Bueno malo malo

bueno malo malo
Il buono, il brutto, il cattivo
Género espagueti occidental
Productor sergio leona
Productor alberto grimaldi
Guionista
_		 Luciano Vincenzone , Sergio Leone, Aje y Scarpelli , Mickey Knox
Protagonizada por
_		 Clint Eastwood
Lee Van Cleef
Eli Wallach
Operador Tonino Delli Colli
Compositor Ennio Morricone
diseñador de producción carlo simi
Empresa cinematográfica Arturo González Producciones Cinematográficas, SA
Constantin Film Produktion
Produzioni Europe Associati
United Artists (Distribuidor USA)
Distribuidor MOKEP [d]
Duración Versión de EE. UU.: 161 min
Versión de Italia: 177 min
Presupuesto $ 1,2 millones
Tarifa $ 5 millones (Italia) + $ 8 millones (EE. UU.).
Según otras fuentes, los honorarios totales ascendieron a 25,2 millones de dólares. [1]
País
Idioma italiano
Año 1966
pelicula anterior unos dolares mas
IMDb identificación 0060196
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El bueno , el feo y el malo ( en italiano:  Il buono, il brutto, il cattivo ; en inglés  El bueno, el feo y el malo ) es un spaghetti western de Sergio Leone que concluye la Trilogía del dólar . Protagonizada por Clint Eastwood , Eli Wallach y Lee Van Cleef . El rodaje tuvo lugar en 1966 en Italia y España. La película tuvo éxito tanto en la taquilla italiana como en la estadounidense. En 2003, se lanzó una versión restaurada y con nuevas voces en medios digitales.

La película es una precuela de las películas anteriores de la trilogía [~ 1] [5] . La trama sigue a tres cazadores de oro confederados perdidos durante la Guerra Civil estadounidense .

Inmediatamente después del lanzamiento de las pantallas, la imagen recibió una evaluación generalmente negativa de las críticas. Los expertos reaccionaron negativamente a la violencia excesiva, el doble rasero y la edición controvertida. La imagen prácticamente no se vio en los festivales debido a la actitud un tanto sesgada hacia el spaghetti western como cine secundario y explotador . Desde mediados de la década de 1980, la opinión de los críticos cambió gradualmente y la imagen comenzó a ser reconocida como una de las mejores obras en la historia del género. Roger Ebert le dio la calificación más alta y calificó la imagen como una obra maestra del cine. La imagen está incluida en las listas de los mejores westerns y las mejores películas de todos los tiempos. El juego de Eli Wallach, que encarnaba al bandolero Tuco en la pantalla, mereció las críticas más halagadoras.

La imagen influyó profundamente en la estética del neowestern y del cine en general. Stephen King , Quentin Tarantino , Nikita Mikhalkov y otros artistas mencionaron que la película de Sergio Leone tuvo un impacto significativo en su trabajo. También fue muy apreciada la obra del compositor Ennio Morricone. El tema musical de la pintura, estilizado como el aullido de un coyote , se considera una de las melodías más reconocibles de la historia del cine.

Trama

La acción tiene lugar en Nuevo México durante la Guerra Civil , en 1862. En el centro de la trama está el destino de los tres personajes principales: criminales que se enteraron de la desaparición del oro confederado .

Bandit Sentenza aparece en la granja del soldado retirado Stevens. En nombre de cierto Baker, obtiene información de Stevens sobre un hombre desaparecido llamado Jackson. Resulta que Jackson cambió su nombre a Bill Carson y se alistó en el Ejército Confederado. Stevens menciona que Carson robó una gran cantidad de dinero de alguien, por lo que probablemente Baker lo está buscando. Sentenza mata a Stevens y luego a Baker, y comienza a buscar a Bill Carson por su cuenta.

Mientras tanto, el segundo bandido, Tuko, buscado por la justicia local, se encuentra con un grupo de cazarrecompensas en el desierto . Lo detienen, con la esperanza de obtener una recompensa. El tirador, a quien Tuco llama " Rubio ", aparece inesperadamente y dispara a los cazadores, pero el mismo Tuco entrega a las autoridades por la recompensa prometida de $2,000. Sin embargo, en el momento de la ejecución en la horca, Blondin interrumpe la cuerda con un tiro, liberando a Tuco, y luego se reparte el dinero con él. Los dos hacen un trato, ejecutan estafas similares en varias ciudades y comparten la recompensa. Tuko no está contento porque solo obtiene la mitad, aunque arriesga más. El rubio se harta de sus constantes quejas y, diciendo que nunca valdrá más de $3.000, deja a Tuco solo en el desierto.

Tuco sobrevive milagrosamente y busca venganza. Eventualmente alcanza a Blondin y lo toma por sorpresa cuando realiza una estafa familiar con otro socio. Tuco persigue a Blondin por el desierto, disfrutando de su tormento sediento. Cuando el Rubio está al borde de la muerte y Tuco está a punto de dispararle, de repente aparece cerca un carruaje con soldados sureños muertos . Tuco deja a su prisionero y hurga en los bolsillos de los muertos. Uno de los soldados sigue vivo. Se llama Bill Carson y habla de la caja registradora robada del Tercer Regimiento de Caballería: doscientos mil dólares en oro enterrados en el Cementerio de Sadhill ( Sad Hill ) [~ 2] . Bill Carson guarda silencio. Mientras Tuco corre por agua, Carson logra susurrar el nombre en la tumba, bajo la cual está enterrado el oro, al medio muerto por deshidratación Blondin y muere. Tuko no tiene más remedio que dejar a su compañero. Ambos se disfrazan de sureños y van al monasterio de San Antonio ( inglés:  San Antonio ), donde Tuco se encuentra con su hermano, el reverendo Pablo Ramírez. Blondin se recupera, abandonan el monasterio y son capturados por una patrulla del ejército nórdico en el camino .

Durante el pase de lista en el campo de prisioneros de guerra, Tuco responde al nombre de Bill Carson, lo que atrae la atención de Sentenza, quien se desempeña allí como supervisor. Él, bajo tortura, descubre por Tuco el nombre del cementerio y el hecho de que Blondin conoce el nombre de la tumba en la que está enterrado el oro. Sentenza negocia con Blondin sin violencia, ofreciendo partes iguales. El rubio está de acuerdo. Se va con Sentenza y su pandilla, y terminan en un pueblo devastado por la guerra. Tuko logra escapar en la transferencia y termina en el mismo pueblo donde encuentra a Blondin. Renuevan su asociación y juntos destruyen a toda la gente de la pandilla Sententsy, con la excepción del propio líder.

De camino al tesoro, Tuco y Blondin acaban en la ubicación de los norteños a orillas del río. Tuko dice que vinieron como voluntarios y son aceptados de buena gana. Resulta que la lucha se lleva a cabo debido al estrecho puente. Al darse cuenta de que si se destruye el puente, "estos idiotas irán a luchar a otro lugar" y el camino hacia la meta será libre, roban una caja de explosivos y socavan el puente. Durante esta arriesgada operación, Tuco convence a Blond para que se revelen entre sí la información que conocen: Tuco da el nombre: Sadhill Cemetery, y Blond dice el nombre en la tumba: Arch Stanton.

Al llegar primero al cementerio, Tuco encuentra la tumba de Arch Stanton entre las lápidas y comienza a cavar con las manos y las tablas rotas. Entonces aparece Blondin y le tira una pala. Un momento después, aparece un Sentenza armado y le arroja una segunda pala. No hay oro en la tumba. El rubio anuncia que solo él conoce el nombre real y la ubicación del tesoro, y se ofrece a resolver el estancamiento con un duelo. Escribe un nombre en una piedra y coloca la piedra en medio de una especie de arena en medio de un cementerio.

Durante cinco minutos, los oponentes se miran, considerando opciones. El primero agarra el revólver de Sentenz. El rubio mata a Sentenza, que cae a la fosa. Tuko también intenta dispararle a Sentenza, pero resulta que Blondin descargó su arma durante la noche. Sin embargo, nada está escrito en la piedra. El rubio lleva a Tuco a una tumba marcada como "Desconocido" al lado de la tumba de Arch Stanton. Tuko excava y descubre alegremente el oro, pero, apartando la vista, ve la horca construida por el Rubio sobre él. Tuco se ve obligado a pararse en una cruz desvencijada y meter la cabeza por la soga. El rubio toma la mitad del oro y deja la otra mitad cerca del Tuco atado de pie en la cruz. Bajo sus maldiciones desesperadas, Blondin se aleja. Después de alejarse, libera a Tuko de la misma manera: disparando a la cuerda [6] .

Comando

Reparto

Equipo de filmación

Fuente de información [6]

Creación

Antecedentes

“Empecé a filmar El bueno, el feo y el malo como las dos películas anteriores, esta vez con tres personajes principales y una búsqueda del tesoro. Sin embargo, lo principal por lo que luchaba era la desacralización de los adjetivos y la demostración del absurdo de la guerra. ¿Qué significa "bueno", "malo" y "malo"? En todos nosotros hay algo malo, malo y bueno. Hay personas que parecen malas, pero las conocemos mejor, y resulta que son mejores de lo que pensamos... En cuanto a la guerra civil que enfrentaron los personajes, en mi opinión es inútil y estúpida. No hay “buenas intenciones” en ello... Mostré en la imagen un campo de concentración de norteños, refiriéndose claramente a los campos nazis con sus orquestas judías . Eso sí, no creas que la película no tiene un elemento de humor. El espíritu de la comedia aventurera llena la trágica aventura del trío. La picaresca y la comedia de máscaras : en ellas no hay héroes representados por un solo personaje.

Texto original  (inglés)[ mostrarocultar]

Empecé The Good The Bad and The Ugly como las dos anteriores, esta vez con tres personajes y una búsqueda del tesoro, pero lo que me interesaba era por un lado desmitificar los adjetivos, por otro mostrar el absurdo de la guerra. ¿Qué significan realmente 'bueno', 'malo' y 'feo'? Todos tenemos algo de malo en nosotros, algo de fealdad, algo de bueno. Y hay gente que aparenta ser fea, pero cuando las conocemos mejor nos damos cuenta de que son más dignas… En cuanto a la Guerra Civil con la que se encuentran los personajes, en mi visión es inútil, estúpida: no involucrar una 'buena causa'…. Muestro un campo de concentración del norte, pero estaba pensando en parte en los campos nazis, con sus orquestas judías. Todo esto no quiere decir que no haya nada de qué reírse en la película. A través de todas estas trágicas aventuras, corre un espíritu picaresco… Los géneros picaresco y Commedia dell'arte tienen esto en común: no tienen héroes, representados por un personaje.

Sergio Leone [7]

Los orígenes de la "trilogía del dólar" se encuentran en los spaghetti westerns, un fenómeno que surgió a mediados de la década de 1950 [8] . Entonces el western, uno de los géneros más populares, la quintaesencia de la cultura cinematográfica estadounidense, junto con toda la industria, estaba en declive [9] . Si en 1958 se rodaron 54 películas de este género en los Estados Unidos, en 1963 sólo 11. Como forma cinematográfica rígida, las películas sobre el Lejano Oeste se agotaron [10] . El cine italiano estaba en ese momento en su apogeo de la posguerra, y la infraestructura de producción de cine local fue calificada como la segunda en el mundo [11] . En las décadas de 1950 y 1960, la producción conjunta de pinturas de diferentes géneros se hizo muy popular. Así, se filmaron " Lawrence of Arabia ", " Cleopatra ", " Motiny on the Bounty" y otras cintas [9] . Era un negocio bastante rentable, capaz de cargar la capacidad de los estudios de cine italianos. Toda una galaxia de directores y actores locales, trabajando junto con especialistas estadounidenses, se formó en proyectos conjuntos similares [12] . El primer trabajo independiente de Leone como director fue el peplum " Coloso de Rodas " [13] .

La mayoría de los spaghetti westerns se hicieron para el mercado cinematográfico europeo y no llegaron al público estadounidense [8] . Fueron creados de acuerdo con un esquema simple. La trama es una variación del tema del Zorro o Django ( en ). Si había presupuesto, se invitaba a la película a una estrella de Hollywood de entre los que estaban dispuestos a rodar en Europa [14] . Así empezó Leone [15] . En el cuadro " Por un puñado de dólares ", creado a partir del " Guardaespaldas " de Kurosawa y el " Siervo de dos amos " de Goldoni , aparece por primera vez la imagen del Artillero Sin Nombre. Al mismo tiempo, surgieron los elementos característicos del estilo italiano: planos generales, laconismo, cinismo y notas de humor negro [16] .

Por un puñado de dólares, con un presupuesto de 200.000 dólares, recaudó unos 3 millones de dólares en Italia y se convirtió en la película italiana más taquillera de la época [17] . Distinguida en taquilla y la segunda película de la futura trilogía, “ Por unos dólares más ”. En las primeras películas había que ahorrar en todo. Incluso el laconismo de los personajes y la sencillez de la escenografía fueron consecuencia de la escasez de fondos. La colaboración continua con United Artists le dio a Leone la oportunidad de desarrollar sus ideas [18] .

