20.000 leguas de viaje submarino (película, 1954)

La versión actual de la página aún no ha sido revisada por colaboradores experimentados y puede diferir significativamente de la versión revisada el 16 de julio de 2022; las comprobaciones requieren 6 ediciones .
20.000 leguas de viaje submarino
20.000 leguas de viaje submarino
Género drama , steampunk , película de aventuras
Productor Richard Fleischer
Productor walt disney [~1]
Establecido Veinte mil leguas de viaje submarino [1]
Guionista
_		 Conde Felton
Protagonizada por
_		 James Mason , Paul Lucas , Kirk Douglas , Peter Lorre
Operador franz cepillador
Compositor Paul Smith
diseñador de producción Émile Coury [d] [2]
Empresa cinematográfica Producciones de Walt Disney
Distribuidor Distribución Buena Vista
Duración 127 minutos
Presupuesto $ 5 millones
Tarifa $17,440,000
País  EE.UU
Idioma inglés
Año 1954
IMDb identificación 0046672
 Archivos multimedia en Wikimedia Commons

20.000 leguas de viaje submarino ( ing.  20.000 leguas de viaje submarino ) es una película de ciencia ficción de 1954 basada en la " novela del mismo nombre " [~ 2] del escritor Julio Verne , dirigida por Richard Fleischer. Reconocido como uno de los mejores logros de Disney en acción, aventura y steampunk . La imagen ganó dos premios Oscar . El primer largometraje de Walt Disney Studios , rodado en el nuevo formato anamórfico CinemaScope [3] [4] .

La imagen fue recibida calurosamente por la crítica y el público. La película marcó el avance de Walt Disney Studios en un nuevo mercado de largometrajes. El proyecto más caro en ese momento para el estudio, que requirió importantes inversiones en la creación de nuevas instalaciones de producción y contratación de personal. Posteriormente, la configuración de la pintura proporcionó la base para los paseos populares en la cadena de parques de diversiones Disneyland .

Trama

La película está ambientada en 1868. El gobierno de Estados Unidos está preocupado por los rumores de ataques a barcos por parte de un misterioso monstruo marino en el Pacífico Sur . Los marineros se niegan a zarpar. El profesor francés Pierre Aronnax y su sirviente Conseil, de camino a Saigón , se detienen en San Francisco . Están invitados a participar en el viaje del barco "Abraham Lincoln", equipado para buscar al monstruo.

En el camino, el profesor y su sirviente conocen al sociable arponero Ned Land. Después de largos días de búsquedas infructuosas, un barco estadounidense se encuentra con un monstruo marino desconocido que embiste al Abraham Lincoln y lo envía al fondo. Aronax, Conseil y el arponero Ned Land sobreviven milagrosamente y caen sobre el objeto que los atacó. Resulta ser el submarino Nautilus , una maravilla tecnológica para su época. El capitán del submarino, que se hace llamar Nemo, accedió a dejar a los cautivos a bordo. Comienza un largo viaje, durante el cual el profesor y sus amigos, en contra de su voluntad, se convierten en miembros del equipo. Ned Land, durante el trayecto, no deja de intentar escapar y al mismo tiempo intenta apoderarse de los tesoros del fondo marino y descubrir las coordenadas de la base secreta del submarino. El profesor Aronnax se acerca al capitán y continúa con su investigación científica. Durante la ascensión y visita a la isla de los caníbales, Land y Conseil intentan escapar, pero fracasan. El excéntrico capitán Nemo, que ha hecho de su barco un arma de represalia, desafía a la civilización. Más de una vez, el equipo está en peligro, durante un ataque a buques de guerra de otros países y un ataque de un pulpo gigante que intentó destruir el submarino. Lend aún logra enviar un mensaje en una botella desde un submarino , donde se indicaban las coordenadas de la base secreta de Nemo en la isla de Vulcania.

Al final, el Nautilus regresa a su base secreta. Resulta que la isla fue capturada por unos barcos de guerra. Las tropas aterrizan en la isla y abren fuego contra el submarino. El Capitán Nemo herido se niega a rendirse. Con una poderosa explosión, destruye la base junto con los invasores y hunde el Nautilus, hundiéndose en el abismo junto con el resto del equipo. Aronnax y sus amigos logran escapar en un bote. El profesor lamenta no haber podido salvar su revista científica.

Reparto

Actor Role
james mason capitán nemo capitán nemo
pablo lucas Pedro Aronax Pedro Aronax
kirk douglas tierra de ned tierra de ned
Pedro Lorre consola consola
Robert Jay Wilkie Starpom en el Nautilus Starpom en el Nautilus
Ted de Corsia capitán faragut capitán faragut
carlton joven Juan Howard Juan Howard
José Kerrigan Porra Porra
lori mitchell una de las chicas de Ned Land una de las chicas de Ned Land (sin acreditar) [5]

Equipo de filmación

Trabajar en la pintura

Antecedentes

The Walt Disney Company a principios de la década de 1950 se encontraba en un período de grandes cambios y estaba trabajando en varios proyectos a gran escala a la vez. Financieramente, el momento era difícil para la empresa, la crisis de la posguerra afectó a toda la industria cinematográfica estadounidense y no pasó por alto a Walt Disney. En este punto, la gerencia toma la decisión estratégica de invertir fuertemente en una nueva dirección: los parques de diversiones. También era necesario responder adecuadamente al desafío tecnológico: la difusión de la televisión. En 1954, ABC tenía programado emitir su primera serie de televisión , Disneyland [7] . En el mismo año, se planeó comenzar a trabajar en el próximo proyecto de animación " La bella durmiente ", con un presupuesto de seis millones [8] [9] .

