Wong Karwai | |
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王家衛 | |
Wong Karwai | |
Fecha de nacimiento | 17 de julio de 1958 [1] [2] [3] […] (64 años) |
Lugar de nacimiento | |
Ciudadanía | |
Profesión | director de cine , guionista |
Carrera profesional | 1988 - presente en. |
Premios |
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IMDb | identificación 0939182 |
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Wong Kar-wai ( jer. 王家衛, cant. -ruso. Won Kawai , chino-ruso. Wang Jiawei ; inglés Wong Kar-wai ; 17 de julio de 1958 , Shanghái , China ) - director de Hong Kong New Wave , conocido por su lenguaje cinematográfico poético , brillantemente manifestado en películas como Hasta que las lágrimas estén secas (1988), Días salvajes (1990), Cenizas del tiempo (1994), Chungking Express (1994), Ángeles caídos (1995), Felices juntos(1997), 2046 (2004) y Gran Maestro (2013). Su película In the Mood for Love (2000) recibió elogios generalizados de la crítica mundial.
Las películas de Wong suelen tratar sobre románticos que buscan el amor en la fugacidad de la vida. Sus historias se muestran a través de escenas borrosas y embriagadas que contienen ricas imágenes [5] .
Wong Karwai nació el 17 de julio de 1958 en Shanghai como el menor de tres hijos en una familia. [6] [7] Su padre era marinero y su madre ama de casa. [8] Para cuando Wong tenía cinco años, la Revolución Cultural había comenzado a barrer China . Los padres de Karwai deciden mudarse a Hong Kong [9] , controlado en ese momento por el Imperio Británico , pero logran llevarse solo a Karwai con ellos. Se suponía que el resto de los niños se reunirían con la familia más tarde, pero las fronteras de Hong Kong con la República Popular China se cerraron rápidamente y Karwai se separó de ellos durante 10 años. [10] [11] En Hong Kong, la familia Wong se instaló en Tsim Sha Tsui , donde el padre de Kar Wai se convirtió en gerente de un club nocturno local. [9] Karvai, una vez en la nueva ciudad, se sintió aislado. Hablando en su mandarín nativo , Karwai se esforzó por aprender cantonés e inglés, pero solo los aprendió con fluidez en su adolescencia. [12]
Mientras Karvay crecía, su madre lo llevaba a menudo al cine para ver una gran variedad de películas. [9] El propio Wong dijo más tarde: "El único pasatiempo que tenía era ver películas". [13] Mientras estaba en la escuela, Wong se interesó en el diseño gráfico y recibió su título en diseño gráfico de la Universidad Politécnica de Hong Kong en 1980. Después de graduarse, Wong fue aceptado para recibir capacitación en Television Broadcasts Limited , donde estudió medios . [12]
Después de graduarse, Wong comenzó a escribir guiones, primero para series de televisión y telenovelas, pero luego para largometrajes. [14] Wong trabajó para un equipo al que le gustaba mezclar géneros: suspenso, comedia, romance y crimen. Wong tenía poco interés en estos proyectos: el estudioso del cine Harry Bettinson los describió más tarde como "a veces divertidos pero generalmente inútiles". Sin embargo, Wong continuó escribiendo guiones para películas como Rose (1986). [9] A Wong se le acredita como el guionista oficial de 10 proyectos creados entre 1982 y 1987, pero afirma haber escrito unos cincuenta más extraoficialmente. [15] El trabajo más exitoso de la época fue el guión que Wong escribió con su colega director de Hong Kong, Patrick Tam , para la película The Last Victory (1987). [16] Wong fue nominado a la séptima edición de los Hong Kong Film Awards por su guión . [17]
Hasta que las lágrimas se sequenEn 1987, la industria cinematográfica de Hong Kong estaba en su apogeo, floreciendo y estrenando muchas películas. [13] Se necesitaban nuevos directores para mantener el éxito. Wong fue invitado a la nueva compañía independiente In Gear , donde tuvo la oportunidad de dirigir su propia película. Durante este tiempo, las películas de gánsteres eran populares en Hong Kong, la más exitosa de las cuales fue Bright Future de John Woo . Wong decide seguir la moda. [13] [16] Sin embargo, a diferencia de otros directores de cine policiaco, Wong decide hacer una película no sobre gánsteres maduros, sino sobre gánsteres jóvenes. [16] La película, titulada Hasta que las lágrimas se sequen , cuenta la historia de dos gánsteres, uno de los cuales se mete en problemas todo el tiempo, mientras que el otro tiene que rescatarlo. [Comentario 1]
