| Nikolái Feshin | |
| Retrato de Vari Adoratskaya . 1914 | |
| Lienzo , óleo . 135×145cm | |
| Museo Estatal de Bellas Artes de la República de Tartaristán , Kazan | |
| ( inv. Zh-938 [1] [2] ) | |
| Archivos multimedia en Wikimedia Commons |
"Retrato de Vari Adoratskaya" es una pintura del artista ruso Nikolai Feshin . Creado en la primavera de 1914 en Kazan en el taller de la alumna del artista, Nadezhda Sapozhnikova [3] . La pintura está incluida en la colección del Museo Estatal de Bellas Artes de la República de Tatarstán en Kazan [4] y se exhibe en la exposición permanente del Nikolai Feshin Hall en la Galería de Arte Nacional Khazina [5] . El crítico de arte A. E. Kuznetsov, en un artículo dedicado a la demostración de la pintura en la exposición en la galería Art Divage de Moscú, calificó la pintura como uno de los retratos infantiles más brillantes en la historia no solo del arte ruso, sino también mundial [6] .
La pintura pertenece a la más significativa, según el candidato de historia del arte G. P. Tuluzakova, el período de trabajo del artista, hasta 1914-1918. En ese momento, al elegir la forma de una pintura de retrato interior , Feshin trató de crear una imagen multifacética y generalizada que sintetizara las características psicológicas del modelo y su estado de ánimo o estado momentáneo representado en la imagen [7] . "Retrato de Vari Adoratskaya" Tuluzakova llama "la forma más completa y perfecta de la imagen de la infancia en el trabajo de Feshin". En su opinión, la pintura es una de las creaciones más armoniosas del artista, clara tanto en el pensamiento como en el diseño, una tarjeta de visita del período ruso de la obra del artista [8] [9] .
Entre los más apreciados por el artista y los cuidadores invitados a menudo, Nikolai Feshin estaban los niños. Galina Tuluzakova, en su libro sobre el trabajo de Feshin, contrasta las composiciones de género del artista , donde mostró la complejidad y la inconsistencia de la naturaleza humana, las cualidades y propiedades de las personas que les son inherentes por naturaleza, lejos de ser ideales, con sus retratos infantiles, donde, según para ella, "su sublime fe romántica en el hombre". En sus retratos, Feshin no distingue entre niños de familias "simples" e " inteligentes ", ambos en sus pinturas personifican la brillante imagen de la infancia. En las obras "Retrato de una niña" ( Museo de Arte de Vyatka que lleva el nombre de V. M. y A. M. Vasnetsov ), "Niña con una bufanda rosa" (durante mucho tiempo estuvo en la colección privada del cirujano - oncólogo Académico N. N. Blokhin ), "Campesino girl "(Colección privada, EE . UU .), "Girl" ( Museo Histórico Panhandle–Plains, EE. UU.), "Katenka" (Museo Estatal de Bellas Artes de la República de Tatarstán ), el espectador puede determinar fácilmente que el personaje pertenece a las clases sociales [10] . En la pintura "Kisa", los retratos de Nina Belkovich y Misha Bardukov representan a niños de un grupo social diferente, pero la actitud del autor hacia su héroe no cambia [11] .
En su interpretación de la imagen de los niños, Feshin enfatiza la apertura al mundo, la inseguridad, la pureza interior de un niño o adolescente. Al mismo tiempo, el propio artista es serio, en sus obras no hay emoción antes de la infancia. Los niños en las pinturas de Feshin se presentan de acuerdo con sus características de edad: el artista transmite plasticidad de movimientos, ternura de rasgos faciales aún no completamente formados, vivacidad, inquietud, malcriado [11] . Los retratos de Feshin y en general se caracterizan por la diferencia entre la mampostería pictórica de una mancha en el rostro con ligeros toques y la escritura pastosa en la ropa y el fondo, pero esto se nota especialmente en los retratos infantiles del artista [12] .
"Retrato de Vari Adoratskaya" está hecho en la técnica de pintura al óleo sobre lienzo . El tamaño del lienzo es de 135 × 145 cm (otras dimensiones se dan en el catálogo de la exposición en la galería Art-Divage en Moscú - 138 × 147,2 cm [2] ). En la parte inferior izquierda están la firma del artista y la datación del lienzo: “N. Feshin 1914" [2] . La pintura está incluida en la colección del Museo Estatal de Bellas Artes de la República de Tartaristán en Kazan [4] . El número de inventario del lienzo de la colección es Zh-938 [1] . Desde 2005, el "Retrato de Vari Adoratskaya" se exhibe en la sala de Nikolay Feshin en el tercer piso de la exposición permanente de la Galería Nacional de Arte "Khazine" [5] .