A principios de la década de 1950, con la difusión del cine en color, el género de la ciencia ficción comenzó a ganar cada vez más popularidad en las pantallas . Cintas como " Invasion of the USA ", " Destination Moon " y " War of the Worlds " atrajeron a la audiencia y recolectaron una buena taquilla. La gerencia del estudio de Walt Disney llegó a la conclusión de que es necesario crear la imagen de un estudio de cine que se mantiene al día y se encuentra entre los primeros en introducir innovaciones en la industria. Así que se tomó la decisión de crear una imagen de ciencia ficción, utilizando las características avanzadas del cine [10] .

A la hora de elegir el material, los productores tuvieron que enfrentarse a un dilema. La audiencia se sintió atraída por los géneros de películas de terror y desastres, que no encajaban del todo con el enfoque característico del estudio en la visualización de la familia y los niños [11] . Las obras de Julio Verne , como base literaria del guión, según Walt Disney , encajan aquí lo mejor posible [12] . Desde la década de 1940 se ha planeado una adaptación cinematográfica de una de las novelas de la serie Viajes extraordinarios . Inicialmente se supuso que la imagen sería animada. Sin embargo, tras una exitosa experiencia con películas de tan bajo presupuesto como La isla del tesoro y La espada y la rosa , la dirección del estudio se inclinó por la opción de los largometrajes y eligió la novela Veinte mil leguas de viaje submarino como base literaria . En 1952, Disney logró comprar los derechos cinematográficos, que originalmente eran propiedad de MGM y luego de King Brothers Productions [13] .

Preparación

Walt Disney ha estado familiarizado durante mucho tiempo con el trabajo de Richard Fleischer. El director, en colaboración con el guionista Earl Felton, creó varias obras memorables de comedia y cine negro a principios de la década de 1950 , en particular, Lucky Time , aclamada por la crítica . Además, Fleischer era uno de los pocos directores que tenía experiencia en cine panorámico , y así veía el productor la futura película [14] . Entre otras cosas, Disney conocía bien al padre de Fleischer como su principal competidor en la década de 1930 en la lucha por el mercado del cine de animación [4] [15] . Richard, habiendo recibido una oferta de trabajo, incluso decidió preguntarle a su padre si tenía alguna objeción a su participación en tal proyecto, y Max Fleischer inmediatamente dio su bendición [16] . Lo primero que hizo Disney fue mostrarle a Fleischer un boceto de un submarino con un pulpo gigante entre sus tentáculos y decirle: "Quiero que dirija esta película " . El 1 de abril de 1953, Fleischer se convirtió en empleado de Walt Disney en la nómina [18] .

Inicialmente, el presupuesto de la película se estimó en alrededor de $ 2,5 millones. Una autoridad importante que tomó la decisión de lanzar la película a la producción fue el presidente de la compañía Roy Disney , quien a menudo se mostró muy escéptico ante las audaces empresas de su hermano menor . . Sin embargo, inesperadamente para Walt, inmediatamente se convirtió en partidario del nuevo proyecto y lo apoyó por completo [19] . El artista del cuadro Harper Goff recordó las palabras de Walt Disney

Harper, mi hermano y yo invertimos todo el dinero que hemos ganado en nuestras vidas en esta estúpida pintura.

Texto original  (inglés)[ mostrarocultar] Harper, todo el dinero que mi hermano y yo hemos ganado en nuestras vidas está relacionado con esta estúpida foto. — [20]

La etapa preliminar de producción comenzó en el verano de 1952. El primer borrador del guión lo escribió John Battle y estaba orientado a una película de 4 horas, que no encajaba en los planes del estudio. Earl Felton revisó y redujo el guión a unas dos horas. Felton y Fleischer, adaptando el texto, llegaron a la conclusión de que las traducciones disponibles de la novela de Verne al inglés no son lo suficientemente adecuadas y se centraron en la versión original en francés. Se prestó una atención considerable al personaje central, que ha cambiado en comparación con el "libro" Nemo. Se convirtió en un héroe más negativo y agresivo. Si el capitán de Vern solo se defiende, entonces el Nemo de Felton prefiere atacar primero al enemigo, y lo hace sin piedad. Walt Disney supervisó el proceso de preparación del guión e hizo correcciones. Quería crear, si es posible, una película para niños. La historia con la foca domesticada Esmeralda fue exactamente su idea. La preparación del guión finalizó el 25 de septiembre de 1953 [18] . Incluso antes de que se terminara el texto, se entregó el guión a los diseñadores de producción, quienes crearon un guión gráfico basado en él a partir de unos 1300 bocetos [4] .

El rodaje estaba previsto que tuviera lugar en el estudio principal de Burbank . Para un proyecto a gran escala, se necesitaban inversiones adicionales. Especialmente para las próximas filmaciones, se erigió el pabellón No. 3, en el cual se construyó un tanque de agua con dimensiones de 18 por 38 metros, y una profundidad de 1 a 3,5 metros. El pabellón le costó al estudio $ 300 000. Sin embargo, la capacidad de producción del estudio, que había trabajado relativamente recientemente en el mercado de largometrajes, todavía no era suficiente y tuvo que pedir prestado espacio y equipos adicionales de otros estudios [21] . Faltaba estudio y personal. Disney comenzó a robar activamente empleados de los competidores. Estos traslados no se tramitaron adecuadamente por falta de tiempo y la empresa tuvo grandes problemas con los sindicatos. Algunos empleados ni siquiera estaban registrados para trabajar y esta fue una de las razones por las que el artista Goff nunca fue mencionado en los créditos de la imagen, y John Meehan figuraba como diseñador de producción (también dejó Paramount Pictures por un nuevo trabajo) [20 ] .