A través del productor Alan Tang , con quien Wong estaba íntimamente familiarizado, a Wong se le dio libertad creativa. [18] Al hacer el casting, Wong eligió lo que llamó "los ídolos más populares de Hong Kong": Andy Lau , Maggie Cheung y Jackie Cheung . [13] La película, estrenada en junio de 1988, fue bien recibida por el público y aclamada por la crítica. Wong mismo se estableció como el director de Hong Kong New Wave . [16] Aunque la película era estándar para su género , [19] el renombrado estudioso de cine David Bordwell la describió más tarde como "Wong fue más allá de sus contemporáneos, yendo más allá de las comedias y las películas de acción en favor de una atmósfera más rica y flexible. " . [20] En el momento de su estreno, la película no recibió elogios de la crítica occidental, pero fue seleccionada para la sección Quincena de Realizadores del Festival de Cine de Cannes de 1989 . [21]
En su próxima película, Wong decide alejarse de hacer películas policíacas, que no le interesaban. Wong quería hacer algo un poco más innovador, y el éxito de Hasta que las lágrimas se sequen le dio esa oportunidad. [16] Trabajando en un proyecto más personal que su película anterior , [22] Wong eligió los años sesenta como escenario, una época que Wong recordaba bien y sobre la que tenía muchos recuerdos y sentimientos. [23] Los días salvajes hablan de un joven desilusionado con el mundo. Esta película no tiene una trama clara y consistente y una fórmula de género clara. [24] Más tarde, el estudioso del cine Steven Theo llamó al leitmotiv principal de la película "lujuria de amor". [23] La película nuevamente fue protagonizada por Andy Lau, Maggie y Jackie Cheung, y protagonizada por Leslie Cheung . [25] El director de fotografía fue el australiano Christopher Doyle , con quien Wong trabó amistad. [26]
Debido al elenco estelar, se esperaba que la película llegara a la corriente principal , pero demostró estar más concentrada en su atmósfera que en su trama. [13] [27] Estrenada en diciembre de 1990, no logró recaudar en la taquilla y recibió críticas mixtas de los críticos. [16] Sin embargo, la película ganó cinco premios en los Premios de Cine de Hong Kong de 1991, incluyendo Mejor Película y Mejor Director. Además, la película atrajo la atención de algunos críticos internacionales. [28] Con sus fuertes temas de tiempo perdido y amor perdido, así como una cinematografía expresiva, el erudito de Wong Peter Brunett ha llamado a la película "el primer trabajo real de Wong Kar-wai". [29] Hoy, Wild Days es considerado un clásico del cine de Hong Kong. Sin embargo, el fracaso que se apoderó de la película inmediatamente después de su lanzamiento fue recibido con dureza por el propio Wong, y no pudo encontrar fondos para la secuela que planeaba. [13] [30]
Cenizas del tiempoTratando de encontrar ayuda financiera para su próximo trabajo, Wong, junto con el también productor de Hong Kong Jeff Lau , fundó su propia compañía, Jet Tone Films. [31] Los patrocinadores le ofrecen a Wong hacer una película wuxia basada en la novela de Jin Yun The Magic Eagle and the Comrade Knight. [13] [32] Wong aceptó con entusiasmo la oferta, ya que durante mucho tiempo había querido hacer un drama de época. [13] A pesar de esto, tomó poco de la fuente literaria, solo los nombres de tres personajes. [33] A partir de 1992, Wong comenzó a experimentar con diferentes argumentos que pondría en su próxima película. Wong llamó a su experimento "El tapiz intrincadamente cosido". [34] Maggie, Jackie y Leslie Cheung fueron elegidas nuevamente. Se les unirán nuevos actores: Brigitte Lin , Carina Lau , Charlie Yang , Tony Leung Ka Fai y Tony Leung Chu Wai , quienes se convertirán en amigos cercanos de Wong. [35]
Ashes of Time se desarrolla durante la dinastía Song . La película trata sobre un asesino ermitaño que es contratado por varios personajes mientras él mismo atraviesa un intenso trauma psicológico. [36] Fue un proyecto muy difícil que tardó dos años en completarse y requirió un gran presupuesto de 47 millones de dólares de Hong Kong . [37] Cuando se estrenó la película en septiembre de 1994, [32] al público no le gustó la trama intrincada y el tratamiento suelto del género wuxia. [38]
