La tonalidad ( francés tonalité , del griego τόνος - estrés, acento; del latín tonus tono) en la pintura es una de las tres características principales del color junto con la saturación y la luminosidad . En la pintura, el artista se esfuerza consciente o intuitivamente por la integridad tonal: la composición de todos los tonos que componen una pintura. Cada tono individual tiene tres parámetros colorísticos: tono (más claro, más oscuro), color (rojo, naranja, amarillo, verde, azul, púrpura), pureza espectral (teóricamente, este es el parámetro más difícil de explicar, pero se puede demostrar con un ejemplo específico: cielo azul claro, la pureza espectral es mayor que la de cualquier tinte artificial, como la tela azul, incluso la seda, que tiene la mayor saturación de color. La saturación y el brillo del color en la naturaleza, determinados por las propiedades físicas de luz, superan con creces las capacidades de cualquier pintura, incluso el aceite (que tiene la mayor saturación: capacidad de absorción y reflexión de la luz). inferior a la belleza de los colores en la naturaleza Por lo tanto, el artista-pintor solo tiene una oportunidad: competir con la belleza del mundo coloreado no en el valor absoluto de la pintura, sino a través de las relaciones tonales, os basado en las propiedades de contraste simultáneo y secuencial. Esto fue perfectamente entendido por los impresionistas franceses y, en parte basado en la teoría del contraste cromático de M. E. Chevreul , plasmado en sus obras.
El principal significado estético y artístico del término tonalidad está asociado con la etimología de otros griegos. τόνος (tonos) - tensión, estrés, impacto (incluido el trueno) , tensión, tono (altura), que, cuando se aplica a las bellas artes, puede interpretarse como una “impresión de color”.
En la teoría de las bellas artes, se utilizan las definiciones: "tonos cromáticos" y "tonos acromáticos", por lo que se le da un significado más amplio al concepto de tonalidad, que se consagra en una ciencia especial del color (colorística) y en la teoría aplicada del color. para artistas: ciencia del color. En pintura, las relaciones tonales, incluyendo la saturación del color, su brillo y luminosidad, creadas por el pintor añadiendo pintura blanca o negra, se distinguen de las relaciones de claroscuro: valor [1] . En una representación naturalista, no artística, se identifican los conceptos de relaciones tonales y de luces y sombras. Los artistas también utilizan la noción de una "raíz" (similar a la música) que da coherencia a toda la imagen. Además, los tonos cromáticos y acromáticos se distinguen por su frialdad cálida. En la escala cromática se separan los tonos cálidos y fríos según las propiedades físicas del espectro , en la escala acromática, según las propiedades de la pintura blanca o negra (que también se dividen en cálidas y frías). Los tonos cálidos y fríos evocan diferentes sensaciones fisiológicas. Los tonos cálidos incluyen amarillo, naranja y rojo; los tonos fríos incluyen azul, azul, verde y morado. Cada uno de estos tonos puede ser más cálido o más frío. Los tonos cálidos y fríos no dependen de las propiedades físicas de la pintura, sino que están asociados con la psicología de su percepción en el contexto de una composición pictórica. El mismo tono en diferentes composiciones puede ser percibido por el espectador como cálido o frío. Los tonos cálidos tienden a aparecer sobresalientes y los tonos fríos tienden a retroceder hacia la profundidad.
A pesar de que el término " tonalidad " se asignó en mucha mayor medida a la música y a los músicos, al parecer, inicialmente, por su claridad, surgió en el ámbito profesional de los artistas , y luego se trasladó a la música, como sucedió más de una vez en la historia del arte . Y si en relación con la música el término "tonalidad" ( fr. tonalité ) en su sentido tecnológico moderno fue utilizado por primera vez por Alexandre Etienne Choron en el "Diccionario histórico de los músicos", publicado en París en 1810, [2] entonces el razonamiento sobre la tonalidad pictórica e incluso escultórica que encontramos a menudo en el Renacimiento tardío .
En las propiedades de la tonalidad, así como en las combinaciones armónicas del color, se basan en gran medida las cualidades estéticas y artísticas de las pinturas. Por ejemplo, si el artista escribe luz en un tono cálido, entonces la sombra (incluso teniendo en cuenta los reflejos) es necesariamente fría y viceversa [3] . Incluso los tonos acromáticos (blanco y negro) que se acercan a los colores cálidos o fríos brillantes, de acuerdo con la ley del contraste simultáneo, adquieren matices de colores complementarios o complementarios. El significado psicológico de los colores cálidos y fríos, correspondientes a ciertos temperamentos humanos, a principios del siglo XIX. trató de fundamentar el poeta y científico I. W. Goethe, el artista romántico alemán F. O. Runge, quien desarrolló el modelo de la "bola de color" - fundamental para la ciencia del color (1809) [4] .