Diseño del Nautilus

Un miembro clave del equipo fue el artista Harper Goff , conocido por su trabajo en las pinturas "La odisea del Capitán Blood ", " Casablanca ", " Algo de otro mundo " y otras. Goff y Disney eran ávidos coleccionistas de maquetas de trenes en miniatura y se conocieron en una tienda de maquetas en 1952 [18] . Como resultado, Disney lo sacó de Warner Brothers ofreciéndole un trabajo en el diseño del primer parque de la cadena Disneyland . Luego, en 1952, se incorporó al trabajo sobre la futura película, convirtiéndose en autor de los elementos más importantes del concepto artístico [4] .

Goff preparó los bocetos de diseño iniciales del Nautilus para la versión animada. Creando la apariencia de un submarino, Goff se encontró en una situación controvertida. Por un lado, el submarino debía corresponder al prototipo literario y al espíritu del siglo XIX. Por otro lado, tenía que parecer bastante moderno en el siglo XX. Por lo tanto, Goff no comenzó a agregar un periscopio al Nautilus y otras armas que no fueran un ariete y descargas eléctricas. Al principio, Walt Disney no quería florituras y se inclinó por la variante con un casco de barco estrictamente cilíndrico, como fue el caso del propio Julio Verne [18] . Sin embargo, Goff logró convencer a la gerencia de que una versión más extravagante con un cuerpo similar al cuerpo de un pez o un cocodrilo se vería más espectacular [4] . El artista también tuvo en cuenta el hecho de que el submarino tenía que parecerse a un ser vivo desde lejos. Por lo tanto, el "Nautilus" tenía una característica " aleta dorsal " y ojos de buey similares a "ojos" [18] .

Al crear la decoración de interiores, el artista, como él mismo lo expresó, profesó el principio: no hay nada más efectivo que una combinación de acero frío y lujo elegante . La magnífica decoración del salón quedaba realzada por los instrumentos y mandos de la nave de cristal y metal colocados por doquier. La originalidad del interior se complementó con la disposición del órgano , en el que, en el transcurso de la acción, toca el Capitán Nemo. El salón del Nautilus impresionó tanto a Walt Disney que le pidió al artista que diseñara posteriormente la oficina de Disney .

Efectos especiales

La película se rodó con cámaras Mitchell de 35 mm y la entonces nueva tecnología de película en color Cinemascope Technicolor [22] . La primera película se hizo en base a ella en 1953, y solo había una lente anamórfica correspondiente en el mundo . El estudio tuvo que pedirlo prestado a XX Century Fox , y el proceso de filmación se prolongó hasta que finalmente estuvo disponible un segundo archivo adjunto [23] . Hasta ese momento, fue necesario recurrir a trucos tecnológicos para no detener el proceso de filmación. Para algunas escenas, se hicieron modelos en miniatura con proporciones alteradas (estiradas verticalmente) para que pudieran reproducirse en un cine en una proporción normal [~ 3] [24] . Si antes era típico un fotograma con una relación de aspecto de 1,33:1, en la nueva película era de 2,55:1. El personal de producción tuvo que volver a capacitarse sobre la marcha para un nuevo estilo y la construcción de una puesta en escena en un marco más amplio [14] .

Para los efectos especiales de la película, el famoso especialista Ralph Hammeras y Bob Matthey fueron los responsables. Se utilizaron los efectos clásicos de su época, en particular el rodaje de "paisajes" o "naturaleza" pintados sobre vidrio. Así fue filmada la escena con la isla de Vulcania [25] . Se filmaron escenas de batallas navales utilizando modelos a escala del Nautilus, barcos y algunas criaturas [18] .

Al crear modelos, los diseñadores se guiaron por el hecho de que la longitud "real" del submarino en el marco será de unos 60 metros y un ancho de hasta 8 metros. Se prepararon varios modelos de Nautilus para el rodaje: desde 40 cm hasta 6 metros. Se gastaron alrededor de $ 250,000 solo en la construcción de modelos de submarinos [23] . Para lograr una mayor confiabilidad, se necesitaba una réplica muy detallada del barco "Abraham Lincoln". Para reproducir otros barcos que el Nautilus encontró en el camino, se utilizaron modelos más toscos. La escena del encuentro con tiburones requirió la producción de tres modelos de tiburones que tenían hasta 6 metros de largo. Los modelos móviles de Nautilus funcionaban con energía eléctrica y baterías. Los modelos de tiburones fueron puestos en movimiento por buzos que tiraron del "tiburón" por un cable [26] . Un incidente ocurrió durante el rodaje. El equipo capturó un tiburón nodriza de unos 2,5 metros de largo. La idea era utilizar el cadáver del tiburón para filmar el episodio. Ella quedó aturdida y dejada en la cubierta del barco. Al día siguiente, la bajaron al agua con una cuerda y el operador la siguió. De repente, en el agua, el tiburón cobró vida y se fue a la profundidad, tirando del operador. Todavía logró desatar la cuerda y escapó con daños menores en los tímpanos y una cámara de cine [18] .

La escena del ataque del acelerado "Nautilus" frente al ariete fue filmada en la piscina del pabellón N° 3, sobre una maqueta de un submarino de unos 6 metros de largo. Para mayor realismo, se utilizaron tomas de ritmo rápido (50 fotogramas por segundo). La animación en algunos cuadros se agregó mediante pequeñas inserciones de animación dibujada a mano (peces nadando más allá del ojo de buey, descargas eléctricas en el casco del barco) [18] .

La escena del pulpo

Técnicamente, la escena más difícil fue la pelea con un pulpo gigante. Para ella se creó un molusco relleno mecánico, de más de una tonelada, controlado por cables e hidráulicos , por varias decenas de operarios. Fue construido de acuerdo con imágenes ampliadas de calamares reales, pero los tentáculos eran aproximadamente el doble de largos, hasta 12 metros. En proporción real, parecían demasiado cortos. Diseñado por Bob Matthey, el escultor Chris Möller supervisó la construcción [21] .

