| Claude Monet | |
| Desayuno en la hierba . 1866 | |
| fr. Le déjeuner sur l'herbe | |
| Lienzo , óleo . 130×181cm | |
| Museo Estatal de Bellas Artes Pushkin , Moscú , Rusia | |
| ( Inv. Zh-3307 ) |
Desayuno sobre la hierba ( en francés: Le déjeuner sur l'herbe ) es una pintura de 1866 del artista francés Claude Monet . Una versión más pequeña de la pintura se encuentra en la colección del Museo Estatal de Bellas Artes Pushkin en Moscú ( Rusia ).
Claude Monet , uno de los fundadores y partidario constante del movimiento impresionista , escribió "Almuerzo sobre la hierba" para una candidatura al Salón de París de 1866, y también como un desafío a Edouard Manet con su pintura del mismo nombre de un bastante contenido frívolo. El artista trabajó en 1865-1866 en la naturaleza en el bosque de Fontainebleau cerca de Chailly , y luego en su estudio en París . Inicialmente, habiendo realizado una versión más pequeña de la composición de 130 × 181 centímetros , Monet comenzó a trasladarla a un lienzo de 4 por 6 metros de alto y largo, respectivamente. Ante los problemas de pintar un cuadro de un tamaño tan grande, lo reescribió varias veces, incluso bajo la influencia de los comentarios de Gustave Courbet , como resultado de lo cual arruinó por completo el lienzo y detuvo por completo todo el trabajo en él.
Para mostrar al menos algo en el Salón de 1866, Monet escribió “La mujer de verde ” en poco tiempo, que fue evaluada positivamente por la crítica. Sin embargo, al año siguiente, el cuadro " Mujeres en el jardín ", basado en "El desayuno", no fue aprobado por el jurado de la exposición para "salvar el arte" de este "repugnante" impresionismo. Estando en una difícil situación económica, en 1878 el artista dejó inacabado el "Desayuno sobre la hierba" al propietario de la casa, que alquilaba con su familia en Argenteuil , como prenda de las deudas vencidas . En 1884, Monet compró el cuadro y lo cortó en tres partes. Un fragmento se perdió al pudrirse durante el almacenamiento en el sótano del propietario, mientras que los otros dos, por manos privadas, acabaron en el Musée d'Orsay de París , donde se encuentran ahora. Una versión más pequeña fue comprada en 1904 por el coleccionista ruso Sergei Shchukin y, tras la nacionalización de su galería durante la era soviética, trasladada al Museo Estatal de Nuevo Arte Occidental . Más tarde, cuando el museo se disolvió en 1948, se transfirió al Museo Estatal de Bellas Artes Pushkin en Moscú , donde ahora se conserva.
La composición es una escena de picnic en el bosque con 12 personas, hombres y mujeres, tumbados, de pie y sentados bajo los árboles. La mayoría de las figuras masculinas fueron descartadas por Monet de la figura de su amigo y artista Frederic Basil , quien viajó con él a Chailly, mientras que las figuras femeninas fueron de su esposa Camille . Los caballeros están representados con chaqueta y pantalón, mientras que las damas visten miriñaques . Entre ellos, sobre la hierba, hay un mantel con una variedad de platos. Ambas versiones, a juzgar por los fragmentos restantes de un gran lienzo, son similares, con la excepción de algunos esquemas de color, incluso en cuanto al tipo de vestidos.
