Tiro combinado

Rodaje combinado , truco cinematográfico  : un conjunto de tecnologías cinematográficas , como resultado de lo cual se obtiene una imagen en la pantalla que no existía en la realidad, pero para el público no difiere de la filmada en el pabellón o en el lugar [1 ] . En el cine soviético, el término "disparo combinado" significaba la capacidad de combinar varias imágenes tomadas de forma independiente en un cuadro. En fuentes extranjeras, estas tecnologías se clasifican en la categoría general de efectos especiales .

El rodaje combinado amplía las posibilidades visuales del cine, y en algunos casos permite reducir el coste de producción de la película y facilitar el trabajo del equipo de filmación [2] . A menudo se utiliza cuando la filmación directa de una escena es demasiado costosa en comparación con la filmación combinada. De esta manera, por ejemplo, es posible evitar el gasto de la costosa filmación de escenas de actuación en el lugar durante la expedición, especialmente en lugares de difícil acceso. Después de enviar un pequeño grupo de cámaras, reciben fondos naturales de la película, con los que se combinan los actores filmados en el pabellón del estudio de cine [3] . Además, el rodaje combinado te permite rodar escenas peligrosas sin poner en riesgo la vida y la salud de los actores y el resto del personal. Las escenas de batalla se crean a menudo de esta manera, así como los episodios con incendios y desastres naturales [4] .

Historia del truco cinematográfico

En la cinematografía predigital, la mayoría de los métodos de disparo combinado se basaban en la alineación óptica y la propiedad de una emulsión fotográfica para resumir imágenes tomadas en el mismo material fotográfico en diferentes lugares y en diferentes momentos. Los precursores de las acrobacias cinematográficas fueron efectos similares en la fotografía . La primera fotografía combinada apareció en 1856: Oskar Reilander creó un fotomontaje obtenido por impresión fotográfica a partir de 30 negativos [5] . Simultáneamente con él, Henry Peach Robinson estaba involucrado en experimentos similares . Por primera vez, el truco cinematográfico fue utilizado por Alfred Clark ya en 1895 al filmar un video sobre la ejecución de Mary Stuart para un kinetoscopio . La actriz disfrazada de reina se acercó al tajo, y después de que el verdugo levantara el hacha, la cámara se detuvo, ordenando a todos los actores que se congelaran. En ese momento, el lugar de la actriz lo ocupaba una muñeca, a la que, tras reiniciar la cámara de cine, le cortaron la cabeza.

Georges Méliès es considerado el creador de los trucos clásicos del cine basados ​​en la congelación de fotogramas, el disparo fotograma a fotograma , la exposición múltiple , el avance rápido y lento de la película , el laminado y otros trucos [6] . No estaba familiarizado con los experimentos de los fotógrafos e hizo su descubrimiento por accidente, cuando detuvo la cámara durante el disparo, y después de un tiempo continuó disparando desde el mismo punto. Al ver la película, resultó que el tranvía de repente se convirtió en un coche fúnebre en la pantalla. La primera película en la que las acrobacias cinematográficas jugaron un papel significativo es la cinta de tres minutos de Méliès " El castillo del diablo " ( fr. Le manoir du diable , 1896 ), en la que se muestra al espectador las apariciones, desapariciones y transformaciones de personas y objetos en el séquito de un castillo gótico. En el breve período anterior a la Primera Guerra Mundial, Méliès creó más de 500 cortos de acrobacias, ganándose el título no oficial de "mago del cine".  

La mejora adicional de la técnica de disparo combinado está asociada con el uso de una máscara , que se instaló frente a la lente de una cámara de cine , exponiendo parcialmente el marco. Después de rebobinar el metraje de la película hasta el principio, la máscara se reemplazó con una contramáscara que bloqueaba la parte capturada del encuadre, y la filmación se llevó a cabo en su área no expuesta. Así, en un cuadro, por doble exposición, se combinaron dos imágenes completamente diferentes, que en la vida real no se combinan. El método resultó ser adecuado, incluso para obtener una imagen doble del mismo actor hablando solo en la pantalla. La técnica permitió dividir el marco no solo por la mitad, sino también en varias partes, combinando diferentes escenas.