El ataque se filmó originalmente en un clima tranquilo al atardecer. Walt Disney, que monitoreaba constantemente el progreso de la filmación, revisó los materiales preliminares y ordenó que todo se volviera a filmar de inmediato, ya que la escena, en su opinión, era demasiado poco natural. Los cables que controlaban los tentáculos eran visibles en la pantalla, y la acción claramente carecía de dinamismo. Otro problema era que los tentáculos estaban hechos de material tejido, que rápidamente se mojaba y se volvía demasiado pesado. Fleischer advirtió que es poco probable que con los medios disponibles se pueda revivir el material, el pulpo seguirá pareciendo falso. Sin embargo, Disney se salió con la suya [26] . Ordenó seguir trabajando en los siguientes episodios y contrató a otro ayudante de dirección, James Havens, que sólo se ocupó de la preparación de esta escena. Se reconstruyó el diseño mecánico del pulpo. Los tentáculos y el cuerpo estaban hechos de una estructura de metal, caucho y lana de vidrio ; se le añadió un actuador neumático . Esta decisión resultó ser muy exitosa: al suministrar aire al tentáculo, fue posible lograr el efecto deseado. El tentáculo se enderezó, se retorció hacia atrás y pudo "agarrar" a una persona. La escena se volvió a filmar por completo al final del programa de producción, en el marco de una violenta tormenta y una noche. Para simular una tormenta, se instalaron ventiladores y cañones de agua en el estudio. La nueva filmación le costó al estudio $200,000 adicionales [27] [~ 4] .

Producción

Un equipo de actores participó en la filmación, estrellas de primera magnitud: James Mason , Kirk Douglas , Peter Lorre  , por primera vez en la práctica del estudio de Disney. El salario de Douglas por 12 semanas de rodaje fue de 175.000 dólares , la mayor cantidad pagada por la compañía a un actor [20] . Charles Boyer había hecho previamente una audición para el papel del profesor Aronnax , pero terminó yendo a Paul Lucas . James Mason, que anteriormente se había especializado principalmente en papeles negativos, inicialmente rechazó el papel de Nemo. Pensó que no era el tipo adecuado para un papel en una película infantil, pero estaba convencido de lo contrario .

Después de un año de preproducción, la producción debía comenzar en enero de 1954. Antes de eso, fue necesario elegir un lugar para filmar al aire libre y decidir cómo se llevaría a cabo técnicamente la filmación bajo el agua. Fred Zendar, conocido por cintas como " Reap the Storm ", " Creature from the Black Lagoon ", estuvo involucrado en la gestión del trabajo bajo el agua. En el otoño de 1953 tuvo lugar el primer rodaje. En el pabellón 3 y la piscina grande, solo se filmó una escena de prueba en su totalidad: la secuencia en la que Ned y Conseil encontraron un cofre del tesoro en el fondo. El equipo sondeó los problemas técnicos que habría que solucionar. Era necesario resolver el tema del vestuario y equipamiento para filmaciones submarinas [18] .

Al crear los "trajes de buceo" del equipo de Nemo, los creadores de la imagen tuvieron que ingresar a un territorio desconocido. A principios de la década de 1950, solo existían dos tecnologías para una larga estancia de una persona bajo el agua: usar un kit de buceo y usar equipo de buceo . Goff, mientras diseñaba el disfraz, pensó que sería una buena idea combinar los dos. En la cabeza de una persona bajo el agua, coloque un casco de buceo e inyecte aire desde un cilindro de buceo dorsal. Los expertos, sin embargo, han estimado que no es realista llevar a cabo tal cosa. La presión y el suministro de aire en un cilindro estándar no son suficientes para suministrar suficiente aire a un casco de buceo durante un período prolongado de tiempo mientras se dispara la toma. Además, el regulador de aire de buceo estándar no estaba diseñado para tal uso y la inmersión se volvió peligrosa. Entonces el diseñador de producción decidió partir de la opción de buceo. Se decidió que un casco de los pescadores de perlas japoneses, de tamaño relativamente pequeño y con una apariencia peculiar, se colocaría en la cabeza de un buzo. El casco se modificó aún más para adaptarse al estilo victoriano [22] . Se colocaba un tubo con una boquilla para respirar debajo del casco (el agua entraba dentro del casco) y los cilindros se colocaban debajo del traje [28] . Para la tela del traje se utilizó goma delgada, que se ajustaba bien al cuerpo del buzo, lo que también distinguía mucho al traje del kit de buceo habitual. En noviembre de 1953, los trajes de buceo se probaron con éxito en la piscina, después de lo cual comenzó la búsqueda de un lugar adecuado para filmar. En esta capacidad, se descubrió una bahía poco profunda con agua clara en las Bahamas, en la ciudad de Liford Cay ( Nueva Providencia ). El rodaje se realizó a no más de 9 metros de profundidad para tener una buena iluminación y no hubo problemas de descompresión [18] .

El 11 de enero de 1954 comenzó el rodaje en exteriores. La primera secuencia que se filmó fue la escena del funeral bajo el agua. Solo esta escena requirió 8 días de filmación. El equipo submarino incluía a 33 personas y para un trabajo exitoso con luz natural, era necesario colocar una lona que cubriera un área grande para no levantar polvo del fondo. Para una gestión más precisa de la filmación, el director de la película también tuvo que bucear. Durante enero-marzo, se filmaron la mayoría de las escenas al aire libre (en tierra y bajo el agua) de la película [18] .