Claude Monet (1840-1926) es uno de los fundadores y representantes del movimiento impresionista , que se originó en Francia a finales del siglo XIX. A lo largo de su dilatada carrera, Monet se adhirió a los principios del impresionismo, y es a él a quien se considera el partidario más constante de esta escuela de arte, así como uno de los paisajistas más destacados de la historia del arte. Es de destacar que la aparición misma del término "impresionismo" está asociada con su lienzo artístico " Impresión". El sol naciente " de 1873, ahora en el Musée Marmottan Monet de París . Los orígenes de esta tendencia se remontan a la juventud del artista, transcurrida por él en Le Havre , donde Monet admiraba la forma en que el pintor marino Eugene Boudin pinta sus cuadros al aire libre, y posteriormente aprendió de él este estilo artístico. Después de dos años con el ejército en Argel de 1860 a 1862, se fue a París en contra de los deseos de sus padres para estudiar pintura. En lugar de sentarse en el Louvre a copiar a los Viejos Maestros, una práctica tradicional de los artistas jóvenes, Monet recurrió al trabajo de sus contemporáneos mayores, en particular Édouard Manet , Camille Corot y Gustave Courbet . Fue en París donde Monet se hizo muy amigo de los artistas que se convertirían en los principales miembros del movimiento impresionista, como Camille Pissarro , Paul Cézanne , Auguste Renoir , Alfred Sisley y Frédéric Bazille . Se cree que Monet y Renoir sentaron las bases del impresionismo, quienes a fines de la década de 1860 comenzaron a pintar juntos sus pinturas sobre temas de la naturaleza solo al aire libre . Siendo partidario de esta técnica únicamente, Monet estaba fascinado por la visualización perceptiva de la realidad de la vida, especialmente en términos de representar variaciones en los efectos de color de la luz y la sombra en una hora y estación en particular. La representación realista de los efectos de iluminación se basó en la profunda comprensión de Monet de las leyes de la óptica , así como en la experiencia de sus propias observaciones. Es de destacar que, a menudo, al representar la luz natural, Monet la diseccionó en varios componentes utilizando el método del prisma . Al mismo tiempo, el artista descartó deliberadamente todos los tonos negros y grises de su paleta y, por lo tanto, rechazó por completo el enfoque académico de la pintura de paisajes. Al mismo tiempo, en 1866, Monet conoció a su futura esposa, Camille Donsier , quien pronto se convirtió en una de sus modelos. Al no estar casada con un artista, quedó embarazada y dio a luz a su primer hijo de él . Los familiares de Monet llamaron a este comportamiento poco ético, mientras que él mismo, debido a sus pinturas innovadoras, fue expulsado de los salones académicos y comenzó a vivir en una pobreza casi total [1] [2] [3] [4] .
En 1865, inspirado en uno de sus viajes para estudiar en Fontainebleau , Monet concibió la idea de pintar un cuadro monumental de 4 × 6 m para una candidatura al Salón de París de 1866 [5] [6] . Quería pasar de las formas pequeñas a las grandes [7] , y escribir un lienzo tan grande fue considerado por el artista como un desafío para sí mismo y al mismo tiempo para el público que criticaba sarcásticamente sus pinturas en el Salón de los Rechazados. allá por 1863 [5] . Mientras tanto, tres años antes, en 1862, Manet crea un cuadro del mismo nombre (óleo sobre lienzo, 208 × 264,5 cm ; Musée d'Orsay ) [8] , rechazado por el Salón de 1863 por su "obscenidad" [9 ] . La aparición de esta obra en el Salón del Marginado conmocionó al público y estuvo marcada por un escándalo por la imagen de mujeres desnudas en un grupo de personas vestidas, entre las que se podían reconocer personalidades bastante célebres [10] [11] . Monet concibió su lienzo como un desafío y al mismo tiempo un homenaje a Manet, eligiendo el mismo tema, pero acercándolo con un estilo diferente, que también quería sorprender al espectador, pero desde el otro lado [12] [10] [13] . Como Géricault antes , Monet tenía sólo 25 años cuando decidió crear una obra tres veces mayor que el "Desayuno" de Manet y el doble de ancha que el " Almuerzo de caza " de Courbet [14 ] (óleo sobre lienzo, 207 × 325 cm ; Museo Wallraf-Richartz ) [15] . Habiendo puesto de moda la representación de los picnics, Manet no tolera que lo comparen y lo coloquen junto a Monet, “ese advenedizo de Le Havre” [16] . Mientras tanto, las pinturas de Manet y Monet se confundían a menudo, por lo que este último tenía que firmar sus obras, incluida Almuerzo sobre la hierba, no solo con un apellido, sino también con un nombre de pila [4] [17] . Posteriormente, se hicieron amigos [18] .