La crítica de cine Martha P. Nochimson calificó la película como "la película de artes marciales más inusual ", ya que el desarrollo rápido y efectivo de la trama se reemplaza por escenas de autorreflexión del héroe, y la historia en sí misma se vuelve secundaria a la expresividad del color, los paisajes y la puesta en escena. -en-escenas. [39] Aunque Ashes of Time fue un fracaso comercial, [40] los críticos elogiaron los intentos de Wong de trascender las convenciones del género. [34] La película ganó varios premios locales y fue enviada al Festival de Cine de Venecia , donde Christopher Doyle ganó el premio a la Mejor Fotografía. [22] [41] En 2008, Wong reelaboró la película y lanzó una versión del director, bajo el título en inglés Ashes of Time Redux. [Comentario 2]
Durante el largo trabajo de Ashes of Time, el equipo de filmación se tomó un descanso de dos meses para esperar el equipo de grabación necesario. [42] Wong estaba deprimido, sintiendo una fuerte presión de sus patrocinadores y preocupado de que fracasaría de nuevo. [43] Wong decide comenzar un nuevo proyecto: “Pensé que debería hacer algo que me diera la fuerza para hacer más películas. Así que filmé Chungking Express de la forma en que filmaría una película de estudiantes". [13] Desarrollada y filmada en seis semanas, la nueva película se completó y estrenó dos semanas antes de que se estrenara Ashes of Time. [10] [44]
Chungking Express se divide en dos novelas ambientadas en el Hong Kong contemporáneo. Ambas novelas tratan sobre policías ( Takashi Kaneshiro y Tony Leung Chu Wai) que están enamorados de diferentes chicas (Bridget Lin y Wang Fei ). [45] So Wong quería experimentar y conectar dos historias superpuestas en una sola película [44] mientras trabajaba de forma espontánea: rodando durante el día las escenas que se escribieron la noche anterior. [13] Peter Brunett señala que aunque Chungking Express cubre los mismos temas dramáticos que las otras películas, tiene un estado de ánimo significativamente más ligero que todos los trabajos anteriores de Wong. [42] En 1995, Chungking Express ganó el premio a la Mejor Película en el Festival de Cine de Hong Kong, y el propio Wong recibió el premio al Mejor Director. [46] Mientras tanto, Miramax también se interesó en la película y comenzó a prepararla para su estreno en Estados Unidos. Según Brunette, en este punto "Wong fue catapultado al reconocimiento internacional". [22] Stephen Schneider, incluyó a Chungking Express en su libro 1001 películas que debes ver antes de morir, con el siguiente comentario: "Mientras que las otras películas de Wong están llenas de resonancia emocional, Chungking Express está llena de pura inocencia y libertad, un triunfo sorprendente. del estilo sobre la trama". [47]
Ángeles caídosWong continuó trabajando sin parar, desarrollando el tema de los "raros" del Hong Kong contemporáneo. Chungking Express se dividió originalmente en tres historias, pero debido a limitaciones de tiempo, la tercera historia tuvo que convertirse en una película separada, llamada Fallen Angels . [48] Aunque la película trata sobre otros personajes, Wong considera que Chungking Express y Fallen Angels son una sola "exploración de la vida de Hong Kong". Wong dijo más tarde: "Para mí, Chungking Express y Fallen Angels son una película que dura tres horas". [13]
Fallen Angels contiene escenas explícitas de violencia y se considera un thriller criminal. Sin embargo, Wong también fue más allá de las convenciones del género aquí: dos historias separadas de la película también se entrelazan, y las escenas fragmentarias están llenas de imágenes coloridas y ricas. [49] [50] La película se desarrolla principalmente de noche y refleja el lado oscuro de Hong Kong. De esta manera, Wong contrasta intencionalmente la oscura realidad de los Ángeles Caídos con la brillante realidad del Chungkink Express . Wong dijo sobre estas películas: "Es justo mostrar ambos lados de la moneda". [13] Para los papeles en Fallen Angels , fueron invitados tanto actores que ya habían trabajado en proyectos anteriores (Takeshi Keshiro y Charlie Yang) como nuevos: Leon Lai , Michelle Race y Karen Mock . Después del lanzamiento de Fallen Angels en septiembre de 1995, varios críticos llamaron a la película demasiado similar a Chungkink Express , y el propio Wong se envaneció. [51] Los historiadores de cine Zhang Yingjin y Xiao Zhiwei le dieron a la película la siguiente evaluación: "Aunque la película no es tan innovadora como los trabajos anteriores, sigue siendo lo suficientemente innovadora como para confirmar el derecho de Wong a permanecer en el escenario internacional". [52] Desde su lanzamiento, Fallen Angels se ha convertido en una de las mejores películas de Wong, junto con Chungking Express e In the Mood for Love.
