Tratado de pintura
| tratado de pintura | |
|---|---|
| italiano Libro di pittura ital. Trattato della pittura | |
| Los autores | Leonardo da Vinci y Francesco Melzi |
| Idioma original | Francés |
| País | |
" Tratado de pintura " ( en italiano : Trattato della Pittura ) es una colección de notas de Leonardo da Vinci (1452-1519), que exponen sus reflexiones sobre la pintura . Representa el legado de Leonardo en la ciencia de la pintura: contiene fragmentos y extractos de sus manuscritos, que fueron recopilados y revisados alrededor de la década de 1540 por el alumno más cercano de da Vinci, Francesco Melzi . Desde entonces, se ha percibido como la obra original del propio Leonardo.
El Tratado de pintura cubre una amplia gama de temas, por lo que durante muchos siglos artistas, científicos e historiadores del arte, incluidos Poussin y Galileo , leyeron el tratado con gran interés, confundiéndolo con el texto de Leonardo. En el siglo XIX, cuando los textos originales del maestro estuvieron disponibles, los eruditos se dieron cuenta de que el Tratado tenía poco que ver con las sutiles ideas de Leonardo.
Creación
A lo largo de su actividad artística, científica e inventiva, Leonardo anotó sus reflexiones sobre la pintura , sus ventajas frente a otras artes, sobre cómo pintar correctamente y cómo conseguir buenos resultados en este arte. Sin embargo, el maestro murió sin tener tiempo de publicar las notas.
Como saben, Leonardo tenía un estilo específico de escritura: realizaba sus notas en forma de espejo de derecha a izquierda. Descifrar sus notas es una tarea difícil incluso para sus contemporáneos . Tras su muerte, las notas pasaron a manos de Francesco Melzi , su alumno más cercano, quien formó el Tratado a partir de fragmentos de estas notas.
Contenidos
Una disputa entre un pintor y un poeta, músico y escultor
El primer capítulo es mucho más voluminoso que el resto, y básicamente contiene todo el pensamiento de Da Vinci sobre el lugar de la pintura entre otras artes, por qué requiere una atención especial, y gracias a la cual supera a muchas ciencias e incluso a la filosofía .
El tratado comienza con el descontento de Leonardo por el hecho de que la pintura no esté incluida en el llamado corpus de las artes liberales, que incluye la música , la poesía y la escultura . La pintura es hija de la naturaleza y la lleva a cabo el sentimiento más digno. Además, la pintura, además de tratar con las creaciones de la naturaleza, también trata con muchas cosas que la naturaleza nunca ha creado. La pintura no encuentra en las palabras su fin último, y por ignorancia se ha quedado atrás de las ciencias antes mencionadas, sin perder su divinidad. Después de todo, como las creaciones perfectas de la naturaleza, la pintura se ennoblece a sí misma.
Da Vinci escribe que la ciencia más útil es el fruto de lo que se transmite al mensaje. Y como el camino a través de la facultad visual es accesible a un público más amplio que la poesía y la literatura , que se transmiten por la palabra y el oído y que necesitan traductores e intérpretes, la pintura debe situarse por encima de estos últimos. Además, la poesía y la literatura representan las creaciones de las personas: las palabras, y la pintura representa las creaciones de la naturaleza, que es más valiosa para Leonardo.
La pintura también se sitúa por encima de las ciencias que están disponibles para la imitación, como las matemáticas , la escritura, la escultura, los libros impresos; ella misma es inaccesible a la imitación.
La pintura se extiende a las superficies, colores y figuras de todos los objetos creados por la naturaleza, y la filosofía penetra en estos cuerpos, considerando en ellos sus propias propiedades, pero no satisface la verdad a la que llega el pintor, abrazando independientemente la verdad primera de estos cuerpos. , ya que el ojo se equivoca menos que la mente.