El retrato representa a una niña de diez años sentada en una mesa entre juguetes y dulces esparcidos en un pintoresco desorden. Los historiadores de arte del Museo Estatal Ruso señalaron que "habría parecido un juguete que cobra vida, si no fuera por la mirada seria de un adolescente que crece en un mundo no infantil". La pintura continúa la tradición de las imágenes infantiles, parte de las cuales son Alicia de Lewis Carroll (1865) y Vera Mamontova en la pintura " La niña de los melocotones " (1887) de Valentin Serov , que transmite el "feliz descuido de la infancia" [13] .
El rostro de la niña, como señaló Galina Tuluzakova, encarna la pureza de la actitud del niño. Se representa en el mismo tono de color que el fondo, pero se destaca con un color más activo del cabello y los ojos. La mirada de la niña se dirige al espectador. El artista hizo el énfasis principal en los "ojos inquisitivos de un niño". Feshin representó dos niveles diferentes de naturaleza muerta en la imagen: frutas en la mesa y flores en la ventana. El fondo es una pared lisa gris, que crea un contraste de planitud y volumen. Tuluzakova notó la unidad en la imagen de la figura y los "accesorios" que la rodean [8] .
Varvara Vladimirovna Adoratskaya nació en Kazán en 1904. Un año después, su padre fue arrestado por actividades revolucionarias, primero enviado al exilio y luego expulsado del Imperio Ruso (poco tiempo después, los Adoratsky regresaron a su tierra natal; en 1907, su foto familiar fue tomada en Kazan en el estudio de S. Felzer [13] ) . Lo siguieron su esposa y su hija. La familia vivió en Suiza y más tarde en Alemania . Desde 1914 (después del estallido de la Primera Guerra Mundial ), Varvara estuvo internada con su padre y su madre [14] . En 1918, como resultado del intercambio propuesto por V. I. Lenin , los Adoratsky regresaron a su patria. La familia vivía en Moscú , donde V. V. Adoratsky comenzó a trabajar en el Archivo Estatal Central [13] , y Varvara estudió en Vkhutemas de 1923 a 1925 [15] . La familia Adoratsky vivía en un apartamento en la Casa de Gobierno (también conocida como " Casa en el terraplén "). La madre de Varvara quedó discapacitada desde muy joven: perdió el oído, la vista, apenas podía moverse, su hija se vio obligada a dedicarse a cuidarla. La misma Bárbara en su juventud padeció tuberculosis y enfermedad de Graves , por lo que, presumiblemente, no pudo completar sus estudios en la universidad [14] .
Varvara dominaba varios idiomas y trabajaba como traductora en el Instituto K. Marx y F. Engels . Ayudó a su padre en el trabajo científico, hizo traducciones para él, escribió en una máquina de escribir , trabajó bajo su liderazgo en traducciones para el Instituto Marx-Engels-Lenin (así fue como el Instituto K. Marx y F. Engels pasó a llamarse después de fusionarse con el Instituto Lenin), donde su padre fue director de 1931 a 1939. Después de su muerte, trabajó en el Instituto Marx-Engels-Lenin bajo contrato [13] . Muchos años después, Adoratskaya trató de averiguar el destino de Nikolai Feshin, quien emigró a los Estados Unidos, a través de sus amigos (carta de V. V. Adoratskaya a N. N. Livanova fechada el 20 de octubre de 1955 en el archivo personal de N. M. Valeev) [16] . Varvara Adoratskaya murió en 1963 [14] .
A partir de 1912, Feshin participó en exposiciones de la Asociación de Exposiciones de Arte Itinerante . Junto con los retratos realistas de Ilya Repin , el propio Feshin, Sergei Malyutin , también se presentaron trabajos de salón en ese momento. Feshin pintaba con entusiasmo retratos al aire libre . Por lo general, estos eran pequeños retratos del tipo de estudio , creados bajo el sol brillante, a menudo contra la luz. La luz de esto creó un sutil brillo brillante alrededor de la cabeza. Incluso entonces, Repin tenía una alta opinión del trabajo de su antiguo alumno. Posteriormente, en 1926, en una conversación con artistas soviéticos, Repin nombró a Nikolai Feshin entre los retratistas modernos más interesantes [12] .
Al elegir modelos, Feshin prefirió un círculo estrecho de familiares y amigos cercanos. Esto hizo posible lograr una "profundidad penetrante y una rara expresividad psicológica" en el retrato. Las obras realizadas por Feshin poseían "no solo un parecido externo con el modelo, sino también características personales insuperables de personas por las que tenía sentimientos y afecto especiales". Tal es el "Retrato de Varya Adoratskaya", la hija de amigos de la familia del artista [17] .
