El realismo poético ( francés Réalisme poétique , realismo poético inglés ) es un movimiento artístico en el cine europeo, principalmente francés . Alcanzó su mayor poder expresivo y demanda en la segunda mitad de la década de 1930 - la primera mitad de la década de 1940. La dirección se basa en un reflejo poéticamente exaltado de la vida y la vida de las clases medias y bajas de la sociedad del período descrito. Se considera que los principales exponentes de las ideas del realismo poético son el poeta y dramaturgo Jacques Prevert , los directores Jean Renoir , Jean Vigo , Julien Duvivier , Jacques Becker , Marcel Carnet , Pierre Chenal . Varios críticos de cine, encabezados por el escritor Pierre McOrlan , utilizaron el término "ficción social" para nombrar la dirección . [una]
Las raíces del realismo poético se encuentran en los medios de expresión y las técnicas artísticas ya desarrolladas por el cine experimental de principios de la década de 1930 y, en particular, el cine de vanguardia de Francia. Los cineastas de Alemania , Italia , la URSS dependían completamente de la censura política, el cine británico , debido a la compatibilidad de idiomas, se llenó de productos comerciales estadounidenses y se contentó con una cuota baja para la presencia de sus películas de entretenimiento. Durante el período de creciente influencia del fascismo italiano , el falangismo español y el nacionalsocialismo alemán , ante la debilidad de su propio gobierno burgués, los cineastas franceses recurrieron al tema de glorificar a una persona “sencilla”, un personaje del pueblo. Las ideas de la dirección fueron apoyadas por los líderes del Frente Popular , especialmente los comunistas franceses (en 1936 se crea la Asociación de Directores de Cine del Frente Popular para impulsar y promover el cine progresista nacional). Los directores que trabajaron en la dirección del realismo poético compartieron puntos de vista artísticos comunes, pero nunca se unieron formalmente en ningún grupo creativo.
A diferencia del realismo social, los documentales, el realismo poético se caracteriza por la "recreación" de la realidad, incluso mediante el uso generalizado de filmaciones en pabellones. La poetización de la realidad se reflejó en el aumento del esteticismo de las técnicas expresivas, la importancia para los autores de los aspectos externos de la presentación de la obra. La trama es a menudo fantástica. En la primera mitad de la década de 1930, los autores que pueden atribuirse condicionalmente a la dirección del realismo poético trabajaron tanto en el género dramático ("Calle sin nombre", 1934; "Hostalería Mimosa" , 1935), como en el género de comedia ( "Marius" , 1931; "Heroic Kermess" , 1935). Con el aumento de la tensión política en Europa , el fatalismo se volvió inherente a la visión del mundo de los héroes de las pinturas , que durante la ocupación de Francia se intensificó con estados de ánimo de nostalgia , fatalidad y desesperanza (" The Day Begins ", 1939). Supongamos un canon condicional de la construcción de la trama de la película. El protagonista es, en un sentido amplio, un marginado : un desempleado, un desertor, un delincuente, que, en el momento de alcanzar el punto más bajo de la caída, obtiene la última oportunidad para el amor y la comprensión mutuos. En la mayoría de los casos, la crueldad de la vida real destruye la posibilidad de felicidad.
No soy pesimista. No soy un maníaco del cine negro. Pero las películas que hago siempre reflejan el momento actual hasta cierto punto. Los años previos al estallido de la guerra no fueron particularmente optimistas. El mundo estaba a punto de desmoronarse, y éramos vagamente conscientes de ello...
Marcel Carnet [2]El escritor y crítico italiano Pietro Paolo Trompeo propuso considerar el realismo poético en el cine como la tercera fase del naturalismo : la primera es la obra literaria de Zola , Guy de Maupassant , Alphonse Daudet y otros, la segunda es el drama naturalista de el teatro Antoine , la dramaturgia de Ibsen . “La tercera fase es el cine, que trata de reproducir con la máxima persuasión aquellos rasgos de la realidad que Baudelaire llamó las “realidades fantásticas de la vida”. [2]
El realismo poético tuvo una influencia significativa en la formación de la Nueva Ola en Francia y el Neorrealismo en Italia.