| “Camino a Shii…”, Monet (Ordrupgaard) | "Camino a Chailly", Monet (Orsay) | "Roble de Bodmer...", Monet (Metropolitano) |
El trabajo en la pintura comenzó en la primavera de 1865 [5] : de abril a octubre, Monet, con un objetivo - pintar una escena de picnic con muchas figuras - se quedó en Chailly [19] , en las afueras del bosque . de Fontainebleau [20] , una especie de taller impresionista [21 ] . Después de pasar varios meses esperando a Basil, el modelo y uno de los héroes del futuro lienzo, Monet crea una serie de estudios de paisaje , que van desde pequeños bocetos hasta grandes bocetos [22] . De estos, se pueden distinguir varias obras individuales de arte paisajista, que el propio Monet consideró significativas entre el resto de sus obras [19] : “El camino a Chailly a través del bosque de Fontainebleau” (óleo sobre lienzo, 97 × 130,5 cm ; Ordrupgaard Museum ) [ 23] , “Camino a Chailly” (óleo sobre lienzo, 43 × 59 cm ; Musée d'Orsay ) [24] , “Roble de Bodmer, bosque de Fontainebleau en el camino a Chailly” (óleo sobre lienzo, 96,2 × 129,2 cm ; Museo Metropolitano de Arte ) [25] . Trabajó en la naturaleza , amplia y libremente, alcanzando esos tonos, ese contraste de luces y sombras, que ni Courbet ni Manet tenían en ese momento [22] . Estos bocetos de grandes árboles con ramas y hojas que proyectan sombras, creados aproximadamente en los mismos lugares, sirvieron como telón de fondo del paisaje para el futuro Picnic [26] [27] . Este último trabajo es especialmente digno de mención porque representa el roble de Bodmer, llamado así por el artista suizo Carl Bodmer , quien exhibió una obra que representaba este árbol en el Salón de 1852, después de lo cual se convirtió en el favorito de artistas y fotógrafos, en particular Gustave Le Verde [28] .
Basile llegó a Chailly en agosto de 1865 y vivió allí hasta septiembre, maravillándose de la gran y hermosa extensión de bosques y pintando varios estudios que eran similares en formato y paleta a la obra de Monet: un cielo azul brillante, follaje verde oscuro, maleza de color marrón rojizo con reflejos naranjas [29] ; entre ellos se destaca “Paisaje de Chaya” (óleo sobre lienzo, 81 × 100,3 cm ; Instituto de Arte de Chicago ) [30] . Siendo los herederos de los representantes de la " escuela de Barbizon " Rousseau y Millet , Monet y Courbet, a diferencia de ellos, no dotaron a los árboles de rasgos antropomórficos y no proyectaron sus sentimientos sobre los objetos inanimados de la naturaleza. Su enfoque no estaba en "comprender los árboles", sino en cómo la luz los golpea y revela sus formas, colores y texturas. Monet y Courbet querían transmitir el estado del bosque cuando estaban en él y lo pintaron, consiguiendo una precisión casi fotográfica en la pintura [31] . Monet, por supuesto, estaba al tanto de la existencia de la fotografía de paisajes e incluso pudo haber visto el trabajo de Le Gret. Naturalmente, cuando Monet y Le Gret fueron por separado al mismo bosque, obtuvieron el mismo resultado, ajustado por el hecho de que el artista tiene más libertad y puede quitar fácilmente una rama o una piedra del lugar correcto con un solo trazo del pincel, a diferencia de el fotógrafo [32] [28] . Una vez, mientras trabajaba, en un intento de proteger a los niños de un disco de bronce que volaba hacia ellos, con el que jugaban unos torpes ingleses, Monet se lesionó la pierna y se fue a la cama. Especialmente para él, Basil, siendo estudiante de medicina, desarrolló un dispositivo que, con la ayuda de un contrapeso, elevaba la pierna lesionada [29] [33] . Un artista tan herido que Basile plasmó en la obra " Hospital improvisado " (óleo sobre lienzo, 48 × 65 cm ; Musée d'Orsay ) [34] [29] [35] .