La pintura es pariente de Dios, así como nieta de la naturaleza, ya que la naturaleza da a luz a las cosas, y la pintura nace gracias a estas cosas. Vale la pena señalar que el conocimiento de la perspectiva , sin la cual la astronomía es imposible , salió de la pintura.
La aritmética y la geometría trabajan solo en la cantidad y no en la calidad: la belleza de la creación de la naturaleza y la decoración del mundo.
Todo lo que existe en el universo como esencia, como fenómeno o como imaginación, lo tiene el pintor primero en el alma, y luego en unas manos tan excelsas que a la vez crean en una sola mirada la misma armonía proporcional, que forman los objetos. . . Nosotros [los pintores] podemos, en lo que respecta al arte, ser llamados los nietos de Dios.
Si la poesía se extiende a la filosofía de la moral , la pintura se extiende a la filosofía de la naturaleza .
Entonces Leonardo prueba que la vista es el sentido más importante . El que pierde la vista pierde la belleza del mundo con todas las formas de las cosas creadas.
El ojo es la ventana del cuerpo humano, a través de él el alma goza, a través de él el alma se regocija mientras está en una jaula humana, sin él esta prisión humana es una tortura.
Además, Leonardo vuelve a demostrar la superioridad de la pintura sobre otras artes por separado.
Entonces, en la poesía, la belleza se manifiesta gradualmente, en diferentes momentos, se disecciona. En la pintura, observamos la integridad de la belleza.
Aunque la música es hermana de la pintura, ésta la supera, ya que no muere inmediatamente después de su nacimiento, como la música desgraciada. Por el contrario, permanece en el ser , y lo que en realidad es sólo una superficie se muestra vivo.
La pintura supera a la escultura en que el escultor produce sus creaciones con mayor trabajo corporal que la pintura, y el pintor produce sus creaciones con mayor trabajo mental.
Resumiendo el capítulo, el Maestro da 10 juicios con los que opera el pintor:
- Luz;
- Oscuridad;
- Color;
- Cuerpo;
- Figura;
- Lugar;
- Lejanía;
- Proximidad;
- Tráfico;
- Paz.
El escultor, a diferencia del pintor, opera con menos juicios, a saber: cuerpo, lugar, figura, movimiento, reposo. En consecuencia, la escultura requiere menos razonamiento y, por lo tanto, requiere menos trabajo para la mente que la pintura.
Sobre la pintura del pasado y sobre las carencias de los pintores modernos
Este capítulo y los siguientes son menos voluminosos y contienen las enseñanzas de Leonardo y los consejos metodológicos para el artista.
El primer cuadro consistía en una sola línea que rodeaba la sombra de un hombre proyectada por el sol en la pared.
Da Vinci dice que en ningún caso se debe imitar la manera de otro, porque si las cosas naturales existen en tanta abundancia, entonces uno preferiría recurrir a ellas que a los maestros que han aprendido de ellas. La pintura de siglo en siglo tiende a decaer y se pierde cuando los pintores no tienen otra inspiración que la pintura ya hecha.
Lo que debe ser un pintor
El pintor discute y compite con la naturaleza.
En este capítulo, Leonardo construye su teoría de cómo debe ser un verdadero pintor. Así, su mente debe ser como un espejo, que se torna del color de lo que tiene por objeto, y se llena de tantas imágenes como objetos que se le oponen.
Dice el maestro que un verdadero pintor se distingue por el amor a la pintura y a Dios , y un gran amor lo genera un gran conocimiento del tema que ama, por eso el pintor debe pasar todo el tiempo libre de pintar, por el conocimiento de los objetos. Además, el autor no reconoce la sed de fama y dinero, porque esto implica la rapidez y la incompletud de las pinturas, que, por supuesto, no pueden llamarse una gran obra.
Un buen maestro no se distingue por el hecho de que puede dibujar un detalle infinitamente hermoso, sino por la cantidad de detalles que puede dibujar así. Después de todo, el pintor que sabe dibujar excelentemente el cuerpo, pero que no sabe dibujar rostros, no merecerá elogios. Por tanto, no será universal quien no ame por igual todas las cosas contenidas en el cuadro.
