Estilo (arte)

El estilo ( griego antiguo στύλος , lat.  stylus  - varilla, palo para escribir) es una de las principales categorías de la historia del arte . La integridad única de todos los elementos del contenido y forma de una obra de arte, incluyéndola en una serie histórica de obras similares, caracterizada por la unidad del lugar y tiempo de creación. En una formulación diferente: una cualidad especial de la forma de una obra de arte, lograda por la integridad del método creativo, los métodos de modelado, las técnicas de composición, las maneras individuales y las técnicas características de los artistas de un determinado período histórico [1] .

Varias definiciones del término "estilo"

En la antigüedad, un “ stylus ” era una herramienta, un palo puntiagudo para escribir sobre una tabla cubierta con una capa de cera. De ahí la definición tradicional de estilo en la literatura : "Instrumento, patrón de habla, estructura del lenguaje, la naturaleza del uso de los medios expresivos". Las palabras "almacén", "sistema (construcción)", "modo", "medida", "orden" son las palabras clave para definir el fenómeno histórico del estilo artístico. Sin embargo, la definición académica de estilo no revela la esencia de la unidad estilística: "Una comunidad estable históricamente establecida del sistema figurativo, medios y métodos de expresión artística, debido a la unidad del contenido sociohistórico ideológico" (Gran Enciclopedia Soviética .T. 41, 1956). Al mismo tiempo, el contenido de los conceptos de "sistema de imagen general" y "expresividad artística" sigue sin estar claro. La nueva edición no añade nada a esta definición: "La unidad estable del sistema figurativo artístico, los medios expresivos del arte" [2] .

A. F. Losev , criticando tales formulaciones, llama "algo que no se reduce simplemente a la forma, no se reduce simplemente a la estructura, y que debe ser entendido y puesto por encima de cualquier esquema compositivo" como el "punto de partida principal" para la definición de estilo. Además, Losev cita la formulación del filósofo A. P. Grigoryan: "El estilo no es solo una forma de expresión, sino también una sustancia, es decir, una especie de esencia artística invariable y al mismo tiempo invariablemente en movimiento, no solo subyacente a una o otra categoría estética, pero que define el proceso vivo del arte” [3] [4] .

Como resultado, A. F. Losev da su propia “definición final” de estilo artístico: “Es el principio de construir todo el potencial de una obra de arte sobre la base de sus diversas asignaciones supraestructurales y extraartísticas y sus modelos primarios. , sentido, sin embargo, inmanentemente por las propias estructuras artísticas de la obra” [5] .

Según la formulación de M. S. Kagan , "el estilo es una expresión directa de la mediación mutua y la interdependencia universal de los elementos de la forma en un sistema de cualquier escala y naturaleza, tanto artística como vital". Además, M. S. Kagan aclaró que “una individualidad creativa brillante forma un estilo artístico individualmente original”, y tales “estilos” refractan e individualizan “grandes estilos” a su manera [6] .

La fórmula más concisa fue dada por L. I. Taruashvili : “Tendencia espontánea desmotivada utilitaria de responder a diferentes estímulos de manera similar” [7] . La última definición establece que el estilo está condicionado por la naturaleza psicofisiológica de una persona, lo que determina un conjunto limitado de arquetipos formales recurrentes.

Una de las definiciones culturológicas de estilo: “Una forma establecida de autodeterminación artística de una época, región, nación, grupo social o creativo, o un individuo”... El concepto de estilo “se aplica a todos los demás tipos de actividad humana , convirtiéndose en una de las categorías más importantes de la cultura en su conjunto, en la suma total dinámicamente cambiante de sus manifestaciones históricas específicas” [8] .

Las disputas de los especialistas básicamente se reducen a lo siguiente: ¿el estilo es un contenido o solo una forma? Con respecto a las "artes visuales" - arquitectura, bellas artes y artes decorativas - este tema suscita discusiones especialmente activas, ya que está conectado con la relación entre los conceptos de estilo y composición. La composición es una integridad única (cada vez nueva) de todos los elementos de contenido y forma. El estilo es la integridad de los mismos elementos. En consecuencia, la esencia del fenómeno del estilo artístico no reside en los elementos, y menos aún en los “portadores formales” (su conjunto cambia ligeramente a lo largo de la historia del arte), sino en la forma en que estos elementos se conectan entre sí. .