El 10 de marzo de 1954, justo después del final de la fase de ubicación, Fleischer continuó trabajando en el pabellón con la escena de la pelea de calamares. De marzo a junio de 1954, el rodaje tuvo lugar en el pabellón. Para episodios individuales, el equipo volvió a viajar a la naturaleza. Para la escena en la que los personajes suben por primera vez a bordo del Nautilus, tuvieron que recurrir a la ayuda de la Marina de los Estados Unidos. Esta parte del rodaje tuvo lugar en la bahía de San Diego . El episodio filmó un submarino diésel real USS Redfish (SS-395) , en cuya cubierta se instaló una "aleta dorsal" [~ 5] . Aquí se filmó un episodio de cómo el profesor Aronax y sus compañeros se suben al Nautilus por primera vez, y algunas escenas más. Volcán y carga en el campamento de mercenarios fue filmado parcialmente en Death Valley (California). El trabajo se completó el 19 de junio de 1954 con la filmación submarina del galeón del tesoro [18] . La escena del ataque del calamar tuvo que volver a filmarse por completo una segunda vez. Debido a esto, la producción de la película se retrasó otras seis semanas y los creadores no cumplieron con el calendario previsto de estreno y alquiler, pero Disney corrió con todos los gastos [29] .

Liberación por contrato

La fase de postproducción tuvo lugar en agosto-septiembre de 1954. El editor de la película, Elmo Williams recordó que el primer borrador de la película tuvo una duración de unas 3 horas. Luego, la imagen incluía escenas asociadas con una visita al Polo Sur , la Atlántida y un descenso a una cuenca súper profunda, pero durante la edición en la última etapa fueron eliminadas [18] .

El compositor Paul Smith, especialista del personal de Walt Disney, que escribió la música para películas animadas famosas (" Bambi ", " Pinocho ", " Blancanieves y los siete enanitos ") trabajó en la banda sonora. Como era costumbre en el estudio, comenzó a escribir música cuando la mayor parte del material ya había sido filmado y era posible concentrarse en el material terminado [18] .

En 1953, se creó una división especial de la firma Buena Vista para organizar el alquiler de pinturas de estudio . Disney, dada la difícil situación financiera del estudio, no quiso compartir los ingresos con las distribuidoras, que se quedaron con hasta el 30% de lo recaudado, y consideró conveniente tomar el proceso en sus propias manos. Una de las primeras películas lanzadas para su distribución por Buena Vista fue 20.000 leguas de viaje submarino [29] .

El lanzamiento de la imagen en las pantallas estuvo acompañado de una campaña publicitaria a gran escala. El 8 de diciembre de 1954 se estrenó en las pantallas de televisión el documental de una hora de duración "Operation Undersea" ("Operación submarina"). De hecho, era una especie de tráiler de "20.000 leguas...", pero la película adquirió un sentido independiente. Recibió altas calificaciones de la agencia Nielsen e incluso ganó un premio Emmy . También se lanzaron cómics, una línea de moda, juguetes mecánicos y otros productos relacionados con fines promocionales [30] [31] .

El 9 de diciembre tuvo lugar el primer preestreno en el Astor Cinema (Nueva York). El estreno tuvo lugar el 23 de diciembre, en Nochebuena, en 60 pantallas. El cuadro "20.000 leguas..." fue el primer éxito comercial significativo de Richard Fleischer, gracias al cual se ganó el prestigio de uno de los principales directores [15] . Para Walt Disney Studios, la película resultó ser el proyecto de mayor presupuesto en ese momento. El presupuesto de la película fue de unos 4,3 millones de dólares, pero teniendo en cuenta la campaña publicitaria, se estima en 9 millones de dólares. dólares En la taquilla anual de 1955, la imagen ocupó el cuarto lugar en el mercado interno de EE. UU. [32] [6] [33] .

Durante la ceremonia de los 27 Premios de la Academia, la película se adjudicó dos estatuillas, con participación en tres nominaciones. En la lucha por el premio a los mejores efectos especiales, la imagen "20,000 leguas ..." se ganó a los competidores con elementos fantásticos similares en la trama. Pintura " ¡Ellos! ( Warner Bros. ) describió las consecuencias de las pruebas de armas nucleares. El drama " Hell in Open Water " (XX Century Fox) estuvo dedicado al trágico desenlace de la Guerra Fría . La imagen tenía una trama y un final similares: las aventuras de un submarino y una explosión atómica en una isla lejana [18] . El "Oscar", como era costumbre entonces en el estudio, no fue recibido por los intérpretes directos, sino personalmente por el director de la compañía, Walt Disney. En su discurso, sin embargo, mencionó a todos aquellos cuya contribución a la creación de la imagen fue la más significativa. Cuando se le preguntó a Harper Goff si estaba preocupado por esto, dijo: “ Todo el mundo ya sabe quién es el autor de los efectos especiales. La academia me envió la estatuilla de todos modos. Sin firmar" [18] [34] .

Calificación

Reconocimiento e importancia

El trabajo de Fleischer ha sido aclamado como una de las mejores adaptaciones de una novela de Julio Verne y un clásico steampunk en la pantalla . 20.000 leguas es un excelente ejemplo de cine familiar, las películas de Walt Disney de los años 50 y 60, contrastadas con la violencia y el gore en pantalla a los que recurrían cada vez más otros estudios cinematográficos del país [36] . Después de su lanzamiento, la gerencia del estudio Walt Disney gradualmente tomó la decisión de cambiar la estrategia. Desde la década de 1950, los largometrajes y los documentales, a diferencia de la animación, han formado una cartera importante y, desde la década de 1960, han llegado a dominar la línea de productos del estudio. Las imágenes de juegos con un presupuesto comparable pasaron por el ciclo de producción mucho más rápido y generaron ingresos relativamente buenos [37] . El desarrollo de la tecnología Cinemascope permitió que el siguiente proyecto de animación costoso, La dama y el vagabundo , se lanzara en un nuevo formato [14] .