El laminado fue perfeccionado por Norman  O. Dawn , quien inventó una técnica de dibujo al combinar las partes reales de la escena con un patrón en vidrio montado frente a la lente [7] . Una continuación literal del dibujo fue la técnica domoketka, con la ayuda de la cual ya en 1923 se creó una parte inexistente del edificio en la película Catedral de Notre Dame [8] . Una técnica aún más compleja de pintura posterior se realizó en dos exposiciones. Las partes innecesarias de la escena se cubrieron con papilla y, después del procesamiento de laboratorio , se imprimió una fotografía de un segmento de la película filmada de esta manera , según la cual el artista completó el paisaje deseado en las partes no expuestas del marco, y el ya los capturados fueron pintados con pintura negra [9] . El dibujo terminado fue filmado en el estudio en la misma película, complementando la imagen tomada por primera vez [10] .

La siguiente década estuvo marcada por el advenimiento de tecnologías de filmación compuestas que dan a la pantalla la ilusión completa de combinar la escena de un actor con fondos arbitrarios. Se trata de técnicas como el proceso de Schüftan y la máscara errante [8] . La retroproyección fue un desarrollo posterior de los fondos pictóricos teatrales, haciéndolos conmovedores. La técnica de stop-motion , utilizada por primera vez en la película Haunted Inn de 1912, hizo posible dar vida a objetos inanimados y luego combinar actores reales con personajes de marionetas en un solo cuadro [11] . Los ejemplos más famosos de esta tecnología fueron las pinturas "El mundo perdido " y " King Kong ". La escena de actuación filmada se combinó cuadro por cuadro con animación, dando la ilusión de una sola acción en la pantalla. El éxito de estas películas obligó a todos los principales estudios cinematográficos a establecer sus propias tiendas de dobles.

Una dirección separada de la filmación combinada fueron maquetas a gran escala que desempeñan el papel de edificios, buques de guerra, aviones y tanques. La combinación de algunas técnicas de disparo, incluido el disparo acelerado , permitía hacerlos pasar en la pantalla como objetos reales [12] . Por lo tanto, fue posible filmar batallas marítimas y aéreas y otras escenas de batalla sin riesgo para la vida y sin altos costos de producción. Junto con la técnica del dibujo, los diseños permitieron crear mundos inexistentes en la película y otorgar una nueva calidad a la cinematografía. El proyecto más grande basado en varios métodos de fotografía combinada fue la pintura " Metrópolis " en 1926, que utilizó tanto el dibujo, la elaboración casera y el método Schüftan, así como técnicas complejas con exposiciones múltiples y laminación.

El acontecimiento más importante en el desarrollo de la fotografía combinada fue la aparición de un coche de acrobacias . Los intentos de Lingwood Dunn de mejorar la fotocopiadora de película óptica , que anteriormente se había utilizado solo para imprimir contratipos y replicar copias de película , condujeron a esto . En su forma original, el dispositivo era una combinación de dos o más proyectores de películas que, a través de un sistema de espejos, construían una imagen común en la ventana del marco de una cámara de cine. Más tarde aparecieron instalaciones especializadas más complejas de este tipo. La máquina de trucos hizo posible combinar imágenes de dos o más negativos en un cuadro, cambiando su escala y posición relativa [13] . Si hasta entonces todas las manipulaciones con la imagen se realizaban en el set, sin cometer errores ni defectos, ahora ha aparecido una tecnología más flexible de disparo combinado, que posteriormente se utilizó para crear una variedad de efectos. Un ejemplo temprano del uso de una máquina de acrobacias fue la película Citizen Kane de Orson Welles , en la que se crearon vistas del castillo de Xanadu mediante impresión óptica. El director de fotografía soviético Alexander Ptushko [14] utilizó con éxito la impresión de acrobacias cuadro por cuadro .

