papel principal en lugar de Alexandrova . [10] , [11] Después del espectáculo en Riga el 26 de junio de 2009, la actuación se mostró en París en Avenue Montaigne. [12] Una nueva oleada de interés en esto está asociada con la demostración de esta actuación en San Petersburgo en el escenario del Teatro Mikhailovsky del 3 al 5 de abril de 2012, seguida de una gira por ciudades rusas [13] , [ 14] . La producción de Liepa también recibió críticas negativas. Criticaron, en particular, la evidente negligencia en la preparación de la actuación - la discrepancia entre el texto del programa y el contenido de la actuación. [quince]

Ballet de John Neumeier

John Neumeier representó el ballet el 28 de junio de 2009 en el Ballet de Hamburgo para el centenario de las temporadas de Diaghilev en su forma innovadora característica [16] .

Artistas de fiesta

El éxito de la primera producción debe mucho al talento de Anna Pavlova . En un momento difícil en la víspera del estreno, cuando Matilda Kshesinskaya se negó a participar en la obra, acudió al rescate del director. Su trabajo, distinguido por la perfección, la expresividad y la espiritualidad, contribuyó al éxito de las reformas de M. M. Fokin, correspondió a sus búsquedas creativas. El rechazo del papel de Kshesinskaya puede estar relacionado con las propiedades fundamentales de la reforma del ballet de Fokine. Kshesinskaya solía brillar como un solista virtuoso, alrededor del cual se construyó toda la actuación. En el ballet de Fokine, todo estaba subordinado al plan del director general. El papel del cuerpo de baile, el juego dramático de todos los personajes, aumentó, la actuación comenzó a presentar un espectáculo en continuo desarrollo, y no una simple serie de números brillantes. Al mismo tiempo, el papel habitual de los solistas se debilitó. Para el principio Anna Pavlova, este fue el primer papel de estreno. El papel no tuvo mucho éxito. Los críticos hablaron con entusiasmo sobre el ballet, los conjuntos, Nijinsky en el papel de un esclavo, Rosa en la danza de los bufones, sin pasar por el solista principal. Aparentemente, objetivamente, este juego no está ganando, y la negativa de Kshesinskaya muestra su intuición correcta. Al mismo tiempo, la obra dramática de Pavlova trajo una verdadera tragedia a la imagen, especialmente cuando interpretó el baile "Lament of Armida". La crítica apreció esto cuando aparecieron los artistas posteriores, sintiendo la pérdida de la imagen creada por Pavlova.

Pavlova no tuvo tiempo de llegar a París a tiempo para el comienzo de las estaciones rusas. Por lo tanto, en la primera representación en París, la parte de Armida fue interpretada por la artista del Teatro Bolshoi Vera Coralli . La artista pasó a la historia no solo como bailarina, sino también como actriz de cine mudo, su belleza correspondía a las ideas del bello cine de aquellos años. Aunque el ballet fue recibido con entusiasmo, Vera Coralli, aparentemente sin haber logrado el éxito personal esperado, dejó la compañía de Diaghilev antes de lo previsto el 21 de mayo de 1909.

En la compañía Russian Seasons, muchos de los roles de Anna Pavlova fueron transferidos a Tamara Karsavina . Los organizadores de las temporadas no pensaron de inmediato en transferir el papel de Armida a Karsavina en lugar de Coralli, pero ella actuó en el estreno en París de este ballet en pas de trois. El talento de Anna Pavlova, que luchó por una encarnación realista de las imágenes trágicas, fue más allá de las hábiles estilizaciones en el espíritu del "Mundo del Arte", característico de la empresa de S. Diaghilev. Tamara Karsavina, una artista de un almacén intelectual, estaba más en línea con las necesidades de este grupo. A. Benois escribió: "... se convirtió en la más confiable de nuestras principales artistas, y todo su ser correspondía a nuestro trabajo". Comparando a Karsavina con Pavlova, el crítico Volynsky escribió: “No se escuchan cuerdas que lloran. No hay expresión que irradie fuego, aunque Karsavina baila todo el tiempo con abismos azul oscuro de ojos abiertos a la rampa y un rostro delgado, bronceado, tenso e inteligente.

Olga Preobrazhenskaya se empleó en este partido en 1913. El papel de la belleza insidiosa no era adecuado para una actriz en miniatura. Al igual que Kshesinskaya, no estaba satisfecha con el papel cada vez mayor del cuerpo de baile en el ballet de Fokine, el cambio de énfasis de las danzas técnicamente brillantes a la mímica, y rápidamente dejó este papel.