El tiempo y el sentimiento político tuvieron un impacto significativo en la atmósfera de la imagen. A pesar de que su trama, en general, es muy cercana a la novela de Verne, muchos elementos remiten al espectador a las realidades del siglo XX. Los críticos notaron una clara alusión al hecho de que el Nautilus en la película es impulsado por energía atómica , aunque la mención de esto no corresponde al siglo XIX de ninguna manera [~ 6] . En la película, el Nautilus muere trágicamente a instancias del capitán. Este final fue inusual para una película para niños. El final trágico de la imagen con una terrible nube en forma de hongo sobre Vulcania recordó claramente al espectador las recientes pruebas de armas atómicas en el atolón Bikini [38] . Un estado de ánimo tan pesimista en una película de un estudio dirigido a niños y familias es inusual, pero resultó ser cercano a la audiencia. El estado de ánimo de la década de 1950, cuando Estados Unidos aún no se había recuperado de la guerra mundial y estaba inmerso en una carrera armamentista, también influyó en el cine [10] . Algunas fuentes incluso calificaron el final de las "20.000 leguas..." como apocalíptico [39] [10] . En 1977, el final de la película se reprodujo en The Spy Who Loved Me . El desenlace con el tema de la Guerra Fría que se desarrolló en la base de submarinos Atlantis remitió claramente a los espectadores al tema de la película de Disney [40] .

Los temas y decorados de la película siguieron generando beneficios para la empresa mucho después de su estreno. Ha habido varios cómics basados ​​​​en la película. En particular, la serie lanzada por Dell Comics [41] ha ganado notoriedad . Los modelos de submarinos en miniatura eran muy populares y los diagramas de ensamblaje se publicaban regularmente en revistas de modelos de barcos [42] . Uno de los modelos de tamaño completo del Nautilus, los fondos y algunos otros escenarios, después de que terminó la filmación, migró al primer parque de diversiones de Disneyland en Anaheim , que se inauguró en 1955 . Esto se debió en parte al hecho de que al crear el parque, tuvieron que ahorrar en todo, y la capacidad de usar escenarios prefabricados se convirtió en una optimización de costos [43] . El paisaje se convirtió en parte de una de las atracciones más populares, en la sección Tomorrowland del parque, que funcionó hasta 1964. El modelo Nautilus, que podía bucear con pasajeros a bordo en las décadas de 1970 y 1990, fue una de las atracciones más populares en los parques de atracciones de Disneyland [18] [44] .

Los especialistas están ocupados pintando y luego resultaron estar en demanda en su especialidad. Harper Goff colaboró ​​además con Fleischer y lo ayudó a crear el personaje del "microsubmarino" en Fantastic Voyage . El trabajo de Bob Matthey en efectos especiales le permitió ganar un gran prestigio entre sus colegas. Fue Steven Spielberg quien lo atrajo para crear el modelo de tiburón en la película " Tiburón " [45] . En 1961, al actor James Mason le ofrecieron volver a interpretar el papel de Nemo en la película " Mysterious Island ", pero él se negó [18] .

El éxito de la imagen dio lugar a imitaciones e incluso a la moda de la adaptación de Julio Verne, cuyo número ha aumentado significativamente. En los años siguientes, películas como " La vuelta al mundo en 80 días " ( United Artists , 1956), " De la Tierra a la Luna " ( RKO , 1958), " Viaje al centro de la Tierra " ( Fox , 1959 ) fueron liberados. Intentaron continuar con el tema en el estudio de Disney. En 1962, se filmó la película " Children of Captain Grant " (en otra traducción - "En busca de los náufragos"). A pesar de la perfección técnica, la película no tuvo mucho éxito entre el público [18] .

Crítica

La película recibió críticas en su mayoría positivas [46] [47] [48] . Los críticos notaron en primer lugar los efectos visuales y el escenario, gracias a los cuales la imagen aún se ve bien después de cincuenta años. Los detalles reflexivos de la historia llaman la atención: la apariencia y el interior de las instalaciones de Nautilus, el diseño de trajes submarinos. La revista Variety destacó, además del impresionante diseño del submarino, y las coloridas escenas submarinas [46] . Al mismo tiempo, las posibilidades de la tecnología Cinemascope, según el crítico del New York Times Bosley Crowther , no se aprovecharon por completo [49] .

La espectacular escena del ataque del pulpo, otros efectos especiales hacen que 20.000 Leguas destaquen en una serie de fantásticas películas de serie B. El repertorio de los cines se llenó entonces con películas como "La bestia desde una profundidad de 20.000 brazas " y " Ellos! ”, explotando la trama estándar de una catástrofe atómica y un monstruo de las profundidades del océano [17] . 20,000 Leagues comienza de manera bastante inocente, con escenas de aventuras estereotipadas, pero gradualmente la trama se mueve hacia áreas atípicas para el género. La imagen del "Nautilus" en la lucha contra el pulpo monstruoso generado por la naturaleza y la civilización se convirtió en un regalo del cielo de los creadores, recibido positivamente tanto por la audiencia como por la crítica. Aquí, el equipo creativo logró hacer frente a la contradicción inherente a la trama y, además, les hizo el juego. El tema del peligro de las innovaciones tecnológicas que pueden terminar en las manos equivocadas se transmitió cuidadosamente de la fuente literaria a la pantalla. El crítico Robert Ring señaló que el tono "inocente" del guión suavizó el contexto moralmente ambiguo de la imagen . Contrastar las posibilidades de los siglos XIX y XX no estropeaba la trama y parecía bastante ventajoso [10] .

La ambigüedad moral es el mensaje principal de la película. La acción submarina es un escape de la sociedad y sus valores éticos habituales, para que podamos observar un mundo libre de las exigencias de las civilizaciones. La imagen no es solo una aventura, es una aventura moral.