Después de esto, Leonardo dice que avanza hacia la perfección aquel maestro cuyas obras de arte son superadas por el juicio. Esto significa que antes de crear una obra, primero debe haber un juicio sobre ella en la mente del maestro. Por juicio, Leonardo entiende los 10 juicios anteriores con los que opera el pintor.
Cuando el juicio supera a la obra, la obra nunca dejará de mejorar, a menos que la tacañería lo impida. Cuando una obra está a la par con un juicio, es una señal triste para tal juicio.
¿Qué viene antes del juicio? alma _ Ella, que gobierna y gobierna todos los cuerpos, es la que forma nuestro juicio incluso antes de que se convierta en nuestro propio juicio.
Resumiendo el razonamiento sobre lo que debe ser un pintor, el Maestro identifica cuatro condiciones necesarias:
- Matemáticas relacionadas con esta pintura;
- La ausencia de camaradas enajenados de sus ocupaciones;
- Cerebro , capaz de cambiar de una variedad de objetos frente a él;
- Distancia de otras preocupaciones.
Formación en pintura
Desgraciado el alumno que no supera a su maestro.
En este capítulo, Leonardo explica en qué secuencia debe formarse el futuro pintor. Primero, se le debe enseñar las reglas de la perspectiva. Luego, enséñele a medir , luego se le deben mostrar los dibujos de un buen maestro, para que entienda cómo dibujar cosas simples correctamente. Luego debe practicar el dibujo de la naturaleza. La siguiente etapa es el examen de varios maestros, y ya en la última etapa, la tarea del estudiante es acostumbrarse a la implementación práctica y al trabajo en el arte.
Mientras tanto, da Vinci señala que primero debes aprender diligencia y solo luego velocidad.
Sobre la pintura y la perspectiva
En capítulos posteriores, Leonardo comparte su conocimiento sobre cómo pintar correctamente.
La pintura, dice, cubre los 10 deberes del ojo (juicio).
Hay tres tipos de perspectiva en la naturaleza:
- Reducir las figuras de los cuerpos - depende del ojo;
- La disminución del tamaño de los cuerpos depende del aire entre el ojo y el objeto;
- La disminución de los colores del cuerpo también depende del aire entre el ojo y el objeto.
La segunda cosa en la pintura son las poses adecuadas que varían según el tipo de cuerpo. El primero es relieve , y no pintura en absoluto, como se cree.
Lo que es bello no siempre es bueno, es amor por los colores y no por el relieve.
El ojo envía su semejanza por el aire a todos los objetos que se le oponen y los recibe sobre sí mismo, es decir, sobre su superficie, desde donde los examina el sentido general y envía lo que le agrada a la memoria .
Sobre luces y sombras, color y colores
En la investigación sobre el claroscuro, Leonardo Da Vinci está muchos años por delante del desarrollo no solo de la pintura, sino también del desarrollo de la ciencia de la luz.
El Maestro dice que la sombra tiene las propiedades de todas las cosas naturales, que son más fuertes al principio y se debilitan hacia el final. La oscuridad es el primer grado de las sombras, la luz es el último.
Estos son los colores que Leonardo reconoce - los colores simples son los siguientes: el primero de ellos es el blanco, aunque algunos filósofos no clasifican ni el blanco ni el negro entre los colores, ya que uno es la causa de los colores, y el otro es su privación . La jerarquía de los colores de Da Vinci es la siguiente:
Ningún cuerpo revela completamente su color natural:
- Esto sucede por el medio mediador que hay entre el objeto y el ojo;
- Esto sucede cuando los objetos que iluminan un objeto dado tienen una calidad de color diferente en sí mismos.