La fama de Wong Kar-wai, que había crecido rápidamente a principios de la década de 1990, finalmente se consolidó en 1997 con el lanzamiento de su drama romántico Happy Together . [53] El desarrollo de la película tuvo lugar durante el traspaso de Hong Kong del Reino Unido a la República Popular China , que tuvo lugar en 1997. Se esperaba que Wong cubriera este evento en su próxima película, pero decide trasladar el escenario a Argentina . [54] [55] La transferencia de Hong Kong causó muchos problemas sociales, incluso en relación con el movimiento LGBT. Compasivo con estos temas, Wong decide centrarse en la relación de los dos hombres para su nueva película. [56] [Comentario 3] Wong trató de presentar tales relaciones como mundanas, ya que las películas de otros directores no revelaban suficientemente el tema LGBT . [57]
Happy Together cuenta la historia de una pareja del mismo sexo (Tony Leung Chu Wai y Leslie Cheung) que viajan a Buenos Aires para salvar su relación. Wong trató de cambiar su propio estilo y la estructura de las películas que ya le eran familiares, para no parecer predecible. [13] Steven Theo, Peter Brunett y su compañero crítico de cine Jeremy Tumbling señalan que Happy Together difiere significativamente de las películas anteriores de Wong: la trama es más lineal, la película presenta solo tres personajes sin mujeres y, a pesar de que la cinematografía es de Christopher Doyle siguió siendo el mismo "florido", se volvió mucho más sobrio. [58] [59] Después de un difícil período de filmación que se extendió de seis semanas a cuatro meses, la película se estrenó en mayo de 1997 con gran éxito de crítica. [60] La película fue enviada al Festival de Cine de Cannes , donde se suponía que competiría por la Palma de Oro . En el festival, Wong Kar-wai se convirtió en el primer director de Hong Kong en ganar el Premio al Mejor Director . [61]
En el estado de ánimo para el amorEn su monografía de 2005, Peter Brunett señala que Happy Together marcó un nuevo hito en el estilo de Wong, y su próxima película, In the Mood for Love, consolidó su éxito revolucionario. Según Brunette, Wong se encontró en el "cenit de su arte cinematográfico". [62] La película In the Mood for Love estuvo en producción durante dos años: Wong no pudo decidir sobre el título y sus planes para la película durante mucho tiempo. Como resultado, Wong decidió que el nuevo proyecto sería un melodrama romántico [63] y sería una secuela no oficial de Wild Days [64] [Comentario 4] , y la acción volvería a tener lugar en los años 60. Así, Wong decide volver a un período especial para él y concentrarse en el importante tema de la emigración de Shanghái. [65] [66]
La película comienza en 1962: Maggie Cheung y Tony Leung Chu Wai interpretan a dos inquilinos que acaban de mudarse a un edificio de apartamentos , en habitaciones contiguas. Más tarde, se dan cuenta de que sus cónyuges los están engañando y ellos mismos tienen sentimientos el uno por el otro que se desarrollan durante cuatro años. Stephen Theo llamó a su relación un modelo de "moderación china y deseo reprimido", [67] y Stephen Schneider notó cómo la "relación extraña" de los personajes está "coreografiada con un elegante ritmo de vals" y capturada en "la neblina brumosa de un espionaje". cámara." [68]
El rodaje de la película duró 15 meses y agotó al equipo de filmación. [69] Wong filmó 30 versiones de la película y no terminó de editar hasta la mañana del estreno de la película en el Festival de Cine de Cannes . [70] In the Mood for Love recibió dos premios: el Gran Premio Técnico y el Premio al Mejor Actor para Tony Leung. [71] In the Mood for Love fue nombrada "Mejor Película Extranjera" por la Sociedad Nacional de Críticos de Cine . La Academia Británica de Cine y Televisión nominó la película en la misma categoría. [72] Wong dijo: " In the Mood for Love es la película más difícil de mi carrera hasta ahora, pero al mismo tiempo una de las más importantes, estoy muy orgulloso de ella". [73] Desde su estreno, In the Mood for Love ha sido incluida en varias listas de las mejores películas de todos los tiempos. [74] [75]
La siguiente película, 2046 , fue concebida antes de In the Mood for Love, pero se convirtió en su secuela [76] ya que llevó el doble de tiempo producirla. [77] El título de la película es una referencia al compromiso de la República Popular China de extender la política " Un país, dos sistemas " a Hong Kong hasta 2046. [Comentario 5] Tan pronto como se completó In the Mood for Love , Wong usó el metraje filmado para 2046 en diciembre de 1999 e inmediatamente comenzó a trabajar en él, agregando material nuevo. Wong estaba obsesionado con esta película. [76] Sin embargo, fue un proyecto muy pesado y, según Gary Bettinson, la película "se convirtió en un gigante pesado". [78]