Texto original  (inglés)[ mostrarocultar] Esta incertidumbre moral es el punto de la película. Teniendo lugar bajo el mar, se trata de escapar de la sociedad y sus nociones éticas convencionales para que podamos ver el mundo libre de demandas y expectativas de la civilización. La película no es solo una aventura literal, es una aventura moral... — Roberto Anillo [50]

Un análisis de la imagen reveló una división no muy tradicional de héroes en buenos y malos. La interpretación de la imagen del Capitán Nemo es tal que se acerca más a la imagen del villano principal, pero su figura como vengador resulta atractiva para el espectador. Por un lado, se le representa como un loco, a quien los cautivos del barco llaman asesino. La escena en la que Nemo toca la tocata y la fuga en re menor de Bach es una cita directa de la película El fantasma de la ópera , en la que el villano principal también toca el órgano [51] . Sin embargo, la imagen de Nemo está lejos del cliché de "científico loco" común en la basura de ciencia ficción de la época [52] . El personaje de Ned Land, que demuestra abiertamente la codicia y la indiferencia, también es ambiguo, aunque salva a Nemo de la muerte en un episodio clave. La descripción de la tragedia de la vida personal del capitán justifica su violencia casi incontrolada. Es característica la escena con el ataque del ejército a la isla de Vulcania al final. Las fuerzas armadas que atacan al submarino, al no tener identidad nacional, se convierten en una especie de imagen borrosa del enemigo al que se opone el capitán [10] [48] .

El crítico Colin Jacobson destacó la actuación de Mason y su interpretación del Capitán Nemo [53] . Bosley Crowther pensó que la actuación se vio eclipsada por una trama convincente. El profesor, el sirviente y el arponero le parecían personajes forzados y sin vida [49] . Fleischer no apreciaba su propia contribución a la pintura, hablando de ella como un trabajo artesanal ordinario que no requería refinamientos creativos [18] . Mason también apreció la imagen y su propio trabajo sin mucho entusiasmo:

"20.000 leguas..." una película para productores y para el público. Disney presentó la imagen como una estricta secuencia de escenas, una tras otra. Las dificultades fueron con decoradores y especialistas en efectos visuales. Para el director y los actores, era un trabajo rutinario. No creo que todos los actores hayan invertido en su juego al menos algo de profundidad. A la audiencia se le ocurrió Dios sabe qué, sobre la película. Sin embargo, se sigue viendo, y todo gracias a la buena idea y perfeccionismo de Disney. Recientemente volví a ver esta película en doblaje alemán. Él sigue siendo igual de horrible .

Texto original  (inglés)[ mostrarocultar] 20.000 LEGAS fue una película de productores y una película de espectadores. Fue concebida por Disney como una historia que podría traducirse en una emocionante secuencia tras otra. Fue un desafío para el escenógrafo y la gente de efectos especiales. Para el director y los actores era una rutina. No creo que las partes actorales hayan sido escritas con gran profundidad. Muchos sofisticados pooh-pooh 20.000 LIGAS. Sin embargo, sigue siendo una película popular hoy en día porque es una buena historia bien contada. Disney insistió en la perfección. Comparto el entusiasmo de los fans por la película. No hace mucho la vi doblada al alemán. Todavía fue genial. - [18]

Premios y nominaciones

Los materiales para los premios se especifican de acuerdo con el sitio imdb.com.

Ediciones y banda sonora

La primera edición en VHS de la película se realizó en 1980 [54] . En 2003, la película fue relanzada en formato DVD . Los críticos destacaron la buena conservación del material y la alta calidad de la transferencia a medios digitales [53] . La edición en DVD de la película contiene, entre otros materiales, un documental de 88 minutos "La realización de 20.000 leguas de viaje submarino", que contiene detalles del proceso de filmación y comentarios de expertos. Las escenas de corte de ocho minutos posteriores al corte final se encontraron en los archivos de Walt Disney y se pusieron a disposición de los espectadores por primera vez en 50 años. Entre las escenas cortadas se encuentra el corte malo original de la escena de la pelea de pulpos, filmada en "clima tranquilo" [4] .

Durante el transcurso de la película, se reproduce una canción. Los versos de Sailor "A Whale of Tale" interpretados por Ned Land (Kirk Douglas). En 1954, el sello Decca lanzó un sencillo (el disco "cuarenta y cinco") con una grabación de la canción. También en 1954, se lanzó un disco de vinilo con una producción basada en la película, el llamado book-and-record set ( radio play ). Incluye un CD y un libro para niños basado en la película. El disco ganó popularidad y entró en las listas de Billboard (Children's chart - 13th place, 1954) [55] . En 2007, se lanzó la banda sonora completa de la imagen, que consta de 26 pistas, y estuvo disponible para su descarga desde el recurso de iTunes . En 2011, se lanzó un CD con la banda sonora de la película [56] .

Notas

  1. ↑ El productor de la película no aparece en los créditos. Otras fuentes citan a Walt Disney como productor.
  2. ↑ Parte de la trama del final de la explosión en la isla también se basa en la novela " Mysterious Island ".
  3. ↑ Sin embargo, quedaron en la película escenas individuales con una proyección horizontal notablemente distorsionada.
  4. ↑ El corte original de la escena está disponible en los extras del DVD de 2003.
  5. ↑ Walt Disney tenía una buena relación con la Marina de los EE. UU. Durante la guerra, su estudio produjo diseños gratuitos para insignias y premios de la marina.
  6. ↑ En el mismo año, el 21 de enero de 1954, se lanzó el primer submarino nuclear del mundo, Nautilus . Las fuentes mencionan este evento en el contexto del lanzamiento de la película, aunque no es más que una coincidencia.