El padre del joven modelo del artista, V. V. Adoratsky, un participante activo en el movimiento revolucionario, miembro del RSDLP desde 1904, y más tarde filósofo e historiador marxista , apreciaba mucho las pinturas de Feshin y lo puso "no menos que V. Serov .” Sin embargo, Adoratsky no aprobaba el hecho de que el artista a menudo retratara a los modelos en "posturas artificiales" [18] . Según las memorias de V. V. Adoratskaya, el retrato fue pintado en el taller de Kazan de N. M. Sapozhnikova , su tía [13] , en la primavera de 1916 [19] . Feshin no solo visitaba a menudo el taller, sino que también participaba activamente en su diseño al estilo ruso [7] . N. M. Sapozhnikova jugó un papel importante en la vida de Feshin. Siendo su alumna y teniendo importantes recursos materiales de su rica familia, actuó como mecenas del artista en relación con el artista . Su taller fue uno de los centros artísticos de Kazan. G. P. Tuluzakova notó en la personalidad de Sapozhnikova "el contraste de las habilidades inherentes de una mujer para comprender y sentir sutilmente lo bello y al mismo tiempo una mentalidad claramente masculina y un carácter enérgico" [7] .
En el taller de Sapozhnikova (estaba adjunto a la "Casa de comercio M. F. Sapozhnikov" ubicada en la calle Kremlin, cuyo edificio se usó más tarde como la oficina principal de correos [20] ), los artistas a menudo se reunían, no solo pintaban, sino también Hablé sobre arte, sobre pintores, sobre color, sobre imprimaciones y diluyentes. Feshin, según las memorias de K. K. Chebotarev , no le gustaba hablar mucho en tales reuniones, pero escuchaba atentamente a los participantes en la conversación, solo ocasionalmente insertando comentarios breves, "definiendo con precisión y claridad su actitud hacia el tema de la conversación". " Una de las conversaciones se dedicó al llamado fondo "plano" en el retrato. Sapozhnikova fue estudiante no solo de Feshin, sino también de Kees van Dongen , por lo que a menudo apelaba a sus instrucciones en sus obras, y Feshin durante la conversación expresó dudas sobre su conveniencia, encontrando condicional la manera de van Dongen. Más tarde, cuando creó el "Retrato de Vari Adoratskaya", él mismo usó una pared gris plana "pintada", pero aquí resultó no ser " condicional , sino justificada de manera realista" [21] .
Muchos años después, la joven modelo del artista dijo que la historia de la pintura comenzó en marzo-abril de 1914 en Kazan. Varya Adoratskaya estaba muy unida a su tía Nadezhda y la visitaba a menudo en su estudio. Sapozhnikova invitó a la niña a convertirse en modelo de Nikolai Feshin [13] . Adoratskaya dijo (con la preservación del estilo y la ortografía del original):
“... En ese momento, Feshin decidió pintar una mesa cubierta con un mantel blanco, y cerca de la mesa, una niña con una sola camisa, que acababa de levantarse de la cama y estaba alimentando a una muñeca con una cuchara. ... La tía sugirió que Nikolai Ivanovich me escribiera. Yo tenía entonces 9 años, era bastante tímido y salvaje. Cuando la tía Nadia me dijo que tendría que posar solo con una camisa, me negué categóricamente y dije que nunca le daba de comer con cuchara a la muñeca, porque: “Después de todo, no puede comer”. Conciliaron en que yo usaría un vestido de batista blanca y la muñeca se acostaría a mi lado. Estas negociaciones se llevaron a cabo, por supuesto, sin Nikolai Ivanovich. Al principio me puso en una silla de mimbre cerca de la mesa, pero luego decidió ponerme sobre la mesa. Realmente no me gustaba, porque era muy incómodo y hasta doloroso sentarme, mis piernas estaban constantemente entumecidas. Pero era imposible discutir con N.I. y tuvo que someterse. Al principio llevaba un cinturón ancho con manchas azules, amarillas y rojas. Pero a N.I. no le gustó esto, y encontró un trozo de tela de seda mate de tonos más desteñidos y rehizo lo que estaba escrito primero. Hizo lo mismo con el vestido de la muñeca japonesa que yacía a mi lado. Llevaba un vestido brillante con flores rojas, amarillas y azules. A pedido de N.I., se puso otra cosa, azulada, y él la rehizo en la imagen.
— Varvara Adoratskaya. recuerdos [18]Adoratskaya recordó que al principio Feshin dibujó toda la composición sobre lienzo con carboncillo, luego pintó la cara y solo delineó todos los demás elementos de la composición. Más tarde, al terminar el trabajo en la cara, el artista completó gradualmente toda la imagen. Varvara Adoratskaya recordó: "Ponía una mancha y salía corriendo para mirar desde lejos, luego tomaba pintura con un pincel y nuevamente corría hacia el lienzo, sus movimientos eran impetuosos, trabajaba con gran temperamento y entusiasmo". La joven modelo acudió a las sesiones durante más de un mes tres veces por semana. Feshin continuó trabajando en la naturaleza muerta incluso en ausencia de la niña [18] .