Después de la llegada de Basil, Monet se dedicó activamente a los estudios de escritura en grupo [22] . Albert Lambron, un amigo de Monet, posó para las figuras masculinas con Basile, y la mayoría de las figuras femeninas pueden haber sido copiadas por él de varias mujeres o incluso de una: su amada Camille, quien, sin embargo, no fue a Chailly [ 11] [22] [4] [36] . De los estudios grupales de Monet de esa época, solo ha sobrevivido uno [26] [22] : "Basil and Camille" (óleo sobre lienzo, 93 × 68,9 cm ; Alice Mellon Bruce Collection , National Gallery of Art ), que fue conservada por Michel Monet , hijo del artista, y luego por Edward Molino [37] . También se conserva allí un boceto de la composición del cuadro (papel, tiza, 30,5 × 46,8 cm ) realizado por Monet en 1865 y donado a Basilio . También se conoce un boceto preliminar de figuras femeninas, ubicado en el álbum de Monet (papel, tiza, 26 × 34 cm ; Museo Marmottan-Monet ) [39] [40] [41] [42] . En mayo de 1865, Monet le escribió a Basil: "Solo pienso en mi pintura, y si me equivoco, creo que me volveré loco" [40] [43] . Comenzando en Chailly y terminando en un taller en septiembre de 1865, Monet creó una versión más pequeña de la composición escrita con mucho cuidado (óleo sobre lienzo, 130 × 181 cm ; Museo Pushkin de Bellas Artes ), que actualmente es posible con una gran restauración precisa. el diseño original de todo el gran lienzo [22] [5] [6] [44] [45] .
De regreso a París, Monet comenzó a trasladar el boceto a un lienzo de dimensiones realmente monumentales, plenamente consciente de la complejidad de la obra que se avecinaba [22] [5] . Mantuvo el énfasis en los contrastes brillantes del claroscuro, así como los trazos frescos y libres, luchando por la espontaneidad de la trama y la escena en la naturaleza, el elemento más difícil de la imagen [22] [5] . La diferencia más significativa entre el boceto y la obra final es la sustitución de un joven sentado, imberbe y flaco por otro mayor, barbudo y corpulento, que, gracias a su patilla , guarda un parecido sorprendente con Courbet [26] [ 46] [5] [36] . La figura de Basilio sirvió de base para varios hombres a la vez, al menos cuatro [26] . También se puede notar que el vestido de la primera mujer de pie a la izquierda se ha vuelto rojo grisáceo en lugar de blanco con un borde negro, y tiene un tipo diferente de sombrero en la cabeza; al mismo tiempo, el vestido naranja de la segunda dama de pie y el vestido a rayas de la mujer sentada quedaron sin terminar [46] . La extraordinaria composición, llena del ritmo vivo de la inclinación de la cabeza de las mujeres, miradas agradecidas y brazos extendidos, se convirtió en una especie de homenaje a la elegante pintura de Watteau " El desembarco en la isla de Cythera ", que, según Monet, fue su favorito en el Louvre [22] . A pesar de la obra inacabada, más de 20 artistas se dieron cita para verla, según Basil [47] . En el invierno de 1865-1866, Basile, junto con Courbet, visitó el estudio de Monet: Basile "estaba encantado" con la pintura, sin embargo, según Gustave Geffroy , fueron los comentarios de Courbet los que hicieron que Monet rechazara seguir trabajando en el lienzo [26 ] [48] [5] [49] . Como escribió el conde Harry Kessler en su diario , en noviembre de 1903, junto con Reisselberg , visitó el estudio del artista en Giverny, Monet dijo que, por consejo de Courbet, comenzó a rehacer vestidos de mujer y, como resultado, arruinó por completo el lienzo [50] [51] . Después de eso, para exhibir al menos algo en el Salón, Monet pintó “La mujer de verde ” en cuatro días [50] [51] (óleo sobre lienzo, 231 × 151 cm ; Galería de Arte de Bremen ) [52 ] , para el que Camilla volvió a servir de modelo . "La Mujer de Verde" fue admitida a la exposición y, junto con "El Camino a Chailly", fue exhibida en el Salón, donde fue evaluada positivamente por la crítica [54] [55] .