El fenómeno del estilo artístico tiene tres características principales. La primera característica es que la integridad compositiva se percibe dentro de los límites formales de una obra de arte en particular, es esencialmente espacial. La unidad estilística es predominantemente de naturaleza temporal: se crea por medios espaciales, pero se percibe y evalúa comparando muchas obras y en su correlación con el tiempo histórico. Las cualidades estilísticas, a diferencia de la integridad compositiva, no se localizan dentro de los límites de una sola obra de arte. En otras palabras, la integridad compositiva es formalmente espacial, mientras que la integridad estilística, que consta de los mismos componentes, es percibida indirectamente y analizada por el método histórico comparativo. La composición crea un sentido directo de la integridad de la obra individual; El estilo artístico refleja cambios en las ideas humanas sobre el mundo en el tiempo histórico. La composición es la creación de integridad espacial; El estilo es una experiencia artística y un reflejo del tiempo histórico [9] .

La segunda característica es el estilo no intencional. En el proceso de creatividad, el autor de la obra reflexiona sobre las formas de plasmar la idea, el tema, la trama, la composición, la metodología y la técnica de trabajo. Hace muchos bocetos. Tiene que pensar en el costo del lienzo y las pinturas. El arquitecto se ve obligado a elaborar un presupuesto, coordinarlo con el cliente o solicitar fondos y materiales adicionales. El estilo nace sin querer. Si el artista, en el proceso de creación de una obra, piensa en el estilo, decide de antemano cuál será el resultado en términos de estilo, entonces se convierte de creador en estilista. Las cualidades del estilo se forman, por así decirlo, fuera del deseo del autor, ya que no existen en el espacio de una obra de arte, sino en el espacio-tiempo histórico. Por lo tanto, para determinar el estilo, el historiador del arte debe construir mentalmente una serie de obras que estén unidas por la similitud de características, y el sentido del estilo surgirá por sí mismo. Así es exactamente como trabajan los maestros de la atribución estilística intuitiva de las obras de arte. Mentalmente o de hecho (con la ayuda de bocetos y fotografías) forman una serie de obras de arte. Si la obra deseada, colocada en esta fila, no parece ajena, podemos sacar una conclusión preliminar sobre la comunalidad estilística y la atribución de lo deseado a este estilo histórico.

La tercera característica explica por qué, en contraste con la unidad compositiva, la calidad de la integridad estilística es un fenómeno raro. Los nombres "clasicismo", "barroco", "rococó" son abstracciones culturológicas. De hecho, en la historia del arte no observamos estilos establecidos, sino el proceso de su larga formación e interacción en forma de variedades históricas y regionales mixtas en la implementación individual de uno u otro maestro. “ Le style c'est l'homme ” (El estilo es un hombre) es el famoso aforismo de J. Buffon (de un discurso pronunciado el 25 de agosto de 1753 con motivo de su elección a la Academia Francesa ). El estilo no es una comunidad estable, sino una integridad dinámica de elementos formales de contenido, en constante desarrollo e imperceptiblemente cambiante en el tiempo histórico. En otras palabras, en la historia del arte actual no se trata de un estilo o de varios estilos, sino de un proceso histórico y artístico continuo y ramificado de formación de estilos en forma de metaestructuras estilísticas mixtas. La complejidad de este concepto explica por qué la palabra "estilo" como categoría de la historia del arte ha estado en circulación científica durante tanto tiempo y aún no ha tenido una definición generalmente aceptada.

La historia del estudio del fenómeno del estilo en el arte

En la antigüedad clásica, debido a la inseparabilidad del arte y el conocimiento teórico, el concepto de estilo fue reemplazado por "tipos" (tipos griegos - impresión, contorno, trazo, patrón) o "modos" (latín modus - medida, tamaño, regla) . El antiguo retórico griego Hermógenes (c. 160-225) en su tratado "Sobre los tipos de discurso" identificó siete "errores tipográficos": claro, majestuoso, completo, edificante, ardiente, veraz, poderoso. En la era del Renacimiento italiano , cuando los conceptos básicos de las bellas artes estaban tomando forma, en lugar de la palabra "estilo", preferían usar el término "manera", que denotaba la letra individual del artista (it. maniera, del lat. manus - mano). Fue este término el que usó G. Vasari en sus “Vidas de los pintores, escultores y arquitectos más famosos” (1550).