2046 continúa la historia de Chow Mo-wang, el protagonista de In the Mood for Love , pero en la nueva película su personaje ha cambiado: se ha vuelto mucho más de sangre fría. [77] [79] Wong no quería separarse de este personaje, por lo que el punto de partida de la película fue 1966. Sin embargo, argumentó Wong, "esta es una historia completamente diferente, la de un hombre que se encuentra con su futuro a través del prisma de su pasado". [80] Los planes de Wong para la producción de la película eran bastante vagos: según Stephen Theo, Wong "estableció un nuevo récord en el pensamiento libre, la extensión del tiempo y la improvisación". [81] La película fue filmada en Beijing , Shanghái , Hong Kong , Macao y Bangkok . [64] La película se estrenó en el Festival de Cine de Cannes de 2004 , pero Wong envió una copia de la película solo 24 horas después del estreno y aún no estaba contento, y continuó editándola hasta su estreno en octubre. [82] 2046 se convirtió en el proyecto más caro y de mayor duración de Wong hasta la fecha [83] y fue un fracaso comercial en Hong Kong. [84] Sin embargo, muchos críticos occidentales elogiaron la película. [85] Ty Burr , un destacado crítico que escribe para The Boston Globe , describió la película como "una misteriosa y entusiasta reflexión sobre el amor y la memoria", [86] mientras que el crítico Steve Erickson de Los Angeles Magazine calificó la película como una obra maestra. [87]
Eros y mis noches de arándanosAntes de comenzar a trabajar en su próxima película, Wong contribuyó a la antología Eros , dirigiendo uno de los tres cortometrajes. Los otros dos fueron dirigidos por Michelangelo Antonioni y Steven Soderbergh . El tema de la película de Wong era la lujuria. La película se titula The Hand y está ambientada en la década de 1960 en torno a una prostituta interpretada por Gong Li y un sastre interpretado por Chang Chen . La antología de Eros no tuvo mucho éxito entre la audiencia, pero el segmento de Wong se considera el más exitoso. [88]
Cansado del arduo trabajo de 2046, Wong quería que la siguiente película fuera ligera e inspiradora. [89] Wong decide hacer la película en inglés y filmarla en Estados Unidos, [90] explicando su elección después: "Es una nueva tierra y un nuevo entorno que es refrescante". [91] Después de que Wong escucha una entrevista con la cantante Norah Jones en la radio , inmediatamente decide contactarla y ofrecerle el papel principal. [Comentario 6] La visión de Wong de Estados Unidos se componía de viajes cortos y lo que veía en las películas, pero sin embargo, uno de sus objetivos era reflejar de manera precisa y creíble la cultura estadounidense. [89] [92] Como resultado, el guión de la película no solo se preparó de antemano, lo cual es inusual para Wong, sino que también se escribió con el escritor estadounidense Lawrence Block . [90] La película, que se tituló My Blueberry Nights , trata sobre una chica de Nueva York que, después de enterarse de que su novio la ha estado engañando, viaja por todo Estados Unidos, metiéndose en varias historias. La película también está protagonizada por Jude Law , Natalie Portman , Rachel Weisz y David Strathairn .
El rodaje comenzó en 2006, duró siete semanas y tuvo lugar en Manhattan , Memphis , Ely y Las Vegas . [90] Wong usó los mismos métodos de producción que sus películas de Hong Kong, [93] ya pesar de que Darius Hongji reemplazó a Christopher Doyle como director de fotografía , visualmente la película difiere poco de sus trabajos anteriores. [89] [94] La película se presentó en mayo de 2007 en el Festival de Cine de Cannes y fue nominada a la Palma de Oro. [95] Wong llamó a la película una "experiencia especial" [90] pero los críticos se sintieron decepcionados, citando "un trabajo duro con material sutil". [11] Así , My Blueberry Nights fue el primer fracaso crítico de Wong. [96] [97]
La siguiente película de Wong, The Grand Master , se estrenó en 2013. La gran oportunidad se debió al largo desarrollo de una nueva película, que se suponía que sería una película biográfica sobre el maestro de artes marciales Ip Man . Wong tuvo la idea de esta película en 1999, pero Wong solo comenzó a trabajar en ella después de que terminó My Blueberry Nights. [10] Ip Man es un legendario artista marcial de Hong Kong [98] que enseñó a Bruce Lee el arte del Wing Chun . Wong decide centrarse en un período anterior de su vida (1936-1956), que refleja los terribles acontecimientos de la Guerra Sino-Japonesa y la Segunda Guerra Mundial . [10] [99] [Comentario 7] Según Wong, quería hacer una "película comercial y colorida". [100] Después de una cuidadosa preparación, el rodaje comenzó en 2009. [100] Ip Man fue interpretado por Tony Leung Chu Wai, quien se entrenó en Wing Chun durante 18 meses antes de filmar. The Grand Master fue la séptima película de Wong en la que participó. Zhang Ziyi interpretó el papel de Gong Er, la hija de Yip Man. [10] [101] La agotadora producción continuó intermitentemente durante tres años, interrumpida dos veces debido a la lesión en la mano de Tony Leung. The Grand Master se convirtió en la película más cara de Wong hasta la fecha. [diez]
Según Bettinson, el Gran Maestro es una mezcla de género y cine de autor. [102] Existen tres versiones de la película, ya que Wong tuvo que cortarla dos veces, primero para el Festival de Cine de Berlín , luego para distribución estadounidense por The Weinstein Company . [100] [Comentario 8] La revista Slant calificó a The Grand Master como la más accesible de todas las películas de Wong para el público no sofisticado. [103] El Gran Maestro ganó doce Premios de Cine de Hong Kong, incluyendo Mejor Película y Mejor Director , [104] y fue nominado a dos Premios de la Academia por Cinematografía y Mejor Diseño de Producción. [105] La película también fue bien recibida por la crítica, [106] y la recaudación mundial de 64 millones de dólares la convirtió en la película más taquillera de la carrera de Wong hasta la fecha. [100] [107]
Próximos proyectosEn septiembre de 2017, Amazon Video anunció planes para un drama televisivo , Tong Wars , dirigido por Wong Kar-wai. La serie tratará sobre las guerras de pandillas callejeras de San Francisco que tuvieron lugar en el siglo XIX [108] .