Feshin le ofreció el retrato de la niña al padre de Varya, Vladimir Adoratsky, pero se negó a comprarlo. Por lo tanto, fue adquirida por N. M. Sapozhnikova. Ella legó el retrato a su sobrina, Varya Adoratskaya, quien sirvió como modelo para el retrato. En el Museo Pushkin de la República de Tatarstán, el retrato fue transferido en 1964 por Sergei Nikolayevich Razumov [13] [2] En Moscú, Razumov, quien era un amigo cercano de V. V. Adoratskaya y heredó la colección de pinturas de Nikolai Feshin después de ella muerte en 1963, tenía una gran colección de obras del artista. Junto con el “Retrato de Varya Adoratskaya”, incluía muchas otras obras significativas, como retratos de S. M. Adoratskaya (1910), un retrato de Misha Bardukov (1914), retratos de N. M. Sapozhnikova (dos estudios de 1915 y dos de gran formato). retratos 1916), un retrato de E. M. Konurina (1917) [22] .
La preparación de la exposición personal de Nikolai Feshin en Kazan en 1963 requirió un trabajo activo de investigación y búsqueda. Se identificó un círculo de personas que podrían haber conservado sus obras. Los empleados del Museo de Kazan llegaron a Moscú a principios de 1963 y conocieron a Varvara Adoratskaya. Conociendo su enfermedad incurable, accedió a vender la colección al museo de Kazan, pero quería ver su propio retrato en la Galería Tretyakov , y no en el museo de Kazan. Después de la muerte de Adoratskaya y la transferencia de su colección a S. N. Razumov, hubo que reiniciar las negociaciones, pero finalmente aceptó la propuesta de vender las obras de Feshin al Museo de Kazan. Esto se aplicó a todas las obras de la colección, a excepción del "Retrato de Vari Adoratskaya", que iba a transferir de acuerdo con la voluntad del difunto a la Galería Estatal Tretyakov. Sin embargo, bajo la influencia de la persuasión persistente del museo de Kazan, accedió a transferir la pintura a esta institución [23] . El traslado del cuadro se produjo en 1964 [22] .
La pintura ha representado repetidamente el trabajo de Feshin en importantes exposiciones nacionales e internacionales. Entre ellos se encontraban la 43ª exposición de la Asociación de Exposiciones de Arte Itinerantes en 1915, así como la exposición "De Kazán a Taos ", celebrada de noviembre de 2011 a febrero de 2012 en la Galería Nacional de Arte del Museo Pushkin de la República de Tatarstán. Como parte de la exposición de 2011-2012, se realizó la exposición "Feshin, Varya y yo", preparada por el estudio familiar del Museo Pushkin de la República de Tatarstán. Para esta exposición, un grupo de niños creó su propia versión de la pintura "Retrato de Vari Adoratskaya". Bajo la dirección de M. S. Obshivalkina, jefe del sector de pedagogía del museo, los niños también realizaron una sesión de fotos basada en la pintura de Nikolai Feshin, cuyas imágenes se convirtieron en exhibiciones de esta exposición [13] . Además, la pintura se presentó en una exposición dedicada a la obra de Nikolai Feshin, que tuvo lugar primero en Kazan en 1963, y luego en Moscú en 1964, en una exposición en 1992, en 2004 en la Galería Art-Divage (Moscú ), así como en Kazan en la exposición 2006-2007 [1] y Moscú ( Galería Tretyakov ) en 2021. El lienzo fue restaurado en 1973 en el Centro de Restauración e Investigación Artística de toda Rusia que lleva el nombre de I. E. Grabar [2] .
La pintura de Nikolai Feshin es un gran retrato compositivo [11] . Una imagen-retrato, en la comprensión de Tuluzakova, es una obra originalmente concebida por Feshin como una especie de generalización. En tal retrato, se sintetizan las características individuales del modelo, pero también pretende crear una imagen típica y al mismo tiempo ideal de una persona de su tiempo [7] .
Por primera vez, la imagen se presentó a una amplia audiencia en el año de su creación en una exposición periódica de la Escuela de Arte de Kazan . El crítico de arte P. E. Kornilov recordó que su conocimiento de la obra de N. I. Feshin tuvo lugar precisamente en esta exposición, celebrada en el edificio de una escuela de arte . La atención de Kornilov fue atraída por el "Retrato de Vari Adoratskaya", aunque en la exposición se presentaron otras obras importantes del artista, como "Bondark" y "Retrato de su esposa". En el retrato de V. Adoratskaya, le gustó la simplicidad y claridad de la composición, la "imagen de una niña bonita", la naturaleza muerta sobre la mesa y la gama noble de perla grisáceo que domina la imagen. La pintura evocaba las obras de Valentin Serov en memoria de Kornilov [24] . Periodista Vl. Denkov incluso declaró en un artículo de 1915: "... V. Mamontova de Serov ("Chica con melocotones"), sin duda, sirvió como modelo para el retrato de "Vary Adoratskaya": frutas en el mantel, una cara morena, una pared gris y un trozo de ventana” [25] .
