El claroscuro es “la distribución de las zonas claras y oscuras observadas en la superficie de un objeto, que está determinada por la forma y la textura de su superficie, la iluminación y permite percibir visualmente el volumen y el relieve... La gradación del claroscuro depende de la naturaleza de la iluminación, las especificidades de la forma volumétrica del objeto, su textura y el estado de la atmósfera” [1] . Físicamente, la relación de luz y sombra en la superficie de cualquier objeto está determinada, por un lado, por la iluminación ( valor de luz ), es decir, por la potencia del flujo luminoso, y por otro lado, por las cualidades de la superficie del objeto: su área, curvatura, color, textura y reflectividad.
Dependiendo de la posición del objeto en relación con la fuente de luz, las cualidades de su superficie, la permeabilidad del medio y una serie de otros factores, la iluminación también puede ser diferente. Se suelen distinguir los siguientes elementos del claroscuro:
La definición académica de claroscuro en las artes visuales repite las características físicas de este fenómeno de la realidad material : “Gradaciones de luz y oscuridad, la distribución de colores de diferente brillo, tonalidad y matices de color, que nos permite percibir el volumen de una figura o objeto y el ambiente de luz y aire que lo rodea”, pero también agrega lo siguiente: el claroscuro “sirve como un importante medio de expresión emocional” [2] . En la práctica de la enseñanza del dibujo y la pintura en las academias de arte , se ha desarrollado una tradición, según la cual la base de la educación son "patrones de fenómenos naturales con base científica asociados con el arte del dibujo: las leyes de la perspectiva, la teoría de las sombras, la plástica". anatomía" [3] . Al mismo tiempo, por regla general, no distinguieron entre los conceptos de luz y sombra y las proporciones tonales , la luminosidad de los colores, el brillo y la saturación de los tonos, los valers (graduaciones tonales del mismo tono cromático en luminosidad), como así como proporciones tonales cálido-frío. Representantes de muchos movimientos, tendencias y escuelas artísticas se rebelaron contra este enfoque : románticos , impresionistas y postimpresionistas , modernistas .
Todo el secreto de la transformación de la realidad por el poder de las bellas artes, principalmente en obras de arte clásico, no radica en copiar las relaciones de luz y sombra en la naturaleza, que se enseñó con éxito en las academias utilizando el ejemplo de moldes de yeso brillantemente iluminados, pero en la transformación creativa de las cualidades físicas de la naturaleza observada en un poderoso medio de expresión. El claroscuro en la naturaleza es fundamentalmente diferente de las relaciones tonales construidas por el artista. En pintura y gráfica, tanto los tonos cromáticos (color) como acromáticos (blanco y negro) se caracterizan por relaciones, entre ellas la saturación del tono, su brillo y luminosidad, creadas por el pintor al agregar pintura blanca o negra, y el valor [4 ] . Los artistas también usan el concepto de "tono básico" (similar a la música), que le da integridad a toda la imagen: un cierto color - "composición de color, estructura cromática (color), la naturaleza del uso de las relaciones de color, consistencia de tonos de la serie cromática" [5] . Además, los tonos cromáticos y acromáticos se distinguen por su frialdad cálida. En la escala cromática se separan los tonos cálidos y fríos según las propiedades físicas del espectro , en la escala acromática, según las propiedades de los colores blanco o negro (que también son cálidos o fríos). En una representación naturalista, no artística, los conceptos de relaciones tonales y de luces y sombras se unen o se identifican por completo.
Se sabe por fuentes literarias antiguas que los pintores griegos antiguos utilizaron los efectos de la interpretación naturalista de la iluminación de los objetos en un esfuerzo por lograr una imagen ilusoria completa, que se asoció con la teoría estética de la mimesis (otro griego μίμησις - semejanza, reproducción , imitación) [6] . Las leyendas hablan de esto sobre el pintor Zeuxis , un alumno de Apolodoro de Atenas, quien representó "las uvas tan bien que los pájaros comenzaron a volar hacia él" [7] . De ahí el término "skiagraphy" (la imagen de las sombras) y la denominación de algunos artistas antiguos, en particular Apolodoro de Atenas, "skiagraphs" [8] . Sin embargo, un análisis de las obras sobrevivientes de un período posterior sugiere que los helenos representaban luces y sombras en sus pinturas, a pesar de la aparente plausibilidad, mediante métodos convencionales, de manera aspectiva (táctil), lejos de la reproducción literal de las sombras naturales que caen [9] .
En el futuro, muchas técnicas ilusorias en las artes visuales fueron unidas por el término " ilusión óptica " , o trompley ( fr. trompe-l'œil - "ojo engañoso", "apariencia engañosa"). Técnicas similares fueron utilizadas por los artistas del Renacimiento italiano , especialmente del período Quattrocento , y más tarde, los maestros del Barroco y el Manierismo .