La próxima película de Wong se llamaría Blossom y se basaría en un libro de Jin Youcheng, que cuenta varias historias que tuvieron lugar en Shanghai desde la década de 1960 hasta la década de 2000 [109] . La película estaba programada para estrenarse en 2025. El propio Wong, en una entrevista para la revista The Independent , dijo que "se siente solo a la mitad" [10] . Sin embargo, en agosto de 2020, se supo sobre un cambio de planes: basada en la novela de Jin Yucheng, se filmará una serie de televisión llamada "Flowering Shanghai". Se suponía que la filmación comenzaría a principios del verano de 2020, pero se retrasó debido a la pandemia de coronavirus. Wong actuará como showrunner del proyecto y dirigirá el primer episodio [110] .
Wong y su esposa Esther tienen un hijo llamado Qing. [11] Wong es conocido por usar lentes de sol todo el tiempo. James Mothram de The Independent señala que este estilo crea "una fascinante sensación de misterio que gira en torno al director y sus películas". [10] [11]
Los apellidos chinos son más estables que los nombres personales y siempre van primero. Por lo tanto, el apellido es Wong y el nombre de pila es Karwai. La ortografía rusa bien establecida del nombre del director, Karvai, debe tomarse con precaución, y no es deseable leer el sonido r en él. Esta ortografía se originó a partir de una transcripción en inglés de la pronunciación cantonesa de su nombre ( ing. Kar Wai ), hecha a la manera del inglés británico, en la que no se pronuncia la posvocal r . El sonido /r/ no existe en chino cantonés. La transferencia posterior de esta transcripción a otros idiomas, incluido el ruso, condujo a resultados muy inadecuados.
A Wong no le gusta hablar de sus directores favoritos [13], pero afirma haber visto muchas películas mientras crecía, desde películas de género de Hong Kong hasta autores europeos. Wong fue influenciado por ambas categorías de películas. [16] Peter Brunett afirma que la energía de las películas de Hong Kong influyó fuertemente en el estilo de Wong. [111] Otros críticos y estudiosos del cine señalan que su estilo de escritura recuerda a Martin Scorsese , Michelangelo Antonioni , Alfred Hitchcock y Bernardo Bertolucci . [112] Los directores contemporáneos favoritos de Wong son Scorsese, Christopher Nolan y Quentin Tarantino . [113] Además, a menudo se compara a Wong con el director de la Nueva Ola francesa Jean-Luc Godard . [114] Wong también estuvo fuertemente influenciado por el director de Hong Kong Patrick Tam, quien fue su mentor e inculcó en Wong el amor por el color. [11] [115]
Además del cine, Wong estuvo fuertemente influenciado por la literatura, especialmente latinoamericana : el estilo fragmentario de Wong se inspiró en las "estructuras de mosaico" de las novelas de Manuel Puig y Julio Cortázar , a las que trató de emular. [11] [64] El escritor japonés Haruki Murakami , en particular su novela Norwegian Forest , y el escritor de Hong Kong Liu Yichang también fueron influencias importantes en Wong. [116] Wong también fue influenciado por MTV . Wong dijo: “A fines de los años 80, cuando el canal se mostró por primera vez en Hong Kong, nos impresionó su energía y su estructura fragmentada. Nos pareció que debíamos avanzar en esta dirección”. [13]
Wong tiene un enfoque muy inusual para hacer películas, comenzando sin un guión y confiando en la intuición y la improvisación en lugar de ideas preparadas previamente. [13] [117] El propio Wong ha declarado que no le gusta escribir guiones y que le resulta "aburrido" hacer películas. [21] Según Wong, cuando filma, "se inspira en la música, la atmósfera, el entorno creativo y la actuación". [118] Los actores de Wong reciben poca información sobre sus personajes, agregando a sus personajes por su cuenta durante la filmación. [90] Para capturar la naturalidad y la espontaneidad, Wong no permite que los actores ensayen [101] y utiliza clichés actorales [119] , animándolos a improvisar y ayudarse unos a otros. [118] Wong tampoco usa guiones gráficos ni sostiene la cámara en una posición estática, prefiriendo experimentar mientras dispara. [26] La actriz Zhang Ziyi recordó: “…cuando comencé a filmar con Wong Kar-wai, ni siquiera tenía un guión adecuado. No sabía de qué iba la película, solo sabía qué papel iba a tener, y todo lo fui aprendiendo poco a poco: hoy es esto, mañana aquello. Nos dio un par de hojas escritas a mano y dijo: bueno, esto es para ustedes hoy. Y allí, en el sitio, los leo. No tuvimos que prepararnos. Cada día de semejante rodaje se respiraba frescura. [120] Otra conocida actriz, Maggie Cheung , recordó una experiencia de filmación similar : “Básicamente, los actores comenzamos con casi nada: sin guión, sin una idea concreta de qué tipo de historia contaría In the Mood for Love. Los roles se desarrollaron durante el rodaje. Por supuesto, antes de encender la cámara, Wong Kar-wai dijo lo que se requería de nosotros, nos hizo revisar el material juntos. Y es capaz de disparar... ¡20-30 tomas! [121] En las películas de Wong, la cantidad de opciones para una sola escena podía llegar a cuarenta, lo que a menudo resultaba en una pérdida de tiempo y presupuesto. [78] A pesar de este agotador método de trabajo, los estudiosos del cine Lisa Stokes y Michael Hoover señalan que el equipo de filmación se siente cómodo con este cronograma, ya que el resultado de su trabajo para ellos siempre es "impredecible y, por lo tanto, muy interesante". [118]