Al no tener tiempo con el "Desayuno" al Salón, en abril de 1866, Monet se fue con Camille a una pequeña casa cerca de Ville d'Avray , escribiendo a Armand Gauthier sobre su decisión de "dejar de lado por un tiempo todos los grandes cosas que solo comieran todo mi dinero me pondrían en dificultades” [56] [57] [5] . Poco antes de la inauguración del Salón de París, Monet dejó de trabajar en un lienzo casi terminado, sin mostrarlo ni al jurado ni al público [58] [5] [6] . Se anunció que temía el rechazo, pero el jurado del Salón de 1866 fue lo suficientemente liberal como para aceptar sus participaciones arriesgadas. Sin embargo, en este caso, la imagen se convertiría ciertamente en el blanco de la mayoría de los críticos, aunque se convertiría en un "manifiesto al aire libre": combinar todas las ambiciones de Courbet y Manet, pero sin tintes sexuales ni notaciones políticas y sociales [59] . Monet comenzó entonces a pintar para el próximo Salón, resumiendo en él lo que había aprendido mientras trabajaba en Desayuno, mientras que al mismo tiempo abandonaba la gran escala, los contrastes agudos y transfirió bocetos al aire libre a lienzo en el estudio [60] . El resultado fue " Mujeres en el jardín " (óleo sobre lienzo, 255 × 205 cm ; Musée d'Orsay ) [61] , en el que Monet, al igual que en "El desayuno", representó los efectos cambiantes de la luz natural que le gustaba tanto [3] , y además de esto, y los mismos vestidos de mujer [4] . Aquí Camila ya ha posado para tres figuras femeninas, por lo que sus rostros no pueden compararse con retratos reales [62] . Es de destacar que Monet creó todo el cuadro en la naturaleza, para lo cual cavó una zanja en el suelo y gradualmente, a medida que el lienzo se llenaba, lo bajó al pozo para pintar todas las partes desde un solo ángulo [63] [60] . A pesar de las ambiciones de Monet, su cuadro "Mujeres en un jardín" fue rechazado por el jurado del Salón de 1867 en nombre de "salvar el arte" de "esta repugnante tendencia" [62] .
La pintura (versión más pequeña) está en óleo sobre lienzo y mide 130 x 181 cm [6] [64] . Firmado y fechado en negro abajo a la izquierda: " Claude Monet 66 " [65] [66] .
El lienzo de cuerpo entero representa 12 figuras de personas completamente vestidas disfrutando de un día soleado al borde de un bosque iluminado por el sol en una puesta en escena bastante teatral, cuyo fondo es un paisaje natural [10] [11] [3] [45] . Los rostros de la mayoría de los hombres están apartados del espectador, y dos damas están representadas de espaldas, lo que permite examinar los pliegues de sus vestidos multicolores, verdes y amarillos [11] [36] . A diferencia de las pinturas de estilo clásico en el lienzo de Monet, las personas están completamente ocupadas con su conversación y no entran en contacto con el espectador de ninguna manera, yacen en el suelo o se apoyan en los árboles [11] [12] . Uno de ellos muestra un corazón tallado, que simboliza el amor de Camille y Monet, que tuvo que ocultar de la condena de los familiares, como lo demuestra el hombre sentado detrás de un árbol, en el que el artista probablemente sacó a relucir a su propio padre espiando a su amado [4] . El artista realizó los lienzos de sus amigos reunidos en un picnic los personajes principales, mientras que no le interesaba pintar detalles cotidianos, sino captar con un trazo libre el juego de los reflejos de la luz del sol sobre el follaje, vestidos de damas, un mantel tendido sobre la hierba [4] [6] .
Se representa un día claro, brillante, algo fresco, de verano o primavera. El cielo azul-azul parpadea a través del follaje verde brillante. Los rayos del sol se abren paso en algunos lugares. Una numerosa sociedad se instaló bajo los árboles: hombres con chaquetas de terciopelo y pantalones grises típicos de la época, damas con los más anchos miriñaques . Unos se paran a charlar, otros caminan, otros se sientan a comer o se tumban en la hierba. En medio de estos grupos hay un mantel deslumbrante, blanco como la nieve, colocado directamente en el suelo, y el cristal brilla y brilla sobre él, los platos se vuelven tentadoramente amarillos y las botellas sobresalen con manchas oscuras y sabrosas. Huele a hierba y árboles, fresco, ligero y alegre.Alejandro Benois , 1900 [67] .