Preparación

En 1964, United Artists adquirió los derechos para distribuir la primera película de la trilogía, expresó su voluntad de financiar la segunda y negoció los derechos de la tercera. Los planes estratégicos de la compañía cinematográfica se extendían incluso a la posibilidad de crear una imagen replicada del Pistolero sin Nombre, a imagen y semejanza de James Bond [19] . A fines de 1965, Luciano Vincenzone invitó a Roma a los vicepresidentes de United Artists, Ilya Lopert ( en ), Arnold ( en ) y David Picker ( en ). El éxito de taquilla de la pintura “Por unos dólares más”, que entonces estaba en la taquilla italiana, habla por sí solo. Los ejecutivos del estudio, tras reunirse con el director Leone, el guionista Vincenzone y el productor Alberto Grimaldi, confirmaron su disposición a firmar un contrato para la próxima película [20] .

"Por cierto, ¿de qué se trata?" preguntó Lopert. El lado italiano no tenía ideas preparadas. Vincenzone, improvisando sobre la marcha, contó la historia de tres vagabundos en busca de oro durante la Guerra Civil. Se refería a los motivos lejanos de la película "La Gran Guerra " dirigida por Mario Monicelli , cuyo guión pasó a escribir Vincenzone. "Trato hecho", respondió Lopert inesperadamente rápido. Vincenzone luego se maravilló de la facilidad con la que vendió la idea con solo "tres palabras". Con un inglés poco fluido, Leone participó solo de forma limitada en las negociaciones. El director en ese momento no tenía planes claros, ningún deseo particular de filmar la próxima película como un western, una continuación de las películas anteriores. Sin embargo, las sólidas condiciones financieras ofrecidas y la libertad de acción prometida atrajeron al director, y accedió al trato. Sin embargo, a Leona no le gustó el hecho de que solo se le acercó cuando comenzaron las discusiones sobre el aspecto financiero del proyecto futuro. Siempre creyó que el director es el protagonista de la película y, a partir de ese momento, las relaciones con Vincenzone comenzaron a deteriorarse [21] .

Las partes acordaron que el presupuesto de la película sería de alrededor de $ 1 millón y que el estudio de cine recibiría el 50% del monto del alquiler en Italia. United Artists ha expresado su voluntad de pagar inmediatamente $500,000 por adelantado del monto total para comenzar a filmar. Los derechos de distribución en EE. UU. se vendieron por 900.000 dólares [22] .

Escenario

Para escribir el guión, Leone y Vincenzone viajaron a Estados Unidos. Durante la etapa de preparación, Vincenzone leyó muchos libros en la Biblioteca del Congreso , se dirigió a los archivos. Algunas de sus solicitudes desconcertaron a los archivistas: rara vez alguien recurrió a documentos sobre aquellas operaciones de la Guerra Civil en las que los norteños fueron derrotados [21] . Leone recurrió a un miembro de la Biblioteca del Congreso para encontrar una referencia a una batalla en una mina de oro de Texas durante la Guerra Civil. El bibliotecario expresó dudas de que los hubiera, pero, para su propia sorpresa, encontró una referencia a una escaramuza real entre norteños y sureños. Este descubrimiento fue una de las razones por las cuales los eventos de la campaña en Nuevo México sirvieron como base histórica para los eventos del guión de la película [23] . Leone miró una gran cantidad de fotografías históricas [24] . “Quería desacreditar los mitos y estereotipos sobre la guerra... para mostrar todo su absurdo”, recordó Leone. El guión original se escribió en 11 días (en italiano), principalmente en Vincenzone. Leone no quedó completamente satisfecha con el trabajo y le ofreció a Vincenzone un dúo de coautores Age y Scarpelli : (Agenore Incrucci y Furio Scarpelli) ( en ). Se suponía que debían refinar el texto y agregar más humor a las líneas y al diálogo, pero Leone describió su contribución como un "fracaso". En el texto final, casi nada quedó de su trabajo, aunque estaban en los créditos [25] . Luego, Leone contrató algunos negros literarios más para un pulido adicional, y la contribución de Sergio Donati ( en ) fue la más seria. Una vez finalizado, el guión se redactó en inglés para que los actores estadounidenses tuvieran texto para el diálogo en el set [24] .

Vincenzone afirmó que no puso ninguna filosofía ni subtexto en la imagen y escribió el guión "de una manera descuidada". Posteriormente, el escritor habló mal de su contribución a la trilogía del dólar, considerando mucho mejor su trabajo en colaboración con Pietro Germi [24] . Antes del inicio del rodaje, la relación entre Vincenzone y Leone se deterioró, y el guionista no participó más en el trabajo de la película, aunque a veces visitaba el plató [26] . La autoría de la idea del guión sigue siendo un punto discutible [24] . En sus memorias, Vincenzone menciona que, de hecho, se le ocurrió la historia principal sobre tres criminales que buscan oro. Sergio Leone en una entrevista no informó nada sobre la contribución de Vincenzone, solo mencionó que se inspiró en la oportunidad de hacer una película, cuya trama se desarrollará en el contexto de la Guerra Civil [27] . Además, desde finales de la década de 1960, en sus entrevistas, Leone hablaba de una sola idea que conectaba todas las películas de la trilogía, el desarrollo de la idea del autor en el transcurso de una serie de películas [21] .

Equipo de filmación

El biógrafo de Leone, Christopher Freiling, describió a Leone (1966) como un profesional establecido. Lo describió como una persona medianamente educada, nada intelectual, pero versado en las sutilezas del cine [28] . La mayoría de los que trabajaron con Leone hablaron de él como un líder duro y difícil de comunicarse. Consideraba al director la persona principal en la producción y no toleraba la usurpación de su poder. Sergio estuvo atento a los detalles, a la autenticidad de la producción [29] . Con todo esto, incluso antes del inicio de la producción, sabía exactamente lo que quería y tenía, como dicen, todo el panorama “en su cabeza” [24] [30] . Leone no era partidario de la improvisación, su estilo presenta cambios mínimos con respecto al guión inicial. Prepare cuidadosamente la puesta en escena, explique el papel a los actores en detalle y luego filme con el menor número de tomas [30] . Todas las frases célebres de los personajes fueron escritas inmediatamente en el guión y terminaron en la película [24] . Como dijo Eli Wallach sobre el italiano: “Era un “hombre-película” que vivía, dormía y comía este arte. Era muy duro, pero tenía un don mágico” ( Era un hombre de película… Se la dormía, se la comía. Estaba tenso, pero tenía una especie de toque mágico ) [31] .

En su equipo para la próxima película, Leone tomó principalmente a aquellos con quienes había trabajado con éxito en películas anteriores de la trilogía. Compositor Ennio Morricone , artista Carlo Simi , editor Eugenio Alabiso. Para trabajar en la película, Leone invitó a una nueva persona como director de fotografía : Tonino Deli Colli. El conocido especialista trabajó junto con los principales maestros del cine europeo: Berlanga , Pasolini y otros [32] .

Fundición

La práctica de casting fue consistente con el sistema de filmación de spaghetti westerns de gran presupuesto. Se suponía que un extranjero (estadounidense) en el papel principal contribuiría a un posible alquiler exitoso. La imagen del protagonista, cuyo prototipo fue el personaje principal de la película " Shane ", surgió y tomó forma en la primera película de la trilogía [33] . Incluso antes del comienzo del trabajo en la trilogía del dólar, en 1963, Leone consideraba a Henry Fonda como el artillero anónimo ideal , pero entonces era un actor demasiado caro [7] . El empresario del actor ni siquiera quiso discutir la posibilidad de participar en el rodaje.

En 1963, Eastwood era un oscuro actor de televisión. Protagonizó su primer gran proyecto, la serie occidental Rawhide ( en ), como el roadman Rowdy Yates, donde Leone lo notó [34] [35] . El propio Clint llevó los accesorios para el papel (botas, cinturón, potro) a las primeras audiciones para Por un puñado de dólares. Leone y su diseñador de vestuario Carlo Simi completaron el look con un poncho mexicano , una barba de dos días (visto en El guardaespaldas con Mifune ) y una cigarra permanente en la boca [36] [37] . Eastwood le pareció al creador de la imagen en ese momento demasiado joven y "limpio" para su héroe. Se suponía que el poncho y los cigarros harían su imagen más madura y dura [7] .

En enero de 1966, CBS dejó de filmar Rawhide, en la que Eastwood actuó durante casi siete años, debido a los bajos índices de audiencia. El actor aceptó de inmediato participar en la continuación de la serie "dólar". Después de conocer por primera vez el guión, Eastwood le dijo inesperadamente al director que el texto no le convenía. Una de las razones de la insatisfacción del actor fue la importancia de su personaje. Eastwood creía que Tuco estaba "robando" el papel de Gunslinger. Leone no discutió al principio y le dijo al guionista Vincenzone que no había nada de malo en eso: había un retroceso con Charles Bronson [24] . Sin embargo, dos días después, Eastwood llamó a Leona y le dijo que, después de reflexionar, estaba listo para discutir los términos. La opción con Bronson no funcionó, Charles ya había aceptado protagonizar The Dirty Dozen . Leone fue personalmente a California y terminó las negociaciones con Eastwood a su favor. En la primera imagen de la trilogía, la tarifa del actor fue de 15 mil dólares, en la segunda, de 50 mil dólares. En el tercero, Eastwood pidió 250.000 dólares, el 10% de las tasas estadounidenses y un coche Ferrari [22] . Leone se mostró algo escéptico sobre el papel de Eastwood en un futuro western, creyendo que no se requería una actuación especial de él [38] . No quedó satisfecho con las altas exigencias del actor, pero finalmente accedió [7] . Eastwood comentó sobre el acuerdo: “Ahora soy el actor estadounidense mejor pagado del cine italiano. Solo los Mastroiannis cobran más . Por primera vez puedo elegir qué tocar” [5] [28] [39] .

Lee Van Cleef apareció en la segunda parte de la trilogía For a Few Dollars More como el coronel Douglas Mortimer. “Su mirada quema agujeros a través de la pantalla”, dijo Leone de él [40] . Antes de filmar con Leone, Van Cleef era conocido como actor secundario que protagonizó varias producciones de televisión. Leone inicialmente llamó la atención sobre él en un pequeño papel en la película " High Noon " [7] . De 1962 a 1965, Van Cleef prácticamente no actuó en el cine y probó suerte como artista. Después de un accidente automovilístico, Van Cleef sufrió una fractura severa en ambas piernas y nunca se recuperó. No podía correr e incluso caminaba con dificultad (en algunas escenas fue doblado por Romano Puppo). A diferencia de la película anterior, Van Cleef ahora tenía un papel negativo en El bueno, el feo y el malo, por lo que el director tenía algunas dudas. Leone creía que el villano no saldría de él. El director barajó la opción con el mismo Bronson, pero al final el papel del "malo" se quedó con Van Cleef [28] .

Tuco originalmente iba a ser Gian Maria Volonte . No obstante, Leone decidió que necesitaba un actor con un talento cómico más pronunciado. Llamó la atención sobre Eli Wallach en How the West Was Won . Según Leone, Wallach tenía un encanto similar al de Chaplin , y esto era exactamente lo que se necesitaba [41] . Mientras estaba en Los Ángeles, Leone se acercó al agente de Wallach y le ofreció a Wallach un nuevo papel. Eli era un actor muy solicitado, acababa de terminar de filmar Cómo robar un millón , durante el cual pasó varias semanas en París y, al mismo tiempo, filmaba un proyecto de televisión. Wallach luego tuvo problemas con su familia y no quería dejar a su esposa y volar de regreso a Europa. Además, nunca se había topado con el trabajo de Leone, y cuando escuchó sobre los westerns italianos, dijo en broma: "¿Esto es algo así como la pizza hawaiana?" Tampoco le gustó otro papel de " villano latino ", ya que se veía en una lectura superficial del guión. Sin embargo, después de ver un extracto de "Por unos dólares más", Wallach aceptó de inmediato y firmó el contrato [42] [22] .

Para el resto de papeles secundarios intervinieron actores poco conocidos y no profesionales de diferentes países. Prevalecieron los italianos, pero también hubo representantes de España, Hungría, Canadá. Muchos de ellos han trabajado con Leone durante mucho tiempo y protagonizaron películas anteriores de la trilogía, en particular Mario Brega, Luigi Pistilli, Benito Stefanelli. Entonces, Mario Brega, quien encarnó la vívida imagen del cabo Wallace, quien venció a Tuko, interpretó a los bandidos en las dos películas anteriores. La película no involucró a especialistas profesionales. Parte de sus tareas fueron realizadas por actores secundarios: Benito Stefanelli y Romano Puppo [43] .