Un pintor y profesor, alumno de Nikolai Feshin, A. A. Lyubimov, que visitó la misma exposición, recordó 60 años después:
“Recuerdo que en 1914, en la exposición periódica de la escuela, un retrato de la niña Adoratskaya, sentada en una mesa entre una naturaleza muerta, me impresionó mucho. ¡Qué frescura, qué fuerza y, al mismo tiempo, qué delicada mesura y qué alta cultura general del retrato! Es imposible olvidar, pasar por esta obra maestra de la pintura de Feshin. El público asediado, abarrotado, todos querían conocer más de cerca la cocina de pintura y la técnica de realización de este maravilloso retrato.
— Alexander Liubimov. Memorias de N. I. Feshin [26]En la primera monografía sobre el trabajo de Nikolai Feshin, que se publicó en Kazan en 1921, el crítico de arte Pyotr Dulsky escribió sobre la pintura "Retrato de Vari Adoratskaya":
“Esto es algo muy hermoso, casi lo mejor de todo realizado por N. Feshin, representa un retrato de cuerpo entero de una niña, dispuesto en el lado izquierdo de la imagen. La modelo está representada en una pose bastante tranquila, sentada en la esquina de la mesa. El tono uniforme y gris del fondo sirve como un excelente marco para el retrato, mientras que el colorido bodegón que representa una cafetera de metal [Nota 1] , un jarrón con naranjas y uvas , una taza de porcelana azul , están ejecutados con gran gusto y habilidad; el retrato en sí es sorprendentemente suave, de tono agradable, encaja bien con todo este entorno, que en general da una impresión artística armoniosa.
— Dulsky. N. Feshin [27]El historiador de arte Vladimir Voronov escribió sobre la "pintura pura de nácar, forma realista completa" de la pintura, de acuerdo con la "armonía suave y refinada", puso el retrato de Vari Adoratskaya a la par con la "Libélula" de Ilya Repin . " y "Muchacha con melocotones" de Valentin Serov [28] .
La crítica de arte, especializada en la pintura de la Edad de Plata , S. G. Kaplanova, destacó la seriedad y la dulzura espiritual de la imagen de la niña, que el artista escribió "como de repente". Los ojos de la niña son pensativos, atentos y claros, su cabello rubio dorado está peinado en coletas, el ajuste de una figura flexible es peculiar. La combinación de colores del lienzo de Kaplanova se describió como tierna, alegre y al mismo tiempo refinada. Destacó especialmente la habilidad del artista para representar un mantel blanco, un vestido de batista blanca y un lazo verde azulado. La naturaleza muerta en la pintura Kaplanova llamada "bellamente pintada", incluye una tetera en una lámpara de alcohol , naranjas, granadas , nueces , un cuenco de frutas y una muñeca con un vestido azul [19] . En un boceto anterior del trabajo de Nikolai Feshin, que data de 1964, Kaplanova notó la atmósfera brillante y alegre del retrato de Vari Adoratskaya. Escribió sobre el sentimiento de desconcierto que genera la familiaridad con la pintura. Es causado por la composición inusual y la ubicación inesperada del modelo. El retrato, en su opinión, es interesante no solo por la interpretación de la imagen de la niña, sino también por la combinación de colores. El retrato recordó los mejores retratos infantiles de la pintura rusa de la segunda mitad del siglo XIX en la memoria del crítico de arte soviético. Observó los ojos castaños, pensativos, atentos y claros de la niña, el peculiar ajuste de la figura flexible de la niña "con un cuello maravilloso, de líneas suaves" [29] .
La doctora en artes Ida Hoffman comparó la pintura " Niña y porcelana " (1916) de Alexander Golovin y "Retrato de Vari Adoratskaya" de Nikolai Feshin . Los elementos comunes para ellos los llamó decoración y trama: niños y una naturaleza muerta colorida sobre la mesa. Al mismo tiempo, cada artista, en su opinión, resolvió esta trama a su manera. Feshin representa una situación condicional e inventada: una niña está sentada en una mesa entre un pintoresco desorden de platos sucios y frutas esparcidas. Ella es el objeto principal de la atención del artista. Cosas, flores, libros, cuadros en las paredes: estos puntos brillantes se ubican alrededor de su figura en un vestido ligero, creando una atmósfera peculiar del mundo del niño. La felicidad sin nubes no se siente en el rostro de Vari, no es infantilmente serio y ansioso. Esta imagen, desde el punto de vista de un historiador del arte, es cercana a Frosa en la pintura de Golovin [30] .