Desde el momento de su profesionalización, la tonalidad en las artes visuales no solo ha creado la impresión general de la imagen, sino que también ha servido para una amplia variedad de tareas metodológicas: desde la formación de un estado de ánimo general (color) o un estilo individual reconocible de la autor a la organización de un fenómeno tan complejo como la perspectiva pictórica . En particular, la perspectiva tonal es uno de los conceptos fundamentales del método pictórico de representación, cuyos principios más generales fueron fundamentados por Leonardo da Vinci .
Su tonalidad de color , de una forma u otra, es característica de cualquier sujeto u objeto del mundo. Además, es inherente - y cualquier obra de arte. Sin embargo, en una serie de casos, se puede hablar de un efecto inverso notable o incluso dominante que la tonalidad tiene sobre el propio artista o sobre el público en torno a sus pinturas. Por otro lado, a menudo sucedió en la historia del arte que la tonalidad (o el enfoque tonal) de una obra en particular, o incluso tendencias artísticas enteras , causaron una mayor impresión y permanecieron en la memoria durante mucho tiempo como un símbolo o incluso un nombre para este fenómeno. Es así como, siguiendo la necesidad del psiquismo humano de señalar algo importante o básico en la propia percepción de los objetos del mundo o de los acontecimientos, a veces se crearon teorías, a veces observaciones certeras, a veces leyendas sobre las tonalidades inherentes a una tendencia particular en las artes visuales o un período de creatividad artista. No exentos de cierta esquematización o simplificación, estos símbolos resultan a menudo más tenaces que el propio fenómeno.
Incluso para aquellos que nunca han escuchado la palabra “ suprematismo ”, el cuadrado negro de Malevich se convirtió hace mucho tiempo en un fantasma que agota por completo el contenido superficial de este fenómeno del arte, reduciéndolo a una simple declaración de la tonalidad de la pintura manifiesto.
Quizás no menos famosos fueron los periodos “Azul” y “Rosa” de la obra de Pablo Picasso , que fueron nombrados exactamente de acuerdo a su tonalidad dominante, así como el intermedio entre ellos “ Niña en la pelota ”, combinando tanto el rosa como el azul. tono. Pocas personas imaginan imágenes específicas de estos dos períodos, pero la idea de su tonalidad está firmemente arraigada en la memoria y la imaginación , convirtiéndose en una especie de estereotipo cultural .
Casi todos los principales estilos y movimientos artísticos de la historia de las bellas artes, en mayor o menor grado, estuvieron marcados por su especial actitud hacia el color, los colores (su pureza, su difuminación o mezcla) y, en consecuencia, la tonalidad. Más aún, surgiendo a menudo como una reacción de negación al estilo anterior (dominante) del academicismo siguiente , la nueva dirección se opuso fuertemente al “pasado obsoleto” con su nueva actitud hacia la forma, la línea, el color y la tonalidad, a menudo acompañando al características del estilo con un manifiesto textual apropiado o una justificación teórica . Así que, eligiendo cualquier ejemplo de alternancia de estilos, no es difícil comparar los principios tonales y la combinación de colores del impresionismo y el fauvismo , que surgió como una reacción a él , una de las primeras encarnaciones del expresionismo , decididamente opuesto a lo vago y brumoso . impresiones" en colores pálidos y colores apagados, un estilo propio de "salvaje" desenfrenado y tonos puros agresivos.