El título de la pintura y los nombres de los personajes

En la versión original del guión, los personajes principales de la película iban a ser dos héroes, lo que se refleja en el título provisional "Two Incredible Tramps" (en italiano:  I due magnifici straccioni , en inglés:  The Two Magnificent Tramps ). Posteriormente, el papel de Tuco se amplió al principal, y se cambió el nombre [44] .

El italiano "Il buono, il brutto, il cattivo" se traduce al inglés como "El bueno, el feo, el malo" ("El bueno, el mal, el malo"). Los títulos y las primeras escenas de la película llaman así a los personajes:

La gerencia de United Artists inicialmente planeó darle a la película un nuevo nombre en la taquilla estadounidense. Se consideraron las opciones "Río de dólares" ("Río de dólares" para dar un nombre de "dólar" similar) y "Un hombre sin nombre" ("Un hombre sin nombre"), pero después de la discusión, la traducción al italiano fue izquierda [46] . Además, al preparar la versión de lanzamiento estadounidense, los traductores de United Artists decidieron que sería más eufónico intercambiar las palabras y, como resultado, el título se convirtió en el familiar "El bueno, el feo y el malo" [30] [47 ] . Sin embargo, en el tráiler en inglés de 1966, con el que se publicó la imagen (el tráiler también apareció en la versión del disco láser), los nombres se mezclaron: el "malo" el malo es Tuko, y el "malvado". “ La fea  es Sentenza. Este es un error de traducción que muchos fanáticos de la película han notado. Sin embargo, la traducción resultó ser ambigua en otros idiomas. La película se estrenó en alemán como " Zwei glorreiche Halunken " ("Dos vagabundos increíbles", el título provisional de la película) [46] .

El nombre inicialmente les pareció extraño a los primeros críticos de la imagen. Renata Adler del New York Times sugirió cambiarlo a The Burn, the Gouge and the Mangle. El crítico de Los Angeles Times, Champlin , reformuló "Lo malo, lo aburrido y lo interminable" a "Malo, tonto y prolongado " . El título de la imagen contiene otra diferencia con el western clásico con una clara división en buenos y malos [49] . En varios personajes, las categorías morales habituales "bueno" y "malo" se oponen inesperadamente a "mal", lo que rompe inmediatamente la simetría. También se utiliza una técnica literaria , cuando los adjetivos están en el papel de sustantivos [50] . Ninguno de los personajes principales de la imagen puede llamarse "bueno" en el sentido habitual, implícito para un buen héroe [51] . Todos son criminales y asesinos, aunque tienen algunos rasgos positivos [52] .

Según el primer guión italiano, el personaje de Clint Eastwood se llamaba Joe ( Joy ), luego se quedó sin nombre. Tuco lo llama "Blonde" ( italiano:  il Biondo , inglés:  Blondy ). En la literatura en idioma inglés, se le conoce con mayor frecuencia como "The Gunslinger" ( Pistolero ) o " Hombre sin nombre " [53] [54] [33] [~ 4] . Inicialmente, el personaje "malo" se llamaba Banjo (Banjo) en el guión, durante la filmación pasó a llamarse Sentenza (Sentenza), y en el doblaje en inglés se convirtió en "Angel Eyes" ("Angel Eyes") [24] .

Tomando geografía

La película se rodó en exteriores y en estudio entre mayo y julio de 1966 en Italia y España y duró unas 13 semanas [5] [56] . Comenzaron en los pabellones del estudio Cinecittà desde el escenario del primer fusilamiento de Tuco. Luego, el equipo de filmación se trasladó a la naturaleza. La primera mitad del programa se llevó a cabo en el sur de España, en la provincia de Almería , que desempeñó el "papel" de los desiertos de Nuevo México. Allí se construyó un pueblo, que se convirtió en una gran decoración para muchas escenas. La estación de tren, de donde sale Tuco en el tren con un sargento, fue filmada en la zona de La Calahorra ( línea Almería  - Guadix ). La segunda parte estaba en el norte. La mayoría de las localizaciones más importantes de la película se han encontrado alrededor de Burgos . La misión donde se trató Strelok es el monasterio de San Pedro de Arlanza. El campamento de prisioneros de guerra de Betterville se construyó cerca del pueblo de Carazo . Cementerio de Sadhill construido cerca de Contreras . La batalla entre los "Grises" y los "Azules" por el Puente Langstone se llevó a cabo en el río Arlanza cerca del pueblo de Covarrubias . Todos estos cuatro lugares están ubicados en el norte de España dentro de unas pocas decenas de kilómetros el uno del otro [57] [58] . El monasterio franciscano donde Tuco se encuentra con su hermano es un pequeño castillo del siglo XIX de Cortijo de los Frailes ( español:  Cortijo De Los Frailes ), cerca de la ciudad de Albaricoques .. Allí se filmaron escenas de For a Few Dollars More [59] [60] .

Preparar los escenarios y la utilería requirió un trabajo inicial considerable. Con un presupuesto suficiente, el director abordó cuidadosamente el desarrollo de las escenas de batalla. Una amplia colección de armas fue cedida para el rodaje por el Museo del Ejército Español[61] [62] . En el rodaje participaron unos 1.500 soldados del ejército español. Actuaron como extras, ayudaron a construir un puente, un campo de concentración y un cementerio para la escena final. Leone quería que el cementerio de Sadhill pareciera un circo antiguo . Los héroes debían converger en el centro de una espaciosa arena redonda, lo cual era absolutamente necesario para el final, ya que fue concebido de acuerdo con el guión. La ubicación del cementerio fue encontrada por Carl Simi cerca de Burgos . 250 soldados construyeron un cementerio con 8.000 tumbas según bocetos preliminares [63] .

El pequeño río Arlanza cerca de Burgos jugó el "papel" del Río Grande . Cuando comenzó la filmación, resultó que el río era completamente poco profundo y los soldados tuvieron que construir una presa para elevar ligeramente el nivel del agua. El puente Langstone de 180 metros que aparece en la escena de la batalla también fue construido por el ejército español. También fueron los responsables de la pirotecnia . Debido a un error absurdo del personal debido a la barrera del idioma, el puente voló cuando las cámaras no estaban encendidas. El oficial del ejército español que supervisó la construcción y las voladuras se declaró culpable y en tres días se reconstruyó todo. Balsa se utilizó para acelerar las cosas . Durante la segunda construcción del puente, Leone tuvo la idea de filmar la huida de Blondin y Tuco desde el puente y la explosión misma con un solo cortar y pegar. Resultó que los actores de la espectacular escena tenían que estar peligrosamente cerca de la explosión. Después de varios ensayos, los asistentes tomaron una posición más distante. De hecho, los actores fueron fotografiados con el telón de fondo de la explosión, aproximadamente como pretendía el director, e incluso resultaron levemente heridos por la explosión [64] .

Producción

El bueno, el feo y el malo fue la primera película de pantalla ancha de Leone . El negativo de la película se filmó con óptica esférica en un formato Techniscope en casete de pantalla ancha en una película estándar de 35 mm con una relación de aspecto de 2,33: 1 [47] [66] . La tecnología Techniscope es comparativamente más barata que la utilizada para filmar peplums (comparable al " Coloso de Rodas " filmado en CinemaScope ) [13] . Las copias de película de distribución anamórfica se imprimieron ópticamente con anamorfización vertical del fotograma negativo y dieron una relación de aspecto de 2,35:1 en la pantalla [66] . La impresión de hidrotipos de copias rodantes se realizó según el proceso Technicolor . La banda sonora original es un monocanal óptico [66] . Para filmar se utilizó una de las primeras cámaras portátiles profesionales Arriflex 35 II CT/B [47] .

El estilo de dirección de Leone se basó en la atención al detalle y un encuadre meticuloso. Era muy exigente con el trabajo del operador y seguía la solución visual de la imagen, que a menudo reemplazaba los diálogos de los personajes. La exigencia del director agotó al grupo, especialmente a Eastwood [44] [67] . El actor a menudo intentaba interferir en el proceso de producción y hacía comentarios. Sintió que el cronograma para filmar en locaciones sería muy largo y, según los estándares estadounidenses, debería haber tomado mucho menos de tres meses. Tonino Valeri recordó cómo ya estaba claro por el comportamiento de Eastwood que se convertiría en director en el futuro. Leone estaba muy celosa de tales libertades por parte de los actores y no quería compartir el poder en el set [39] . Eastwood nunca fumó en su vida, era vegetariano y es conocido por su compromiso con un estilo de vida saludable. Sin embargo, el director insistió por su cuenta, y Clint a veces tuvo que mantener su cigarro encendido [36] [37] . Van Cleef, por el contrario, sufrió mucho en ese momento debido a su adicción al alcohol, pero, según testigos presenciales, esto no interfirió con el trabajo [24] . En el set, Van Cleef fue extremadamente profesional y nunca discutió las instrucciones del director, siguiéndolas exactamente [28] .

Aunque el presupuesto de la película fue significativo para los estándares europeos, a veces hubo ahorros incomprensibles para Hollywood. Los actores estaban limitados en su elección de vestuario. Eastwood recordó que solo tenía un sombrero de vaquero y que si se perdía, no se sabía dónde encontrar uno de repuesto. Por eso, fue muy cuidadoso con sus cosas y al final del rodaje se llevó su traje [8] . El rodaje tuvo lugar en las difíciles condiciones climáticas del verano español. Los remolques no tenían aire acondicionado y las comodidades eran mínimas. El horario de trabajo era simple: de sol a sol, seis días a la semana [44] . Wallach recordó que el rodaje no fue el mejor, tanto en organización como en seguridad. La participación de dobles en la producción fue mínima, y ​​los actores interpretaron casi todas las escenas peligrosas ellos mismos [8] . Mientras preparaba la escena de la ejecución, durante la cual Tuko estaba sentado en la silla con una soga alrededor del cuello, le pidió al director que atara el caballo. En Hollywood conocían un pequeño truco: tapar las orejas de los caballos con algodón. Esto no se hizo. Después del “disparo” (la cuerda se rompió por una pequeña porción de explosivos), el caballo llevó al actor con las manos atadas y se detuvo en el desierto, galopando al menos una milla. Otro episodio peligroso está relacionado con la escena en la que Tuco yacía junto a las vías del tren y el cuerpo de un guardia, tratando de quitarse las esposas. El estribo del vagón de un tren que pasaba casi le voló la cabeza al actor. Wallach se negó rotundamente a repetirlo, y el episodio entró en la película en una sola toma [8] .

Aunque el director prefirió seguir estrictamente el guión, también hubo improvisaciones. En la escena en la que Tuco aparece por primera vez en el cementerio de Sadhill, un perro aparece de repente en el cuadro, y Wallach, a quien no se le advirtió sobre esto, instintivamente retrocede ante él. Leone le ordenó al director de fotografía Tonino Deli Colli que capturara el momento, lo que se sumó a la atmósfera de la escena . Antes de la escena de la armería (tomada de la película Public Enemy ) , Wallach le dijo al director que tenía poco que ver con las armas y que ni siquiera sabía cómo comportarse . El director recomendó improvisar. Eli, mientras ensamblaba un Colt Navy con varios revólveres, decidió escuchar el sonido del tambor girando : eso es todo lo que podía pensar. A Leona le gustó la repetición del actor, y así lo dejó [8] .

Los detalles de la imagen de Tuko nacieron poco a poco, en un trabajo conjunto. El sobrepeso Leone vestía pantalones con tirantes, y Wallach, mirándolo, sugirió que el personaje tuviera pantalones con tirantes, pero, en su opinión, no miraría la funda habitual con un cinturón. Surgió la pregunta: ¿dónde, entonces, guardar las armas? Se consideró la opción de mantener el revólver atado con una cuerda. Al final, se dejó un compromiso inusual. En la mayoría de las escenas, Tuko sostiene un revólver con una cuerda que cuelga de su hombro y ocasionalmente lo saca de su bolsillo. Wallach le sugirió a su héroe la forma de ser bautizado constantemente, aunque no parece en absoluto un creyente. En general, al director le gustó tanto la interpretación del papel de Wallach que la amplió del guión original [30] . Eli y Sergio se hicieron muy cercanos durante el rodaje y siguieron siendo buenos amigos después [28] [69] .

Una característica de la filmación, inusual para los actores estadounidenses, fue un elenco diverso. Cada uno de los actores hablaba su propio idioma y, a menudo, no entendían las líneas de los demás en una escena. Sergio Leone utilizó los servicios de un intérprete en el plató. Ninguno de los tres estadounidenses en los papeles principales hablaba italiano. Solo Wallach hablaba francés y podía comunicarse con Leone sin un intérprete. También era muy inusual para los estadounidenses que la película fuera doblada después de la filmación y que los actores pudieran decir lo que quisieran en la escena. Wallach recordó cómo Al Mulloch, quien interpretó al asesino manco que irrumpió en él en la escena del baño, no pudo aprender sus líneas y al final solo contó hasta diez, ya que de todos modos fue doblado en posproducción [30] [ 67] .