Alexander Korda , probablemente, sobre la base del momento del estreno de la película, debería abrir la lista de directores que utilizan técnicas artísticas de realismo poético. Sin embargo, esta dirección no es típica del cine británico en su conjunto. Además, Korda, en el rodaje de la película "Marius" ( fr. "Marius" , 1931), dirigió la adaptación cinematográfica de la ya muy exitosa producción de la obra del francés Marcel Pagnol , quien participó en el rodaje como guionista y segundo director. La película del género de la comedia romántica cuenta la historia del propietario de un bar en el barrio portuario de Marsella César, su hijo adulto Marius, que está enamorado de su amiga de la infancia Fanny, pero sueña con viajes marítimos de larga distancia. El ansia de mar gana. Consigue un trabajo como marinero en un barco de vela clíper . Unos años más tarde, tras el estreno de las películas "Fanny" y "Caesar" [3] , esta historia se convirtió en una trilogía. El crítico y crítico de cine de la agencia The Onion , Noel Murray, describe la película de la siguiente manera: “La trilogía cimentó en el cine francés el concepto de una “tradición de calidad”, en la que la actuación y la divulgación del tema se priorizan sobre la brillantez externa. Las películas en sí son narrativas y cómicas, llenas de personajes cotidianos reconocibles y cositas muy naturalistas, francesas, como el queso Brie o Jacques Tati . [cuatro]
Jacques Fader se involucró en muchos proyectos cinematográficos, trabajó en Hollywood durante varios años , pero sin llegar a un acuerdo con MGM para financiar más planes, regresó a Francia. Aquí, en tres años, creó tres pinturas, más tarde reconocidas como obras maestras del realismo poético. The Great Game ( en francés: Le Grand Jeu , 1934) es una película sobre un joven parisino que se ve envuelto en las tentaciones de la alta vida y obligado a unirse a la Legión Extranjera Francesa para salvar el honor de su familia (el tema del rechazo). Un intento de construir un nuevo amor termina en fracaso. La adivina, que no se equivocó previamente en sus profecías, predice su muerte rápida. La trama del cuadro “Pension Mimosas” ( en francés “Pension Mimosas” , 1935) se divide en dos épocas. En el primero, una familia sin hijos de propietarios de una pensión en la Costa Azul adopta a un niño pequeño. Diez años más tarde, convertido en un joven villano, Piero extorsiona regularmente a sus padres adoptivos y finalmente se enreda en deudas. Al mismo tiempo, se desarrolla la trama de su infeliz amor, cuya inseparabilidad lo lleva al suicidio al final. El pináculo del trabajo de Jacques Feyder, incluso en la dirección del realismo poético, fue su película "Heroic Kermesse" ( en francés "La Kermesse Héroïque" , 1935), una comedia romántica en el escenario histórico del siglo XVII, premiada con un gran número de premios [5] El ayudante de dirección en estas películas fue otro adepto del "realismo poético", el futuro clásico de la dirección de Marcel Carnet .
Pierre Chenal trabajó y experimentó en varios géneros y direcciones artísticas del cine. De las pinturas que ejecutó en el espíritu del realismo poético, en primer lugar es necesario nombrar la película "La calle sin nombre" ( francés "La Rue sans nom" , 1934). Esta es una historia sobre un área donde viven los trabajadores más pobres y los elementos desclasados , donde la pobreza genera desesperación, xenofobia y alcoholismo. El siguiente trabajo del director se inscribe con extrema precisión en los cánones artísticos de la dirección: la adaptación cinematográfica de la novela " Crimen y castigo " de F. M. Dostoievski ( en francés "Crime et châtiment" , 1935): el personaje principal es el sociópata Rodion Raskolnikov , que lo ama Sonya Marmeladova , que lo apoya espiritualmente, pero incapaz de cambiar su destino (el tema de la fatalidad). En el futuro, Chenal se alejó de la creatividad en el marco del realismo poético. Más a menudo, especialmente después de la emigración forzosa a Argentina , trabajó en el género de suspenso , utilizando técnicas artísticas de cine negro .