Como concepto significativo, la palabra "estilo" (it. stile) fue utilizada por primera vez por el arquitecto, escultor y teórico del arte florentino A. Filarete en su Tratado de Arquitectura (c. 1465). Sin embargo, a lo largo del siglo XVII, en el léxico de los teóricos del clasicismo y el barroco , las cualidades que ahora llamamos estilísticas continuaron llamándose manera. Por ejemplo, la designación del estilo artístico de la era de Luis XIV en Francia - "manera grande o majestuosa" (francés grand manière) se traduce como "gran estilo".

G. Mancini concedió gran importancia a los conceptos de estilo y escuela en el arte en su ensayo “Discursos sobre la pintura” (Le Considerazioni sulla pittura, 1617-1621). En 1672 J. P. Bellori , pintor y teórico del arte del clasicismo, en sus "Vidas de los pintores, escultores y arquitectos modernos" (1672) otorgaba al concepto de "estilo" la cualidad de una categoría estética. En particular, en el apéndice de la biografía de N. Poussin , destacado pintor del clasicismo francés, Bellori menciona la "teoría de los modos" que desarrolló el pintor. Poussin tomó prestado este término de los tratados de teoría musical de G. Zarlino , que se publicaron en Venecia en 1558, 1562 y 1571. Zarlino partió de la clasificación de "modos" musicales creada por Aristóteles. A diferencia de Poussin, Bellori utilizó el término "estilo" en este contexto [10] .

J. W. Goethe esbozó su comprensión del estilo artístico. En 1789 publicó un artículo "Una simple imitación de la naturaleza, la manera, el estilo". En él, Goethe distinguió tres etapas, o niveles, del pensamiento creativo del artista. La primera etapa es una simple copia de la naturaleza, que no crea estilo. La segunda etapa de la creatividad, la introducción de sensaciones personales, da lugar a la "manera". El tercero, el más alto, implica "el conocimiento de la esencia de las cosas", y produce un estilo artístico único.

La "teoría formal" del estilo se desarrolló en la escuela de historia del arte suizo-austríaco-alemana basada en los conceptos de A. Riegl y G. Wölfflin . Las cualidades de la forma, según Wölfflin, conforman el estilo que determina las características generales de las obras creadas en una época y en un lugar. Así, el concepto de "estilo" conecta las categorías del tipo histórico de arte y la escuela de arte nacional o regional. El concepto de Wölfflin se caracteriza por la idea de procesos inmanentes (internamente regulares) de desarrollo estilístico, en los que el Renacimiento y el Barroco son la encarnación de dos "formas de visión" opuestas. Estas formas se caracterizan por los famosos "pares de conceptos wölfflinianos": "linealidad - pintoresquismo"; "plano - profundidad"; "forma cerrada - forma abierta"; "pluralidad - unidad"; "claridad - ambigüedad" [11] . En 1934, el historiador y teórico del arte francés A. Faucillon , en su obra “La vida de las formas” (“Vie des Formes”), esbozó la idea de un “ritmo biológico” que impregna el desarrollo histórico del arte de todos épocas, tendencias, estilos y escuelas nacionales [12] .

Las ideas de fases periódicamente recurrentes en el desarrollo del arte (arcaico, clásico, decadencia) en el concepto de Wölfflin, el "ritmo biológico" de A. Faucillon, la "voluntad artística" de A. Riegl se reflejan en el libro de la Historiador y teórico del arte alemán, doctorado en "Historia de los estilos en las bellas artes" de la Universidad de Berlín E. Cohn Wiener (1916). En los ciclos repetidos de desarrollo de diferentes culturas, Kohn-Wiener destacó las mismas etapas:

• constructivo;

• destructivo o decorativo;

• ornamentales.