Los actores estadounidenses calificaron de muy relajada la actitud hacia el trabajo de sus colegas italianos. Era muy difícil concentrarse en el trabajo cuando el set estaba constantemente desordenado, extraños y ruido excesivo [8] . El biógrafo Chris Frailing ( en ) mencionó que Ennio Morricone escribió la famosa partitura antes de que comenzara la filmación. Sonaba durante el rodaje para crear la atmósfera y el estado de ánimo adecuados para los actores [28] . Sin embargo, la mayoría de los testigos presenciales y participantes afirman que la música no se reprodujo en el plató. Así lo confirman Vincenzone [24] , Wallach [28] y Donati [37] .

Edición y actuación de voz

La edición de la imagen comenzó en el verano, mientras aún se estaba filmando, y duró hasta la Navidad de 1966. Los creadores tenían prisa por terminar el trabajo para las vacaciones. Sergio Donati recordó lo nervioso que estaba Leone. En el set, el director se comportó liberado, estaba lleno de energía e inventos. A la hora de editar, su condición cambió. Después de otro cambio, Leone se quejó: "Nunca terminaré esta película ..." Tenía mucho miedo al fracaso: fue la película más cara de su carrera. Leone exigió la máxima concentración del equipo de filmación y trabajó duro. La última semana antes del estreno, los realizadores durmieron en la sala de montaje. El propio Donati recordó con disgusto cómo dedicó medio año de su vida al montaje de "El bueno, el feo y el malo", aunque al final su nombre ni siquiera salió en los créditos [44] [70] .

El corte final cambió la trama considerablemente. Se prestó más atención al personaje de Tuko. Justo antes del final, Leone sacó unos 20 minutos más: en particular, la escena de amor con el Blondin. Se notó una inconsistencia lógica en la escena al principio, donde Sentenza está hablando con una persona discapacitada (medio soldado): no correspondía en significado a eventos posteriores. Tuve que cambiar su texto y volver a sonar [37] [44] . La gerencia de United Artists quería ver una imagen con una duración de no más de 2 horas, y el director en el corte final se guió por una duración de aproximadamente tres horas. Leone trató de insistir por su cuenta: las imágenes anteriores de la trilogía no estaban recortadas, pero tuvo que ceder. La duración de la imagen en la versión rodante italiana fue de 175 minutos [71] . La duración del lanzamiento italiano original de 1966 es contradictoria. Algunas fuentes reportan 177 minutos [72] y 182 minutos [73] . La versión de lanzamiento estadounidense de The Good, the Bad and the Ugly se redujo a 161 minutos . En él, las escenas largas sin líneas se redujeron significativamente. El viaje de Tuco se vio especialmente interrumpido cuando condujo al Blondin moribundo por el desierto. También se cortaron algunas escenas sobre el destino de Sententsy después de que terminó en el campamento de Betterville [73] .

En las pantallas de Italia, la imagen se estrenó el 23 de diciembre de 1966 [24] . El estreno en Estados Unidos se produjo un año después, el 29 de diciembre de 1967. El retraso se debió a que United Artists decidió estrenar todas las películas de la trilogía en Estados Unidos una a una en 1967. Para las imágenes anteriores de la trilogía, también se requirió edición adicional, doblaje . Para todos ellos se ordenó una campaña publicitaria general [74] [75] .

Las películas italianas de esa época se expresaban después de la filmación, mientras que en los Estados Unidos, las líneas de los actores generalmente se grababan justo durante la filmación. A su vez, para el cine estadounidense, el doblaje de películas en idiomas extranjeros se hizo con poca frecuencia (pero se practicó para los spaghetti westerns), y el proceso tuvo algunos problemas. La película fue doblada al inglés en Nueva York en octubre-noviembre de 1967. La edición del texto, la traducción y la colocación de labios fueron supervisadas por Mickey Knox ( en ), que había vivido en Italia durante muchos años y dominaba bien el idioma. En seis semanas, Mickey tuvo que volver a traducir el texto del italiano al inglés, ya que la traducción original tenía numerosos errores. Fue entonces cuando aparecieron muchas frases famosas en inglés, en la forma en que ahora las conocemos: "Hay dos tipos de personas en el mundo, amigo mío ...", "Esto no es una broma, es una cuerda". , “dispara - no hables” [ 30] [39] [~5] .

Leone no solía prestar mucha atención al doblaje y a preparar una versión en otro idioma [30] [37] . Sin embargo, Eli Wallach informa que participó en el doblaje al inglés [76] . Para los actores estadounidenses, este trabajo fue una nueva experiencia. La mayoría se completaron en solo siete días. Eastwood no pudo unirse al equipo de doblaje. Estaba ocupado en otro proyecto y llegó dos semanas después de que se hubiera completado la mayor parte del trabajo. Durante el proceso de doblaje, Eastwood comenzó a pronunciar sus líneas desde el primer borrador del guión. Se negó a utilizar el nuevo texto revisado. El vicepresidente de United Artists, Chris Mankiewicz, tuvo que intervenir y literalmente lo obligó a hacerlo [37] . Además, Leone se negó a pagar a los miembros del equipo de doblaje, y Knox se quejó de que él y los actores simplemente fueron engañados, y llamó a Sergio la persona más mala del mundo. Después de eso, las relaciones entre Leone y Eastwood finalmente se deterioraron y ya no cooperaron [39] .

Alquiler

La película tuvo mucho éxito en la taquilla a ambos lados del océano. Con un presupuesto total de 1,2 millones de dólares (el presupuesto de producción fue de 972.000 dólares), recaudó unos 5 millones de dólares en la taquilla italiana [19] . Estas no fueron las mejores cifras entre las películas de la trilogía, pero se conservó el alto nivel general. Las buenas críticas de los críticos de cine no impidieron que a la película le fuera bien. La película, después de las primeras partes de la trilogía, que se estrenó en la taquilla estadounidense como una serie con un intervalo de cuatro meses, recibió maravillosas críticas de boca en boca . En la taquilla de EE. UU., resultó ser un gran éxito para una película extranjera, recaudando más de 8 millones de dólares [67] . El éxito de la "trilogía del dólar" contribuyó a la penetración de la pintura italiana y europea en el mercado estadounidense. En 1968, la taquilla total de películas italianas en el mercado estadounidense superó los 50 millones de dólares [77] .

Epílogo

El éxito de las películas "trilogía del dólar" trajo al equipo de filmación gran fama y reconocimiento, convirtiéndose en un punto de inflexión en sus carreras. United Artists firmó con Alberto Grimaldi en 1968 para un contrato de varias películas. Después de terminar el trabajo en la película, Sergio Leone admitió en una entrevista que había terminado con los westerns y ahora seguirá adelante [78] . Hizo planes para hacer una saga de gánsteres , pero Paramount Pictures insistió en que la próxima película sería un western [19] . En el siguiente trabajo, Leone cumplió su sueño e invitó a Henry Fonda y Charles Bronson a rodar. Sin embargo, "Once Upon a Time in the Wild West" fracasó en la taquilla y recibió críticas bastante mixtas [79] .

Clint Eastwood trató el rodaje en Europa como un respiro forzoso del trabajo. Entonces estaba más preocupado por cómo y cuándo regresaría a Estados Unidos. Ni siquiera imaginó entonces que su papel en la película se convertiría en uno de los más importantes de su carrera [26] . La imagen del pistolero sin nombre ahora se ha asociado fuertemente con el oeste. Al final del rodaje, fue invitado a protagonizar la película " McKenna's Gold ", pero Clint se negó. Leone le ofreció un pequeño papel en la próxima película "Once Upon a Time in the Wild West", pero las partes no estuvieron de acuerdo [80] . El siguiente papel del actor tuvo lugar en la película “ Pull them up ”, también un western que, tras la trilogía, combinó los motivos del clásico y del spaghetti western [41] . United Artists explotó la imagen ya creada. Uno de los primeros trabajos de Eastwood como director, High Plains Rider , fue un western sobre un pistolero-vengador anónimo. La influencia de las pinturas de Leone fue tan obvia que los críticos incluso acusaron a Eastwood de tomar prestado. La imagen de Harry el Sucio , un luchador intransigente contra el crimen con una moral peculiar, encarnado por Eastwood como actor , también estaba claramente asociada con el personaje de la "trilogía del dólar" [81] [82] .

Eli Wallach también se quedó en Europa, protagonizando varios westerns durante varios años: Ace of Trumps , A Fine Way to Die y McKenna 's Gold . Para Van Cleef, el papel fue el más importante de su carrera y, después de las películas de Leone, recibió un alto estatus y muchas ofertas. Van Cleef interpretó el papel de villanos en toda una serie de spaghetti westerns: "The Big Gunfight " ( en ), " Death on Horseback " y otros [83] . Jugó bastante en 1970-1980, pero nunca llegó a ese nivel [28] . Posteriormente, Vincenzone alimentó la idea de una secuela de The Good, the Bad, the Ugly, incluso estuvo de acuerdo con Van Cleef, pero no obtuvo el consentimiento de Leone [24] .

Calificación

Crítica

En la década de 1960, cuando Antonioni , Fellini y Visconti gozaban del favor de la crítica y los jurados de los festivales de cine , la obra de Sergio Leone quedaba en la sombra [84] . Los expertos percibieron las películas de la "trilogía del dólar" como películas de bajo presupuesto y de orientación comercial que no se destacaban entre la multitud. En los Estados Unidos, un western filmado en Italia se percibía como una imitación chapucera e incluso una profanación de un western [85] . Leone fue el único que logró tener éxito en el género spaghetti western, que estaba en la tácita " categoría B del gueto " [86] [87] [88] [89] .

Los críticos de las principales publicaciones estadounidenses de la década de 1960 encontraron la imagen alargada, con una trama arrastrada; también lo obtuvo por crueldad excesiva [90] [91] . 1968 es un período atemporal en la crítica cinematográfica estadounidense. El patriarca de la tienda, Bosley Crowser , fue entonces suspendido del New York Times [92] . Fue reemplazado temporalmente por Renata Adler ( en ), a quien se considera que dañó un poco la reputación de los críticos de cine en una importante publicación estadounidense. En una crítica devastadora, llamó a la película de Leone "la película más cara, piadosa y repelente de la historia de su peculiar género" y "un supermercado sádico" [48] . Brian Garfield ( en ) describió la trama de la película como prolongada y absurda [90] . La revista Variety comentó que los actores están sobreactuando y que los episodios cómicos añaden un sentimentalismo completamente inapropiado a la imagen [93] . La revista Time resumió la evaluación negativa de la película:

Bueno - se refiere al trabajo del camarógrafo - combinación profesional de colores y composición, atención a la forma y textura de los objetos, que se puede lograr disparando en el lugar y no en el estudio. Mala es una palabra adecuada para la actuación de madera y la predilección de Leone por los valores arrugados y las probabilidades de los cómics estirados. Evil: un apetito insaciable por las palizas, el destripamiento y la mutilación, combinado con primeros planos de rostros destrozados y efectos de sonido de estertores de muerte.

Texto original  (inglés)[ mostrarocultar] Lo bueno radica en el trabajo de cámara de Leone: combina de manera experta el color y la composición, con gran atención a los detalles de forma y textura que están disponibles cuando se filma en exteriores en lugar de en platós de estudio. Mala es la palabra para la actuación de madera y la adicción de Leone a los valores estrechos y las probabilidades estiradas de la tira cómica. Y feo es su insaciable apetito por las palizas, los destripes y las mutilaciones, completo con primeros planos de rostros machacados y efectos sonoros de estertores. — Reseña de la revista Time (1968) [94]

Una de las pocas personas que dieron una crítica positiva a la película inmediatamente después de su estreno fue Pauline Cale ( The New Yorker ), una conocida fanática del cine europeo [92] . Mientras tanto, en el Viejo Mundo, los críticos de cine tomaron la imagen de manera inconsistente. En Italia, las críticas fueron bastante buenas [95] . La opinión de Alberto Moravia era: "Si el western americano es un mito, entonces aquí hay un mito a partir de un mito" [96] . En Francia, la imagen fue recibida favorablemente [97] . Aunque la imagen no fue entregada a la URSS, sin embargo, en las publicaciones soviéticas, la imagen fue notada y criticada como un ejemplo de arte burgués básico. Fue llamado sombrío, falsamente significativo, saturado de crueldad [98] [99] .