Sobre cómo retratar el rostro, la figura y la ropa
La belleza y la fealdad parecen más poderosas una al lado de la otra
Todo amor que se dirige a lo particular descuida el todo, ya que todas sus alegrías se unen en esta única cosa, dejando lo universal por lo particular. Por lo tanto, se debe observar la proporcionalidad, los movimientos del cuerpo deben ser mensajeros del movimiento del alma.
Un buen pintor debe pintar dos cosas principales: una persona y una representación de su alma. La primera es fácil, la segunda es difícil, ya que debe ser representada por gestos y movimientos de los miembros del cuerpo.
Sobre la composición
Las personas y las palabras ya están hechas, y si no sabes manejar tus cifras, eres como un orador que no sabe usar sus palabras.
Las composiciones de tramas históricas pictóricas deben alentar a los espectadores y contempladores a la misma acción para la cual se representó esta trama .
Sobre paisajes
En este capítulo, Leonardo da consideraciones generales sobre cómo dibujar paisajes , sus consejos y enseñanzas.
Descripciones
Da Vinci dedica este capítulo a varias descripciones, en las que, mediante ejemplos, analiza las reglas que fueron dadas en los últimos capítulos.
Significado
La importancia del "Tratado" en términos artísticos e históricos es difícil de sobrestimar. A pesar de que la colección no fue diseñada por el propio Leonardo, sin embargo, el propósito del texto es difundir la teoría artística del Maestro, que observamos en la historia de la pintura desde mediados del siglo XVI hasta principios del siglo . Siglo 19. En este momento, se distribuyó en forma de manuscritos en todo el mundo. Muchos museos ahora tienen copias de este texto. En 1651 se publicó una versión impresa del Tratado. Gracias a esto, fue posible distribuir el "Tratado" en varios idiomas.
A diferencia de los escritos reales de Leonardo, que solo estuvieron disponibles públicamente en el siglo XIX, el Tratado sobre pintura había sido popular durante varios siglos antes de este punto. Era popular entre muchos artistas , filósofos naturales y escritores . Entre los más famosos podemos encontrar los nombres de Annibale Carracci , Nicolas Poussin, André Felibien y Galileo Galilei, quienes creían que el tratado fue escrito por el propio da Vinci. A pesar de esto, sabemos que el texto es solo una colección de reglas para dibujar al Maestro.
En consecuencia, el "Tratado" ya no tiene tanto valor y significado para la restauración de la teoría de la pintura de Leonardo. Sin embargo, el estudio del “Tratado de Pintura” cobra una importancia fundamental si el análisis histórico-artístico se centra no sólo en los escritos y teorías originales de Leonardo, sino también en el legado de sus ideas a la luz del Renacimiento y el Barroco . eras , artistas, filósofos naturales y científicos que tuvieron lugar en este tiempo.
Investigación
Los historiadores del arte han reconocido durante mucho tiempo la importancia del Tratado de pintura. En 1959, Keith Steinitz compiló un censo de los manuscritos sobrevivientes, que aún sirven como base para el estudio del tratado, pero se descubrieron varias entradas después de su estudio. En 1964, Carlo Pedretti señaló que, muy probablemente, el "Tratado de la pintura" es una versión abreviada del " Libro de la pintura ", que fue escrito por Francesco Melzi. Unos años más tarde, Pedretti propuso una genealogía y una cronología de los manuscritos supervivientes. Este trabajo sigue siendo significativo hasta el día de hoy. Gombrich , Kemp , Damish , Farago y varios otros eruditos se dedican al estudio de las circunstancias históricas del lanzamiento de la primera edición impresa, que apareció en París en 1651.
Si bien estos estudios han hecho una contribución significativa para comprender el legado de Leonardo Da Vinci desde mediados del siglo XVII hasta nuestros días, han dejado algunas preguntas fundamentales sin respuesta. En consecuencia, en la actualidad aún no disponemos de un conocimiento exhaustivo de la influencia de las ideas de Leonardo en las épocas renacentista y barroca .
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