Se cree que Leonardo da Vinci fue el primero en intentar fundamentar teóricamente la metodología y la técnica de las imágenes ilusorias, en particular la necesidad de utilizar los efectos de luz y sombra . Consideró la pintura una ciencia y escribió que la pintura es "la única imitadora de todas las creaciones visibles de la naturaleza", "considera todas las cualidades de las formas", todo lo que está "rodeado de sombra y luz". El logro, o "la corona de esta ciencia, proviene de las sombras y las luces, o, en otras palabras, de la luz y la oscuridad" [10] . Y además, en varios pasajes, el artista-científico explicó varios métodos para usar el claroscuro natural junto con la perspectiva y el sfumato glorificado por él ( italiano sfumato - brumoso, confuso, vago), usando un modelado suave y vago de la forma y difuminado de los contornos. .
En el siglo XVI, el término claroscuro apareció en Italia ( italiano chiaro e scuro - luz y sombra), que denota un tipo especial de grabado en madera de color , grabado en madera, utilizando varios "tableros" (formas de impresión; cada color tiene su propio "tablero"). , que permite transmitir los efectos del claroscuro en las relaciones cromáticas.
En el arte del estilo barroco , en la pintura, la gráfica y la arquitectura, el claroscuro, junto con las técnicas ilusorias, comenzó a adquirir significado formativo y significado compositivo . Así, por ejemplo, la pintura de Caravaggio "La vocación del apóstol Mateo", realizada por él en 1599 para la Capilla Contarelli de la iglesia romana de San Luigi dei Francesi , se considera el mayor logro del "claroscuro compuesto" . El cuadro está situado en la pared lateral izquierda de la capilla y quienes se acercan a él ven toda la composición en una fuerte perspectiva, que coincide con el gesto imperativo de la mano de Jesús y se destaca además por un haz de luz que atraviesa diagonalmente el cuadro. y, como un cuchillo, corta el espacio en penumbra de una taberna italiana, en el que, a voluntad del artista, se realiza una acción. El tamaño del cuadro es significativo: lo más destacable es que, a pesar de la evidente teatralidad de la escena e incluso de alguna composición descabellada, el maestro italiano muestra una tendencia a transformar visualmente el espacio a través de la luz y la sombra. El chorro de luz que cae del lado donde están Jesús y el apóstol Pedro dirige la mirada del espectador, obligándolo a leer la escena a contraluz: de izquierda a derecha. Esto crea una tensión especial. "El claroscuro, llevado a la máxima expresividad, se convierte en el factor compositivo más importante de Caravaggio" [11] . Técnicas de claroscuro similares, que a primera vista parecen naturalistas, Caravaggio usó en muchas otras pinturas.
Un destacado maestro del claroscuro fue Rembrandt . No sólo en sus pinturas, sino también en la gráfica, logró con la ayuda del claroscuro una extraordinaria atmósfera de misterio y expresión. Su famosa pintura The Night Watch obtuvo su nombre de un malentendido (la acción tiene lugar durante el día), por lo que inusualmente el artista usó luces y sombras para sus propios propósitos compositivos. El grabado de las " Tres Cruces " se distingue por su expresividad mística (se conocen varios "estados" de la forma impresa): los rayos de luz que iluminan la escena de la Crucifixión parecen brotar del cielo.
La influencia de los caravagistas , la pintura de Georges de Latour , Gerrit van Honthorst , Hendrik Terbruggen y otros caravagistas de Utrecht dieron lugar a un género separado llamado escenas nocturnas . En las pinturas de este género, así como en los grabados a mezzotinta , toda la composición se basa en los efectos de una fuente de luz oculta y sombras inusuales.
En fotografía y cine , la luz no es solo un medio técnico, sino también visual: la transmisión de forma, volumen, textura de un objeto, profundidad y movimiento en el espacio depende de las condiciones de iluminación.
En las décadas de 1950-1970, los experimentos sobre el uso de efectos de claroscuro en el color y las representaciones musicales se trasladaron al campo de la arteterapia, la comunicación visual, la infografía y el diseño audiovisual . El interés por la tecnología de la luz y la música se mantuvo a nivel "de base" en el campo de la subcultura juvenil, en particular en la música rock. Así se conocen las experiencias de Pink Floyd, Space (Didier Marouani), Jean-Michel Jarre en los años 70 y 80 y tantos otros. Con el desarrollo de la tecnología radioelectrónica, los músicos comenzaron a utilizar sintetizadores de luz y sonido ya organizar grandiosos espectáculos de luz y música láser. En el siglo XX, el "juego de luces" se convierte en un tipo separado de arte posmoderno en movimientos como el videoarte y el videomapping . B. M. Galeev es considerado el pionero nacional de la última música ligera. En 1994, dirigió el Instituto de Investigación de Estética Experimental "Prometeo", fue el director de muchas producciones experimentales de luz y música.