Desde mediados de la década de 1980, tras el éxito de Érase una vez en América, se ha producido una especie de rehabilitación del director [89] . Los críticos comenzaron a alejarse gradualmente de los estereotipos. The Good, the Bad, the Ugly ha sido aclamado como un clásico que ha tenido un impacto significativo en la estética del cine mundial [28] . En 2003, se publicó una serie de nuevas revisiones coincidiendo con el lanzamiento de la versión restaurada. En ellos, la crítica otorgó la máxima calificación a la solución visual ya la habilidad del director [100] . Elvis Mitchell (New York Times) puso a Leone a la par de Bertolucci y Antonioni , destacando el don intuitivo del creador de la cinta [100] . En su segunda reseña (2003), Roger Ebert se quejó de que la primera vez (1968) no vio todos los méritos de la imagen, siendo entonces un crítico poco experimentado [34] [87] . Ebert otorgó la calificación más alta e incluyó la imagen entre las mejores obras de la historia del cine [101] . Michael Wilmington ( Chicago Tribune ) llamó a la pintura una obra maestra innegable . La imagen ha sido incluida repetidamente en las listas de los mejores westerns y las mejores películas [102] . La revista Empire la clasificó como la 25ª mejor película de todos los tiempos [103] . Según una encuesta de IMDb, la película ocupa el noveno lugar en la lista Top 250 y entre los cinco mejores westerns [104] .

Uno de los principales puntos de acusación, incluso después de la rehabilitación, fue la crueldad y el cinismo de los personajes [93] [105] . Michael Wilmington comentó sobre el hecho de que los héroes despiadados son arrojados de un extremo a otro, lo que hace que quieras alejarte de la pantalla [86] . Chris Frailing notó la descripción distante y casi demostrativa de la crueldad del director. Se puede hacer una comparación con otro spaghetti western, " Django ". En 1966 también se estrenó una película similar en espíritu y trama a Sergio Corbucci . Sin embargo, representa la violencia por sí misma, lo que la acerca a una película de terror , mientras que en la pintura de Leone es más un elemento de estilo, y la tensión y el suspenso son mucho más importantes [106] [107] .

Leone respondió a las acusaciones de que su trabajo no era una caricatura de Disney y que no estaba claro por qué la cámara, siguiendo un código tácito, debería vergonzosamente alejarse, sin mostrar una bala entrando en el cuerpo. “Occidente fue conquistado por gente que no se molestó en esto”, dijo y enfatizó que, como director, quería mostrar su fuerza y ​​sencillez, y el papel de la violencia en la película es muy exagerado [89] . Leone tenía una actitud negativa hacia películas como " La naranja mecánica ", donde los creadores disfrutan de la crueldad. En la obra de Leone, la muerte es parte de la vida y parte del entorno cultural [27] . El debate sobre el dominio de la crueldad en los spaghetti westerns es similar a oponerse a las enseñanzas de Kierkegaard y Nietzsche . Los spaghetti westerns sitúan el nivel de percepción estético por encima del ético y religioso [108] . Volviendo a Monsieur Verdue, podemos decir que la crueldad de los personajes también es relativa. Durante la batalla sin sentido (como la describió Strelok) en el puente, mueren muchas más personas que las que mueren a manos de los héroes de la imagen [93] [105] [99] .

El estilo reconocible del director merece grandes elogios. Roger Ebert lo señaló especialmente: " A Leone no le importa en absoluto lo práctico o lo plausible, y construye su gran película sobre la basura de los clichés de las películas occidentales, usando el estilo para elevar la basura al arte ) [34] . Sin embargo, Bernardo Bertolucci se mostró bastante escéptico sobre la valoración del regalo del director de Leone. Resaltando que Sergio no pertenecía a los intelectuales del cine, lo consideraba superficial y amanerado. Vincenzone [109] también se mostró escéptico sobre el regalo de Leone .

La trilogía del dólar ha sido criticada por la visión destructiva de Occidente que tienen las películas ("solo un italiano podría hacer eso...") y el desapego de Leone hacia la crueldad. Sin embargo, los motivos centrales de la trilogía muestran que Leone, a través de la iconografía católica , a través de la combinación de la música y la imagen de la pantalla, a través de su ambivalencia moral maniquea y a través de su creencia en ciertas fuerzas positivas en la sociedad, a través de una secuencia de clímax, desarrolla un nuevo construcción ética con una estructura claramente articulada. The Nameless Gunslinger es universalmente malinterpretado como un existencialista inhumano que vive en un vacío moral.

Texto original  (inglés)[ mostrarocultar] La trilogía de Dollars también ha sido criticada por la visión destructiva de Occidente que aparentemente representan las películas ("solo un italiano podría hacer esto..."), y por el desapego con el que Leone trata la brutalidad. Sin embargo, ciertos motivos centrales en la trilogía indican que Leone ha sustituido a través de su iconografía catolizada, su yuxtaposición de música e imagen, su ambivalencia moral maniqueísta y su creencia en ciertas fuerzas positivas en la sociedad, un nuevo marco ético de referencia dentro del cual sus sucesivos clímax tener una estructura claramente articulada. El hombre sin nombre ha sido constantemente malinterpretado como un existencialista brutal que vive en un vacío moral. — Chris frágil [110]

Actuación

Incluso en la etapa de casting, Leone notó que para el papel de Strelok necesitaba una “máscara” más que un actor [27] . Eastwood no necesitaba demostrar todas sus habilidades en el papel mezquino y característico de Blond Eastwood. Sin embargo, su actuación puede valorarse como más relajada y acorde con el espíritu aventurero y cómico de la película [111] . El propio Leone se mostró bastante escéptico sobre la interpretación que el actor hizo de su personaje. Cuando miró a Eastwood, no vio al Pistolero sin nombre, sino solo la figura de un actor [38] . A Leona incluso se le atribuye la afirmación irónica de que Clint tenía dos expresiones faciales: con sombrero y sin sombrero [27] [37] . Richard Schickel, elogiando la interacción del director con los actores, comparó a Leone con David Lean . Describió la contribución de Eastwood al éxito de la película como parte del paisaje occidental creado en la película . [111]

Los temores de Clint de que Eli robaría la mayor parte de la atención de la audiencia resultaron estar justificados [111] [94] . Los críticos destacaron a Eli Wallach, quien aseguró en gran medida el éxito de la película [93] . Wallach, refiriéndose a los mejores ejemplos del cine de comedia estadounidense, al estilo de Chico Marx , revela originalmente el personaje de Tuco [112] [113] . La imagen del mafioso mexicano resultó ser verdaderamente multidimensional: tiene componentes melodramáticos y hasta religiosos [59] . Al final, como juzgó Frailing, la película fue un verdadero beneficio para Wallach, con Eastwood como estrella invitada . Wallach estaba preocupado por el hecho de que él, un actor con una excelente escuela de teatro, que enseñó el Método en las escuelas de teatro, después de los "Siete Magníficos" se ganó firmemente el papel de un personaje negativo. Lo "bueno, lo malo, lo feo" no cambió la situación, pero Wallach recordó la experiencia con cariño [115] [34] .

La actuación de Van Cleef fue aclamada por la crítica [86] [116] . La larga escena inicial de 10 minutos de la película demuestra cómo el actor se ajusta al estilo del director: jugar con un mínimo de líneas, dejando a la audiencia en suspenso. Van Cleef casi no cambió la imagen del Coronel Mortimer de la película anterior: un estricto traje negro, pipa , laconismo, pero cambió la polaridad del personaje [117] . Tras el estreno de la imagen en las pantallas, el actor ingresó a una especie de salón de la fama de los mejores villanos del cine [118] . Este papel permaneció con él durante mucho tiempo. El propio Lee Van Cleef no se consideraba en absoluto un actor adecuado para papeles negativos. Dijo sobre sí mismo que nunca había golpeado a una persona o un animal en su vida. En la película, cuando en una escena tenía que pegarle a una chica, un suplente lo hacía por el actor [119] .

Fuentes de inspiración

El biógrafo Chris Frailing se mostró bastante escéptico sobre el conocimiento de Leone sobre la historia del cine y la amplitud de sus horizontes. El espíritu original, el humor asombroso del guión es en gran parte mérito de Luciano Vincenzone, aunque, refiriéndose a la influencia de la época y la autenticidad, dijo: “Lo escribí [el guión] en solo 11 días, no tenía tiempo para esto.” Muchas fuentes y circunstancias inspiraron a los creadores. En primer lugar, estos son los recuerdos de infancia y juventud de Leone sobre la Italia fascista , los cuentos de hadas italianos , la Commedia del arte , el espectáculo de títeres tradicional pupi Siciliani [105] . El trío de héroes también se formó bajo la clara influencia de la tradicional comedia del arte de máscaras y títeres. El personaje de Tuco tomó mucho de Nofriu , el astuto y estrafalario bufón pupi siciliano, no ajeno al sentimentalismo [120] . En el concepto de la película, los diálogos están influenciados por el libro favorito de Vincenzone, " Viaje al final de la noche ". Su personaje y narrador Ferdinand Bardamu, al igual que los personajes de la película, viaja a través de las batallas de la Primera Guerra Mundial . Una ligera burla de la moralidad pública, el humor del absurdo: todo está en este libro [121] [122] .

En la solución visual tuvo gran influencia el trabajo de los fotógrafos del siglo XIX Matthew Brady y Alexander Gardner , cuyas fotografías se utilizaron posteriormente en la preparación de escenas de batalla y escenografía para la película [51] [43] . La apariencia de los personajes en la imagen es el resultado de una cuidadosa preparación del material. Así, por ejemplo, el director espió guardapolvos largos (tal ropa no se había visto antes entre los héroes de los westerns) en fotografías de esa época [55] . Leone amaba la pintura, entendía tanto lo clásico como lo moderno. Creando imágenes humanas, rostros grotescos, tomó ideas de los clásicos españoles El Greco , Velázquez , Goya . Admiraba la energía que emanaban los cuadros de Goya, notando que ellos mismos se iluminaban por dentro y que así es como mejor se construye e ilumina el marco (por ejemplo, “ Desnudo de Mach ”) [123] [124] . Desde la década de 1950, Leone comenzó a coleccionar vanguardistas y primeros surrealistas: Max Ernst , Rene Magritte , Giorgio De Chirico . Fueron las pinturas de De Chirico las que el director mostró a su camarógrafo Tonino Del Colli, tratando de crear el ambiente adecuado. Leone quería y apreciaba mucho a los impresionistas franceses [125] .

El estilo de la mayoría de los directores de Spaghetti Western fue moldeado por los westerns clásicos de las décadas de 1930 y 1950, en particular el trabajo de John Ford , Budd Boettiker y Anthony Mann . El western favorito de Leone era El hombre que mató a Liberty Valance , de John Ford . Entonces, en "The Good, the Bad, the Evil" se puede ver una escena muy popular para muchos westerns y una cita directa de la película de Ford " My Dear Clementine " (la escena en la que Tuco y Blondin, moviéndose por la ciudad, reprimen sobre la pandilla Sentenza) [126] . Hay una escena similar en The Magnificent Seven de John Sturges . Leone ha mencionado en repetidas ocasiones el papel de la película de Chaplin " Monsieur Verdoux ", que cuenta la historia de Barba Azul , que al final, estando en el banquillo, confiesa con una diatriba que los verdaderos criminales no son los asesinos en serie, sino los que organizan guerras mundiales con millones de víctimas, — deben ser juzgadas [73] . El tema de la Guerra Civil y las escenas del ferrocarril se inspiraron en la comedia El general de Buster Keaton , en particular la famosa y más cara escena en la historia del cine mudo de una locomotora que pasa sobre un puente en llamas y un tren que cae en un río .

El argumento sobre el campo de concentración ficticio de Betterville se basó en la trágica historia de la muerte masiva de soldados del Norte en el campo de Andersonville durante la Guerra Civil [8] . Allá por la década de 1950, Stanley Kramer iba a filmar la novela épica " Andersonville " ( en ) de Mackinlay Kanter , pero los planes no estaban destinados a hacerse realidad. John Ford, en las películas " Cheyenne Autumn " y "The Cavaliers ", saltando esquinas afiladas, hablaba de los campos utilizando el lenguaje de la alegoría . El tema de los campos de prisioneros de guerra era, si no tabú, al menos no el más querido entre los directores de Hollywood. Leone fue uno de los primeros en describir la tragedia directamente y sin omisiones, mostrando toda la tragedia de los hechos reales [23] .

Características de estilo y trama

Expertos muy contradictorios percibieron la trama de la imagen. Algunos la calificaron de demasiado complicada [86] , otros la calificaron de simple hasta el punto de lo primitivo [87] , otros carentes de sentido e incluso absurdas [90] . El argumento de la película (al igual que el resto de películas de la trilogía) se basa básicamente en el viaje [128] . Este motivo está tomado de "Monsieur Verdoux", donde el héroe también se traslada de una de sus víctimas a otra, en tren [129] . El desarrollo de la historia es muy lento y lacónico. El espectador escucha los primeros comentarios de los personajes solo en el minuto 10 de la película, y puede comprender cuál es la trama al final de la primera hora: solo Tuko y Blondin escuchan sobre el oro enterrado en el cementerio por primera vez. tiempo [8] .