Con una interpretación similar para su lienzo, Golovin eligió, desde un punto de vista artístico, la siguiente solución. La niña en la pintura del artista está incluida en la composición de color general del lienzo como uno de sus componentes. La pequeña figura de una niña de cinco años no se coloca sobre la mesa, como en Feshin's, sino sobre la mesa, sobre la cual se encuentra una gran masa de costosas flores y porcelana coleccionable. El rostro de Frosya, a instancias del artista, está al nivel de una naturaleza muerta. El retrato es transformado por el artista en una performance, donde los actores, junto con la niña, son flores y cosas. El artista seleccionó cuidadosamente los objetos y pensó en la composición (los objetos están ordenados según el tamaño, la forma y el color). Al colocar un espejo en la parte posterior, el artista duplicó el número de objetos sobre la mesa, al mismo tiempo que aumentaba la impresión de esta masa de cosas bellas [30] .
El historiador del arte A. B. Fainberg señaló en su libro “Artistas de Tataria”, publicado en 1983, el talento de Feshin como colorista aplicado a la pintura. El artista, en su opinión, logró crear un esquema de color sutil, que está dominado por un color gris perla, animado por estallidos brillantes de manchas azules, amarillas y rojas. La imagen misma de Vari "está inspirada en la actitud cuidadosa del artista hacia el modelo" [31] .
En el artículo "El regreso de Varenka", el crítico de arte de Kazán, Trabajador de Cultura de Honor de la República de Tatarstán A. I. Novitsky señaló la "bestialidad" de los rostros masculinos y la "estupidez de las fisonomías femeninas" en las pinturas de Nikolai Feshin. En su opinión, el esteticismo del artista prevalece sobre la psicología. Novitsky estimó "Retrato de Vari Adoratskaya" como casi el único pico en el trabajo de Feshin [32] [7] .
El artista y crítico de arte S. N. Voronkov escribió que la composición de la pintura se basa en los contrastes, la armonía y la calma en la imagen de una niña que resiste el caos de una naturaleza muerta sobre la mesa (en su opinión, esto podría ser un reflejo de la eventos que tenían lugar en ese momento en Rusia). La figura de una niña se representa en detalle y materialmente, a diferencia de una naturaleza muerta incompleta . El retrato es delicado en color y pintura. Se distingue por "hecho", frescura, aparente facilidad de ejecución y moderación del temperamento pictórico, que no siempre es característico de Feshin. Voronkov consideró que la asimetría compositiva de la pintura era característica de la era del Art Nouveau . El equilibrio, a pesar de la asimetría, se logra mediante contrastes en la textura de los trazos, contrastes de color y tono, diferentes estilos, debido a la correlación de tonos claros y oscuros (el tamaño y las proporciones cuantitativas de las manchas de color calculadas por el artista desempeñaron su papel) . Debido a esto, la atención del espectador se centra en el rostro de la niña (aunque su cabeza está desplazada del centro geométrico , y la naranja en las manos de Vari resulta ser el centro geométrico) [33] .
El despliegue de la mesa y la "ruptura de la pared por el alféizar de la ventana" realzan la profundidad del espacio. Según Voronkov, el artista dictaba al espectador una compleja trayectoria de movimiento ocular al considerar el lienzo. La naturaleza muerta desempeña el papel del centro pintoresco del lienzo "Retrato de Vari Adoratskaya". De él, la mirada del espectador se traslada a la niña. Los ojos azules de la niña no son infantilmente serios, en ellos el espectador siente su interés por el mundo [33] . Desde la figura de Vari, la mirada del espectador se traslada a las miniaturas y dibujos en la pared, a las flores en el alféizar de la ventana y nuevamente vuelve a la naturaleza muerta (pintada de forma pintoresca, rica, pastosa, la pincelada texturada aquí se combina con un fino acristalamiento pintura al estilo del académico francés del siglo XIX Jean Auguste Dominique Ingres , utilizó lienzo blanco efecto resplandor). Dentro de este, según Voronkov, un movimiento circular imaginario de la mirada, hay una pared gris claro (pintada con una flauta ancha y translúcida ). No se percibe como vacío, sino que expande el espacio y da una "salida" de la imagen. La gama pintoresca se basa en gradaciones de tonos claros. Voronkov percibe el color blanco (vestido y mantel) como un símbolo de pureza y pureza. Orange gamma (naranjas y sus cáscaras, flores de begonia en el alféizar de la ventana , color escarlata de los labios de la niña), como la alegría de la infancia. También hay ultramar con sus matices (taza y platos azules sobre la mesa, platillo azul en el alféizar de la ventana, azul de los ojos de la niña). Pintura negra (zapatos negros, tetera, caja sobre la mesa, cabello de muñeca, coletas de niña, alfiletero , marco en miniatura, macetas en el alféizar de la ventana), como una escala de naranja, da vueltas alrededor del lienzo. Esta es una de las razones de la unidad de la composición del cuadro [34] .