Elizaveta Gerdt interpretó el papel de Armida en la actuación de graduación "Tapiz animado", luego la naturaleza de la pequeña actuación no le permitió sobresalir de alguna manera del fondo de otros graduados. Ya interpretó un papel completo y más tarde actuó en este papel en el estreno de la función restaurada en 1923 en el escenario del GATOB. Esta actriz se caracterizó por un estilo de actuación frío, estricto e impasible. En combinación con la parte de la hechicera insidiosa, esto creó una imagen específica.

Entre otros destacados intérpretes del papel, se pueden mencionar a Bronislava Nijinska y Lyubov Egorova .

En el estreno actuó Pavel Gerdt en la parte masculina principal , quien la abandonó de inmediato, posiblemente por motivos oportunistas. Ya en el segundo espectáculo, el papel fue interpretado por el propio Mikhail Fokin.

En The Russian Seasons, el bailarín principal del Teatro Bolshoi Mikhail Mordkin interpretó el papel . Mordkin tenía buenos datos externos, era valientemente guapo y elegante. Recibió tempranamente las partes principales del repertorio clásico, su rango creativo fue amplio, actuó en papeles clásicos y grotescos. La crítica notó algunas libertades en su comportamiento, que probablemente correspondían al deseo de Fokine de abandonar los gestos académicos memorizados.

Cuando se restableció la actuación en 1923, esta parte fue interpretada por M. A. Dudko en el escenario del GATOB .

En el partido del esclavo principal, que se distinguió por saltos virtuosos, Vaclav Nijinsky se hizo famoso . En su camino a la fama mundial, esta fiesta ocupó un lugar especial. Fue en esta fiesta que se hizo famoso en París. Otro actor destacado del papel fue Pyotr Vladimirov , el competidor y contemporáneo más joven de Nijinsky. Poseía una técnica brillante y técnicamente superó a Nijinsky en la realización de giros, piruetas o cabriolas, pero la crítica al mismo tiempo notó la excesiva gimnasia de su movimiento, la ausencia de la gracia relajada inherente a Nijinsky.

El número brillante del ballet fue la danza de los bufones. Desde la presentación de graduación de The Lively Tapestry tanto en el Teatro Mariinsky como en las Estaciones Rusas, Georgy Rozay actuó con brillantez en este número , quien realizó saltos acrobáticos extremadamente complejos. Esta fiesta afectó negativamente su destino creativo. En el teatro, se le asignó el papel de un bailarín grotesco, no se le dieron partes del repertorio clásico. Los empresarios europeos, después de haberle pagado mucho dinero, usaron este número en conciertos. En 1909, el artista estuvo varios meses en conciertos diarios con este número, perdiendo su profesionalismo. En 1911 volvió a participar en la presentación del "Pabellón de Armida" en Londres en la coronación de Jorge V, su número fue el más exitoso entre el público titulado. Sin embargo, no le dieron papeles interesantes, el artista tuvo una crisis interna, comenzó a faltar a las funciones y en 1915 fue despedido del teatro, y en 1917, a la edad de 30 años, murió.

Desde 1912, Leonid Leontiev , un artista con una técnica brillante, pero, lamentablemente, de baja estatura, comenzó a actuar como un bufón, lo que le dificultaba actuar en tándem con bailarinas. Se le asignaron roles de naturaleza grotesca, incluido el papel de un bufón.

La danza de las brujas requería un temperamento especial. En 1912, Eugenia Bieber , una temperamental intérprete de danzas y bailes característicos, se distinguió en este baile.

Desde el estreno de 1907 hasta el estreno de 1923, N. A. Solyannikov , un artista multifacético que actuó tanto en la ópera como en el teatro dramático, actuó en el papel del marqués y el zar Hydrao. Obtuvo este papel de un anciano cuando aún era joven. A. Benois recordó que estaba muy sorprendido e insatisfecho con esta decisión de Fokine, y solo cuando comenzaron los ensayos en el escenario se dio cuenta de que estaba equivocado, el artista dominó la técnica de las expresiones faciales, que lucía completamente diferente en el escenario que arriba. cerca.

Fuente

V. M. Krasovskaya. Teatro de ballet ruso de principios del siglo XX. - L. - M., 1971-1972.

Notas

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