La trama de la trama y las características de los personajes son engañosas para el espectador. A primera vista, encajan con los clichés y los personajes familiares de los westerns americanos. La acción tiene lugar, como sucede a menudo, en el contexto de la Guerra Civil. Los personajes principales son tiradores que dominan su oficio. La trama tiene un comienzo aventurero asociado con la búsqueda del tesoro, y los héroes tienen que mostrar heroísmo. Sin embargo, a la mitad de la imagen, los puntos de referencia desaparecen y la trama se vuelve del revés en relación con el western "según John Ford" [130] . La elección habitual de tales imágenes para los héroes, con los que están con los sureños o con los norteños, no tiene sentido aquí. En la escena simbólica del encuentro con la patrulla, los héroes de lejos se preguntan de quién son las tropas que se encontraron. Los saludan con el nombre de General Lee y maldicen a Grant , pero resulta que el uniforme azul de los norteños estaba escondido bajo el polvo gris [131] . La escena se inspiró en el cuento "One of the Lost" de Ambrose Bierce . Tal manipulación y actitud cínica hacia los valores familiares es el estado de ánimo característico de toda la película [132] . La escena de la batalla del puente Langstone es un ejemplo del giro absurdo y el mensaje contra la guerra de la película. Los héroes vuelan el puente, a través del cual pueden cruzar al otro lado del río. Sin embargo, el espectador puede ver cómo Blondin y Tuco vadean fácilmente el río cuando colocan los explosivos. Así, el puente resulta ser una convención y un símbolo del sinsentido de la guerra [133] .

La imagen en sí, su universo y héroes, aunque creados en el contexto de los eventos de la historia real, se desarrollan de acuerdo con las leyes de un cuento de hadas o una parábola. El lugar y el tiempo de la acción no están estrictamente ligados a la historia real. El Lejano Oeste americano se elige como un lugar abstracto para el choque del bien y el mal [134] . El tirador, en cuyas manos la cuerda de la horca y la vida, es una alusión a la imagen del arcángel Gabriel [135] . La mayoría de los actores no tienen nombres, solo apodos. Los héroes tienen habilidades sobrenaturales, teniendo la costumbre de aparecer de la nada (por ejemplo, la aparición de Blond y Sentenza en el cementerio) o escapar de la forma más fantástica. Como es costumbre en un cuento de hadas, hay muchas coincidencias. Justo cuando Tuco está a punto de matar a Blondin, los héroes se encuentran con un moribundo Bill Carson salvando milagrosamente la vida del Pistolero Sin Nombre que pende de un hilo. Después de eso, terminan en el mismo campamento donde Sententsa sirve como supervisor. El motivo obligatorio del cuento de hadas son las pruebas y torturas para los héroes, a través de las cuales deben pasar. “200 mil es mucho dinero, todavía hay que ganarlos”, dice Blondin [136] [137] . En el corazón de todas las acciones de los héroes hay una broma, un engaño y un doble engaño. La película comienza con un engaño: ya en el prólogo, Sententsa mata a un hombre que compartió una comida con él. En la literatura en inglés que revisa la película, el juego de la cruz de palabras en inglés a menudo se juega . El primer significado de " ser bautizado " es la constante costumbre de Tuco de eclipsarse con un cartel. Otro significado de la palabra (especialmente traición ) es “engaño”, “fraude”. Una de las frases del personaje: “Cualquiera que, tratando de engañarme, me deja vivo conoce muy mal a Tuco” ( Quien me traiciona y me deja vivo, no entiende nada de Tuco ). Los creadores reservan la burla más cínica para el final. Quitando los ojos del codiciado oro, Tuco ve una horca y una soga encima de él. "Esto no es una broma", le dice Blondin, y Tuco se para en una cruz desvencijada, un símbolo revelador de la estructura dual de la película . La división en caracteres positivos y negativos, habitual en un cuento de hadas, toma aquí la forma de un chiste repetido: “La gente se divide en dos clases” [133] . En la mayoría de las películas, el espectador puede preguntarse “y si los personajes se comportaran de manera diferente”, cómo se habría desarrollado la trama entonces y cómo podría haber terminado. En las películas de Leone no se plantea esta cuestión, las circunstancias mueven a los personajes, lo que es habitual en el argumento de un mito o una parábola [136] .

Un final feliz también es característico de los cuentos de hadas y los clásicos occidentales. La famosa toma del vaquero cabalgando hacia la puesta de sol está cerca del final de Leone, con la cámara haciendo un paneo para seguir la retirada del jinete. Sin embargo, el espectador no empatiza con un personaje sin nombre, existente fuera del tiempo y del espacio. No está claro por qué necesita oro y por qué sobrevivió a todo esto. El espectador permanece "por encima de la refriega", observando el desenlace sin simpatía [134] [139] .

Imágenes de los personajes principales

Desde la época de Edwin Porter (The Great Train Robbery ), el western se ha asociado al mito de los tiradores fronterizos y vaqueros sin fallar . Después de ver una parte importante de la imagen, el espectador se da cuenta gradualmente de que no hay un héroe positivo habitual en ella [141] . Los apodos de los héroes y su asignación a las categorías morales "bueno" y "malo" son condicionales. En la escena en la que "Good" es tomado por sorpresa, cínicamente le lanza a su socio comercial: "Lo siento, Shorty..." De hecho, todos los personajes principales pueden describirse como antihéroes . Sin embargo, su codicia y crueldad son desencadenadas por la guerra, que en sí misma es una burla mucho mayor de la moralidad. Lo que da el espíritu de romance en el western clásico - el heroísmo y la muerte en masa, aquí parece un trasfondo extraño e ilógico, un factor externo para el desarrollo de los acontecimientos. La guerra salva a los personajes principales (episodio en el que una explosión inesperada en la casa salva la vida de Pistolero), aunque acaba con la vida de los personajes secundarios [142] . Como resultado, el viaje surrealista y las aventuras de los héroes parecen aún más grotescos [131] . Los personajes operan en una especie de espacio abstracto, una especie de vacío moral. No tienen parientes cercanos (solo en la escena recortada de la taquilla estadounidense hay un encuentro entre Tuko y sus hermanos). No hay amigos, se unen solo para lograr un objetivo mercantil. A veces los héroes muestran, si no nobleza, un cierto código moral. Sentenza demuestra ética empresarial, informando que siempre hace las cosas si le pagan [52] . El Sententsa "malo" mata a tres personas en la historia, y el Shooter "bueno" mata a once (en la versión completa). La línea entre "bueno" y "malo" en la película es extremadamente inestable [99] . El final de la película vuelve nuevamente a la fórmula occidental clásica y los valores familiares, en los que el héroe muestra nobleza moral. El rubio le da su capa al soldado moribundo. Luego salva la vida y una parte del dinero de Tuco, aunque podría haberlo quitado todo [143] [130] .

Leone, al describir a Ennio Morricone de sus personajes, dijo que, en esencia, "bueno", "malo" y "malvado" son los lados de un mismo personaje [144] . Cada uno de los personajes principales tiene su propia escena inicial y final en la película, lo que revela su carácter y motivación dentro de la trama general. Cada uno tiene su propio instrumento musical. Los nombres de los personajes son parte de la convención en la imagen. El protagonista anónimo es una parodia de personajes de novelas románticas del Lejano Oeste como Leatherstocking o The Virginian ( en ) de las obras de Owen Wister . Estos héroes se escondieron detrás de misteriosos apodos para luchar por la justicia. El anonimato del personaje de Leone solo enfatiza la ironía de los cineastas, quienes lo llevaron más allá de los límites de la moralidad convencional, creando un héroe que actúa fuera del tiempo y la historia [145] [143] . La estilización del tema musical principal de la película como el aullido de un coyote es un indicio de que cada uno de los personajes puede convertirse en un coyote solitario, persiguiendo únicamente el beneficio personal [8] .

Solución visual y simbolismo

Los críticos siempre han apreciado la letra de Leone. Era típico para él escribir una historia más visualmente que con palabras. Si en "Por un puñado de dólares" la lacónica naturaleza de los personajes se debió a restricciones presupuestarias, entonces en "El bueno, el malo, el mal" esta ya es la manera del autor. Su especial habilidad es la combinación de primeros planos y grandes espacios [100] . La imagen se abre desde los primeros segundos con una transición brusca. Primero aparece el desierto sin fin, y luego todo el encuadre está ocupado por la fea cara picada de viruela de un bandido. Usar primeros planos (ojos, expresiones faciales) y luego cambiar rápidamente a la distancia puede lograr un efecto dramático único [146] . La falta de palabras está en consonancia con la solución visual de la imagen, que generalmente es característica de la estética del oeste: usar una variedad de color mínima. Los principales colores utilizados son el marrón, el negro y el blanco [147] . Una técnica espectacular es una cámara en constante movimiento, siguiendo casi continuamente al héroe [67] . Otro truco del operador para crear un estado de ánimo es mostrar en el marco exactamente lo que ve el héroe [34] . La imagen se puede sentir siguiendo los ojos de los personajes, a quienes se les da mucho tiempo frente a la pantalla. Aquí están los ojos furtivos de Tuko, y la mirada del "ángel guardián" de Blondin, y la mirada fría de Sententsa [148] .

Muchas de estas técnicas se tomaron prestadas de las pinturas pioneras de la década de 1960 de Richard Lester y Miklós Jancso [149] . La gran atención del director al lado visual de la imagen a veces no fue compartida por el operador Tonino Del Colli, creyendo que Leone lo complica todo. Cuando para la escena final del duelo solo había que capturar los primeros planos de los rostros de los personajes, la filmación llevó todo el día. Eli Wallach recordó que el director quería terminar la escena final en el cementerio usando una cámara de cielo alto, pero no podía pagar un helicóptero. Tuve que limitarme a filmar desde una grúa [124] .

Supongo que en el papel esta historia parecería ridícula, pero en la pantalla es fascinante... Hay una extraña discrepancia, un desajuste entre la percepción de los hechos a través de los ojos de un testigo presencial (una ilusión de realidad completa) y la improbabilidad real. de lo que está pasando Cuando el director utiliza hábilmente tal discrepancia, el efecto es encantador. Esta es la base del humor en los westerns italianos.

Texto original  (inglés)[ mostrarocultar] Historias que me parecerían ridículas si estuvieran escritas pueden encantarme en la pantalla... Hay un cambio extraño, una diferencia de fase, entre la evidencia inmediata de los propios ojos (la ilusión indestructible de la realidad) y la improbabilidad de la hechos. Si un director usa este cambio inteligentemente, puede hacer que produzca los efectos más deliciosos. Esa es la base del humor de los westerns italianos. Pero tiene que ser usado inteligentemente. — Simone de Beauvoir [150]

A lo largo de la trilogía, Leone recurrió constantemente a símbolos que revelaban la intención del director. La iconografía tiene sus propias características en este cuadro. Valor tradicional italiano, la familia es un episodio del encuentro de Tuco con sus hermanos. La imagen de los símbolos sagrados aparece en la escena con el monasterio donde se trató el Strelok, y con la iglesia destruida, más cerca del final. El símbolo recurrente de la cruz, bautizado con devoción por cualquier motivo por Tuko, así como una apelación un tanto irónica a la retórica cristiana, todo esto está presente en la imagen. Finalmente, la imagen de la propia muerte aparece en el duelo final en forma de cementerio interminable y esqueleto en la tumba, donde todos los símbolos encuentran su resolución [149] [151] [152] . Habiendo superado todas las pruebas y algún tipo de purificación final asociada con la explosión del puente y la muerte del capitán, el trío de héroes converge en el centro del cementerio, como si estuviera a punto de realizar un ritual. En el centro del círculo mágico, Strelok deja una piedra con un nombre preciado. Aquí nuevamente se juega con el elemento del anonimato: no hay ningún nombre en la piedra ( Desconocido ) [153] . La imagen de la muerte, el leitmotiv de toda la "trilogía del dólar", es especialmente distinta aquí. Rodeando el ruedo, como en un anfiteatro, las tumbas, como espectadores muertos, contemplan el desenlace tragicómico del cuadro: el último duelo de los héroes [149] [154] .

Contexto histórico y autenticidad

La Guerra Civil fue el telón de fondo histórico de muchos westerns clásicos. Sin embargo, rara vez prestaron atención a la autenticidad, el contexto de la época [58] . El conflicto habitual fue el choque entre la gente aristocrática de la ciudad, los norteños y la gente del campo, los sureños. Un tema favorito es la expansión de la frontera y las escaramuzas en su borde [155] . Con poca frecuencia se filmaron hechos relacionados con las derrotas de los yanquis en la guerra. Vincenzone y Leone no intentaron mostrar la campaña militar real de la Guerra Civil, aunque la mención de hechos históricos y personajes que tuvieron lugar permite fechar la película en 1862 [~ 6] . La Campaña de Nuevo México se remonta a esta época ( en ), cuando las tropas confederadas bajo el mando del general Sibley invadieron Nuevo México desde Texas. En realidad, esa campaña terminó con la victoria de los norteños, pero a costa de numerosas bajas. La pintura muestra las secuelas de la batalla más estrechamente relacionada con la Batalla de Gloret ( en ) a fines de marzo de 1862, en la que los confederados obtuvieron una victoria táctica. Según el crítico de cine Hughes, los acontecimientos de la película comienzan en el invierno de 1861 y terminan en el verano de 1862. Al final, la trinidad de héroes, cruzando el Río Grande, abandona Nuevo México. El cementerio de Sadhill se encuentra en Texas [43] [156] .