La irrupción del color en el cine

La difusión del cine en color ha lanzado un nuevo desafío a los especialistas en el campo de las acrobacias cinematográficas. Muchas tecnologías conocidas resultaron inadecuadas para filmar en película en color [15] . Por ejemplo, la mayoría de las variaciones de la máscara errante basadas en la separación de colores del escenario y el fondo del actor tuvieron que ser reemplazadas por otras nuevas o modificadas. La tecnología soviética de "transparencia aditiva", en la que los actores con luz azul se filmaban sobre un fondo rojo, fue mejorada por su inventor Boris Gorbachev , quien reemplazó el fondo rojo con una pantalla iluminada por infrarrojos [16] . En Hollywood , las versiones anteriores fueron sustituidas por el "proceso de sodio", basado en iluminar el fondo con lámparas de descarga de gas de sodio . El máximo espectral de la radiación de estas lámparas era tan estrecho que se colocaba en el espacio entre las zonas de sensibilidad a la luz de las emulsiones de películas de tres colores , prácticamente sin afectarlo. Al mismo tiempo, la segunda película en blanco y negro, cargada en la misma cámara de película, tenía una mayor sensibilidad a la luz amarilla de estas lámparas, lo que brindaba una máscara excelente para igualar con el fondo durante la impresión óptica posterior. Al final, todas estas tecnologías dieron paso al proceso de diferencia de color de pantalla azul, que se convirtió en un excelente compromiso entre la calidad del color y la flexibilidad.

El auge de la ciencia ficción

A principios de la década de 1960 , aparecieron muchos métodos nuevos de tiro combinado, basados ​​en los logros científicos y técnicos de esos años. Un hito en la historia de las acrobacias fue Space Odyssey de 2001, una película de pantalla ancha estrenada en 1968. Además del equipo del estudio de efectos especiales, el director Stanley Kubrick reunió a su propio equipo de Douglas Trimbull, Tom Howard, Con Pederson y Wally Vevers. Uno de los trabajos centrales del equipo fue la creación de imágenes de naves espaciales, para lo cual se utilizaron maquetas. El disparo se realizó cuadro por cuadro con una velocidad de obturación lenta para lograr una profundidad de campo acorde con la escala . Al mismo tiempo, se imitó el movimiento de los barcos moviendo la cámara utilizando la última instalación Motion control . Los fotogramas así obtenidos se combinaron con otros componentes de la imagen mediante el método de fototransposición . Las tomas de estudio de monos se combinaron con paisajes del desierto africano capturados por separado en la técnica de proyección frontal , que acababa de aparecer gracias a la invención de las pantallas scotchlight retrorreflectantes [17] .

Las escenas finales del viaje de la alucinación fueron filmadas por Douglas Trimbull utilizando fotografías de hendidura. . Kubrick dijo que se decidió por La Odisea después de ver la película de ciencia ficción soviética Road to the Stars (1957) . Para filmar la ingravidez, Kubrick utilizó los efectos especiales de Pavel Klushantsev , y en una de las entrevistas dijo que sin "Road to the Stars" no habría "Space Odyssey". . Para la película, también utilizó dibujos y soluciones gráficas del artista de ciencia ficción Yuri Shvets de la película soviética "The Sky is Calling " (1959). .

En 1977 se estrenaron dos películas icónicas más que iniciaron el boom de la ciencia ficción: Star Wars. Episodio IV: Una Nueva Esperanza " y " Encuentros Cercanos del Tercer Tipo ". En el primero de ellos, el camarógrafo John Dykstra usó un sistema mejorado de reproducción de movimiento de cámara Dykstraflex , que permitía el uso de una máscara errante en combinación con panorámicas y movimientos arbitrarios de la cámara [18] . En el segundo, el veterano de Odyssey, Douglas Trimbull, intentó crear imágenes de platillos voladores usando puntos de luz producidos por la lente debido a la dispersión de la luz en el vidrio. Uno de los resultados fue la creación de Industrial Light & Magic por parte de George Lucas y John Dykstra , que a día de hoy es el generador de la mayor parte de las innovaciones en el campo de los efectos especiales.  

Tecnología digital

Las complejidades de las acrobacias cinematográficas ópticas han comenzado a convertirse en cosa del pasado con la llegada de las tecnologías cinematográficas híbridas de Digital Intermediate . En 1992, se hizo posible convertir una imagen analógica en una película a formato digital usando un escáner de película [19] . Esto dio posibilidades casi ilimitadas para refinar y transformar el marco original en una computadora , eliminando la necesidad de alineación óptica de los marcos combinados. Como resultado, los talleres de filmación combinados se libraron de tareas tradicionales como imprimir títulos en la imagen y crear transiciones como "mezclar" y "borrar". Con la ayuda de una computadora, estos procesos complejos, que requerían impresión combinada y múltiples exposiciones, se realizaron casi sin mano de obra. La mayoría de las técnicas de disparo combinadas, como la retroproyección , la proyección frontal , la papilla y el método Shyuftan , dieron paso gradualmente a los efectos especiales digitales. La reimpresión compleja y la separación de contratipos para hacer una máscara errante es cosa del pasado, liberando un nicho para el análogo cinematográfico de la televisión chroma key . Algunas tecnologías, como el entintado , la fototransposición y la animación, han recibido sus contrapartes digitales más eficientes.