Jean Vigo durante su corta vida (murió a los 29 años de tuberculosis ) creó dos largometrajes que se convirtieron en modelos de poetización de la realidad. " Comportamiento cero ": la historia de los acontecimientos en un internado que condujo a una rebelión abierta de los alumnos. Cada maestro es una persona completamente viva y real que, gracias a la ironía del autor, se convierte en una memorable imagen satírica. Con respecto a los personajes adolescentes, Vigo utiliza únicamente el buen humor y demuestra una comprensión absoluta de ellos. Es evidente la inevitabilidad de un conflicto entre el sistema burocrático de educación y el deseo inconsciente, aún inmaduro, de libertad del director. El rodaje se le dio a Vigo con dificultad, dijo: "Esta película es tanto mi infancia que quiero pasar rápidamente a otra cosa". [6] La película fue censurada para que no se mostrara en Francia.
Atalanta es una romántica historia de amor entre el capitán de una barcaza autopropulsada , Jean, y una chica provinciana, Juliet. La descripción de un viaje ordinario por los canales de Francia la realiza Vigo al nivel de un poema sobre la comprensión, la paciencia, el perdón. Emir Kusturica dice sobre la película: “Creo que esta película de Jean Vigo cambió por completo mi visión del cine. La poesía hace cine. Si quieres hacer cine tienes que ser poeta, si no eres poeta el cine será solo un reflejo. Estoy convencido de que en Atalanta encontrarás el equilibrio perfecto entre diálogo y acción". [7]
Jean Renoir hizo una de las contribuciones más notables al desarrollo de la dirección. En 1935, al elegir una trama para una película, recurrió a la base literaria rusa: la obra de A. M. Gorky " At the Bottom " (1902). Los personajes y circunstancias de la acción eran sumamente adecuados para revelar las ideas del realismo poético: héroes rechazados por la sociedad, recibiendo al borde de la desesperanza el derecho al amor, a la posibilidad de un renacimiento espiritual. De interés es tal comparación por parte del crítico de Criterion Collection de dos adaptaciones cinematográficas de la obra: las películas de Jean Renoir en 1936 y Akira Kurasawa en 1957 : "... dos de los más grandes directores de cine repensaron la obra clásica proletaria " En el Fondo” de Máximo Gorki, cada uno en su opinión y en su época. Renoir, que trabajaba durante el enfrentamiento entre Hitler y el Frente Popular en Francia, se vio obligado a desviarse del tono sombrío del material original de Gorky para suavizar sus perspectivas sombrías. Kurosawa, que crea en el mundo de la posguerra, no encontró ningún motivo para la esperanza. Se mantuvo fiel al original con su énfasis en el conflicto entre la ilusión y la realidad, un tema al que volvería una y otra vez. Trabajando con los actores más famosos ( Gabin para Renoir; Mifune para Kurosawa), cada director ofrece su propia perspectiva única sobre la adaptación cinematográfica, donde (diferentes) condiciones sociales y técnicas artísticas convergen para crear obras maestras únicas. [ocho]
Un año después, después de haber filmado dos películas más, Renoir crea otra obra maestra: la película " La gran ilusión " ( fr. "La gran ilusión", 1937 ). La historia de los pilotos militares franceses que cayeron en cautiverio alemán durante la Primera Guerra Mundial . Uno de ellos, el noble Boeldieu, se ve obligado a hacer una elección moral entre el patriotismo y el estatus noble, la unidad aristocrática con el alemán von Rauffenstein, que es muy leal al prisionero. Usando el campo de prisioneros de guerra como modelo de sociedad, Renoir explora la relación de los oficiales franceses de diferentes estratos sociales que viven bajo la supervisión de sus guardias alemanes. No le interesan las diferencias nacionales, sino las de clase. “Si un campesino francés está en una mesa con un financiero francés”, escribió, “estos dos franceses no tendrán nada que decirse. Pero si un campesino francés conoce a un granjero chino, encontrarán algo de qué hablar”. [9] El crítico francés André Bazin escribió sobre esta película de Renoir que "heredó de la literatura y la pintura de la época de su padre la profundidad, la sensualidad y un emocionante sentido de la realidad". [9]