Una miniatura en un marco oscuro en la pared es un color estable dominante en el eje vertical y un "puente" entre la cabeza de Vari y el alféizar de la ventana, formando una línea diagonal. Voronkov señaló que, a pesar de la aleatoriedad de los objetos representados, "no se puede quitar ni agregar nada a la imagen sin comprometer la composición". El artista creó la composición del retrato, teniendo en cuenta su percepción por parte del espectador (el color y su impacto emocional juegan un papel importante). Cuando se le da la vuelta a la composición, según Voronkov, perderá su equilibrio y significado. El crítico de arte ruso consideró la pintura "Retrato de Vari Adoratskaya" un ejemplo de habilidad compositiva y pictórica, basada en la intuición y el análisis del artista [34] .
El candidato a historia del arte Anton Uspensky señaló que la pintura "se simplifica y aplana durante la reproducción , la perforación del equilibrio emocional adquirido en la imagen desaparece, la luz gris plateada se apaga" [35] . Ouspensky llama la atención sobre algunos detalles curiosos, desde su punto de vista:
El candidato a crítico de arte D. G. Seryakov evaluó la imagen como una obra de Art Nouveau [36] . Señaló que el plano de la pared gris claro enfatiza la convencionalidad del espacio visual. El colorido del retrato es moderado, se basa en combinaciones de varios tonos de blanco y gris, pero las macetas con flores, los platos en la mesa y las frutas están pintadas de manera brillante y jugosa. El cabello oscuro de la niña, los zapatos negros y una tetera de metal sobre la mesa también contrastan con el fondo de la pared. Seryakov enfatiza el uso del artista de fragmentos oscuros hechos con trazos de ultramar, cuando Feshin usa un efecto óptico original (mezclando: a distancia, el ultramar se fusiona con colores adyacentes en un tono, pero cuando se acerca crea fuertes contrastes). Feshin usó este efecto cuando representó el cabello y los ojos marrones de la niña. Seryakov cree que en esta imagen Feshin se refiere al efecto de incompletitud intencional ("non-finito"), pero aquí este efecto tiene un "sonido más moderado" que en sus otras pinturas, "gravita hacia la convencionalidad natural de la manera pictórica". [37] .
Según Seryakov, cuando se usa "no finito", las formas generales de la imagen en el "Retrato de Vari Adoratskaya" se "leen" bien, pero tras un "examen detallado, las pinturas comienzan a vibrar y en algunos lugares se desmoronan en un caótico grueso de trazos”. Él cree que la pintura de Nikolai Feshin es un ejemplo vívido del hecho de que "non-finito", "siendo una exageración de las convenciones naturales del lenguaje pictórico (donde hay invariablemente una selección artística de lo principal de lo secundario, y la expresividad del elemento técnico inicial - una pincelada colorida - vive naturalmente en común la estructura de la imagen), puede manifestarse no solo como un camino directo al crecimiento del principio abstracto en el trabajo, sino también como un enfoque estilístico inherente a la forma realista de representación en general” [36] .
G. P. Tuluzakova escribió que desde la primera aparición en exposiciones, el público involuntariamente asoció la pintura de Nikolai Feshin con la famosa pintura de V. A. Serov "Niña con melocotones". Dos obras tienen mucho en común: el objeto de la imagen, los medios expresivos, el estado de ánimo (la atmósfera de equilibrio, armonía y felicidad [38] [39] [40] ). Tuluzakova señaló que hasta finales de los siglos XIX y XX, a los niños no se les daba mucha importancia en las artes visuales. En las pinturas "Niña con melocotones" de Valentin Serov y "Retrato de Vari Adoratskaya" de Nikolai Feshin, los autores capturaron la imagen de "la esperanza de un tiempo cansado y enfermo plagado de catástrofes sociales" [40] , "un soplo de aire limpio en medio del escepticismo y la desilusión, este deseo de ganar claridad en medio de las dificultades y contradicciones” [11] .
Según G. P. Tuluzakova, "Retrato de Vari Adoratskaya" no es una repetición de una pintura anterior de Valentin Serov, sino una variación del artista sobre el tema de su predecesor. Feshin representó a la niña sentada en la mesa, lo que la convierte en parte de la "exquisita naturaleza muerta". Esto le permite al autor enfatizar "la gracia natural, la ternura de la plasticidad del cuerpo del niño". El artista pinta cuidadosamente los detalles de la naturaleza muerta, que se percibe de manera bastante realista de acuerdo con la imagen del retrato de la niña. La situación representada en la imagen, según Tuluzakova, es artificial, pero el espectador la percibe de manera bastante orgánica. Tuluzakova, como otros historiadores del arte, enfatiza que la composición de la pintura es asimétrica: la figura de la niña se aleja del eje central del lienzo. Al mismo tiempo, el rostro de la heroína está en la parte ópticamente activa del lienzo [11] .