A pesar de la conexión distante con la historia estadounidense real, los cineastas se esforzaron mucho en representar fielmente los detalles. Los creadores trabajaron con materiales de archivo, fotografías, ordenaron accesorios de museos. Se prestó atención incluso a los tipos de tropas de los oponentes, resaltados por el color de los puños y cuellos de los uniformes de soldados y oficiales [157] . Un episodio sorprendente con un tren que llega con un espía enemigo atado a su barredora es otra confirmación de la atención al detalle que crea una atmósfera de plausibilidad [61] . Leone, que se educó en las tradiciones del neorrealismo , estaba interesado en bagatelas documentales, pero aún así la guerra era, más bien, un trasfondo para el desarrollo del tema principal de la película. El director se centró en la crueldad y la insensatez de las hostilidades. La representación colorida y detallada del campo de concentración confederado de Betterville, la batalla por el puente Langstone revelan este enfoque. El choque sin sentido de miles de soldados que se muestra en la imagen le da un profundo sentimiento contra la guerra [51] .

Fue imposible mantener una precisión histórica completa, y la imagen contiene numerosos anacronismos y errores asociados con el uso de armas de fuego. El modelo principal del revólver utilizado por la mayoría de los héroes, incluidos los artilleros, el Colt 1851 Navy , convertido en un cartucho de fuego central  , se generalizó solo después de la Guerra Civil [158] [159] . Sentenza en algunas escenas usó un revólver Remington , que también entró en servicio con el ejército estadounidense más tarde en 1862 [43] [61] . El tirador de la estafa de rescate usa un rifle Henry ( es ) [43] . Cuando el Strelok estaba a punto de salvar a Shorty de la horca, se nota que en su rifle se instaló una mira óptica , que en esos días no existía. En una armería, Tuco ensambla el arma perfecta a partir de las piezas de varios revólveres Colt, pero en aquellos días aún no se conocía el principio de intercambiabilidad de las piezas [158] . El arma Gatling , que se puede ver en la escena de la batalla por el puente Langstone, en realidad apareció en servicio con el ejército del Norte solo en 1866 [61] [131] . La escena de la preparación "secreta" de la explosión del puente frente a miles de soldados parece algo ridícula. Los cartuchos de dinamita con los que los héroes volaron el puente tampoco existían en ese momento [160] . El ferrocarril aparece en la imagen, aunque históricamente tampoco es del todo fiable. El primer ferrocarril cruzó Nuevo México en 1878 [161] .

Reconocimiento e importancia

Las razones del éxito creativo y rodante de El bueno, el feo y el malo se encuentran en las peculiaridades de la decisión del autor y el tiempo de estreno. Aunque la imagen era secundaria en el sentido del género, logró crear una visión paradójica completamente nueva del western, el género cinematográfico estadounidense más importante. Además, la imagen, que regresa a los Estados Unidos, a su vez, influyó en el renacimiento del género occidental en su tierra natal y condujo al surgimiento del neo-occidental de los años 1970-1990. Paradójicamente, pero el público moderno ya lo percibe como un estándar del género occidental [88] [104] . La Guerra de Vietnam , la Crisis de los Misiles en Cuba y otros cataclismos históricos crearon una atmósfera en la que el público buscó y adoptó nuevas soluciones y un nuevo lenguaje cinematográfico. La obra de Leone ocupó el lugar que le corresponde entre las obras pioneras de la década de 1960, junto con las pinturas de Kurosawa , Godard , Fellini y otros maestros [162] .

La imagen completó la "trilogía del dólar" y formó el fenómeno del spaghetti western, que tuvo un impacto significativo en el cine mundial. Los atributos del género -laconismo, crueldad, protagonismo antihéroe, humor negro y realismo en la puesta en escena- fueron replicados y ampliamente explotados [163] . Numerosos imitadores intentaron copiar el estilo característico de la pintura, así como escenas individuales [107] . Así, en 1967, Luigi Vanzi ( it ) realizó una trilogía "Por un dólar en los dientes", que se convirtió en un homenaje cinematográfico a los westerns de Leone [164] . Se han citado ciertas escenas de la película (por ejemplo, en Big Jake ( en ) con John Wayne , la escena de Tuko bañándose) [165] .

En total, se realizaron alrededor de 400 películas Spaghetti Western entre 1963 y 1973 [12] . Los grandes maestros de la era del neorrealismo se dirigieron a él: Pietro Germi , Giuseppe De Santis , Damiano Damiani , Carlo Lidzani y otros [12] . La serie Django fue particularmente popular, con unas 20 películas producidas [107] . La serie Trinity , una parodia del trabajo de Leone, igualó el rendimiento de taquilla de la "trilogía del dólar". Sin embargo, ninguno de los otros westerns italianos se acercó ni remotamente al éxito comercial y creativo general de la "trilogía del dólar" [166] . Después del éxito de las películas de Leone, comenzaron a aparecer más películas italianas de gran presupuesto y las estrellas de cine extranjeras estaban más dispuestas a invitarlas. En 1967, a raíz de la popularidad de las pinturas de Leone, el número de westerns filmados en los Estados Unidos volvió a aumentar a 37 por año [167] [165] .

Una de las razones de la evaluación negativa de la imagen por parte de los críticos, una disculpa por la crueldad de los héroes, según los expertos, ha creado una cierta moda. Desde finales de la década de 1960, la violencia y la sangre se han convertido en un atributo típico del cine de Hollywood. Junto con "El bueno, el malo, el feo", aparecieron en las pantallas las obras emblemáticas " Bonnie and Clyde " y "The Dirty Dozen " [168] [169] [28] . La imagen tuvo una gran influencia en maestros del género como Martin Scorsese , John Milius , John Carpenter , Brian De Palma , cuya carrera comenzó a desarrollarse a fines de la década de 1960 [28] . Sam Peckinpah desarrolló y enriqueció la estética neo-occidental de Leone en The Wild Bunch [10 ] . Quentin Tarantino ha nombrado El bueno, el feo y el malo como su película favorita, y se pueden encontrar citas de ella en muchas de las películas del director . El triple duelo por el tesoro escondido, al estilo de "El bueno, el feo y el malo", se puede encontrar en " Reservoir Dogs " y " Pulp Fiction " y en sus otras películas [28] . La manera pictórica de Leone también afectó al propio Eastwood como director, en particular, en la película " Josie Wales - Outlaw Man " [38] .

Stephen King mencionó que la idea de la serie Dark Tower y la imagen de Roland Deschain se le ocurrieron durante la próxima visualización de la película de Leone. El viaje de Archer Roland es una alusión a la tortura de Tuco, quien condujo al Blondin moribundo a través del desierto [170] [171] . El videojuego Red Dead Redemption estuvo fuertemente influenciado por el western. Su personaje principal, John Marston, es otro imitador del personaje de Clint Eastwood . En la serie Clone Wars , el personaje Cad Bane, un cazarrecompensas , está basado en Sentenza . Una de las parodias contemporáneas más famosas es la película de 2008 The Good, the Bad, the Freaky dirigida por Kim Ji Un . Como parte de la popular serie de cómics franco-belga Blueberry ( en ), se publicó la serie Confederate Gold (1996), inspirada en los westerns italianos [175] . Los creadores de la serie Breaking Bad se inspiraron en las ideas de The Good, the Bad, the Evil. La solución visual, las escenas en el desierto, los intentos de combinar los valores familiares y el dinero mal habido, el humor negro son rasgos reconocibles del estilo de Leone [176] .

El trabajo de Leone fue criticado en la era soviética como arte de mala calidad, una apología de la violencia en la pantalla [99] [177] . La foto de Leone no fue a la taquilla, pero se mostró en sesiones cerradas. Contra todo pronóstico, la película también traspasó el Telón de Acero . La influencia de The Good, the Bad, the Ugly se puede encontrar en las películas orientales del bloque oriental . Así, " Un amigo entre extraños, un extraño entre los suyos ", " Sol blanco del desierto " contienen referencias directas y citas de él [178] [179] [180] [181] .

La expresión The Good the Bad and the Ugly se ha convertido en un modismo en el inglés moderno. Ganó especial popularidad después de que Bobby Kennedy lo utilizara ampliamente en su campaña electoral [182] . Con un tinte irónico, significa una descripción completa de un objeto o evento, con todos los detalles. A veces, "el feo" se reemplaza por alguna otra palabra adecuada a la situación [183] .

Música y banda sonora

Antes de participar en la "trilogía del dólar", Morricone era conocido solo por un estrecho círculo de especialistas como un compositor original de vanguardia, seguidor de las enseñanzas de la escuela vienesa , Luigi Nono y Luciano Berio . Además del cine, Morricone fue conocido por su trabajo en música atonal y arreglos pop. Con Leone, Ennio comenzó a colaborar con A Fistful of Dollars. En El bueno, el feo y el malo, la música de la película se escribió mucho antes de que comenzara el rodaje. Morricone tuvo mucho tiempo para desarrollar ideas, para crear un material filosófico profundo sobre la guerra y la paz, un drama dentro del complejo triángulo de protagonistas [184] .

Composición del título
Retrato sonoro de Blondin (flauta)
Ayuda de reproducción

Leone siempre se ha tomado muy en serio la música: no sólo para la música, sino en general para los diversos acompañamientos de fondo de las películas [185] . Hasta un 40% del éxito en las películas, según Leone, dependía de la música, el doblaje y la mezcla final en el estudio [76] . Al director no le gustó el acompañamiento sinfónico tradicional al estilo de Dmitry Tyomkin , que, en su opinión, arruinó muchos buenos westerns. El director no dejó que el compositor leyera el guión, explicando sólo con palabras lo que tenía exactamente en mente [144] . "Bueno", "malo" y "malvado" son lados de la misma personalidad, por lo que todos comparten la misma melodía. También le pidió al compositor que creara un ambiente especial para ciertas escenas, especialmente el acompañamiento final, que se suponía que debía sonar como la risa de los muertos de las tumbas [22] .

Morricone reinterpretó las ideas y técnicas de la música en el cine [186] . Usó su estilo ecléctico y su original paleta instrumental para crear una imagen sonora de los personajes [187] . Morricone es uno de esos compositores que son inmediatamente reconocibles para el oyente. La melodía del título de la imagen suena exótica, pero es difícil atribuirla a un entorno cultural específico. Es universal [188] . La solución melódica de la banda sonora de la película no puede llamarse vanguardista, contiene el patrón tonal habitual y la armonía diatónica . “Si empiezo en re menor, terminaré en re menor. La armonía debe ser simple y accesible para todos”, dijo el compositor [189] . También se utilizan algunos trucos de serialismo . En los temas suelen escucharse frases musicales cortas, una especie de "microserie", por una transición lógica entre frases, sin embargo, se aparta del dodecafonismo estándar , lo que permite hablar del uso del pseudo-serialismo en su trabajo. El sonido en algunos temas de la escala pentatónica enfatiza la originalidad del acercamiento del autor a la banda sonora, que utiliza algunas técnicas de la música pop [127] . La banda sonora de la película contiene una amplia variedad de instrumentos y su combinación [189] [190] poco característica de la música de cine . El compositor mezcla hábilmente instrumentos acústicos ( flauta , trompeta , guitarra acústica ), electrónicos ( guitarra eléctrica , órgano ) y la voz utilizada como instrumento [191] .

Las voces penetrantes de "El bueno, el feo y el malo" cambiaron el sonido de la música de cine. Este sonido estridente, descarado y rítmico era sorprendentemente diferente de las baladas populares de Tiomkin y los arreglos orquestales de Bernstein . Morricone se convirtió de repente en un maestro reconocido de la música occidental. Aunque posteriormente trabajó en otros géneros, su fama en el tema western le acompañará durante siglos.