Fuentes

  1. ↑ Smith D. 20,000 Leagues Under the Sea (película) // Disney A to Z: The Official Encyclopedia  (inglés) - 1996.
  2. ↑ Maltin L. The Disney Films  (inglés) - Crown Publishing Group , 1984. - P. 119. - ISBN 978-0-517-55407-4
  3. ↑ El ala de CinemaScope  . El Museo Americano de Pantalla Ancha. Consultado el 26 de junio de 2015. Archivado desde el original el 2 de diciembre de 2017.
  4. ↑ 1 2 3 4 5 6 John M. Miller. 20.000 leguas de viaje submarino . Películas clásicas de Turner . Consultado el 16 de noviembre de 2012. Archivado desde el original el 9 de enero de 2013.  
  5. ↑ Primera vez en pantalla.
  6. ↑ 1 2 Reid, 2004 , pág. 101.
  7. ↑ Telotte, 2008 , pág. 93.
  8. ↑ Barrera, 2008 , p. 268.
  9. ↑ Reid, 2004 , pág. 52.
  10. ↑ 1 2 3 4 5 Telotte, 2008 , pág. 82.
  11. ↑ Telotte, 2008 , pág. 83.
  12. ↑ Telotte, 2008 , pág. 84.
  13. ↑ Reid, 2004 , pág. 103.
  14. ↑ 1 2 3 Telotte, 2008 , pág. 85.
  15. ↑ 12 Patterson , 2002 , pág. 171.
  16. ↑ Williams y Denney, 2004 , pág. 169.
  17. ↑ 1 2 Williams y Denney, 2004 , pág. 168.
  18. ↑ 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 13 14 15 16 17 18 19 20 21 22 23 Frazier & Hawthorne, 1984 .
  19. ↑ Mosley, 1985 , pág. 238.
  20. ↑ 1 2 3 Barrera, 2008 , p. 241.
  21. ↑ 12 Johnson , 1996 , pág. cuatro
  22. ↑ 1 2 Stackpole, 1954 , pág. 111.
  23. ↑ 1 2 3 En una liga propia . Consultado el 16 de noviembre de 2012. Archivado desde el original el 9 de enero de 2013.  
  24. ↑ Johnson, 1996 , pág. 304.
  25. ↑ Johnson, 1996 , pág. 87.
  26. ↑ 12 Culhane , 1986 , pág. veinte.
  27. ↑ Johnson, 1996 , pág. 5.
  28. ↑ Carta de Harper Goffs . Consultado el 16 de noviembre de 2012. Archivado desde el original el 9 de enero de 2013.  
  29. ↑ 1 2 Williams y Denney, 2004 , pág. 170.
  30. ↑ Vatios, 2001 , pág. 371.
  31. ↑ Operación Submarina . imdb _ Consultado el 16 de noviembre de 2012. Archivado desde el original el 9 de enero de 2013.  
  32. ↑ Telotte, 2008 , pág. 196.
  33. ↑ Sackett, 1990 , pág. 112.
  34. ↑ Krasniewicz, 2010 , pág. 116.
  35. ↑ Patterson, 2002 , pág. 89.
  36. ↑ Leitch, 2007 , pág. 254.
  37. ↑ Eagan, 2009 , pág. 479.
  38. ↑ Telotte, 2008 , pág. 90.
  39. ↑ Vatios, 2001 , pág. 283.
  40. ↑ Watt y Willman, 2005 , pág. 231.
  41. ↑ (Dell, serie de 1942) #614 (febrero de 1955) 20.000 leguas de viaje submarino / historia cómica / 34 páginas (ing.) . comics.org Consultado el 16 de noviembre de 2012. Archivado desde el original el 9 de enero de 2013.  
  42. ↑ Glenn Erickson. Reseña de la película por DVD Savant . dvdtalk.com. Consultado el 16 de noviembre de 2012. Archivado desde el original el 9 de enero de 2013.  
  43. ↑ Sammond, 2005 , pág. 320.
  44. ↑ Barrera, 2008 , p. 255.
  45. ↑ Baxter, 1996 , pág. 124.
  46. ↑ 1 2 20000 Leguas de viaje submarino . variedad _ Consultado el 16 de noviembre de 2012. Archivado desde el original el 9 de enero de 2013.  
  47. ↑ Dave Kehr. 20.000 leguas de viaje submarino . Lector de Chicago . Consultado el 16 de noviembre de 2012. Archivado desde el original el 9 de enero de 2013.  
  48. ↑ 12 Robert Anillo . 20.000 leguas de viaje submarino (1954) (inglés) (26/01/2010). Consultado el 16 de noviembre de 2012. Archivado desde el original el 9 de enero de 2013.  
  49. ↑ 1 2 BosleyCrowther . La pantalla en revisión; '20.000 Leguas' en 128 Minutos Fantásticos . - 24 de diciembre de 1954.  
  50. ↑ 1 2 Ring, 2011 , pág. 104.
  51. ↑ Telotte, 2008 , p. 88.
  52. ↑ Telotte, 2008 , p. 89.
  53. ↑ 12 Colin Jacobson . Reseña de DVD . dvdmg.com (19 de mayo de 2003). Consultado el 16 de noviembre de 2012. Archivado desde el original el 9 de enero de 2013.  
  54. ↑ Esta semana en la historia de Disney . Consultado el 16 de noviembre de 2012. Archivado desde el original el 9 de enero de 2013.  
  55. ↑ Cartelera, 1955 , pág. 24
  56. ↑ 20,000 Leagues Under The Sea (1954) registros oficiales y lista de contrabando . Consultado el 16 de noviembre de 2012. Archivado desde el original el 9 de enero de 2013.  

Literatura

  Ir al elemento de Wikidata  sitios temáticos
diccionarios y enciclopedias
En catálogos bibliográficos
 Películas de Richard Fleischer