Los detalles interiores, como una ventana con macetas, miniaturas en la pared, platos y frutas representados en la mesa, según Tuluzakova, tienen un doble significado. Por un lado, estos son los atributos de la vida cotidiana, recreando la atmósfera de confort familiar. Por otro lado, estos artículos son importantes acentos de color y textura. El estado de ánimo del lienzo corresponde al color tranquilo del fondo con una variedad de tonos y matices de gris. Tuluzakova señala que este color en la pintura “adquiere las cualidades de nácar, joyas” [8] .
El artista utiliza colores contrastantes e intensos: naranja, amarillo y azul. La disposición de las manchas de color enfatiza el ritmo de la imagen: el cabello castaño claro [Nota 2] de la niña , naranjas naranjas sobre la mesa y en sus manos, flores naranjas en el alféizar de la ventana. El límite de los tonos fríos del cuadro es el negro, el límite de los colores cálidos es el amarillo. El punto más brillante de la imagen es el vestido de la niña. Adquiere calidez en contraste con la pared fría [8] .
El pincel de Nikolai Feshin es bastante comedido, pero la naturaleza muerta muestra la expresividad característica de su obra. Los trazos descuidados (por eso son en relieve y libres) transmiten no solo la forma de los objetos, sino también las cualidades materiales de los materiales: la plata de la tetera, la transparencia del jarrón, la textura de las naranjas o las uvas . Espectacular, según Galina Tuluzakova, es la imagen de un vaso: el artista pasó una espátula sobre la pintura aún húmeda y logró el efecto del vidrio. A través de él, brillan las frutas que están sobre la mesa. En el desorden de objetos esparcidos sobre la mesa, Tuluzakova ve la comodidad del ambiente hogareño, así como la oportunidad de demostrarle al espectador un efecto decorativo memorable. Un cuadro es una obra en la que el contenido y la parte formal no pueden separarse [8] .
La crítica de arte y poetisa Larisa Davtyan escribió que inicialmente percibió a la heroína de la imagen como "una muñeca enorme con un rostro muy humano", ya que la niña se sienta en la mesa en pleno crecimiento. En su opinión, esto no es solo un mal gusto, sino un peligroso desafío a la noción sagrada de que “la mesa es el trono de Dios ”. A raíz de esto, se dio cuenta de que no se trataba de la interpretación del papel de una muñeca (como Suok de " Three Fat Men " de Yuri Olesha ), ya que la expresión de la chica es seria, claramente siente la incomodidad de estar en semejante podio . En la mirada de Varya Adoratskaya, Davtyan leyó la pregunta desconcertada de un niño a adultos extraños: "¿Y por qué me pusiste aquí?" La niña sentada sobre la mesa, según el crítico, no tiene ese equilibrio interior que está presente en la niña balanceándose sobre la pelota en el cuadro de Pablo Picasso [41] .
Larisa Davtyan notó el desafío y la provocación artística en la pintura de Feshin, si no en el estilo de Picasso, sí en la propia manera de Feshin de extraer disonancias en un nivel subconsciente profundo , demostrando altas exigencias en un modelo joven, falta de condescendencia y tolerancias para la edad. Delineó el mundo de la infancia en los elementos de decoración, y no en la expresión de descuido en el rostro de un niño [42] .
La pintura “ Iya con un melón ” (1923, durante mucho tiempo la pintura estuvo en la colección y exhibida en la Galería Forrest Fenn, Santa Fe , EE. UU.), según Tuluzakova, es una paráfrasis del “Retrato de Vari Adoratskaya” . Desarrolla una línea de retratos compositivos al aire libre e interiores de Feshin y se relaciona con los retratos del período ruso de su obra. La hija del artista (futura bailarina estadounidense , terapeuta de arte y crítica de arte Iya Feshina ) está sentada en la mesa. En sus manos tiene un melón de nuez moscada cortado . Junto a la niña, el artista colocó un bodegón que representaba manzanas , peras , ciruelas , piñas y ramos de flores. Las frutas están pintadas en colores marrones del negro al amarillo y son las primeras en llamar la atención del espectador. El fondo es cortinas . La figura de la niña, como en el "Retrato de Vari Adoratskaya", se desplaza hacia un lado, su rostro está medio vuelto, sus ojos están bajos. La niña corresponde a un esquema de color diferente, el cual está formado por un fondo blanco grisáceo, un mantel, un vestido, el cabello dorado y la delicada piel de Ii. El contraste de colores revela, según Tuluzakova, su fragilidad, "casi intangibilidad". Al mismo tiempo, cree que el retrato de Iya no se percibe como una imagen generalizada de la infancia o la encarnación de la esperanza de la época, como el retrato de Vari Adoratskaya, aunque sus tareas pictóricas son más complejas [43] [44 ] .
| Pinturas de Nikolai Feshin | |
|---|---|
| |