Todos los ciclos históricos de este círculo vicioso de nacimientos y renacimientos muestran etapas periódicamente recurrentes de resolución de problemas artísticos. Cada vez, la etapa constructiva es seguida por una decorativa (o manierista), luego es reemplazada por una ornamental, nuevamente reemplazada por una constructiva, que ya ha crecido sobre otras tradiciones culturales e históricas. El libro de Kohn-Wiener adolece de esquematismo, pero ha sido traducido a muchos idiomas y no tiene igual en el número de reimpresiones en ruso, lo que indica su popularidad [13] .

El historiador y teórico del arte austriaco E. Gombrich profesaba un enfoque iconológico y un método de análisis comparativo de las obras de arte, incluidos los aspectos psicológicos de la percepción, que amplió enormemente la teoría de Wölfflin. Gombrich argumentó que el estilo surge "entre la similitud y la desemejanza", donde el artista aporta su propia actitud, comprensión, "sentimiento" a la imagen. Según la fórmula de Gombrich, el estilo es "la imagen menos el objeto". En consecuencia, las cualidades estilísticas reflejan lo subjetivo que el artista le da a su obra. Por lo tanto, el naturalismo no tiene estilo, al igual que el abstractivismo [14] .

El filósofo francés I. Taine definió el estilo como la "coordinación final" de todos los elementos de una obra de arte "en el estado de ánimo, la intuición del artista" [15] . Como resultado de un análisis comparativo de muchos conceptos y definiciones, se hace evidente la naturaleza interespecífica del estilo artístico. El estilo es la integridad de los medios y técnicas figurativos que se forman en el tiempo histórico y generalmente son significativos para diferentes tipos de arte. Pero sobre todo, los "portadores formales" de un estilo particular se manifiestan en la historia de la arquitectura, la ornamentación y las artes decorativas como las formas más abstractas del pensamiento artístico. Por lo tanto, el ornamento se llama con razón la "escritura de la época" [16] . Al mismo tiempo, no hay estilos “buenos” o “malos” en la historia del arte, progresistas o regresivos, menos o más demandados; todas metamorfosis estilísticas en diferentes momentos e igualmente necesarias y suficientes para el proceso histórico y cultural.

Conceptos relacionados con la categoría "estilo"

El estilo artístico actual es una integridad rara vez lograda de las cualidades, aspectos y relaciones de muchas obras de diferentes tipos de arte; no es casualidad que se le llame "una tendencia ideal incumplida". Por lo tanto, más a menudo observamos cualidades estilísticas individuales. En contraste con el concepto de "estilo", "estilística" se refiere a cualidades que no han alcanzado la integridad estilística. La relación jerárquica de varios conceptos es importante. Entonces, en los estudios culturales existe el concepto de "tipo histórico de cultura". Los historiadores del arte usan una definición más estrecha: el tipo histórico de arte. Dentro de los límites de cada tipo histórico de arte: primitivo, antiguo, medieval, renacentista, posrenacentista, se forman y desarrollan diversos estilos, corrientes y escuelas artísticas. Por ejemplo, dentro de los límites del tipo histórico del arte antiguo, los estilos del arcaísmo griego, los clásicos (temprano y tardío), el helenismo, la época de la República romana, el imperio temprano, el clasicismo romano de la "edad de oro" de la Se desarrolló el reinado del emperador Augusto... Cada uno de estos estilos históricos y regionales incluye varias corrientes estilísticas y escuelas de arte .

Otro concepto fundamental es la dirección artística. Esta no es una categoría ideológica estilística, sino una cosmovisión. La dirección es una colección de ideas, conceptos, tratados teóricos, ensayos estéticos, manifiestos. Las corrientes artísticas incluyen dos programas estéticos mutuamente complementarios y opuestos en la historia del arte: el clasicismo y el romanticismo . Otros conceptos son los llamados realismo , naturalismo , idealismo [17] .

Sobre la base de las direcciones, se forman estilos históricos "grandes" y sus variedades históricas y regionales (los llamamos en el caso genitivo), por ejemplo: "estilo de arte clasicismo" (y no "estilo clasicismo"), ya que es necesario para aclarar qué estilo de muchos hay en vista de: el clasicismo romano del siglo XVI , el clasicismo francés del siglo XVII, el clasicismo de Catalina en Rusia en la segunda mitad del siglo XVIII, el neoclasicismo de la segunda mitad del siglo XVIII en Francia o el neoclasicismo de principios del siglo XX en Rusia. Todos estos estilos difieren significativamente entre sí, pero pertenecen a la misma dirección artística.