La imagen de la naturaleza, la luz natural visible en el cabello y los hombros de las personas, la difuminación del color en las hojas de los árboles cuidadosamente trazadas: todo esto se caracteriza por una técnica impresionista que se desarrolló fuertemente en el trabajo de Monet y se convirtió en su principal estilo artístico [68] [4] [12] . Actualmente, los críticos evalúan la pintura como la obra maestra de Monet y su debut en el impresionismo, marcado por una verdadera revolución en la historia del arte [69] [70] . Prueba de ello es el uso activo del negro por parte del artista en este cuadro, que los impresionistas abandonaron posteriormente, creyendo que no existe en su forma pura en la naturaleza y que puede transmitirse de forma más natural mediante reflejos de otros colores, como en el mencionado "Mujeres en el jardín" [4] .
Monet se convirtió en un reconocido maestro del impresionismo, a pesar de un fracaso creativo con "Desayuno sobre la hierba" [69] , una pintura simbólica de su época, que estaba destinada a un destino trágico [71] . En noviembre de 1920, el duque de Treviso se acercó al artista en Giverny con motivo de su 80 cumpleaños , durante conversaciones con las que Monet mostró muchas de sus obras, entre ellas Nenúfares [72] , así como la parte central de Luncheon on the Grass, por primera vez después de 50 años desde la creación del cuadro [73] . Posteriormente, basándose en conversaciones con Monet, el duque de Treviso publicó un ensayo detallado "Peregrinación a Giverny", ilustrado por el fotógrafo Pierre Shumoff [74] . Se conoce una fotografía en la que el artista y el duque aparecen de pie en el "Desayuno" del estudio [75] [76] . Fue entonces cuando Monet le contó lo sucedido con el cuadro [46] : “Esta obra es muy importante para mí, tan incompleta y desfigurada; Tuve que pagar el alquiler, se lo di en prenda al dueño que lo guardaba en su sótano, y cuando por fin pude recogerlo, vi que había llegado a enmohecerse” [77] .
Así, en junio de 1874, Monet alquiló una casa en Argenteuil por 1400 francos al año al carpintero Alexander-Adonis Flamen y se mudó allí con su familia en octubre [78] [79] . En enero de 1878, Flamin dejó El desayuno como garantía de los atrasos de Monet, y durante los siguientes seis años el lienzo permaneció enrollado en el sótano [80] [81] . Tiempo después, Monet entabla correspondencia con Flamen en relación con la devolución del cuadro, para lo cual en marzo de 1884 pide en préstamo a su marchante Durand-Ruel [80] [82] . En el mismo año, el artista recuperó el lienzo y lo cortó en tres partes [5] [6] [44] . El fragmento derecho se pudrió por la humedad y se perdió para siempre, mientras que las dos únicas partes conservadas izquierda ( 4,18 × 1,5 m ) y media ( 2,487 × 2,18 m ) han llegado hasta nuestros días [20] [5] [83] [84 ] [85] [86] [45] . Después de Monet, ambas obras fueron con su hijo Michel [83] [84] . La parte izquierda se mantuvo en una colección privada durante algún tiempo y, desde 1931, en posesión de Georges Wildenstein . En 1957 donó el cuadro al Estado, tras lo cual fue cedido al Louvre y expuesto en el Jeu de Paume hasta 1986, cuando fue trasladado al Musée d'Orsay [83] [85] . En la década de 1920, probablemente después de la muerte de Monet, se cortó del medio a la derecha una tira con los hombros y la cabeza de una mujer con un vestido a rayas [46] . La parte central estuvo en la colección de Miran Eknayan [20] [87] hasta que fue aceptada por el estado como pago del impuesto de sucesiones y en 1987 atribuida al Musée d'Orsay, reunida con el lado izquierdo [84] [86] .