Texto original  (inglés)[ mostrarocultar] Con sus gritos y gruñidos vocales, el tema The Good, the Bad and the Ugly pareció redefinir el sonido de la música de cine. Su sonido estridente, descarado y rítmico se apartó drásticamente del estilo folclórico de las baladas occidentales de Dimitri Tiomkin y de las exuberantes sonoridades de toda la orquesta de Elmer Bernstein. Morricone se convirtió repentinamente en el maestro establecido de la música de cine occidental y, aunque más tarde se expandiría a otros géneros, sus temas occidentales seguirían siendo su principal motivo de fama. — Lawrence McDonald [192]

La tonalidad principal (como en toda la trilogía) es Dm . Las pistas principales se interpretan en él, la imagen comienza y termina [193] . Hay cuatro temas principales en la película: el título "Titoli", "Il Tramonto" (La puesta del sol), "Il Forte" (El fuerte) e "Il Deserto" (El desierto). Son tonalmente opuestos entre sí. Así, "Il Deserto" se interpreta en A-dur , pero se opone al tema del título, interpretado en D-dur , el dominante de los cuales es A-dur. Así se consigue la oposición armónica y combinación de temas y posterior resolución a la tonalidad principal de re menor [194] . Cantada como un ostinato , con un crescendo gradual , la música aporta profundidad y coherencia al final largo (unos 5 minutos) manteniendo toda la atención del oyente [195] [196] . El motivo del final ("Trilo") se convierte en una generalización de las tres películas. La trompeta del mariachi mexicano de "Por un puñado de dólares" se puede escuchar aquí , así como la melodía del reloj de "Por unos dólares más" [8] .

El leitmotiv de todos los temas de la película es la composición homónima " El bueno, el feo y el malo ", que se ha convertido en la seña de identidad de Morricone, una de las melodías más reconocibles de la gran pantalla. Se basa en una frase de solo dos notas ( A  - D en la tonalidad de Dm). Jugando con la idea musical básica, usándola como exposición en la introducción y revelándola en la parte principal de la trama, acerca la solución musical de Morricone en la imagen a la forma sonata [197] . La melodía del título es también un retrato sonoro de cada uno de los personajes. Para Strelka, esto es una flauta soprano , para Sentenza, una ocarina , y voces masculinas, estilizadas como el aullido de un coyote, para Tuko [184] [198] [197] [~ 7] . La paradójica combinación de instrumentos ilustra la cooperación forzada y algo absurda de los héroes antagonistas. El uso de un tema musical por parte de los tres personajes principales habla de la comunidad de su moralidad. El estribillo constante de la melodía también es enfatizado por la repetición del chiste sobre "dos tipos de personas..." [199] . Característica es la escena en la que Sentenza aparece de repente en el cementerio y le lanza una pala a Tuko. La iniciativa está en sus manos: mantiene a dos oponentes a punta de pistola. Sin embargo, su música y su instrumento no entran, el tema principal lo toca aquí otro instrumento (órgano eléctrico) en registro más bajo. Luego, el espectador adivina inconscientemente que el héroe ya no tiene el control de la situación [200] . De igual forma, en la escena hotelera, Rubio y Tuco hacen una alianza temporal. El trato es confirmado por la banda sonora: sus temas se combinan [200] . Las herramientas también hablan por otros héroes. La pipa corresponde a la imagen general de los soldados de la Guerra Civil. La voz de soprano femenina es el símbolo del oro en el tema "L'estasi Dell'oro" ( El éxtasis del oro ). El cor anglais se utiliza como retrato de algunos personajes secundarios. También suena durante el viaje de tortura de Arrow a través del desierto [201] .

Siguiendo la lógica de los héroes y la conocida frase (palabras de Tuko: "Si vas a disparar, dispara, no hables"), hablar es una señal de la debilidad del héroe. En las pausas y silencios significativos de los personajes, la música sustituye al diálogo y habla por sí misma [202] [203] . El director no teme utilizar largas pausas con un completo silencio, que además realza la melodía cuando entra [204] . Los sonidos de origen natural -el crujido de las ruedas, el susurro de las botas en la arena- están tan inscritos en el lienzo de la película que solo enfatizan la tensión creciente [205] . Las melodías y sus arreglos en la película a menudo suenan como un sorprendente contrapunto al diálogo y los eventos de la trama [185] . La música también lleva un elemento de humor negro inherente a la imagen. La sentimental "La Storia de un Soldato", que ahoga los gritos del Tuco brutalmente golpeado, suena como un contraste irónico con los hechos en pantalla [206] .

Fuentes contemporáneas se refieren al trabajo de Morricone en El bien, el mal y el mal como una verdadera obra maestra de la música de cine, que tuvo una influencia significativa en su desarrollo [190] [198] . En el futuro, los temas de la película fueron muy populares entre los músicos de diferentes direcciones y estilos. En 2001, se muestreó en el sencillo debut de Gorillaz  " Clint Eastwood ". Metallica , desde 1984, suele abrir sus conciertos con la composición "The Ecstasy of Gold" [ 207] .  El álbum de John Zorn The Big Gundown ( en ) lleva una impronta evidente de la influencia de Morricone [208] . Quentin Tarantino aprecia mucho el talento de Ennio Morricone. Usó citas de la película de Leone en la película (" Kill Bill ") y colaboró ​​con él como compositor en sus otros trabajos [209] [210] . El acompañamiento musical de westerns producido por DEFA fue creado bajo la influencia de la música de Morricone, en particular - " Tecumze " [211] .

La influencia y el significado de la banda sonora de Good, the Bad and the Ugly se ha comparado con el Sgt. de los Beatles . Pepper , que apareció en el mercado americano en el mismo 1967. La popularidad de las melodías de Morricone al otro lado del océano ha sido comparada por los críticos con la famosa invasión británica que vino del otro lado del océano y cambió el rostro de la música popular [212] [213] .

Lista de pistas

Basado en el lanzamiento del LP el 29 de diciembre de 1967. Letra de "La historia de un soldado" de Tommy Connor

No. Nombreoriginal - traducción Duración
una. " El bueno, el feo y el malo (título principal)"Il Buono, Il Brutto, Il Cattivo 2:38
2. "La puesta del sol"Il Tramonto / Atardecer 1:12
3. "El fuerte"Il Forte / Fuerte 2:20
cuatro "El desierto"El Desierto / Desierto 5:11
5. "El carruaje de los espíritus"La Carrozza Dei Fantasmi / Carruaje Fantasma 2:06
6. MarciaMarcetta / marzo 2:49
7. " La historia de un soldado "La Storia Di Un Soldato / La historia de un soldado 3:50
ocho. "Marcia sin esperanza"Marcetta Senza Speranza / Marcha sin esperanza 1:40
9. "La muerte de un soldado"Morte Di Un Soldato / Muerte de un soldado 3:05
diez. " El éxtasis del oro "L'Estasi Dell'oro / Éxtasis dorado 3:22
once. "El trío (título principal)"Il Triello / Trío 5:00

Edición digital

Por primera vez, en 1998 se lanzó un DVD con una edición digital de la película con una duración de 161 minutos (según la versión de alquiler estadounidense). Una edición especial de 175 minutos fue lanzada en Italia [71] . En 2003, la película pasó a formato digital en una versión más completa. El patrocinador fue AMC [74] .

La película requirió restauración debido a la mala calidad de la imagen y al estado incompleto en comparación con la versión italiana. En el original, el video y la voz estaban mal sincronizados en algunos lugares (por ejemplo, la escena donde Tuko en la escena final sale corriendo hacia el centro del círculo en el cementerio). El archivista de MGM, John Kirk, en colaboración con Triage, encontró la película original en el archivo cinematográfico de la Cineteca Nazionale e imprimió una nueva versión del negativo de 35 mm de la película. Una característica de la tecnología Techiscope, en la que se filmó originalmente la película, es que dos cuadros se comprimen ópticamente horizontalmente en un cuadro de película. Las ópticas proporcionales del siglo XXI son muy superiores a las lentes de la década de 1960, por lo que se ha logrado una mejor calidad de imagen. Desafortunadamente, en algunas escenas, debido a la degradación irreversible de la película, no se logró la restauración. La escena de la tortura de Tuco en el campo de prisioneros de guerra en la versión original es 2,5 minutos más larga, pero no se pudo encontrar con una calidad satisfactoria ni siquiera en los archivos del estudio Cinecittà, y solo se incluyó en materiales adicionales [214] [8] .

También se volvieron a expresar nuevas escenas que aparecieron después de la restauración. La versión teatral estadounidense en 1966 estaba en la etapa de posproducción, primero recortada y solo luego expresada. John Kirk se vio obligado a recurrir a los servicios de Eastwood y Wallach. Las voces envejecidas no sonaban exactamente igual que hace 36 años. Incluso tuve que reproducirlos a mayor velocidad, ya que los actores hablaban lentamente. Simon Prescott ( en ) hizo la voz de Lee Van Cleef, quien murió en 1989. Tampoco se pudo encontrar una traducción completa al inglés del guión de 1966, por lo que se preparó una nueva traducción del italiano [74] [215] .

El sonido mono original se ha remezclado a Dolby 5.1 . Además, se han procesado algunos efectos de sonido (disparos, golpes , etc. ). El 10 de mayo de 2003, AMC emitió una versión restaurada de 178 minutos [214] . Fue lanzado en una nueva edición de DVD (2004) y una edición de Blu-ray (2009). Al evaluar la edición BD, los expertos señalaron problemas obvios con la calidad del video y el sonido. Los colores no son del todo naturales y los primeros planos a 1080p muestran el grano de la película . Una de las razones de la baja calidad de la transferencia podría ser que se filmó originalmente en una versión económica de la tecnología Techniscope en película de 35 mm [216] .

La restauración de la pintura en 2003 también resultó en una percepción más consistente de las escenas en términos de acompañamiento sonoro [113] . Uno de los temas musicales importantes aparece por primera vez en una de las escenas eliminadas, a saber, aquella en la que Tuko encuentra a sus tres hermanos. Después del lanzamiento de la versión completa de la película, junto con la escena con los hermanos, la secuencia de pistas en la película y en el álbum de la banda sonora se convirtió en la misma [71] . La escena de la reunión con los tres hermanos no se había incluido previamente en ninguno de los lanzamientos de DVD (3 minutos y 18 segundos) [71] . Tuko resulta ser un personaje más sensible y sentimental, no ajeno a los valores familiares [214] . La edición italiana contiene una serie de escenas y material musical, sin los cuales es difícil obtener una imagen completa de la película. Por lo tanto, los críticos recomendaron estudiar la película, si es posible, utilizando la edición italiana de la película. La escena eliminada (donde Sentenza encuentra el campamento confederado) contiene la pista "Il Forte", uno de los principales temas musicales de la película, y su ausencia interfiere con la percepción completa de la imagen . La escena reconstruida en la que Tuco contrata a los tres bandidos para matar al Pistolero explica de dónde procedía el trío de espuelas tintineantes en la posada [214] . Hay una pista que contiene el comentario completo de Richard Schickel a lo largo de la película. Los materiales adicionales incluyen una descripción de la restauración de la pintura, el estilo de Leone y los documentales de Leone's West, una historia entre bastidores y comentarios del equipo de filmación [218] .

El primer álbum LP de la banda sonora de la película fue lanzado en 1967 bajo United Artists Records , y los temas de la película se hicieron populares de inmediato. Una versión interpretada y grabada con la Orquesta de Hugo Montenegro , alcanzó el número 4 en la lista Billboard Hot 100 . Un sencillo con el tema principal, grabado con la misma orquesta, alcanzó el número 2 en el Billboard Hot 100. El crítico de Allmusic Richie Antenberger señaló que este era un caso raro cuando, en el apogeo de la música rock, una banda sonora instrumental llegó a la cima. posiciones en los gráficos [ 219] [220] . La versión en CD (copia del disco LP, sello EMI ) se lanzó por primera vez en 1985. Una versión extendida y remasterizada fue lanzada en 2004 por Capitol Records [221] . Sin embargo, incluso la versión extendida de 59:30 no incluye la banda sonora completa de la película [198] [222] .

Comentarios

  1. ↑ Esto se indica en la escena de "Por unos dólares más" después del atraco al banco, la persecución de Monk por parte del coronel Mortimer y la adquisición del poncho del héroe Clint Eastwood, que fue su tarjeta de presentación en las dos primeras películas.
  2. ↑ La traducción al ruso de frases y lugares de la película se da según el texto de Alexei Mikhalev .
  3. ↑ En italiano, los significados de las palabras brutto y cattivo son cercanos. "Brutto" está más cerca de: malo , feo ; "cattivo": malo , vil , que añade ambigüedad a la interpretación de la traducción.
  4. ↑ En todas las películas de la trilogía, los personajes de Eastwood tienen apodos (en la primera película , Joy , en la segunda, One-Armed ( Manco )).
  5. ↑ La película italiana usa el dicho "cuando alguien está hablando, es poco probable que te dispare".
  6. ↑ La tumba de Arch Stanton, que los personajes buscan en el episodio final, tiene como fecha de muerte el 3 de febrero de 1862.
  7. ↑ Se utilizó el mismo instrumento, flauta y técnica como retrato del personaje de Eastwood en la imagen anterior de la trilogía.

Notas

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Literatura

Extranjero

de habla rusa

Enlaces

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