Sin embargo, el mayor descubrimiento de la era digital fue la capacidad de sintetizar una imagen en una computadora . Las escenas fantásticas creadas de esta manera se combinan con una imagen original escaneada, y luego el contenido resultante se muestra en una película mediante una grabadora de películas . El primer resultado de estas tecnologías se materializó en la película Terminator 2: Judgment Day . La imagen del "robot líquido" fue sintetizada por una computadora basada en el modelo digital del actor Robert Patrick , y luego combinada con los fondos captados por la cámara. Se necesitaron 8 meses de tiempo de computadora para crear 73 fragmentos de este tipo, ocupando un total de 4 minutos en la pantalla [20] . En cierta etapa, la síntesis de imágenes por computadora resultó ser adecuada no solo para crear objetos individuales, sino también para obtener una imagen completa de eventos que no existían en la realidad, que no tenían prototipos capturados por la cámara. . Las posibilidades de los gráficos por computadora superaron a la mayoría de las acrobacias ópticas hasta tal punto que en algún momento reemplazó por completo la filmación compuesta, dejando solo un análogo digital de una máscara errante con una "pantalla verde". Esta tecnología se usa con mayor frecuencia en el cine moderno para combinar la escena de un actor auténtico con fondos y objetos generados por computadora. La eliminación gradual del stock de películas que comenzó en la década de 2000 aceleró el alejamiento de las acrobacias ópticas en favor de los efectos especiales digitales.

Gracias a la tecnología digital se han difundido nuevas técnicas de filmación combinada, como el bullet time , que se hizo famoso por la película The Matrix . Si bien esta técnica también se puede realizar en película, solo se ha vuelto práctica en forma digital. La última tecnología de la cámara de campo de luz promete hacer innecesaria incluso la pantalla azul en un futuro cercano, ya que el mapa de profundidad generado simultáneamente con la imagen permite separar la escena y el fondo por la distancia de la lente de disparo [21] [22] .

Acrobacias de película óptica

Véase también

Notas

  1. ↑ Konopliov, 1975 , pág. 132.
  2. ↑ Equipo de filmación, 1988 , p. catorce.
  3. ↑ Fotokinotecnia, 1981 , p. 143.
  4. ↑ Konopliov, 1975 , pág. 133.
  5. ↑ Rickit, Richard. Efectos especiales: la historia y la técnica  (inglés) . — 2ª edición. - Billboard Books, 2007. - ISBN 0-8230-8408-6 .
  6. ↑ MediaVision n.° 1, 2011 , pág. 44.
  7. ↑ Konopliov, 1975 , pág. 306.
  8. ↑ 1 2 MediaVision n.º 2, 2011 , pág. 37.
  9. ↑ MediaVision n.° 1, 2011 , pág. 45.
  10. ↑ Konopliov, 1975 , pág. 309.
  11. ↑ MediaVision n.° 1, 2011 , pág. 46.
  12. ↑ MediaVision, 2010 , pág. 28
  13. ↑ Fotokinotecnia, 1981 , p. 181.
  14. ↑ MediaVision n.° 2, 2011 , pág. 38.
  15. ↑ MediaVision n.° 4, 2011 , pág. 59.
  16. ↑ MediaVision, 2017 , pág. 51.
  17. ↑ MediaVision n.° 4, 2011 , pág. 63.
  18. ↑ N. Markalova. Sistema de control de movimiento de cámara . Artículos sobre cine . Revista DTcinema (11 de mayo de 2011). Consultado el 1 de agosto de 2014. Archivado desde el original el 10 de agosto de 2014.
  19. ↑ Técnica y tecnología del cine, 2006 .
  20. ↑ Terminator 2: La Primera Frontera, 1994 .
  21. ↑ MediaVision, 2016 , pág. 39.
  22. ↑ Rishi Sanyal, Jeff Keller. Cambio de enfoque : la cámara Lytro Cinema de 755 MP permite video de campo de luz de 300 fps  . DPReview (11 de abril de 2016). Consultado el 11 de junio de 2017. Archivado desde el original el 29 de julio de 2017.

Literatura

Enlaces

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