| Vista aproximada del cuadro "Desayuno sobre la hierba": los fragmentos supervivientes izquierdo y medio en comparación con las partes perdidas del lienzo [88] [89] | |||
Una versión más pequeña se exhibió en la galería del comerciante de arte L. Latouche [90] en 1866-1867 . Durante algún tiempo, la pintura estuvo en la colección del cantante de ópera Jean-Baptiste Faure [39] [90] [91] . Fue expuesta en la exposición de obras de Monet en la Galería Durand-Ruel , celebrada del 22 de noviembre al 15 de diciembre de 1900 [92] . Allí, habiendo llegado a la Exposición Universal , el cuadro fue visto por el crítico Alexandre Benois , quien lo calificó como "quizás la obra más brillante de Monet" y "una de las más bellas de todo el siglo XX" [93] [94 ] [95] . Entonces, escribió en la revista "World of Art" [67] :
Es triste darse cuenta de que todos los museos de arte contemporáneo, rusos y extranjeros, no son más que semilleros de arte académico muerto o de eclecticismo repugnante. Uno no puede ni soñar que un cuadro como este “Déjeuner sous bois” de Cl. Monet, fue adquirida por San Petersburgo o Moscú. Algún día tales pinturas serán adquiridas, algún día la historia que se teje detrás de la vida las elevará a la categoría de obras clásicas, pero entonces será demasiado tarde, no tendrán un efecto beneficioso en las generaciones más jóvenes que han ido en una dirección completamente diferente. , pero colgarán junto a ellos Rembrandt y Tiziano para deleite de turistas y copistas mediocres. Mientras tanto, una de esas imágenes ahora podría tener una influencia infinitamente más profunda y beneficiosa en el desarrollo de nuestros artistas que esos miles de feos lienzos que llenan nuestros museos nacionales. La pintura de Monet es todavía bastante moderna; es fresco, brillante y convincente, y contiene más orientación y consejos para el artista que todas las academias juntas.
Unos años más tarde, el reproche de Benoit fue desmentido [95] . La pintura fue comprada personalmente a Monet por el comerciante y filántropo moscovita Sergei Shchukin , quien coleccionó activamente las obras de los impresionistas, que aún eran incomprensibles para el público, y las exhibió públicamente en la casa Trubetskoy [96] [97] [ 98] . Compró la obra en noviembre de 1904 [99] [100] , cediendo por ella 30 mil francos a través del marchante Paul Cassirer [90] [91] . Así, Shchukin se convirtió en propietario de trece cuadros de Monet [99] [101] , cerrando prácticamente el tema de coleccionar a los impresionistas para sí mismo [100] . Uno de los que vio el "Desayuno" de Shchukin fue el crítico Yakov Tugendhold , quien dedicó un artículo detallado a su colección [102] .
La colección de Shchukin, incluso antes de su emigración a Alemania en agosto de 1918, fue nacionalizada de acuerdo con el decreto del Consejo de Comisarios del Pueblo de la RSFSR del 11 de mayo de 1918 "Sobre la nacionalización de la Galería de Arte de Shchukin" firmado por Lenin [103] y trasladado por completo al recién creado Museo Estatal del Nuevo Arte del Oeste . En la década de 1930, algunas obras se vendieron en el extranjero, y en 1948, después de la liquidación del museo de conformidad con el Decreto del Consejo de Ministros de la URSS No. 672 del 6 de marzo de 1948 "Sobre la liquidación del Museo Estatal de New Western Art" firmado por la colección de Stalin el Museo Estatal del Hermitage y el Museo Estatal de Bellas Artes de Pushkin , donde terminó "Desayuno sobre la hierba" [64] [105] [96] [97] [106] [ 107] [98] . Actualmente, el cuadro con el número J-3307 se encuentra en la galería de arte europeo y americano de los siglos XIX-XX [6] .
En el marco del año del turismo cultural Rusia-Francia del 22 de octubre de 2016 al 20 de febrero de 2017, se exhibió en la " Fundación Louis Vuitton " la pintura de Monet entre las obras de Gauguin , Picasso y Matisse de la colección Shchukin. en París en la exposición " Obras Maestras del Arte Contemporáneo " bajo la curaduría de Anna Baldassari en colaboración con el Ministro de Cultura de Rusia, Vladimir Medinsky , directora del Museo Estatal de Bellas Artes de Pushkin, Marina Loshak , directora del Museo Estatal del Hermitage, Mikhail Piotrovsky y director de la Galería Estatal Tretyakov Zelfira Tregulova [69] [97] [108] [109] . El día de la inauguración, la exposición fue visitada por el presidente francés François Hollande [110] , mientras que la visita prevista del presidente ruso Vladimir Putin se pospuso debido a diferencias políticas en relación con las guerras en Siria y Ucrania [111] [112] . Al mes siguiente, Putin recibió al jefe de Louis Vuitton , Bernard Arnault , en el Kremlin , agradeciéndole “la exposición que organizó en París” [113] [114] [115] [116] .
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