Aunque el propio Wong admite que se esfuerza por controlar personalmente [101] todos los procesos de producción [122] , durante años reunió a personas confiables para él, que luego se convirtieron en miembros permanentes del equipo de filmación. En 2013, Wong declaró: "Siempre es bueno tener un grupo consistente de personas que conocen sus límites; crea un ambiente de trabajo cómodo". [101] Dos personas son particularmente significativas en el desarrollo del estilo visual de Wong: el diseñador de producción William Chang y el director de fotografía Christopher Doyle . [11] [123] Chang ha trabajado en todas las películas de Wong y es su confidente a cargo del diseño y el vestuario. [40] Doyle fue director de fotografía en siete de las películas de Wong, desde Wild Days hasta 2046. Stephen Schneider señala que Doyle contribuyó en gran medida al éxito de Wong, ya que su "uso magistral de la luz y el color convierte cada fotograma en una obra de arte". [124] Las coprotagonistas regulares de Wong en el set incluyen al escritor y productor Jeffrey Lau, al productor Jackie Pang y al asistente de dirección Johnny Kong. [43]
Las películas de Wong a menudo cuentan con los mismos actores. Los papeles más frecuentes de Wong en películas fueron interpretados por Tony Leung Chu Wai, quien protagonizó todas sus películas excepto Hasta que se sequen las lágrimas, Ángeles caídos y Mis noches de arándanos . [125] Wong dijo de él: "Siento que hay muchas cosas entre Tony y yo. No necesitamos reuniones, conversaciones, nos entendemos perfectamente incluso sin eso. [92] Otros actores que han aparecido en al menos tres de las películas de Wong son Maggie Cheung, Chang Chen, Leslie Cheung, Jackie Cheung y Carina Lau.
Wong es conocido por su lenguaje cinematográfico poético, que se centra en la expresividad y la atmósfera de las películas. [126] Stephen Theo comparó su estilo con "una cornucopia de historias, tejidos, significados y magia: un caleidoscopio de colores de singular intuición". [127] La estructura de las películas de Wong suele ser fragmentada y caótica [128] [129] y deja solo un ligero indicio de la narrativa subyacente [130] , que a menudo consta de varias historias entrelazadas. [131] Muchos críticos han notado que las películas de Wong tienen poca o ninguna trama. [132] Así, Ty Burr afirmó: "La preocupación de Wong no es tanto la construcción de una trama lineal, sino la creación de anillos concentrados de significados poéticos y narrativos que giran uno alrededor del otro". [86] Peter Brunett también señala que Wong "a menudo antepone la expresión audiovisual a la historia". [133] El propio Wong ha afirmado que al usar un lenguaje cinematográfico expresivo tan fragmentario, construye una "lógica narrativa" en sus películas. [13]
Los elementos principales del estilo de Wong son colores nítidos y saturados y una cámara congelada. Como dice Brunett, crean su "firma visual explosiva". [13] [134] La técnica más común que utiliza Wong en sus películas es superponer fotogramas idénticos uno encima del otro a diferentes velocidades, lo que crea el efecto de "colores lavados", donde los colores brillantes se desvanecen en rayos de luz. . [13] [16] Wong también suele utilizar: tiro rápido [135] ; composición de cuadro desplazado [136] ; primeros planos borrosos y sombreados [137] ; enfoque intracuadro [138] ; disparar en la oscuridad o durante la lluvia [21] ; y montaje elíptico. [139] Stephen Schneider señala que a Wong le gusta "jugar con la película en sí: su contenido, arte y velocidad, al igual que a otros directores les gusta jugar con sus guiones". [47]
La otra técnica artística favorita de Wong es el uso de música y canciones populares. [21] El propio Wong afirma que la música es muy importante para sus películas. [140] El erudito cinematográfico Giorgio Biancorosso se refiere a la música en las películas de Wong como su "esencia", el principal impulsor de su realidad cinematográfica que impulsa el ritmo de la película. [141] Wong usa canciones populares de varios países y cantopop para realzar el espíritu de la historia o el lugar destacado. [142] El erudito cinematográfico Julian Stringer señala que la música se ha convertido en "un elemento importante en el atractivo emocional y cognitivo general" de las películas de Wong. [143]