También, por ejemplo, son diferentes las modificaciones históricas y regionales del estilo barroco histórico . El estilo barroco de la segunda mitad de los siglos XVI-XVII en la arquitectura de Roma es único. A través de la contaminación de elementos barrocos y rococó en el siglo XVIII, se formó una variedad histórica y regional del estilo barroco-rocaille germano-austríaco. El uso de formas barrocas italianas, clasicismo francés, arquitectura tradicional holandesa e inglesa fue la base del estilo " barroco petrino " del primer cuarto del siglo XVIII en San Petersburgo. El "estilo Isabel" único de mediados del siglo XVIII en Rusia, encarnado por el genio del arquitecto B. F. Rastrelli , es una combinación de elementos del clasicismo, el barroco, el rococó y las antiguas tradiciones rusas. “Repensar los logros del clasicismo francés y los clásicos italianos, teniendo en cuenta las características nacionales, condujo a la formación del estilo original del clasicismo ruso, y la reunificación de las ideas inicialmente opuestas del clasicismo y el romanticismo estimuló el desarrollo del arte académico ruso en el primer tercio del siglo XIX. Sin embargo, el clasicismo ruso en San Petersburgo, Moscú y las ciudades provinciales también difiere significativamente entre sí” [18] .

Dentro de los estilos histórico y regional, se están desarrollando corrientes estilísticas, asociadas con las tradiciones locales, las escuelas y el trabajo de maestros individuales. La comunidad de corrientes estilísticas (dentro de los límites de un estilo histórico-regional) la proporcionan arquetipos comunes, un único espacio semántico, aunque las formas pueden ser diferentes. A veces, por el contrario, formas similares no encajan en la cronología canónica de estilos artísticos cambiantes. Por ejemplo, el movimiento chinoiserie ("chino") se desarrolló dentro de los estilos Regencia francesa , Rococó , Neoclasicismo , Imperio e incluso Art Nouveau .

Con razón se observa que en la historia del arte hay un refinamiento gradual de las tendencias y estilos artísticos. Hasta la era del Renacimiento italiano, el arte de Europa occidental se desarrolló dentro de los límites de tipos históricos separados, en el arte de los siglos XVII y XVIII, entre dos movimientos artísticos principales: el clasicismo y el romanticismo. Desde la década de 1830, durante el período del historicismo y los neoestilos, han dominado corrientes separadas y estilos artísticos individuales, que se reducen gradualmente al nivel de diferencias en formas y técnicas. Durante los períodos de modernismo y posmodernismo , anualmente se proclamaban nuevos estilos, aparecían manifiestos de nuevas direcciones y escuelas en el arte, pero no tuvieron un impacto fundamental y fueron reemplazados inmediatamente por otros. Por lo tanto, el arte de los siglos XX y XXI a menudo se denomina arte de extraizquierda.

La combinación secundaria y artificial de elementos de diferentes estilos se llama eclecticismo (del griego eklegein - elegir). El método ecléctico difiere del método electivo (lat. electare - seleccionar), que implica la elección de un solo prototipo. El resultado de reflexiones preliminares o de un determinado prototipo, fuente iconográfica, muestra, que se denomina estilizado, se denomina estilización . La estilización hábil puede crear un estilo, el pensamiento ecléctico implica una mezcla programática y deliberada de elementos de diferentes estilos artísticos. Por lo tanto, el eclecticismo en la mayoría de los casos significa una falta de integridad estilística.

Interacción histórica de estilos artísticos, poliestilismo y la teoría del "desarrollo fuera de estilo"

Generalmente se acepta que en cada época se forma una determinada “manera de ver el mundo”. Mejor que otros, este método es comprendido por profesionales, maestros de bellas artes. Hay una expresión: "La gente percibe el mundo a través de los ojos de sus artistas". La tesis también es generalmente aceptada: el estilo establecido es el resultado del acuerdo del artista con su época. Sin embargo, una obra de arte creada en un determinado momento histórico no refleja necesariamente el "zeitgeist" ( alemán:  Zeitgeist ; francés:  l'air du temps ). El pensamiento del artista suele adelantarse a su tiempo o viceversa, quedando rezagado en aspiraciones retrospectivas. Por lo tanto, el estilo de una obra de arte en particular de una forma u otra contamina momentos en diferentes momentos.