De una forma u otra, pero cada gran estilo en el arte (con una reserva para países y períodos individuales, desde el amanecer hasta el anochecer) tiene su propio tono dominante aceptado. Tanto el clasicismo en pintura como lo mismo en arquitectura , esforzándose por hacerse reconocible y a diferencia de los estilos anteriores en el arte, formaron, en primer lugar, su actitud hacia el color, el contraste, las comparaciones, los tonos y semitonos, así como a la línea y proporciones de la principal y secundaria en el art. en general. Todo lo anterior, de una forma u otra, determina el tono de una obra de arte. Incluso una persona ignorante en los términos más generales representa o al menos tiene un sentido del estilo, a través de su combinación de colores y sabor. Incluso sin una imagen (una escultura o un edificio) frente a sus ojos, el espectador sigue su complejo de expectativas. Asimismo, las intenciones del artista, expresadas a través del estilo y la escuela que representa, que están arraigadas en él, reciben la esperada encarnación a través de los patrones aceptados (inerciales) del oficio. Fue así, a través de la tradición y la historia del grupo profesional, que se impusieron los tonos de las escuelas, tendencias y estilos, tratando de satisfacer ciertas expectativas del grupo “cliente”: ya sea la corte real, el público burgués o el beau monde proletario. El laconismo, la claridad y los contrastes del clasicismo, el lujo, la convencionalidad y los colores dorados del barroco , la tacañería y la grandeza del estilo imperio , los colores borrosos del impresionismo : todo esto surgió del complejo de expectativas y, cristalizándose gradualmente, recibió su expresión a través de la tonalidad. del estilo
La tonalidad tiene un significado separado desde el punto de vista de la identificación de la individualidad del artista. En la mente del público y de los expertos, muchos (si no todos) los pintores, de una forma u otra, tienen su propio "tono", algún estilo o color esperado, expresado en colores y líneas. Es por este estilo tonal que el pincel del artista se determina con mayor frecuencia "a simple vista". Además, esta idea no solo tiene un significado psicológico, sino también económico bastante tangible o, si se prefiere, comercial. Si el trabajo del artista mismo es reconocible (brillante), entonces es más conocido y apreciado. Del mismo modo, una fotografía separada del autor puede ser valorada como más llamativa en términos de reconocimiento (su estilo y totalidad tonal-lineal) o menos característica de su obra, lo que también puede suponer un cambio en la valoración (precio). . Por ejemplo, en un momento, el amor por la sombra del otrora famoso y exitoso retratista francés Leon Bonnat casi entra en la parábola . Como resultado, sus pinturas estaban dominadas (o esenciales) por un cálido tono marrón, que tanto los espectadores como los clientes esperaban. En este caso, el tono de sus retratos tuvo un efecto psicológico pronunciado. Habiendo logrado el éxito y entendido lo que el público esperaba de él, el artista, que previamente había pintado en colores cálidos según su inclinación personal, comenzó a repetir y replicar conscientemente su propio estilo para "fortalecer" el efecto de "reconocibilidad" logrado, respaldado por las expectativas de los clientes. A menudo, tales tendencias de artistas se hicieron casi más famosas que incluso ellos mismos o sus pinturas, provocando ironía o convirtiéndose en una especie de "charla del pueblo"...
“Dependiendo del color dominante de la zona por donde hay que moverse de forma encubierta, el explorador elige para sí mismo un traje de un tono similar, por ejemplo: gris o amarillento en los caminos, verde en los campos, o los colores de la sorpresa infantil - como en los cuadros de nuestro precioso paisajista , Monsieur Bonnet ”. [5]
- Alphonse Allais , "Samovares militares perplejos"Por el contrario, también hubo artistas que (a veces de manera desafiante) menospreciaron la importancia de la tonalidad en su pintura, enfatizando de todas las formas posibles la importancia del dibujo, la línea o la composición. Y por esto también se ganaron una gloria especial, separada de los demás. Por ejemplo, en el sistema de valores pictóricos de un artista tan icónico como Ingres , el color siempre ha jugado un papel incondicionalmente subordinado, dando paso a un concepto de forma lineal-planar gráficamente claro. Podemos decir que este maestro incluso empobreció deliberadamente el componente de color de sus pinturas. La pintura de Ingres se basa en una combinación de puntos locales grandes (a veces, claramente definidos), no siempre conectados entre sí tonalmente, pero más a menudo, en significado o trama [6] . Sus declaraciones sobre este tema no dejan duda de que tal posición fue intencional:
“Dibujar no se trata solo de hacer contornos; Un dibujo no se compone sólo de líneas. Dibujo es también expresividad, forma interior, plano, modelado… Dibujo contiene más de las tres cuartas partes de lo que es pintura.” [7]
— Jean Ingres sobre el arte¿Necesito recordarles que más tarde (decenas de años después) fue el "dibujo de Ingres" (su claridad de líneas y precisión clásica de los detalles) el que también entró en la parábola. Los artistas de principios del siglo XX utilizaron la expresión "dibujo de Ingres" como símbolo, contrastando su forma con la vaguedad del impresionismo que prevalecía en ese momento .