Dos años más tarde, Jean Renoir, con el estreno de la película "Las reglas del juego" ( en francés "La Règle du jeu" , 1939), según la mayoría de los críticos [10] , alcanza la cima en su obra. Formalmente, este es un drama romántico de la vida de la "alta sociedad" con un polígono de amor. En busca de un argumento, Renoir recurrió inesperadamente a las obras de Pierre de Marivaux y Alfred de Musset , cuyos periodos de creatividad están separados por más de un siglo. En ellos encontró el deseado equilibrio entre la prosa y la poesía. [11] Uno de los principales críticos de cine , Roger Ebert , dijo de la película: “Es una obra mágica y escurridiza que siempre ha seguido a Citizen Kane en todas las clasificaciones de grandes películas. Es tan simple e intrincado, tan sencillo y malvado, tan inocente y peligroso, que no puedes simplemente mirarlo, tienes que absorber su espíritu". [12]
Julien Duvivier , principalmente conocido por poner en escena la película "El gran vals" , en una serie de pinturas de la década de 1930, trabajó vívidamente en el espíritu del realismo poético. De estos, la " Compañía Gloriosa " ( francés "La belle équipe" , 1936) y " Pepé le Moko " ( francés "Pépé le Moko" , 1937) son los más mencionados . El primero es la historia de cinco desempleados que inesperadamente ganaron el premio mayor de la lotería nacional y decidieron invertir juntos ese dinero en la compra de una taberna. Pero la realidad de la vida destruyó rápidamente la asociación idílica. La amistad de los hombres -los héroes de Devivier- no les permite cumplir su sueño de organizar una taberna, ya que tienen intereses económicos algo diferentes. Los críticos argumentan que la trama de la película, en forma épica, habla del rápido ascenso y el inminente colapso del Frente Popular de Francia . En efecto, la película se rodó en junio-julio de 1936, coincidiendo con los primeros días del gobierno de Leon Blum . [13] La pintura "Pepe le Moko" ( le Moko es un término del argot para un nativo de Marsella ) cuenta el destino de un criminal que intenta escapar de la policía en Argel . En términos de estado de ánimo y métodos artísticos, la película ha sido citada como uno de los primeros experimentos en el cine negro .
Marcel Carnet hizo la mayor contribución al desarrollo del realismo poético. Pinturas " Terraplén de nieblas " ( francés "Le Quai des brumes" , 1938), " El día comienza " ( francés "Le Jour Se Lève" , 1939), " Niños del paraíso " ( francés "Les Enfants du paradis" , 1945 ) se convirtieron en ejemplos del uso de la tecnología y las técnicas artísticas de la dirección. La película " Juliet, or the Key to Dreams ", que fue filmada en 1950, confirma perfectamente los cánones aceptados. Michel encarcelado encuentra a su exaltado amor, Juliet, en sus sueños. Pero las circunstancias encarnadas en la imagen de un aristócrata demoníaco destruyen la felicidad. Michel se retira definitivamente al pueblo, donde los habitantes carecen de recuerdos.
Luchino Visconti actuó como enlace entre el realismo poético de Francia y el neorrealismo de Italia . A fines de la década de 1930, trabajó durante varios años como asistente de Jean Renoir cuando filmó sus mejores trabajos, incluidos The Grand Illusion y The Rules of the Game. Fue Renoir quien sugirió que Visconti filmara en su versión de la novela de James Cain El cartero siempre llama dos veces [14] , que ya había sido puesta en escena tres años antes por otro maestro del realismo poético , Pierre Chenal . El editor de la película “Obsessione” ( en francés “Ossessione” , 1943) Mario Serandrei comentó sobre la película: “Esta es una película especial, la veo por primera vez y la llamaría neorrealismo ”, por lo tanto, la primera en utilizar el nombre de toda una dirección de cine. [catorce]
Ivan Pyryev es un seguidor estricto y exponente del realismo socialista . Al mismo tiempo, es imposible no apreciar el alto grado de influencia en sus películas de las ideas de poetizar la vida de ciertos estratos sociales , principalmente el campesinado : “El cerdo y el pastor ” (1941) y “ Los cosacos de Kuban ”. (1949). La crítica soviética, que está dentro del marco ideológico prescrito, destaca el estilo sublime de la narración sobre los elementos cotidianos más comunes. El periódico "Arte soviético": "La entonación romántica, la estructura poética de la película "Kuban Cossacks", realista en su esencia misma, la integridad de la expresión de la inspiración, los sentimientos y los pensamientos del autor, no restringida por un condicionado deliberado " manera", el heroísmo, la letra, el humor, el sonido en una y la misma obra, todo esto es una manifestación de la riqueza de nuestra vida. [15] Por supuesto, los estados de ánimo de decadencia e incredulidad fueron excluidos de las películas soviéticas.