Pero incluso en episodios individuales de la historia del arte, no observamos un estilo artístico, sino muchos estilos y tendencias estilísticas en desarrollo e interacción (a menudo opuestos). Por ejemplo: el siglo XVII a menudo se conoce como la era barroca. Pero fue en el siglo XVII, simultáneamente con el dominio del estilo barroco en la arquitectura y la escultura de Italia, que los clasicistas N. Poussin y C. Lorrain trabajaron en el mismo país , y en Francia tomó forma la teoría estética del clasicismo . . Entre el clasicismo y el barroco, vemos el genio inquieto de Rubens y la obra enigmática de Rembrandt , y la arquitectura, la escultura y la pintura barrocas actuales heredan elementos de estilos clásicos.

No se debe hablar del “estilo de la época” en singular, pero puede tratarse de los estilos de la época o del estilo que crea una época en el arte, en el sentido de que en una determinada etapa del desarrollo surgen situaciones en las que un estilo prevalece, tiene un impacto en otros, desplazando estilos obsoletos. Es incluso mejor hablar sobre el "arte de la época" o sobre el tipo de arte histórico, que incluye varias tendencias artísticas, tendencias y estilos.

La definición de "estilo renacentista" debe reconocerse como incorrecta, ya que en el Renacimiento había diferentes estilos y tendencias artísticas, incluso mutuamente excluyentes. La definición correcta es "el estilo artístico del Renacimiento", siendo deseable dar el nombre del estilo o corriente histórico-regional en cuestión. El resultado del poliestilismo, el desarrollo simultáneo de diferentes estilos artísticos, son modificaciones de estilo mixtas y secundarias. No hay "estilos puros" en el arte en absoluto, ya que en la misma época, por regla general, coexisten e interactúan varios estilos históricos.

En las etapas arcaicas de desarrollo de uno u otro tipo histórico de arte, el "estilo histórico" está en su infancia. En períodos maduros y clásicos, el estilo alcanza su clímax y luego cae en un período de crisis y decadencia, renaciendo en formas manieristas. Un estilo nace en el fondo de otro, en las "formas críticas" (definición de H. Sedlmayr ) del estilo antiguo, nacen otras nuevas, que se desarrollan intensamente en la era siguiente. También hay poliestilismo del programa. Por ejemplo, con el tiempo se instalaron altares barrocos en los interiores de las catedrales góticas, lo que resultó en una especie de consonancia estilística. A pesar de las diferencias en las formas, el gótico y el barroco están unidos por fundamentos espirituales y principios de modelado comunes. Por lo tanto, el "gótico barroco" o el "barroco gótico", por ejemplo, en el arte de la República Checa y el sur de Alemania de los siglos XVII-XVIII no son eclécticos . Tales fenómenos se denominan metamorfosis estilísticas [19] .

No todos los artistas, incluso los más destacados, logran la integridad de su estilo individual; en estos casos, los investigadores usan el término "desarrollo fuera de estilo". La teoría del "fuera de línea" en la historia del arte fue desarrollada por E. I. Rotenberg . Consideró el estilo como una "categoría de cosmovisión" y al mismo tiempo una "forma universal de creatividad artística" que se opone al principio individual. Según el concepto de Rotenberg, la "forma estilística universal" domina en una época determinada, pero en el siglo XVII, debido al intenso desarrollo del arte de la pintura de caballete, surgió una crisis de la "forma estilística general". Anteriormente, durante el período del Renacimiento, la forma de arte se orientó hacia una "síntesis de las artes basada en la arquitectura". Sin embargo, desde las obras tardías de Miguel Ángel, la unidad renacentista se ha perdido, y en el arte clásico hay una división en dos líneas principales de “formas estilísticas” (Renacimiento-Manierismo y Barroco) y una tercera, “fuera de estilo”. línea” aparece, oponiéndose a grandes formas estilísticas. Rotenberg atribuyó la obra de Poussin, Rembrandt, Rubens, Caravaggio , Velázquez a la "línea no lineal" . En el período posterior al Renacimiento, la “línea sin hojas” aseguró no solo la “autodeterminación de las formas de arte”, sino también la diferenciación temática y de género dentro de cada una de ellas. Los maestros "fuera de estilo" no crearon una imagen general, sino "conceptos figurativos-temáticos individuales" [20] .