La riqueza de la música y el estilo fragmentario expresivo de las películas de Wong a menudo se comparan con el estilo de los videos musicales. [144] Esto ha llevado a algunos críticos a argumentar que las películas de Wong son superficiales y carecen de profundidad. [21] Sin embargo, Peter Brunett argumenta que el estilo de escritura de Wong "sirve para revelar los temas de la película y su atmósfera emocional única y no es arte por el arte". [145]
Wong Kar Wai es una figura significativa en el cine moderno y es reconocido como uno de los mejores directores de su generación. [146] Su reputación como innovador se estableció al principio de su carrera: ya en la antología Encyclopedia of Chinese Cinema de 1996 , Wong fue mencionado como "creando una reputación segura como una de las vanguardias más atrevidas" del cine chino . [147] Además, los antólogos Zhang Yingjin y Xiao Zhiwei también argumentaron que Wong "ocupa un lugar especial en la historia del cine moderno" y "ya tuvo un impacto significativo en la cultura". [148] Con el lanzamiento de Happy Together y In the Mood for Love, la reputación internacional de Wong se fortaleció significativamente [149] y, en 2002, el jurado del British Film Institute nombró a Wong como el tercer director más influyente de los últimos 25 años. después de Krzysztof Kieślowski y Martin Scorsese . [150] En 2015, Wong fue nombrado icono de la casa de arte por la revista estadounidense Variety . [151]
Wong es considerado una figura fundamental en la industria cinematográfica de Hong Kong: Julian Stringer llama a Wong "el centro del renacimiento del cine chino" [152] y Gary Bettinson "un faro del cine de Hong Kong" que pudo mantenerlo en el centro de atención de atencion publica. [78] Según el canal de televisión británico Film4 , Wong es el director chino más influyente. [11] El historiador Philip Kemp señala que Wong Kar-wai, junto con otro director chino, Zhang Yimou , está llevando el cine del Lejano Oriente al nivel internacional. [153] En la propia China, las películas de Wong no tienen mucho éxito financiero, pero las asociaciones locales premian constantemente al propio Wong. [25] Desde el comienzo de su carrera, Wong tenía la reputación de ser un " niño terrible " de Hong Kong, que luchaba contra las formas tradicionales anquilosadas. [154] Sin embargo, las películas de Wong atraen no solo a los fanáticos del cine de autor, sino que a menudo tienen éxito entre el público masivo. [155]
Julian Stringer y Martha Nochimson argumentan que el estilo de escritura de Wong es uno de los más singulares en la industria cinematográfica del Lejano Oriente. [156] Ya después del estreno de su primera película, Hasta que las lágrimas se sequen, Wong creó una nueva moda para el estilo "iridiscente" de su autor: según el crítico austriaco Andreas Ungerbock, fue recogido inmediatamente por el cine y la televisión asiáticos. [157] Según Peter Brunnet, el lanzamiento de la segunda película de Wong, Wild Days, fue "un punto de inflexión en el cine de Hong Kong". [78] Martha Nochimson argumenta que las películas de Wong son muy personales: "Wong ha desarrollado su propio vocabulario cinematográfico, lleno de imágenes que se relacionan con su personalidad". [89] Stringer señala que el éxito de Wong confirma la importancia de ser "diferente". [158]
En 2012, la popular revista de cine Sight & Sound realizó una votación para determinar las mejores películas de todos los tiempos. En el estado de ánimo para el amor ocupó el puesto 24. [159] Chunking Express y Wild Days llegaron al top 250, mientras que Happy Together y 2046 llegaron al top 500. La lista también incluía Ashes of Time y Until the Tears Dried, dejando solo dos de las películas de Wong hasta ese punto fuera de la lista. a la lista - Ángeles caídos y Mis noches de arándanos . [160] Wong Kar-wai ha influido en muchos directores, incluidos Quentin Tarantino , Sofia Coppola , Lee Myung-se , Tom Tykwer , Zhang Yuan , Tsui Hark [161] y Barry Jenkins . [162]
El 24 de mayo de 2018, Wong Kar-wai recibió su título de Doctor en Artes de la Universidad de Harvard . [163]
La filmografía de Wong consta de: diez películas de autor; 16 películas donde se le acredita solo como guionista; y siete películas de otros directores que ha producido. Wong también ha dirigido comerciales, cortometrajes y videos musicales, y ha contribuido a dos antologías. Wong ha recibido premios y ha sido nominado para varios festivales en Asia, Europa, América del Norte y del Sur. En 2006, el gobierno francés concedió a Wong el Caballero de la Legión de Honor . En 2013, Wong recibió la Orden de las Artes y las Letras como comandante del Ministerio de Cultura de Francia. En 2014, Wong recibió el premio Lifetime Achievement Award en el Festival Internacional de Cine de la India . En 2017 ganó el prestigioso premio de cine francés " Lumière " "por su importante contribución al desarrollo del cine mundial" [164] .
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