Esta teoría está respaldada por el material principalmente de un tipo de arte: la pintura. Pero incluso dentro de estos límites, Poussin y Rubens, los grandes maestros, que más que otros demuestran estética con su trabajo: en un caso, el clasicismo, en el otro, el barroco, resultaron ser atribuidos a la línea izquierda. Es cierto que tanto en el arte de Poussin (clasicismo) como en la pintura de Rubens (barroco) hay varias influencias y elementos de estilo. La originalidad de la implementación individual de "grandes estilos" siempre ha existido y está asociada a muchos factores. Obviamente, la relación "general - particular" en el contenido y forma de cada estilo artístico requiere una interpretación más compleja.

Notas

1. ↑ Vlasov V. G. Style // Vlasov V. G. Nuevo diccionario enciclopédico de bellas artes. En 10 volúmenes - San Petersburgo: Azbuka-Klassika. - T. IX, 2008. - S. 460
2. ↑ Apolo. Bellas artes y artes decorativas. Arquitectura. - M .: Instituto de Investigación de Teoría e Historia de las Bellas Artes de la Academia Rusa de las Artes - Ellis Luck, 1997. - P. 58
3. ↑ Losev A.F. El problema del estilo artístico. - Kyiv: Collegium, 1994. - S. 220-221
4. ↑ Grigoryan A.P. Problemas de estilo artístico. - Ereván, 1966. - S. 5
5. ↑  Losev A. F. S. 226
6. ↑ Kagan M.S. Estética como ciencia filosófica. Curso universitario de conferencias. - San Petersburgo: Petrópolis, 1997. - S. 443-445
7. ↑ Taruashvili L. I. A la cuestión de la teoría del estilo // Historia del arte. - M., 2005. - Nº 1. - Pág. 120
8. ↑ Sokolov MN Style // Culturología. siglo XX. Diccionario. - San Petersburgo: Libro universitario, 1997. - S. 442
9. ↑ Vlasov V. G. Teoría del estilo // Teoría de la conformación en las bellas artes. Libro de texto para escuelas secundarias. - San Petersburgo: Editorial de San Petersburgo. un-ta, 2017. - Pág. 178
10. ↑ Zolotov Yu. K. Poussin. - M.: Arte, 1988. - S. 211-212
11. ↑ Wölfflin G. Conceptos básicos de historia del arte. El problema de la evolución del estilo en el nuevo arte. — M.: V. Shevchuk, 2013
12. ↑ Faucillon A. La vida de las formas. Elogio de la mano. - M .: colección de Moscú, 1995
13. ↑ Kohn-Wiener E. Historia de los estilos de bellas artes. Moscú: 1910, 1913, 1916, 1917, 1922, 1930, 1936, 2000, 2001, 2010, 2011, 2013, 2014, 2016
14. ↑ Gombrich E. La imagen y el ojo: estudios adicionales en la psicología de la representación pictórica. Oxford, 1982
15. ↑ Diez I. Filosofía del Arte. — M.: 1869; 1995
16. ↑ Ornamento de Sokolova T. M. - escritura a mano de la época. - L.: Avrora, 1972
17. ↑ Nalivaiko D.S. Arte: direcciones, tendencias, estilos. - Kyiv: Arte, 1981
18. ↑ Vlasov V. G. El concepto de metaestructuras de estilo. Tendencias artísticas, corrientes, escuelas. Estructura jerárquica interna de la categoría de estilo // Teoría de la formación en bellas artes. Libro de texto para escuelas secundarias. - San Petersburgo: Editorial de San Petersburgo. un-ta, 2017. C. 187
19. ↑ Vlasov V. G. Nuevo diccionario enciclopédico de bellas artes. T. IX, 2008. - S. 267-270
20. ↑ Rotenberg E.I. Arte de Europa occidental del siglo XVII. - M.: Arte, 1971. - S. 41

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